Sorry, Nickelback: Das sind die 50 besten kanadischen Musiker
Von Bryan Adams über Joni Mitchell bis Leonard Cohen: Das sind die 50 größten Musiker Kanadas.
Kanada hat etwa ein Zehntel der Bevölkerung der Vereinigten Staaten, was seinen übergroßen Einfluss auf die Geschichte der Musik umso unglaublicher macht (hervorragende Kunstbildung, eh?). Die Statistiken hier sind erstaunlich. Drei der fünf oder so größten Songwriter, die jemals gelebt haben, kommen aus Kanada, ebenso wie die beliebteste Prog-Rock-Band, die bedeutendste Country-Sängerin der Neunziger, der größte Hip-Hop-Künstler der letzten 20 Jahre und der Inbegriff des R&B-Stars unserer Ära. Und das beste Americana-Roots-Rock-Band aller Zeiten? Sie haben es erraten: Kanadisch! (Nun, zu vier Fünfteln zumindest.)
Zu Ehren des Kanada-Tages hier ist die CanCon, die unsere Freunde im Großen Weißen Norden verdienen: die endgültige ROLLING-STONE-Übersicht der größten kanadischen Künstler in der Geschichte der Popmusik. Sind hier alle bedeutenden kanadischen Musiker vertreten? Nein. Die 50, die wir am meisten mögen, sind es jedoch. Bitte erlauben Sie uns also, unseren aufrichtigen und respektvollen Beileid an die Mitglieder und Fans der Cowboy Junkies, DeadMau5, Bruce Cockburn, Skinny Puppy, Pointed Sticks, Voivod, Bran Van 300, Buck 65, Chilliwack, Weakerthans, Toronto und viele andere sehr würdige Acts im Voraus auszusprechen. Es gibt da draußen eine Menge Kanada.
50 Snow
Wenn Snow nichts anderes getan hätte, als ein von Reggae beeinflusster kanadischer Rapper namens Snow zu sein, hätte dies ausgereicht, um sein historisches Erbe zu festigen. Der irisch-kanadische Junge aus Toronto, der über seine jamaikanischen Einwanderer-Nachbarn zum Reggae kam, nahm den außergewöhnlich brillanten Künstlernamen Darrin O’Brien an und veröffentlichte 1992 sein Debütalbum „12 Inches of Snow“. Als das Album veröffentlicht wurde, saß er wegen seiner Beteiligung an einer Schlägerei im Gefängnis, aber als er entlassen wurde, war sein wunderbarer One-Hit-Wonder „Informer“ ein massiver, wenn auch etwas unwahrscheinlicher weltweiter Hit. Ein lustiger Hip-Hop/Reggae-Jam, der perfekt zur lässigen, eklektischen Atmosphäre der 90er-Jahre passt und dessen kulturübergreifendes Erbe stark bleibt. 2019 brachte der Reggaeton-König Daddy Yankee Snow für „Con Calma“, einen „Informer“-angehauchten Hit, der für einen Latin Grammy nominiert wurde. — J.D.
49 Martha and the Muffins
Martha and the Muffins stürmten aus Torontos New-Wave-Szene mit ihrem klassischen Club-Hit „Echo Beach“ aus dem Jahr 1980. Martha Johnson singt mit der Stimme einer Büroangestellten, die sich in ihrem 9-5-Job langweilt und von einer romantischen Strandflucht träumt, über hektische Gitarren-/Synthesizer-Klänge. Diese Muffins hatten weitere ausgezeichnete Hits mit extremen New-Wave-Titeln: „Women Around the World at Work“, „Several Styles of Blonde Girls Dancing“ und die Hymne „Be Blasé“. Ihr bester Moment kam jedoch 1984, als sie ihren Namen in M+M änderten und mit der 12-Zoll-Bombe „Black Stations/White Stations“ einen vorausschauenden Angriff auf die Segregation im Radio der 80er-Jahre starteten, begleitet vom Party-Slogan: „Black stations, white stations, get on the floor/Stand up and face the music, this is 1984!“ Sie waren ihrer Zeit so weit voraus. — R.S.
48 Terri Clark
Die hochgeschätzte Ära der Country-Musik der 90er-Jahre wäre ohne die Beiträge von Terri Clark nicht dieselbe gewesen. Die in Alberta geborene Sängerin begann ihre Karriere 1987, indem sie für Trinkgelder (und eine Pauschale von 15 US-Dollar) in der berühmten Honky-Tonk-Bar Tootsie’s Orchid Lounge in Nashville auftrat und nur wenige Jahre später mit ihrer Debütsingle „Better Things to Do“ aus dem Jahr 1995 die Top Drei erreichte. Mit einer kraftvollen Stimme und einem Cowgirl-Charme war Clark eine rauere Gegenfigur zu den Vixen der 90er-Jahre wie Shania Twain und Faith Hill – mutig genug, Warren Zevons „Poor Poor Pitiful Me“ zu covern und, wie Linda Ronstadt vor ihr, daraus einen Hit zu machen. Sie setzte ihren Schwung in den 2000er-Jahren mit Radio-Hits wie „I Wanna Do It All“ und „Girls Lie Too“ fort. Es gibt einen guten Grund, warum Reba sie kürzlich als Vorgruppe für ihre Tour ausgewählt hat: Clark ist großartig. — J.H.
47 April Wine
Die wegweisenden Arena-Rocker April Wine zogen Anfang der 70er-Jahre von Halifax nach Montreal und verbrachten den Rest des Jahrzehnts damit, eingängige, mittlere Rock-Hits zu produzieren, die zwischen sentimentalen, von Keyboards versüßten Liebesliedern und energiegeladenen, gitarrenlastigen Liebesliedern wechselten. Die Band erzielte eine Reihe von Ersten – ihr viertes Album, „Stand Back“, war das erste kanadische Album, das 100.000 Einheiten verkaufte; sie waren auch die erste kanadische Band, die mit einer einzigen Tournee 1 Million US-Dollar einnahm – aber von den 10 Juno-Nominierungen, die die Band erhielt, gab es keinen einzigen Gewinner. Wie Sänger Myles Goodwyn später zugab: „Ich habe so viel gottlosen Mist geschrieben, dass es lächerlich ist.“ — J.D.C.
46 Daniel Caesar
Die Cover der LPs von Daniel Caesar sind ein hilfreicher Rahmen, um die Musik des Torontonianers zu verstehen. 2017 zeigt „Freudian“ Caesar, wie er an der Seite eines Denkmals emporsteigt; auf „Case Study 01“ von 2019 und dem diesjährigen „Never Enough“ ist er verschwommen, in Bewegung, aber unbeeindruckt. Seine Musik kann, wenn sie sich konzentriert, fesselnd sein und Grammy-Nominierungen für langsam aufblühende Liebeslieder wie „Best Part“ und „Get You“ einbringen. Aber diese Momente sind Ruhepunkte für einen Musiker, dessen Musik von Beziehung zu Beziehung, von Ort zu Ort, von Stimmung zu Stimmung zu wandern scheint. Wie diese Albumcover erfasst seine Musik ihn in einem Zustand des Suchens. — C.P.
45 Barenaked Ladies
Aus Scarborough stammend, derselben Torontoer Vorstadt, die der Welt Mike Myers schenkte, traten die Barenaked Ladies in den frühen 90ern als eingängige, selbstironische Alternative zum College-Rock-Cool auf. Als eine Mischung aus Lennon und McCartney und Doug und Bob McKenzie parodierten die Frontmänner Steven Page und Ed Robertson Pop-Song-Klischees, während sie sie stillschweigend umarmten. Dieser Ansatz erreichte seinen Höhepunkt mit dem Ohrwurm „One Week“ aus dem Jahr 1998. Die beiden zerstritten sich in den 2000ern aufgrund von Tantiemenstreitigkeiten über das Titellied von „The Big Bang Theory“ und Pages Festnahme wegen Kokainbesitzes im Jahr 2008. Page verließ die Band 2009, kehrte jedoch für eine „einmalige“ Wiedervereinigung bei den Juno Awards 2018 zurück. — J.D.C.
44 Death From Above 1979
Auf dem Höhepunkt der Disco-Punk-Renaissance der frühen 2000er-Jahre stürmten Death From Above 1979 aus Toronto mit einer besonders lauten Interpretation des Genres, da das Line-up nur aus einem Schlagzeuger und einem Bassisten-Sänger bestand, der Gitarrenverzerrung verwendete. Ihr Album „You’re a Woman, I’m a Machine“ aus dem Jahr 2004 zeigte eine Illustration des Duos mit Elefantenrüsseln statt Nasen auf dem Cover, und die Musik fühlte sich an wie eine Elefanten-Party. Sie trennten sich einige Jahre später, und Bassist-Sänger Jesse F. Keeler gründete die elektroorientierte Band MSTRKRFT. Er vereinte sich 2011 mit Schlagzeuger Sebastian Grainger wieder und teilt nun seine Aufgaben zwischen MSTRKRFT und DFA79 auf drei Reunion-Alben auf. — K.G.
43 Sum 41
Sum 41, die 1996 während eines Sommerurlaubs in der High School gegründet wurden, erzielten mit dem rock-rapoiden Ohrwurm „Fat Lip“ aus dem Jahr 2001 großen Erfolg und erlebten während eines Jahrzehnts weitere Radio- und MTV-Erfolge. Die Band aus Ajax, Ontario, die im Mai nach 27 Jahren ihre Auflösung ankündigte, lehnte oft das Punk-Label ab und das aus gutem Grund; auf späteren Platten erweiterten sie die Grundbausteine des Punk mit Klavierakzenten und Prog-Rock-Ambitionen, während ihre massiven Riffs eindeutig das Ergebnis eines intensiven Studiums der stadionerschütternden Klanglandschaft des Metal waren. — M.J.
42 Peaches
Mit einer Mischung aus der Haltung des Punk und den harten Beats des 21. Jahrhunderts und einer Vorlesung über Gender-Theorie hat Peaches aus Toronto ein sich ständig weiterentwickelndes Kunstprojekt geschaffen, das sowohl konfrontativ als auch eingängig ist. „Fuck the Pain Away“, die Single aus dem Jahr 2000, die L’Trimm für das Electroclash-Zeitalter aktualisierte, bleibt auch zwei Jahrzehnte nach ihrer Veröffentlichung ein aufsehenerregender Track, dank Peaches’ frechem Vortrag und dem ständigen Billig-Synth-Beat. Sie hat ihre sex-positive, humorvolle feministische Marke in TV-Shows wie „Orphan Black“ und auf Platten von Christina Aguilera und P!nk eingebracht und die Popmusik auf ihre eigene Weise vorangebracht. — M.J.
41 Metric
Während Mitglieder von Metric sowohl in Kanada als auch in den USA gelebt haben, ist Toronto ihre Basis und ein Teil der Band-DNA. Emily Haines und James Shaw trafen sich in dieser Stadt und gründeten die Band vor mehr als zwei Jahrzehnten. Mehrere ihrer acht Studioalben wurden in Shaws Giant Studios in Toronto aufgenommen. Sie sind auch Teil des musikalischen Kollektivs Broken Social Scene (Haines übernimmt die Führung beim geliebten Indie-Klassiker „Anthems for a Seventeen-Year-Old Girl“). Gemeinsam mit Joshua Winstead und Joules Scott-Key hat ihre von New Wave beeinflusste Musik – wie das antreibende „Gold Guns Girls“ und „Black Sheep“ – ihnen Juno Awards eingebracht und Soundtracks bereichert. Im Mittelpunkt ihres Sounds steht Haines’ vielseitiger Gesang, der von ätherisch und sinnlich bis hin zu kraftvoll reicht und die von ihr für Metric, andere Künstler und ihre eigenen Soloarbeiten geschriebenen Texte verstärkt. — A.L.
