Sorry, Nickelback: Das sind die 50 besten kanadischen Musiker
Von Bryan Adams über Joni Mitchell bis Leonard Cohen: Das sind die 50 größten Musiker Kanadas.
40 k.d. lang
Nur wenige Sängerinnen sind so chamäleonartig und beiläufig extravagant wie die in Alberta geborene k.d. lang. Lang, die behauptet, die Reinkarnation von Patsy Cline zu sein, füllte ihre frühen Werke mit einer berauschenden Mischung aus klassischem Country und Camp-Theatralik. Sie bewies ihre Nashville-Tauglichkeit mit „Shadowland“ aus dem Jahr 1988 und entfremdete dann den Mainstream in Nashville, indem sie sich zuerst gegen Fleisch aussprach und dann einfach ihr Coming-out hatte. Aber statt ein Karrierehindernis zu sein, verstärkte langs Individualismus ihre Pop-Appeal – das und die Tatsache, dass sie so ziemlich alles singen konnte, von schäumenden Pop-Kreationen wie „Constant Craving“ bis hin zu Jazz-Standards mit Tony Bennett. — J.D.C.
39 PartyNextDoor
Aus dem Molly-gedrängten Dunst der frühen 2010er-Jahre in Toronto hervorgegangen, verkörpert PartyNextDoor eine vertraute Figur in seinen ersten Veröffentlichungen: einen gebrochenen Herzensbrecher, der in Apartmentkomplexen und Nachtclubs zu Vampirzeiten auf der Suche nach jeder Stimulation ist, die den Schmerz – oder zumindest die Entzugserscheinungen – lindert. Der Unterschied ist, dass PartyNextDoor einer der Architekten dieses Stils war. Geboren als Jahron Brathwaite, hatte er mit 18 Jahren einen Songwriting-Vertrag und etablierte eine Präsenz hinter den Kulissen während Drakes imperialer Ära und einer Handvoll der besten Tracks auf Rihannas „Anti“. Er ist in diesen Kontexten am besten, aber seine Solo-LPs bieten Raum für seine umfangreichsten Produktionen, die mit traumhaften EDM-Elementen und halb erinnerten Inselrhythmen gefüllt sind. — C.P.
38 D.O.A.
Als die erste Welle des Punk anfing zu verpuffen, brachen D.O.A. aus Vancouver hervor, spielten schneller als die Sex Pistols und die Ramones zusammen und spuckten mit demselben Verachtung für die Gesellschaft wie gleichgesinnte L.A.-Hardcore-Bands wie Black Flag und die Germs. Wo sie sich jedoch unterschieden, war in den Aufrufen von Frontmann Joey Shithead zu sozialem Wandel, was ihr Album „Hardcore 81“ von denen ihrer Kollegen abhob; eines ihrer Mottos war „Talk Minus Action Equals Zero“. Ihre Musik beeinflusste alle von Guns N’ Roses über Green Day bis hin zu Pearl Jam, und ihre DIY-Van-Touren inspirierten Black Flag und Minor Threat dazu, sich auf den Weg zu machen. Schlagzeuger Chuck Biscuits trat später Danzig bei, während Shithead wenig überraschend in die Politik ging (während er D.O.A. weiterführte). — K.G.
37 Alessia Cara
Die aus Brampton stammende Alessia Cara – die erste Kanadierin, die den Grammy für den besten neuen Künstler gewann – machte mit ihrer Debütsingle „Here“ einen großen Eindruck, einem Wallflower-Kapitel, das ein Sample von Isaac Hayes‘ „Ike’s Rap II“ in einen stürmischen Soundtrack für jugendliche Entfremdung verwandelte. Ihr süß-säuerliches Alt war ein idealer Gegenpart für Popsavants der 2010er-Jahre wie Zedd und Troye Sivan, während ihre Präsenz auf Logics Anti-Selbstmord-Hit „1-800-273-8255“ von 2017 – in dem sie die einfühlsame Telefonistin spielte, die Logics verzweifelten Anruf entgegennahm – ihren Status als Pop-Heldin für alle, die sich zurückgelassen fühlten, festigte. Cara hat diese Verantwortung sowohl in ihrer gefühlvollen Musik als auch in ihrem Aktivismus außerhalb der Bühne ernst genommen. — M.J.
36 Broken Social Scene
Broken Social Scene, entstanden aus einer Zusammenarbeit zwischen Kevin Drew und Brendan Canning im Jahr 1999, half mit ihrem Ansatz der offenen Tür, eine neue Generation bedeutender Künstler aus Toronto hervorzuheben. Das Kollektiv umfasst Feist und Mitglieder von Stars und Metric und hebt all ihre individuellen Projekte hervor. BSS hat kürzlich sogar Cameos von Meryl Streep und Tracey Ullman enthalten. Die Band tourt anlässlich des 20-jährigen Jubiläums ihres bahnbrechenden zweiten Albums „You Forgot It in People“ – und ihre Musik hat sich in den letzten zwei Jahrzehnten bewährt. Der Album-Hit „Anthems for a Seventeen-Year-Old Girl“ bleibt ein geliebtes Indie-Rock-Stück (und das Zentrum von Memes); die unvergessliche Zeile „Park that car, drop that phone, sleep on the floor, dream about me“ hallt für eine neue Generation nach. — A.L.
35 Nelly Furtado
Im Jahr 2000 brach diese in Victoria geborene Sängerin und Songwriterin mit „I’m Like a Bird“ durch, einer von Bedauern durchzogenen Hymne für die befreite Frau. Während dieser klingende Track sehr im Einklang mit den Pop-Trends der frühen 2000er-Jahre stand, bewies Nelly Furtado im Laufe der Jahre, dass sie so frei von Genre-Konventionen war, wie „Bird“ vermuten lässt. Sie trat 2002 auf Tracks des Hip-Hop-Kollektivs Jurassic 5 und des DJs Paul Oakenfold auf, und 2003 veröffentlichte sie „Folklore“, das ihre portugiesischen Wurzeln berührte; „Loose“, veröffentlicht 2006, war ein zukunftsweisendes Dance-Pop-Album, produziert von Timbaland, und Furtados Sample gab beatlastigen Stücken wie dem sehnsüchtigen „Say It Right“ und dem frechen „Promiscuous“ eine besondere Note. „The Ride“ von 2017 vereinigte diese früheren Klänge zu einer eleganten, eingängigen Sammlung, die sie als ihr „Hangover-Album“ bezeichnete. — M.J.
34 Anne Murray
Bevor es Shania Twain gab, gab es Anne Murray, die in den frühen 70er-Jahren von Country zu Pop überging und zu einem der größten Stars des Adult Contemporary Radios wurde. Geboren in Nova Scotia, erlangte sie nationale Aufmerksamkeit in Kanada durch das CBC Television, aber es war der Millionenseller „Snowbird“ (1970), der ihren Namen in den USA bekannt machte. Trotz des anhaltenden Erfolgs in den amerikanischen Charts in den 70er- und 80er-Jahren (insbesondere die Ballade „You Needed Me“ von 1978, die die Charts anführte), blieb Murray in Kanada ansässig. Ihr letztes Album war eine Sammlung von Duetten mit Künstlern wie Celine Dion und Nelly Furtado, und sie zog sich nach einem Abschiedskonzert 2008 offiziell aus der Musik zurück. — J.D.C.
33 Richie Hawtin
Richie Hawtin zog als Kind von Großbritannien nach Windsor, Ontario, und war ein Computerfreak, der sich in die Techno-Szene im nahegelegenen Detroit verliebte, als DJ arbeitete und schließlich Platten auf seinem Label Plus 8 veröffentlichte. Hawtin kombinierte einen minimalistischen Ansatz zur Musik mit einem klugen Marketing-Sinn, um seine Plastikman-Veröffentlichungen zu internationalen Erfolgen zu machen. Hawtins Musik kann bedrohlich und spartanisch sein, aber Tracks wie sein neunminütiger Klassiker „Spastik“ von 1993 haben eine rohe, pulsierende, aus dem Gleichgewicht geratene Energie. „Ich erinnere mich, als ‚Spastik’ herauskam, sagten die Leute: ‚Es sind verdammt noch mal nur Snare-Drums.’ Und dann fanden andere, es sei das Beste, was sie je gehört hätten“, sagte er Jahre später über den Track. Seine Ausflüge in tiefere Abstraktionen (wie das ätherischere „Consumed“ von 1998) waren ebenso polarisierend, aber es gibt kein Leugnen der subtilen, fast subliminalen Anziehungskraft seiner Musik. — J.D.
32 Loverboy
Spandex existierte lange bevor Loverboy es tat, aber es bedurfte dieser Arena-Rock-Pin-up-Boys der 80er-Jahre, um es zu perfektionieren. Die Calgary-Stars wussten, wie man einen roten Lederanzug und ein mega-kitschiges Gitarrenriff mit den hochgepitchten Sex-Moans von Sänger Mike Reno kombinierte. Sie gewannen ein riesiges Publikum, das aus Mädchen bestand, die Stirnbänder und Beinwärmer trugen. Loverboy rockte unzählige Abschlussbälle mit Knallern wie „Working for the Weekend“ und „Lady of the 80’s“, aber ihr genialer Moment war „Hot Girls in Love“ aus dem heißen Mädchen-Sommer 1983. „Wir ziehen nicht unsere Hosen runter wie Jim Morrison“, erklärte Gitarrist Paul Dean gegenüber Rolling Stone. Er erklärte ihre Musik, indem er sagte: „Es ist wie ein Bier-Werbespot.“ Rivalisierende Bands waren neidisch auf die Fangirl-Liebe – der Sänger von Quiet
31 Godspeed You! Black Emperor
Angesichts abstrakter Klanglandschaften, langer, sich langsam verändernder Drones und wiederkehrender Feedback-Gitarrenwolken sind Godspeed You! Black Emperor kaum die kommerziellste Rockgruppe, die aus Montreal hervorgegangen ist, aber das ist irgendwie der Punkt. Laut ihrem Label, Constellation Records, lehnt die Gruppe jede Art von Selbstpromotion ab, bis hin zur Vermeidung von Musikvideos und sozialen Medien, und sieht ihre langen Instrumentalstücke als Protestmusik, „Soundtracks zur Spätkapitalistischen Entfremdung und Widerstand“. 2013 gewannen GY!BE den Polaris Music Prize für das Album „ALLELUJAH! DON’T BEND! ASCEND!“. Als Reaktion darauf beklagte die Gruppe, dass die von Unternehmen gesponserte Polaris-Gala „faule Geldgeber sei, die sich selbst auf die Schulter klopfen“. — J.D.C.
