ROLLING STONE hat gewählt: Die 250 besten Gitarristen aller Zeiten
Die neue Liste der besten Gitarristinnen und Gitarristen – erweitert auf 250 Positionen
Key Tracks: „Dust My Broom“, „The Sky Is Crying“‚ caption=“]
49 PJ Harvey
"Ich denke oft an die Zeit zurück, als ich zum ersten Mal eine Gitarre bekam, als ich 16 oder 17 war", sagte Polly Jean Harvey Anfang dieses Jahres dem New Yorker. "Davor hatte ich viele Worte geschrieben. Als ich merkte, dass ich Worte mit Musik verbinden konnte, fühlte ich mich wie ein Tor, das sich öffnete, wie eine Freude." Diese Freude an der Schöpfung war auf PJ Harveys bahnbrechenden frühen Platten wie Dry und Rid of Me zu spüren, auf denen sie ihre Gitarre wie eine gezackte Waffe einsetzte; drei Jahrzehnte später ist ihr Spiel flüssiger geworden, aber nicht weniger gefühlvoll, und sie entlockt dem Instrument neue Klänge. "Ich habe wirklich kein Interesse daran, einfach etwas zu machen, was ich schon einmal gemacht habe", sagt sie. "Was mich reizt, ist etwas zu entdecken, das ich noch nirgendwo gehört habe." -M.J.
Key Tracks: "Missed", "Autumn Term"
48 Curtis Mayfield
Der verstorbene Curtis Mayfield war einer der besten amerikanischen Soul-Sänger, Songschreiber und Produzenten. Er war auch ein einflussreicher Gitarrist, dessen sanft fließende Melodien und Fills, die sich durch Platten wie "Gypsy Woman" von The Impressions zogen, einen tiefen Eindruck bei Jimi Hendrix hinterließen, vor allem bei dessen psychedelischen Balladen. "In den Sechzigern wollte jeder Gitarrist so spielen wie Curtis", so George Clinton. In den siebziger Jahren erfand Mayfield sein Spiel für eine Solokarriere neu und baute seine neue Musik um die flackernden Funk-Rhythmen und die sparsamen, gestischen, Wah-Wah-beeinflussten Lead-Parts auf, die auf seinem Superfly-Soundtrack und in Hits wie Move on Up" zu hören waren. Seine flüssigen Akkordfolgen waren für andere Musiker schwer zu imitieren, was zum Teil daran lag, dass Mayfield fast ausschließlich in einer offenen Fis-Stimmung spielte. "Da ich Autodidakt bin, habe ich sie nie geändert", sagte er. "Das hat mich immer stolz gemacht, denn egal wie gut ein Gitarrist war, wenn er meine Axt in die Hand nahm, konnte er sie nicht spielen." -D.W.
Key Tracks: "Gypsy Woman", "Move on Up", "Freddie’s Dead"
47 The Edge (U2)
Als jugendlicher Gitarrist in den siebziger Jahren studierte The Edge alles von Punk und New Wave bis hin zu Funk, Blues und R&B. Auf dem Frühwerk von U2 verschmolz er alle seine Einflüsse zu einem Ganzen, indem er Delay, Echo und Reverb einsetzte, um einen ganz eigenen Sound zu kreieren. "Ich bin kein theoretischer Musiker oder ein theoretischer Schriftsteller", sagte er 2016 dem Rolling Stone. "Ich bin ein praktischer Typ, der Musik auf eine naive Art und Weise verfolgt. Ich liebe es einfach, wenn ich von den Klängen, die gerade passieren, mitgerissen werde. Und ich lasse mich so sehr von Klängen inspirieren, dass ich ein viel besserer Gitarrist bin, wenn die Sachen gut klingen." Edge perfektionierte seinen Sound auf The Joshua Tree und begann dann in den Neunzigern praktisch von vorne, indem er schwere Krautrock- und Club-Einflüsse in seine Arbeit einfließen ließ. "Es gibt nur wenige Gitarristen, die sich allein durch Akkorde identifizieren können", sagt Joe Bonamassa. "The Edge kann das - mit einem einzigen Schlag und einem Tonfall." -A.G.
Key Tracks: "Sunday Bloody Sunday", "Where the Streets Have No Name"
46 Frank Zappa
"Als ich lernte, Gitarre zu spielen, war ich besessen von diesem Album", sagte Trey Anastasio von Phish im Jahr 2005 über Frank Zappas 1981 erschienene Sammlung komplizierter und atemberaubender Soli, Shut Up ’n’ Play Yer Guitar. "Jede Grenze, die auf der Gitarre möglich war, wurde von ihm auf eine Art und Weise untersucht, wie es andere Leute nicht taten. Als absoluter Chef seiner Bands, darunter die legendären Mothers of Invention, verschmolz Zappa Doo-Wop, Urban Blues, Big-Band-Jazz und orchestrale Moderne mit eiserner Hand. Als Gitarrist schöpfte er aus all diesen Quellen und improvisierte dann mit wütender und echter Freude. Sein Solo bei "Willie the Pimp" auf dem 1969 erschienenen Album Hot Rats ist eine ausgedehnte Studioparty mit fettiger Verzerrung, mahlendem Wah-Wah und aufgeregten Blues-Slaloms. -D.F.
Wichtige Tracks: "Willie the Pimp", "In-a-Gadda-Stravinsky"
45 Steve Cropper
Peter Buck hat Steve Cropper als "wahrscheinlich meinen Lieblingsgitarristen aller Zeiten" bezeichnet. Ich kann mich an keine Zeit erinnern, in der er wirklich ein heißes Solo gespielt hat, aber er spielt einfach perfekt". Cropper war die geheime Zutat in einigen der größten Rock- und Soul-Songs: Als Teenager hatte er seinen ersten Hit ("Last Night") mit den Mar-Keys; später verbrachte er den größten Teil der sechziger Jahre in Booker T. and the MG’s, der Hausband von Stax Records, die auf Hits von Carla Thomas, Otis Redding und Wilson Pickett spielte. Seitdem ist sein sparsames, gefühlvolles Spiel auf Platten von Dutzenden von Rock- und R&B-Künstlern zu hören, darunter auch in der Band der Blues Brothers. Man denke nur an die Einleitung von Sam and Daves "Soul Man", die explosiven gebogenen Noten in Booker T.s "Green Onions" oder die filigranen Gitarrenfills in Reddings "(Sittin’ on) The Dock of the Bay" - sie alle tragen Croppers unverkennbaren Sound, die Quintessenz der Soulgitarre. "Es ist mir egal, ob ich im Mittelpunkt stehe", sagt Cropper. "Ich bin ein Bandmitglied und war schon immer ein Bandmitglied". -D.W.
Key Tracks: "(Sittin’ on) The Dock of the Bay", "Green Onions", "Soul Man"
44 Johnny Ramone (The Ramones)
Johnny Ramone, der Vater der Punkrock-Gitarre und ein großer Einfluss auf den riffbetonten modernen Metal, ist einer der großen Anti-Helden dieses Instruments. John Cummings machte sich mit einer billigen Mosrite-Gitarre einen Namen, auf der er in einem minimalistischen Stil, der passenderweise als "Buzzsaw" bekannt wurde, rasend schnelle, abwärts gestrichene Barré-Akkorde schlug. Als reiner Rhythmusmotor spielte Ramone fast nie ein Solo, aber sein Spiel hatte die Wucht eines entgegenkommenden U-Bahn-Zuges. In einer Zeit, in der "heavy" gleichbedeutend mit "langsam" war, zeigten der primitive, metronomische Swing seiner Riffs auf "Blitzkrieg Bop" und "Judy Is a Punk" und der Trampolin-Pop-Grind von "Rockaway Beach", dass man die Dinge beschleunigen konnte, ohne auch nur ein Gramm an Kraft zu verlieren (etwas überraschend war sein eigener Gitarrenheld Jimmy Page). "Johnny war der erste Gitarrist, den ich je spielen sah, als wäre er wirklich verrückt", sagte Henry Rollins. "Und ich dachte mir: ‚Verdammt. Das ist cool.’" -W.H.
Key Tracks: "Blitzkrieg Bop", "Judy Is a Punk", "Rockaway Beach"
43 Jonny Greenwood and Ed O’Brien (Radiohead)
Vom Chunka-Chunka-Ausbruch vor dem Refrain von "Creep" bis zum hochfrequenten Quietschen im Solo von "Just" zeigte Jonny Greenwood schon früh, dass er daran interessiert war, verrückte Dinge mit seinem Instrument zu tun. Damals spielte er so aggressiv, dass er eine Handgelenkstütze tragen musste, aber es wurde ihm schnell langweilig. "Gitarre ist für mich nicht wirklich wichtig", sagte er 1997 dem Guitar Magazine. (Man stelle sich vor, das im selben Jahr zu sagen, in dem man "Paranoid Android" aufnahm.) Doch selbst als er zu einem bekannten neoklassischen Komponisten aufblühte, sorgte Greenwood immer dafür, dass auf jedem Album mindestens ein hirnzermarternder Gitarrenpart enthalten war. Ihm zur Seite stand Ed O’Brien, der vielleicht am meisten unterschätzte Gitarrist der Rockmusik. Bei jedem Radiohead-Auftritt sieht man ihn, wie er subtile Texturen hinzufügt, die jeden Song aufwerten, und die Band mit seiner fröhlichen, zu allem bereiten Art auf dem Boden hält. Man kann vielleicht nicht sein bestes Solo nennen, aber er ist aus Radiohead nicht mehr wegzudenken. -S.V.L.
Wichtigste Tracks: "Creep", "Paranoid Android", "I Might Be Wrong"
42 Vernon Reid (Living Color)
In den Achtzigerjahren waren Living Colour eine notwendige Erinnerung daran, dass schwarze Musiker genauso hart rocken konnten wie alle anderen - eine Tatsache, die besonders deutlich wurde, als die Band zu MTV-Stars wurde. Genauso wichtig war, dass Vernon Reid als Lead-Shredder der Band bewies, dass ein Gitarrist, der mit Jazz, Fusion und Funk aufgewachsen war, all diese Einflüsse in einen knallharten Rock einbringen konnte. Reid machte erstmals in den frühen Achtzigern auf sich aufmerksam, als er in der Band des Avantgarde-Schlagzeugers Ronald Shannon Jackson spielte. Sein Monster-Riffing auf Living Colour’s "Cult of Personality" zeigt nur eine Seite von Reid’s Vielseitigkeit, die auch den Speed-Metal-Freakout auf "Times Up" und wahnsinniges Schreddern auf Stücken wie "Funny Vibe" umfasst. Kein Wunder, dass jeder, von Mick Jagger bis John Zorn, ihn rekrutiert hat. Wie man auf Living Colour’s letztem Album, Shade von 2017, hören kann, verfügt Reid immer noch über ein mächtiges Arsenal an Effekten und Sounds. -D.B..
Key Tracks: "Cult of Personality", "Pride", "Funny Vibe"
41 Bo Diddley
"Es ist die Mutter aller Riffs", sagte Gitarrist Johnny Marr: der "Bo Diddley Beat", der von dem in Chicago als Ellas Otha Bates, alias Diddley, geborenen Gitarristen eingeführt wurde. Angetrieben von seiner Tremolo-Gitarre entfesselten Songs wie "Mona" und "Bo Diddley" eine superstarke Version eines westafrikanischen Grooves, der von Sklaven überliefert wurde. Nach Diddley wurde das Riff von allen übernommen, von Buddy Holly bis zu den Rolling Stones (die "Mona" 1964 coverten) und später von Garagen-Rockern und Punks, die auf seine rohe Einfachheit reagierten. "Jeder, der eine Gitarre in die Hand nahm, konnte es spielen", sagt Dan Auerbach von den Black Keys. "Wenn du einen Beat halten konntest, konntest du Bo Diddley spielen". "Sein Stil war unverschämt", sagte Keith Richards; er suggerierte, "dass die Art von Musik, die wir liebten, nicht nur aus Mississippi kam. Sie kam von irgendwo anders her." -R.T.
Wichtigste Tracks: "Bo Diddley", "Road Runner", "Who Do You Love?"
40 John Fahey
John Fahey, der 2001 im Alter von 61 Jahren starb, war der exzentrische Meister der amerikanischen Folkgitarre, ein schillernder Fingerpicker, der traditionelle Bluesformen mit den fortgeschrittenen Harmonien der modernen klassischen Musik verband und diese Schönheit mit dem Witz eines Schelms verarbeitete. "Seine Musik zeugt von einer grenzenlosen Freiheit", so der ehemalige Captain Beefheart-Gitarrist Gary Lucas. Fahey nahm klassische Alben wie The Transfiguration of Blind Joe Death (1965) und The Voice of the Turtle (1968) für sein eigenes Takoma-Label auf und war auch ein versierter Musikwissenschaftler und Gelehrter. In den Neunzigern wechselte Fahey zu einem stacheligen Minimalismus auf der E-Gitarre, der ihn zu einer Post-Punk-Ikone machte. "Von John Fahey bestätigt zu werden", sagte Thurston Moore von Sonic Youth, "war etwas ganz Besonderes für unsere Szene." -W.H.
Wichtigste Tracks: "Poor Boy", "The Yellow Princess"
39 Chet Atkins
Als Plattenmanager und Produzent erfand Chet Atkins in den sechziger Jahren den poppigen "Nashville-Sound", der die Country-Musik vor einer kommerziellen Flaute rettete. Als Gitarrist war er sogar noch erfinderischer. Er beherrschte Country-, Jazz- und klassische Stile und perfektionierte die Fähigkeit, Akkorde und Melodie gleichzeitig zu spielen, dank seines unverwechselbaren Daumen- und Drei-Finger-Pickings. "Vieles davon war Versuch und Irrtum", sagte Atkins 1976 dem Rolling Stone. "Ich hatte einfach 16 Stunden am Tag eine verdammte Gitarre in der Hand und habe ständig experimentiert." Atkins konnte sehr entspannt und zurückhaltend sein (wie man auf kultigen Aufnahmen wie Your Cheatin’ Heart" von Hank Williams, Heartbreak Hotel" von Elvis Presley und einigen frühen Hits der Everly Brothers hören kann). Aber seine eigenen, instrumentallastigen Soloalben sind eine endlose Trickkiste der Gitarre, in der sich Obertöne, Arpeggien und reine Noten mit einem brillanten, klaren Ton vermischen. "Ich glaube, er hat jeden beeinflusst, der eine Gitarre in die Hand genommen hat", sagte Duane Eddy. -R.T.
Wichtigste Tracks: "Your Cheatin’ Heart", "Wake Up Little Susie"
38 Angus Young and Malcolm Young (AC/DC)
"Thunderstruck", die 1990er Single von AC/DC, klingt wie die Mitte eines Venn-Diagramms mit Mozart auf der einen und John Lee Hooker auf der anderen Seite. Angus Young spielt das blitzschnelle, klassische Ostinato, während sein Bruder Malcolm die grunderschütternden Blues-Riffs beherrscht, die eine solide Oberfläche für AC/DCs unnachahmliches Feuer bilden. Die Kombination aus Angus’ rüpelhaftem Auftreten und Malcolms Zuverlässigkeit als Arbeiter hat die Band ebenso berühmt gemacht wie die geilen Doppeldeutigkeiten der Sänger Bon Scott und Brian Johnson. Zu jedem "Highway to Hell"- oder "Back in Black"-Riff, das Malcolm zum Besten gab, spielte Angus, ein 1,70 m großes Problemkind, das sich wie ein Schuljunge kleidete und das Publikum anpöbelte, die Art von Hochspannungssoli, die ihn sofort zum Gitarrenhelden machten. Und wenn sie ihre Kräfte bündeln, wie bei "Whole Lotta Rosie", "If You Want Blood (You’ve Got It)" und "For Those About to Rock", dann entsteht ein ganz eigener Strom. -K.G.
Schlüsseltracks: "Whole Lotta Rosie", "Back in Black", "Highway to Hell"
37 Pete Townshend (The Who)
Pete Townshend hat zwar nicht die Powerchords erfunden - Gitarrenschläge, die sich auf nur zwei Noten beschränken, den Grundton und die Quinte -, aber er hat dazu beigetragen, das moderne Gitarrenheldentum zu schaffen, indem er der Welt gezeigt hat, wie groß sie klingen können. Ein Beispiel dafür ist die Eröffnungsmelodie von "Won’t Get Fooled Again", ein Stapel von A- und E-Noten, die er auf allen sechs Saiten seines Instruments spielt. Townshend war einer der ersten, der die Rückkopplung des Verstärkers musikalisch nutzte, und seine Betonung von Riffs und Songwriting gegenüber Soli (obwohl seine Leads unterschätzt werden) machte ihn zu dem einen Gitarristen der Woodstock-Ära, den jeder Punk liebte. Aber Townshends Spiel ging weit über stumpfe Gewalt hinaus, wie sein raffinierter Einsatz von Borduntönen und Akkordumkehrungen bei "Substitute" und "Pinball Wizard" zeigte. The Who waren live immer härter als im Studio, und ihre Konzerte der Live at Leeds-Ära hatten Momente, die stark in Richtung Zeppelin, Heavy Metal, Punk und den Rest der Zukunft des Instruments wiesen. -B.H.
Schlüsseltracks: "My Generation", "I Can See for Miles", "Summertime Blues"
36 Elizabeth Cotten
Elizabeth Cottens einzigartiger Gitarrenstil und -sound ist ein Nebenprodukt ihres autodidaktischen Schaffens. Die aus North Carolina stammende Künstlerin, die einst für die musikalische Seeger-Familie arbeitete, war Linkshänderin, begann aber auf einem Instrument zu lernen, das für Rechtshänder eingerichtet war und das sie einfach umdrehte, ohne es neu zu besaiten. Diese umgekehrte Herangehensweise ermöglichte es ihr, eine rhythmische Technik zu entwickeln, bei der sich mit den Fingern gezupfte Bassnoten und mit den Daumen gegriffene Melodien abwechseln, wie in ihrer berühmten Komposition Freight Train". "Es ist einfach mein Komfort, die Art und Weise, wie ich alles mache, nicht das, was alle anderen gemacht haben", sagte sie 1981 dem San Diego Reader. "Ich konnte es nicht anders machen. Ich habe es auf die andere Art versucht und konnte kaum klimpern." Während des Folk-Revivals der 1960er Jahre wurde Cotten nach jahrzehntelanger Inaktivität wiederentdeckt und 2022 posthum als früher Einfluss in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.-J.F.
Key Tracks: "Freight Train", "Going Down the Road Feeling Bad"
35 Eric Clapton
Seit den Anfängen seiner Karriere in der britischen Blues-Rock-Szene der 1960er Jahre besaß Clapton eine einzigartige Begabung für Melodien, die seine Soli ebenso eingängig machten wie die Songs, die sie schmückten. Er war immer ein fleißiger Schüler des Blues, von Robert Johnson und Muddy Waters bis hin zu Albert King und Otis Rush, und nahm sogar ein Album mit (hauptsächlich) vor-elektrischem Repertoire mit Wynton Marsalis auf. Aber seine denkwürdigsten Aufnahmen entstanden aus Tragödien des wirklichen Lebens, von "Layla", inspiriert durch den Diebstahl der Frau (Patti Boyd) seines besten Freundes (George Harrison), bis zu "Tears in Heaven", einem Klagelied für den kleinen Sohn, der aus einem Wohnungsfenster in den Tod stürzte. Heutzutage hält niemand Clapton wirklich für einen Gott (seine COVID-Kommentare schließen eindeutig aus, dass er allwissend ist), aber das hält Gitarristen nicht davon ab, sein Spiel zu verehren. -J.D.C.
Wichtigste Tracks: "Bell Bottom Blues", "Crossroads", "White Room"
34 Jerry Garcia (Grateful Dead)
Jerry Garcia war ein Folk- und Bluegrass-Besessener, der mit 15 Jahren begann, Gitarre zu spielen. Diese Wurzeln und seine lebenslange Liebe zu Chuck Berry beflügelten seine astralen Experimente mit den Grateful Dead. Carlos Santana sagte: "Er spielte Blues, mischte ihn aber mit Bluegrass und Ravi Shankar. Er hatte Country und Spanisch dazwischen. Garcia machte jede Dead-Show zu einem anderen Trip und spielte nie zweimal dasselbe Lick, weshalb seine psychedelischen Live-Jams auch nach endlosem Zuhören noch funktionieren. "Ich betrachte Noten als Objekte, die eine Perspektive haben", sagte er einmal dem Rolling Stone. "Sie haben einen vorderen Teil und einen hinteren Teil, den Angriff und den Abgang. Für mich ist das sehr visuell. Wenn ich die Zeit hätte, würde ich alle meine Soli illustrieren". Der 27. August 1972 ist einer der großen Tage in der Geschichte der Gitarre: Garcia schwebt auf einem Feld voller sonnengebräunter Hippies in Veneta, Oregon. Er starb 1995, aber seine Gitarre leuchtet immer noch wie ein Scheinwerfer auf einem nach Norden fahrenden Zug. -R.S.
Wichtigste Tracks: "Dark Star" (2/27/69), "Bird Song" (8/27/72), "Morning Dew" (5/8/77)
33 Brian May (Queen)
Als wahrscheinlich einziger Gitarrist mit einem Abschluss in Astrophysik ist der Leadgitarrist (und häufige Songschreiber) von Queen ein kluger Abenteurer, der immer auf der Suche nach neuen Effekten ist. Ein frühes Ziel von ihm war es, "der erste zu sein, der richtige dreistimmige Gitarrenharmonien auf eine Platte bringt" - wie die orchestrierten Quietschgeräusche in seinem Solo in "Killer Queen". Brian May schichtete Dutzende von Gitarrenparts auf einzelne Tracks und baute so palastartige Klangwände auf. Passenderweise entsprang sogar sein Instrument seiner Fantasie: Seine Hauptgitarre, die Red Special, auch bekannt als Old Lady, ist ein selbstgebautes Wunderwerk, das May und sein Vater in den frühen Sechzigern unter anderem aus dem Holz eines Kamins konstruiert haben (er ist bekannt dafür, dass er sie mit einer Sixpence-Münze statt mit einem Plektrum spielt). Sie hat alles hervorgebracht, vom pirouettierenden, dreistimmigen Solo in "Bohemian Rhapsody" bis zum Proto-Metal-Riffing von "Stone Cold Crazy". "Ich kann mir jeden Musiker anhören und seinen Sound pantomimisch nachahmen", sagte Steve Vai, "aber Brian May kann ich nicht nachmachen. Er bewegt sich einfach auf höherem Terrain." -D.W.
Key Tracks: "Keep Yourself Alive", "Brighton Rock"
32 Jack White (White Stripes)
Als die White Stripes mit Alben wie De Stijl aus dem Jahr 2000 begannen, ihren Hipster-Ruf aufzubauen, wurde der große Gitarrenrock von der übermäßig verarbeiteten Groteske des Nu Metal und dem dumpfen Trott des Grunge der zweiten Generation dominiert. Das änderte sich, als die Stripes mit dem fröhlich-primitiven Garagenblues "Fell in Love With a Girl" zu Stars wurden. Jack White hat uns mit dem dicken, tiefen Stomp von "Seven Nation Army" das bekannteste Rock-Riff des 21. Jahrhunderts geschenkt, aber im Laufe der Jahre hat er sich geweigert, sich auf altem Ruhm auszuruhen, und ist zu einem liebenswert mürrischen Klangforscher geworden - vom Stoner-Funk und Hippie-Folk auf seinem 2012er Soloalbum Blunderbuss bis zu den fast schon komisch überdrehten, fuzz-getönten Drones auf Fear of the Dawn von 2022. Für White ist jedes Mal, wenn er eine Gitarre in die Hand nimmt, eine neue Herausforderung. "Wenn ich ein Solo spiele, ist es ein Angriff - es ist ein Kampf, ein Ringen", sagte White 2014 dem Rolling Stone. "Ich kümmere mich nicht um virtuose Noten. Wenn man mich mitten in einem Solo unterbricht, kann ich nicht sagen: ‚Das ist ein Fis, das ist ein C.’" -J.D.
Schlüsseltracks: "Seven Nation Army", "Ball and Biscuit"
31 George Harrison
Mit den Beatles betrat George Harrison Neuland, indem er das Instrument mit jeder Platte innovierte und erweiterte. Er hat nicht nur die Rolle des Leadgitarristen in einer Rockband geschaffen. Er definierte den Platz der Gitarre im Herzen der Popmusik. Damals in Liverpool, England, war er der jüngere Junge, der sich seinen Weg zu den Beatles erschlich, indem er seine Akkorde studierte und die anderen überspielte. Er orientierte sich an seinen Rockabilly-Helden aus der Jugendzeit wie Carl Perkins, wie in seinem verrückten Cavern Club-Solo auf "I Saw Her Standing There". Aber er experimentierte weiter mit den indisch inspirierten Drones von "Rubber Soul", der Psychedelik von "Revolver", der Eleganz von "Abbey Road" und verschwendete dabei keine einzige Note. "Jeder andere hat schon den ganzen anderen Mist gespielt", sagte Harrison. "Ich spiele nur das, was übrig ist." Und doch hat er nach den Beatles am tiefsten gespielt, mit seinem kosmischen Slide auf All Things Must Pass und Living in the Material World. Wie sein Freund Tom Petty sagte: "Es klang wirklich wie eine Stimme, wie eine ganz eigene, unverwechselbare Stimme, die aus ihm herauskam." -R.S.
Schlüsseltracks: "Something", "Let It Be", "Give Me Love"
30 Neil Young
Lange bevor er als Solokünstler erfolgreich wurde, verfeinerte Neil Young seine Gitarrenkünste bei den Squires, den Mynah Birds und schließlich bei Buffalo Springfield und Crosby, Stills, Nash und Young. Zu der Zeit, als Harvest aufkam, war er auf der elektrischen und der akustischen Gitarre gleichermaßen versiert und wechselte an einem einzigen Abend zwischen sanften Folk-Stücken wie "The Needle and the Damage Done" und wilden Proto-Grunge-Songs wie "Down by the River" hin und her. "Wenn ich jemals einen Meisterkurs für junge Gitarristen geben würde, würde ich ihnen als erstes die erste Minute von Neil Youngs Original-Solo ‚Down by the River‘ vorspielen", sagte Trey Anastasio. Einige Gitarrenpuristen haben seine Arbeit als "primitiv" abgetan, da einige seiner berühmtesten Soli buchstäblich aus einer einzigen, mehrfach wiederholten Note bestehen. Aber das geht völlig am Kern seiner Arbeit vorbei. "Niemand kümmert sich darum, ob du Tonleitern spielen kannst", sagte Young 1992. "Es interessiert niemanden, ob du eine gute Technik hast oder nicht. Es geht darum, ob du Gefühle hast, die du mit Musik ausdrücken willst, das ist es, was wirklich zählt." -A.G.
Key Tracks: "Cowgirl in the Sand", "Powderfinger", "Rockin’ in the Free World"
29 Eddie Hazel (Parliament)
Die Legende besagt, dass "Maggot Brain", das zehnminütige Gitarrensolo, das den verstorbenen Eddie Hazel zu einer Gitarrenlegende machte, während eines LSD-Trips entstand, als Funkadelic-Bandleader George Clinton ihn aufforderte, sich vorzustellen, dass seine Mutter gerade gestorben sei - und dann zu erfahren, dass sie tatsächlich noch am Leben sei. "Ich wusste sofort, dass er verstand, was ich meinte", schrieb Clinton in seinen Memoiren. "Ich konnte die Gitarrennoten sehen, die sich wie ein silbernes Netz ausbreiteten. Als er das Solo zurückspielte, wusste ich, dass es mehr als gut war, nicht nur eine virtuose Darbietung von Musikalität, sondern auch ein fast beispielloser Moment von Emotionen in der Popmusik". Hazels weitere Arbeit mit P-Funk und auf eigene Faust war eine aufregende Mischung aus Groove-Power und psychedelischen Höhenflügen. Aber es war "Maggot Brain", das die nachfolgenden Gitarristen am meisten inspiriert hat, darunter Nels Cline, J. Mascis, Warren Haynes und Mike McCready, die den Song alle live gespielt haben und damit den Geist einer zutiefst begabten Seele verkörpern. -W.H.
Schlüsseltracks: "Maggot Brain", "Funky Dollar Bill"
28 David Gilmour (Pink Floyd)
Als Produzent und Songschreiber fühlt sich David Gilmour von Pink Floyd zu schwebenden, verträumten Texturen hingezogen, aber wenn er seine schwarze Stratocaster in die Hand nimmt, um ein Solo zu spielen, kommt eine ganz andere Sensibilität zum Tragen: "Ich wollte einen hellen, kraftvollen Leadgitarren-Ton, der einem im Grunde das Gesicht abreißt", sagt er. Er war ein feuriger, bluesorientierter Solist in einer Band, die kaum Blues spielte - seine ausladenden, eleganten, unerbittlich melodischen Soli waren ein ebenso eindringlicher Weckruf wie die Wecker in The Dark Side of the Moon. Aber Gilmour war auch versiert in dröhnender Avantgarde-Improvisation, wie in Floyds "Live at Pompeii"-Tagen, und er konnte ein unerwartet funky Rhythmusgitarrist sein, vom slinky Riff zu "Have a Cigar" bis zu den Chic-artigen Schnörkeln in "Another Brick in the Wall, Part 2". Sein bahnbrechender Einsatz von Echo und anderen Effekten - ursprünglich inspiriert von Syd Barrett, dem ursprünglichen Floyd-Gitarristen - gipfelte in seinem präzisen Einsatz von Delay bei "Run Like Hell", das den charakteristischen Sound von The Edge direkt vorwegnimmt.
Wichtigste Tracks: "Comfortably Numb", "Shine on You Crazy Diamond"
27 Buddy Guy
Buddy Guy hatte sich daran gewöhnt, dass man seinen Gitarrenstil als Krach bezeichnete - von seiner Familie im ländlichen Louisiana, die ihn wegen des Lärms aus dem Haus jagte, bis hin zu den Chess-Records-Chefs Phil und Leonard Chess, die, wie er sagt, "mich bei den Sessions mit Muddy Waters, Howlin’ Wolf und Little Walter nicht so loslassen wollten, wie ich wollte". Doch als eine neue Generation von Rockern den Blues entdeckte, wurde Guys Laubsägearbeit zu einem wichtigen Einfluss auf Titanen wie Jimi Hendrix und Jimmy Page. Guys extravagantes Spiel - riesige Bendings, auffällige Verzerrungen, frenetische Licks - bei Klassikern wie "Stone Crazy" und "First Time I Met the Blues" sowie seine Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Harp-Meister Junior Wells setzten neue Maßstäbe für die Wut der Sechssaiter. Seine Showeinlagen, bei denen er mitten im Solo durch das Publikum schlendert, sind auch mit 87 Jahren noch elektrisierend. "Er war für mich das, was Elvis wahrscheinlich für andere Leute war", sagte Eric Clapton bei Guys Aufnahme in die Rock & Roll Hall of Fame im Jahr 2005. "Mein Kurs war festgelegt, und er war mein Pilot." -A.L.
Key Tracks: "Stone Crazy", "First Time I Met the Blues"
26 St. Vincent
Annie Clark - alias St. Vincent - erschafft komplexe und atmosphärische Musik, die nicht von Natur aus gitarrenlastig ist, aber dennoch von ihrem innovativen Ansatz an das Instrument geprägt ist. Obwohl sie an der Berkelee School of Music ausgebildet wurde und stark von so geschickten Spielern wie Robert Fripp, Adrian Belew und Marc Ribot beeinflusst ist, überlagert die Grammy-Preisträgerin ihre Aufnahmen mit fesselnden Gitarrentönen, -farben, -stimmungen, -harmonien und -effekten, anstatt die Kompositionen als Schaufenster für ihr beachtliches sechssaitiges Können zu betrachten. "Ich gehe an das Gitarrenspiel nicht wie ein Ego heran - nach dem Motto ‚Ich werde schneller spielen als jemand anderes’", erklärte Clark 2011 gegenüber Premier Guitar. "Ich bin nicht so sehr an diesem sportlichen Aspekt interessiert. Das ist der Unterschied zwischen einem Athleten und einem Künstler, und es ist großartig, wenn sich diese Dinge verbinden lassen. Das ist das Ideal - etwas zu machen, das musikalisch machbar ist und gleichzeitig emotional fesselt. Das ist der goldene Mittelweg." -D.E.
Key Tracks: "Rattlesnake", "Cruel", "Masseduction"
25 John Frusciante
Die Red Hot Chili Peppers waren musikalisch noch nie leicht zu fassen, und das ist vor allem Frusciante zu verdanken, dem Sohn eines Juilliard-Pianisten. Der wilde Original-Gitarrist der Band, der verstorbene Hillel Slovak, hatte es schwer, in die Fußstapfen der Band zu treten, aber Frusciante - der nun schon zum dritten Mal bei der Band ist - spielte eine wichtige Rolle dabei, die Chili Peppers aus dem White-Funk-Ghetto herauszuholen und in ganz eigene musikalische Welten zu führen. Frusciante spielte immer im Dienste des Songs und gab den Chili Peppers eine Bandbreite, die sie vorher nicht hatten: man denke nur an das Headbanger-Riffing unter ihrer Coverversion von Stevie Wonders "Higher Ground", das gefühlvolle Strumming in "Under the Bridge" und "Scar Tissue", den metallischen Funk-Sleaze in "Give It Away", das launische Strumming in "Breaking the Girll" und das vulkanische, Hendrix’sche Solo in "Dani California". Diese eklektische Palette verlieh Chili Peppers-Alben wie Californication und Blood Sugar Sex Magik eine bemerkenswerte Vielfalt - und machte Frusciante zu einem der einflussreichsten und vitalsten Gitarristen der Alt-Rock-Ära. -D.B..
Wichtigste Tracks: "Dani California", "Under the Bridge"
24 James Burton
James Burtons Markenzeichen, der "Chicken Picking"-Stil - hell, knackig und prägnant - ist einer der einzigartigsten Sounds in der Country-Musik und hat auch die Rockgitarre stark beeinflusst. Burton begann seine Karriere im Alter von 14 Jahren, als er "Susie Q" für Dale Hawkins schrieb, und wurde zum Teenager-Star, als er 1957 der Band von Ricky Nelson beitrat. Mit Nelson entwickelte Burton seine ganz eigene Technik: Er benutzte einen Fingerpick und ein flaches Plektrum, und er ersetzte die vier höchsten Saiten seiner Telecaster durch Banjosaiten, so dass seine Gitarre schnappte, knallte und stotterte. "Ich habe nie eine Ricky-Nelson-Platte gekauft", sagte Keith Richards. "Ich habe eine James-Burton-Platte gekauft." In den späten Sechzigern und Siebzigern rief er Elvis Presleys TCB-Band ins Leben und wurde zu einer festen Größe bei Country-Platten von Joni Mitchell und Gram Parsons. "Er war einfach ein mysteriöser Typ: Wer ist dieser Typ und warum ist er auf all diesen Platten, die ich mag?", sagt Joe Walsh. "Seine Technik war sehr wichtig." -A.L.
Key Tracks: "Hello Mary Lou", "Susie Q", "Believe What You Say"
23 James Hetfield and Kirk Hammett (Metallica)
Metallica kamen als Geschwindigkeitsdämonen auf die Welt, mit Sänger und Rhythmusgitarrist James Hetfield, der in einem Tempo riffte, als würde Black Sabbath mit 78 Umdrehungen pro Minute spielen, und Leadgitarrist Kirk Hammett, der Noten überall hin sprühte, wo er konnte. Hetfield und Hammetts Vorgänger Dave Mustaine (heute selbst ein Gitarrenheld bei Megadeth) entwickelten Techniken, die es ihnen erlaubten, ihre Finger so wenig wie möglich zu bewegen, um schneller als alle anderen spielen zu können, und definierten den Metal mit Songs wie "Phantom Lord" und "Jump in the Fire" neu. Doch mit dem zweiten Album von Metallica, als Hammett, ein ehemaliger Schüler von Joe Satriani, begann, Songs wie "Fade to Black" und "The Call of Ktulu" mit gefühlvollen Melodien zu versehen, erreichte die Band etwas Einzigartiges. Diese Dualität von Hetfields knüppelnder Wut und Hammetts gefühlvoller, Wah-Wah-gesteuerter Sensibilität wurde zu ihrem größten Erfolg: "Enter Sandman", "One", "Master of Puppets" - Songs, die die Qualen und die Ekstase der Band einfangen. -K.G.
Schlüsseltracks: "One", "Fade to Black", "Sad But True"
22 Albert King
Als der Rolling Stone Albert King 1968 fragte, wer seine Gitarreneinflüsse seien, antwortete er: "Niemand. Alles, was ich mache, ist falsch." Als Pionier des elektrischen Blues spielte King (der Linkshänder war) eine rechtshändige Gibson Flying V von 1959 verkehrt herum, wobei die Basssaiten unkonventionell zum Boden zeigten. Er benutzte eine nicht zu entschlüsselnde geheime Stimmung und schlug die Noten mit dem Daumen an. Der 1,90 Meter große und 300 Pfund schwere King konnte die Noten weiter und kraftvoller biegen als fast jeder andere Gitarrist, und seine Platten beeinflussten eine ganze Generation: Eric Clapton übernahm das "Strange Brew"-Solo von King, und Duane Allman verwandelte die Melodie von Kings "As the Years Go Passing By" in das Hauptriff von "Layla". Jimi Hendrix war beeindruckt, als sein Held 1967 im Fillmore für ihn eröffnete. "Ich habe Hendrix eine Lektion über den Blues erteilt", sagte King. "Ich hätte seine Songs leicht spielen können, aber er konnte meine nicht spielen."
Key Tracks: "Born Under a Bad Sign", "As the Years Go Passing By"
21 Randy Rhoads (Ozzy Osbourne)
Randy Rhoads’ Karriere war viel zu kurz - er starb 1982 im Alter von 25 Jahren bei einem Flugzeugunglück - aber seine präzisen, architektonischen, rasanten Soli auf Ozzy Osbournes "Crazy Train" und "Mr. Crowley" waren für die folgenden Jahre das Vorbild für Metal-Gitarrensoli. "Wegen ihm habe ich acht Stunden am Tag geübt", sagte Tom Morello, der Rhoads als "den größten Hard-Rock/Heavy-Metal-Gitarristen aller Zeiten" bezeichnete. Rhoads war als Teenager Mitbegründer von Quiet Riot und trat 1979 Osbournes Band Blizzard of Ozz bei, nachdem er einige Jahre als Gitarrenlehrer gearbeitet hatte. Der Legende nach nahm Rhoads selbst weiterhin Gitarrenunterricht in verschiedenen Städten, wenn er mit Ozzy auf Tournee war. Als er sein letztes Album, Osbournes Diary of a Madman, aufnahm, beschäftigte sich Rhoads intensiver mit klassischer Musik und erkundete sogar den Jazz. Er "griff tief in sich als Gitarrist", sagte Nikki Sixx von Mötley Crüe. "Das war wirklich der nächste Schritt." -D.W.
Schlüsseltracks: "Crazy Train", "Mr. Crowley", "Diary of a Madman"
20 Stevie Ray Vaughan
In den frühen Achtzigern war MTV auf dem Vormarsch, und die Bluesgitarre war meilenweit vom Mainstream der Musik entfernt. Doch Stevie Ray Vaughan aus Texas verlangte Ihre Aufmerksamkeit. Er hatte die Stile fast aller großen Bluesgitarristen aufgesogen - plus Jimi Hendrix und eine Menge Jazz und Rockabilly - und sein Monsterton, seine lässige Virtuosität und sein tadelloser Sinn für Swing konnten einen Blues-Shuffle wie "Pride and Joy" so hart wie Metal machen. Vaughan wurde von Größen wie B.B. King und Eric Clapton als ebenbürtig anerkannt, und trotz seines Todes bei einem Hubschrauberabsturz im Jahr 1990 inspiriert er noch immer mehrere Generationen von Gitarristen, von Mike McCready von Pearl Jam über John Mayer bis hin zu Gary Clark Jr. "Stevie war einer der Gründe, warum ich eine Stratocaster haben wollte - sein Ton, den ich nie hinbekommen habe, war einfach so groß und fett und hell zugleich", so Clark. "Wenn man sich seine Platten anhört und seine Videos anschaut, merkt man, dass er einfach alles gibt, was er hat. Seine Leidenschaft ist überwältigend." -W.H.
Schlüsseltracks: "Love Struck Baby", "Cold Shot"
19 Freddy King
In einem Interview aus dem Jahr 1985 bezeichnete Eric Clapton Freddie Kings B-Seite "I Love the Woman" aus dem Jahr 1961 als "das erste Mal, dass ich diesen elektrischen Leadgitarren-Stil hörte, mit den gebogenen Noten ... es brachte mich auf meinen Weg". Clapton teilte seine Liebe zu King mit anderen britischen Gitarrenhelden wie Peter Green, Jeff Beck und Mick Taylor, die alle von Kings scharfkantigem Ton und den knappen melodischen Hooks auf kultigen Singles wie "The Stumble", "I‘m Tore Down" und "Someday, After Awhile" tief beeinflusst wurden. King, der wegen seiner imposanten Statur und seiner feurigen Liveshows den Spitznamen "The Texas Cannonball" (die texanische Kanonenkugel) erhielt, hatte eine einzigartige Gitarrenattacke. "Stahl auf Stahl ist ein unvergesslicher Sound", sagt Derek Trucks und bezieht sich dabei auf Kings Verwendung von Banjo-Plektren aus Metall. "Aber man muss es in den richtigen Händen halten. Die Art und Weise, wie er sie einsetzte - Mann, du würdest diese Gitarre hören." Trucks kann immer noch den großen Einfluss von King auf Clapton hören. "Als ich mit Eric spielte", sagte Trucks kürzlich, "gab es Zeiten, in denen er Soli spielte und ich diese Freddy-Vibes bekam." -D.F.
Schlüssel-Tracks: "Hide Away", "The Stumble"
18 Tom Morello (Rage Against The Machine)
Von wenigen Ausnahmen abgesehen - Hendrix kommt einem wie immer in den Sinn - klangen Rockgitarren in den letzten 40 oder 50 Jahren meist wie Rockgitarren. Dann kamen Rage Against the Machine und ihr sechssaitiger Innovator. So wie Zack de la Rocha dreist die Politik in den Mix und in unsere Gesichter warf, tat Tom Morello dasselbe mit seiner Gitarre und den kühnen Sounds, die er ihr entlockte. Das Kratzen des Plattenspielers bei "Bulls on Parade" von Evil Empire? Die Aliens, die bei "Killing in the Name" Videospiele spielen, oder der Sturzkampfbomber-Angriff bei "Fistful of Steel", beide vom Rage-Debüt von 1992? Alles Morello, nur mit seinen Gitarren, Effektpedalen und seiner Fantasie. Morellos Mischung aus Gizmos und donnernden Akkorden erinnerte an Helden wie Ron Asheton von den Stooges (bei "Sleep Now in the Fire" von Rage), aber Morello fügte seinem Spiel noch mehr aufgemotzte Energie hinzu. Seitdem sich Rage als Studioband aufgelöst hat, ist Morello mit seinen Projekten Nightwatchman und Street Sweeper Social Club vergleichsweise zurückhaltend, aber seine Wut gegen Gitarrenklischees hat für immer ihre Spuren hinterlassen. -D.B..
Wichtigste Tracks: "Guerrilla Radio", "Killing in the Name"
17 Mother Maybelle Carter
Maybelle Carter erfand ihren charakteristischen Gitarrenstil - der schließlich als Carter Scratch" bekannt wurde - nicht aus dem Nichts: Sie schrieb es der Roots-Pionierin Lesley Riddle zu, dass sie ihr den ausgeprägten Fingerpicking-Stil beibrachte. Allerdings trug sie mit einer Reihe von Singles mit der Carter Family dazu bei, den Stil in Songs wie "Will the Circle Be Unbroken", "Wildwood Flower" und "Bury Me Under the Weeping Willow" weltweit zu verbreiten. Carters Spiel, mit dem sie als 13-Jährige begann, verwandelte die Gitarre von einem einfachen Rhythmus-Schlaginstrument in ein Instrument, das gleichzeitig Melodie, Rhythmus und Bass spielen konnte, was sie zur "vielleicht am meisten nachgeahmten Gitarristin aller Zeiten" machte, wie die Singer-Songwriterin (und eine von Tausenden von Jüngern) Courtney Marie Andrews 2019 sagte. "Als ich anfing zu spielen, hatte ich niemanden, der mit mir spielte", erklärte sie einmal, "so habe ich diesen Stil entwickelt." -J.B.
Key Tracks: "Wildwood Flower", "Bury Me Under the Weeping Willow"
16 Robert Johnson
Nach seinem Tod 1938 war er jahrzehntelang kaum bekannt. Doch die 29 Songs, die Robert Johnson 1936 und 1937 aufnahm - darunter Klassiker wie "Cross Road Blues", "Love in Vain" und "Traveling Riverside Blues" - wurden für Rockgitarristen von Clapton bis Dylan zur heiligen Schrift. Sie waren geblendet von der Art und Weise, wie er eine einzelne Gitarre wie ein ganzes Ensemble klingen lassen konnte - Picking, Slide und Rhythmusparts, die alle im Dialog miteinander klapperten und kläfften, Riffs, die aus dem Nebel auftauchten und dann wieder verschwanden. Cream, die Rolling Stones, Led Zeppelin und die White Stripes haben alle seine Songs gecovert, ebenso wie praktisch jeder andere vom Blues inspirierte Künstler. In Chronicles erinnert sich Bob Dylan daran, wie er Johnsons King of the Delta Blues Singers kurz nach seiner Veröffentlichung spielte: "Vom ersten Ton an ließen die Vibrationen aus dem Lautsprecher meine Haare zu Berge stehen. Die stechenden Töne der Gitarre konnten fast ein Fenster zerbrechen". -D.W.
Key Tracks: "Ramblin’ on My Mind", "Traveling Riverside Blues"
15 Keith Richards (The Rolling Stones)
Keith Richards hat das Gitarrenspiel immer leicht aussehen lassen. Die Kraft hinter seinen größten Gitarrenriffs - "(I Can’t Get No) Satisfaction", "Start Me Up", "Brown Sugar" - ist die rohe Einfachheit seiner Technik, die Symmetrie der Noten und die unbeschreibliche und mühelose Art, wie er alles zum Schwingen bringt. In den Sechzigern unterstützte sein felsenfestes Spiel Brian Jones’ verrückte Ausbrüche von Inspiration; ob Jones nun Slide-Gitarre oder Marimba spielte, Richards lieferte ein swingendes Fundament auf "Time Is on My Side", "Paint It, Black" und "Under My Thumb". In den siebziger Jahren, als der Leadgitarrist Mick Taylor hinzukam, sorgte Richards für satte Grooves als Hintergrund - "Tumbling Dice", "Can’t You Hear Me Knocking", "Wild Horses". Akustisch ist er gleichermaßen versiert im Blues ("Love in Vain") und in Balladen ("Angie"). Und seit Ron Wood zur Band gestoßen ist, ist er die eine Hälfte eines musikalischen Yin-Yang, denn er und Wood verweben ihre Gitarrenparts und lassen sich zwischen Riffs und Soli treiben. Ein großartiges Riff erscheint einfach an deinen Fingerspitzen und kommt aus dem Instrument heraus", sagte er 2020 dem Rolling Stone. "Und das ist ein großartiges Riff, völlig unüberlegt, unstrukturiert, ohne Regeln, ohne irgendetwas. In der einen Minute ist es nicht da, und in der nächsten Minute ist es da." -K.G.
Key Tracks: "(I Can’t Get No) Satisfaction", "Gimme Shelter"
14 Prince
Er spielte das wohl beste Power-Balladen-Gitarrensolo der Geschichte ("Purple Rain"). Er kann es funken wie Jimmy Nolen und Nile Rodgers oder schreien wie Eddie Van Halen. Wie Bo Diddley hat er die Form der Gitarre selbst neu erfunden - zuerst seine gelbe "Wolkengitarre" aus der Mitte der Achtzigerjahre und später seine verrückte, metallische "Symbolgitarre", die wie das Symbol geformt ist, das er kurzzeitig zu seinem Namen machte. Und obwohl er oft mit Jimi Hendrix verglichen wurde, sah Prince die Dinge anders: "Es ist nur, weil er schwarz ist. Das ist wirklich das Einzige, was wir gemeinsam haben", sagte er einmal dem Rolling Stone. "Wenn sie sich meine Sachen wirklich anhören würden, würden sie eher einen Einfluss von Santana als von Jimi Hendrix hören. Hendrix spielte mehr Blues, Santana spielte schöner." Er hat auch einen wenig bekannten Vorteil des Gitarristendaseins ausgemacht. "Wenn man sein ganzes Leben lang E-Gitarre spielt, hat das eine Wirkung auf einen", sagt er. "Ich bin überzeugt, dass die ganze Elektrizität, die durch meinen Körper rast, dafür sorgt, dass ich meine Haare behalten habe." -W.H.
Key Tracks: "Purple Rain", "When Doves Cry"
13 Tony Iommi (Black Sabbath)
Black-Sabbath-Mitbegründer Tony Iommi, eine der wichtigsten Säulen der Heavy-Metal-Gitarre, entwickelte seinen herrlich düsteren Stil als Folge eines Arbeitsunfalls, bei dem ihm die Mittel- und Ringfingerkuppen seiner Greifhand abgetrennt wurden. Obwohl er mit Hilfe von Plastikkappen wieder spielen konnte, zwangen ihn die selbst gebastelten Prothesen dazu, Saiten mit geringerer Stärke zu verwenden und den Hals für seine Akkorde und Soli härter zu greifen. In Kombination mit massiven Laney-Verstärkern, die mit Hilfe eines speziell modifizierten Dallas Rangemaster Treble Booster verzerrt wurden, schuf dieser aus der Not geborene Spielstil etwas ungewöhnlich Düsteres und Bedrohliches - und indem er seine Gitarren mehrere Stufen tiefer stimmte, um leichtere Bendings zu ermöglichen, schuf Iommi die erderschütternde Vorlage für unzählige nachfolgende Metal-Gitarristen. "Damals musste man seinen Sound noch selbst machen", sagte Iommi 2020 gegenüber Guitar World. "Man konnte kein Gerät kaufen, das den gewünschten Sound erzeugte, man musste sich die Mühe machen und den Ton selbst erzeugen. Und ich fand das großartig, denn man glaubt mehr daran, wenn man alles selbst gemacht hat." -D.E.
Wichtigste Tracks: "Sabbath Bloody Sabbath", "Symptom of the Universe"
12 Jimmy Nolen (James Brown)
Jahre bevor er sich der Band von James Brown anschloss, entwickelte der Gitarrist Jimmy Nolen eine Methode, um lahme Schlagzeuger zu umgehen: "Ich habe immer versucht, meinen Rhythmus so ähnlich wie eine Trommel zu spielen, wie es mir möglich war", sagt er. "Das hält den Schlagzeuger irgendwie gerade." Als Nolen Anfang 1965 in Browns Gruppe einstieg, trafen seine helle Vorwärtsbewegung und Browns rhythmische Verbrennung aufeinander wie ein Liebespaar im Film. Das wirkliche Leben war weniger romantisch - Nolen starb 1983 und bat seine Witwe, Brown zu bitten, seine Nachfolger nicht so hart zu bearbeiten -, aber über die Ergebnisse lässt sich nicht streiten. Angefangen mit dem 1965er Meilenstein "Papa’s Got a Brand New Bag" - das Intro mit seinem rollenden Akkord gehört dem Gitarristen - und über ein halbes Jahrzehnt hinweg mit Klassikern wie "Let Yourself Go" (ein weiteres Beispiel für Nolens Stop-Start-Genie), "Cold Sweat" und "Funky Drummer" definierte Nolen die Funk- (und R&B-)Gitarre: furchterregend abgehackter Rhythmus, präzise, nadelnde Leads, sowohl an den Seiten als auch im Zentrum des Geschehens. -M.M.
Wichtigste Tracks: James Browns "Papa’s Got a Brand New Bag" und "Cold Sweat"
11 Carlos Santana
Carlos Santanas bahnbrechende Verschmelzung von Blues, Jazz und lateinamerikanischer Musik wurde der Welt mit einem aufsehenerregenden Auftritt in Woodstock vorgestellt. 30 Jahre später, als Supernatural sich 15 Millionen Mal verkaufte und neun Grammys gewann, war die Wirkung noch genauso groß. In all dieser Zeit blieb Santana einfach ultracool und zauberte glorreiche Melodien, mit einem Fuß im Barrio und dem anderen in einer fernen Astralebene. "Seine Musik war etwas Neues, aber sie war mit allem anderen verwoben, was es zu dieser Zeit gab", sagt Henry Garza von Los Lonely Boys. "Er ließ seine Kultur in die Musik einfließen. Wie Miles Davis, B.B. King und nur wenige andere Musiker ist Santana der seltene Instrumentalist, den man mit nur einer Note identifizieren kann. Er sagt, er habe versucht, seine eigenen Helden zu imitieren, vor allem Jazzer wie Wes Montgomery und Grant Green, aber "so sehr ich es auch versuchte, ich konnte es nicht - ich klang immer wie ich selbst". Niemand kann Santanas exquisiten, kristallklaren Gitarrenton nachahmen, aber sein Einfluss war wirklich global. Prince zum Beispiel hat ihn als größeren Einfluss als Jimi Hendrix bezeichnet und einfach erklärt, dass "Santana schöner spielte". -A.L.
Wichtigste Tracks: "Black Magic Woman", "Oye Como Va", "Soul Sacrifice"
10 Duane Allman (Allman Brothers)
Duane Allman lebte nicht lange - er war erst 24 Jahre alt, als er 1971 bei einem Motorradunfall ums Leben kam. Aber er hat diese Jahre mit visionärem Gitarrenspiel vollgestopft, das mehrere Leben wert ist. Mit der Allman Brothers Band bereiste er alle schmutzigen Straßen der amerikanischen Musik: modaler Jazz, Blues, Country, psychedelischer Southern Juke-Joint-Rock. Als Teenager in Florida lernte er seine Gibson Les Paul, indem er zu seinen Robert Johnson und Chuck Berry Platten spielte. Er machte sich zunächst als Sideman einen Namen, vor allem durch seine Muscle Shoals Soul-Sessions mit Wilson Pickett und Aretha Franklin. Aber 1969 gründete er mit seinem kleinen Bruder Gregg die ABB. Als die Musiker das erste Mal zusammen jammten, sagte Duane zu ihnen: "Jeder, der nicht in meiner Band sein will, muss sich den Weg zur Tür freikämpfen."
Seine ultimative Aussage: Im Fillmore East improvisierte er im Banne von John Coltrane und Miles Davis, von der Bottleneck-Explosion des "Statesboro Blues" bis zum 19-minütigen Jam "You Don’t Love Me". Aber Duane schaute auch bei den Miami-Sessions für Layla von Derek and the Dominos vorbei, begann mit Eric Clapton zu spielen und schrieb impulsiv Geschichte, vor allem mit seinem hohen Slide-Kreischen im Titelsong. Sein symbolischer Abschied war das zweiminütige, bodenständige Wiegenlied "Little Martha". Die Noten von "Little Martha" sind auf seinem Grabstein eingraviert. Duane Allman ist zu früh von der Straße abgekommen - aber in seiner Musik geht der Weg immer weiter. -R.S.
Wichtigste Tracks: "Statesboro Blues", "You Don’t Love Me", "Whipping Post"
9 Joni Mitchell
Joni Mitchell gilt seit über 50 Jahren als die ultimative Akustikgitarristin des Rock, die mit alternativen Stimmungen ihre eigene komplexe Gitarrensprache entwickelt hat. "Ich wollte die Gitarre wie ein Orchester spielen", sagte sie 1999 dem Rolling Stone. "Ich weiß, dass ich eine einzigartige Spielweise habe, aber das schien niemand zu bemerken. Ich fand es irgendwie albern, dass sie es immer wieder als Folk-Gitarre bezeichneten, obwohl es eher wie Duke Ellington war." Nachdem eine Kinderlähmung in ihrer Kindheit ihre linke Hand geschwächt hatte, kompensierte sie dies, indem sie über 50 verschiedene Stimmungen verwendete. "Ich habe die oberen drei Saiten immer als Bläsersektion und die unteren drei als Rhythmusgruppe betrachtet."
Andere Musiker bewunderten sie für ihr Spiel. "Bin ich ein Gott?", fragte sie im Rolling Stone. "Ich bin eine Göttin. Ich hatte nie einen Gitarrengott." Am besten hört man sie auf dem 1976er Meisterwerk Hejira, das sie mit dem Bassisten Jaco Pastorius aufnahm. Als ihre Akkorde für die Begleitmusiker zu schwierig wurden, übernahm sie die elektrischen Leads einfach selbst - die Hälfte davon auf Hejira, fast alle auf Don Juan’s Reckless Daughter und Mingus. In Martin Scorseses Dokumentarfilm über die Rolling Thunder-Tour spielt sie "Coyote" für Roger McGuinn und Bob Dylan - McGuinn geht hinüber, um ihre Hände aus der Nähe zu betrachten, weil er diese Akkorde nicht glauben kann. "Irgendetwas an diesen reichen modalen Stimmungen, die sie benutzte, hat mich sehr beeindruckt", sagt Lee Ranaldo von Sonic Youth. "Was Joni tat, war sehr geheimnisvoll." -R.S.
jeff beck
Schlüsseltracks: "For the Roses", "Coyote", "Refuge of the Roads"
8 B.B. King
Der "Botschafter des Blues" war eine so geliebte Figur der amerikanischen Musik, dass man leicht vergisst, wie revolutionär seine Gitarrenarbeit war. Wie Buddy Guy sagte: "Vor B.B. spielte jeder die Gitarre, als wäre sie eine akustische". King brachte seine berühmte Gibson "Lucille" zum Weinen wie eine echte Frau. Von den ersten Tönen seines 1951er Durchbruchshits "Three O’Clock Blues" an kann man seinen innovativen, fließenden Stil hören. Kings Saitenbeugung und Vibrato stammten von seinem Idol T-Bone Walker, aber er führte alles in eine neue Richtung und veränderte die Spielweise aller anderen. "Jeder E-Gitarrist, dem man zuhört, hat ein bisschen was von B.B. in sich", sagt Guy. "Er war der Vater des Drückens der Saiten auf der E-Gitarre."
King wuchs auf einer Plantage im Mississippi-Delta auf, pflückte Baumwolle und lernte den Country-Blues von seinem Cousin Bukka White. 1948 ging er nach Memphis, wo er Radio-DJ wurde und seinen eklektischen Blues-Stil mit Gospel-Feuer und Jazz-Finesse entwickelte. Sein "Live at the Regal" von 1965 ist nach wie vor eines der heißesten Gitarrenkonzerte aller Zeiten. Doch King ließ sich nicht unterkriegen, tourte bis in seine späten Achtziger und hielt an Lucille als der Liebe seines Lebens fest. "Lucille will nichts anderes spielen als den Blues", sagte King. "Lucille ist echt. Wenn ich sie spiele, ist es fast so, als würde ich Worte hören, und natürlich höre ich auch Schreie." -R.S.
Schlüsseltracks: "Every Day I Have The Blues", "Sweet Sixteen", "The Thrill Is Gone"
jeff
7 Nile Rodgers
Es gibt "einflussreich", dann gibt es "massiv einflussreich" und dann gibt es Nile Rodgers. Die Geschichte der Popmusik der letzten 50 Jahre ist im Grunde die Geschichte von Rodgers’ Gitarre. Der manisch-stakkatoartige Funk-Jangle, den er mit Chic in Disco-Hits der siebziger Jahre wie "Le Freak" und "Good Times" erfand, ist seither der Herzschlag des globalen Pop. Seine Warp-Gitarre auf dem Diana Ross-Klassiker "I‘m Coming Out" von 1980 war fast zwei Jahrzehnte später immer noch der härteste Sound im Radio, als Biggie ihn in "Mo Money Mo Problems" verwandelte. Das nenne ich Durchhaltevermögen.
Er gründete Chic zusammen mit dem Bassisten Bernard Edwards, inspiriert von einem Besuch bei Roxy Music in London. "Als ich anfing, spielte ich nur superschweren Rock & Roll", sagte Rodgers 1979 dem Rolling Stone. "Hendrix oder Jimmy Page zu sein, war für mich ein Erfolg". Seine unaufhaltsam dynamische Strat treibt die Klassiker an, die er für Ross ("Upside Down"), Sister Sledge ("We Are Family"), David Bowie ("Let’s Dance"), Duran Duran ("Notorious") und Daft Punk ("Get Lucky") schrieb. Seine Riffs trugen auch dazu bei, die Hip-Hop-Ära einzuleiten - die Sugarhill Gang reimte auf "Good Times" den ersten Rap-Hit, "Rapper’s Delight". Sein Einfluss ist allgegenwärtig, sowohl seine jazzigen Akkorde als auch seine mächtigen Rhythmen. Er war der größte Einfluss auf die Smiths - Johnny Marr nannte Rodgers immer seinen Helden. (Er nannte sogar seinen Sohn "Nile".) Aber er ist ein wahrer Innovator, der niemals langsamer wird und immer noch mit seiner Gitarre Geschichte schreibt. -R.S.
Wichtigste Tracks: "Le Freak", "Good Times", "I‘m Coming Out"
6 Sister Rosetta Tharpe
Als sexuell ungebundene schwarze Frau, die die Gospelmusik in den Mainstream katapultierte, brach Schwester Rosetta Tharpe mit zahlreichen Tabus. Noch bevor es den Rock’n’Roll gab, erfand sie praktisch das Konzept des Gitarrenhelden. Bob Dylan bezeichnete sie als eine "mächtige Naturgewalt - eine Gitarre spielende, singende Evangelistin". Inspiriert vom Mandolinenspiel ihrer Mutter lernte die in Arkansas geborene Tharpe, die mit ihrer Familie nach Chicago umzog, schon im Kindergartenalter Gitarre zu spielen. Als sie in den Dreißigerjahren anfing, Platten aufzunehmen, beherrschte sie es bereits: Ihr Zupfen und ihre Arpeggios in "Strange Things Happening Every Day" von 1945 passten zum beschwingten Boogie-Woogie des Songs und zu ihrem eigenen lebhaften Gesang, und sie konnte während eines Solos in dem traditionellen Gospelstück "Up Above My Head" einen ganzen Schwall von Tönen entfesseln. 1964 sollen Eric Clapton, Keith Richards und Jeff Beck zu einem Bahnhof in Manchester, England, gereist sein, um Tharpe bei einem im Fernsehen übertragenen Folk-, Blues- und Gospel-Special spielen zu sehen. An diesem Tag stellte ihre ausgelassene Version des Spirituals "Didn’t It Rain" sowohl ihre Gospel-Lungenkraft-Wurzeln als auch ihre mühelose Art, ihre Gitarre zum Singen zu bringen, in den Vordergrund. Tharpe starb 2013, aber sie wird weiterhin gewürdigt. Brittany Howard hat Tharpe als frühen Einfluss in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen, was zeigt, wie sehr eine neue Generation Tharpe ein oder drei Debüts verdankt." -D.B..
Key Tracks: "Strange Things Happening Every Day"
5 Jeff Beck
Jeff Beck wollte nie ein Gitarrenheld sein. Er verließ die Yardbirds, löste die Jeff Beck Group auf (und lehnte einen Woodstock-Auftritt ab), und er ließ andere Bands im Sande verlaufen, bevor sie überhaupt berühmt wurden. Aber so sehr Beck den Ruhm auch ablehnte, er wollte immer noch Gitarre spielen. Seine Technik entwickelte sich rasch weiter, von der totalen Beherrschung des Blues bei den Yardbirds und der Jeff Beck Group bis hin zur Verwendung eines Wah-Wahs, um seine keifende Stratocaster auf dem Instrumentalstück "Beck’s Bolero" zum Singen zu bringen. Als ständiger Soundtüftler ließ sich Beck Mitte der siebziger Jahre von Jazz-Fusion inspirieren und konzentrierte sich auf Blow by Blow ganz auf die Gitarre. Auf diesem Instrumentalalbum zuckte er mit dem Whammy-Bar, warf Grace-Notes ab und verbog die Tonhöhen, um die Stimme der R&B-Sängerin Syreeta auf seinem Cover von "’Cause We’ve Ended As Lovers" widerzuspiegeln.
Er wurde immer besser darin, die menschliche Stimme auf der Gitarre auf ungewöhnliche Weise zu interpretieren: der stechende Stolz seines Solos in "People Get Ready", der schwebende, schimmernde Klang des fast weinenden "Nadia", seine seufzenden und ohnmächtigen Interpretationen von "Over the Rainbow" und "Nessun Dorma". "Ich habe nie den großen Wurf gemacht, gnädigerweise wahrscheinlich", sagte Beck 2018. "Wenn man sich umschaut und sieht, wer es groß geschafft hat, ist das ein wirklich mieser Ort, wenn man darüber nachdenkt. Vielleicht bin ich damit gesegnet, dass ich das nicht erlebt habe." -K.G.
Key Tracks: "Beck’s Bolero", "Freeway Jam", "’Cause We’ve Ended As Lovers"
4 Eddie Van Halen
Wäre "Eruption" alles, was Eddie Van Halen je veröffentlicht hat, hätte er sich trotzdem einen Platz im Gitarren-Pantheon gesichert. Mit mit den Fingern getippten, klavierähnlichen Klangkaskaden, aus dem Bauch heraus gespielten Sturzbomben und trompetenähnlichen Reveilles zeigte er der Welt, dass die Gitarre zu mehr fähig ist, als sich irgendjemand bei diesem Solo je erträumt hätte. Aber Van Halens wahre Magie bestand darin, wie er diese Showtricks in Songs verwandeln konnte, bei denen die Leute gerne mitsangen: "Ain’t Talkin’ ’Bout Love", "Dance the Night Away", "Everybody Wants Some!!", "Jump" - Stücke, die Van Halens formidable Techniken auf melodiöse Weise mit David Lee Roths schwülstigen Texten kombinierten.
Jenseits der Partyhymnen fühlten sich Gitarrensoli wie "Spanish Fly", "Cathedral" und "Little Guitars" eher wie Kompositionen als Soli an, und er hörte nie auf zu experimentieren; bei "Poundcake" nahm er einen elektrischen Bohrer neben seinem Tonabnehmer auf, um sein Instrument zum Schreien zu bringen. "Mit Eddie Van Halen war jeder gefesselt", sagte Tom Morello nach seinem jeff beck
Tod. "Weil jeder wusste, dass wir den Mozart unserer Generation vor uns hatten." Und selbst wenn Van Halen nicht spielte, wandte er sein Genie auf sein Instrument an, baute seine "Frankenstrat", erfand eine schwebende Whammy-Bar und sicherte sich verschiedene Patente, wodurch er die Art und Weise, wie die Menschen über Gitarre dachten, völlig veränderte. Oh, und er war Autodidakt. -K.G.
Wichtigste Tracks: "Eruption", "Ain’t Talking ’Bout Love", "Hot for Teacher"
3 Jimmy Page
Schon lange vor der Gründung von Led Zeppelin hatte Jimmy Page durch sein Spiel bei den Yardbirds und seine Arbeit als Session-Gitarrist in der Londoner Szene einen enormen Einfluss auf die Rockwelt. Mit Anfang zwanzig war Page der erste Gitarrist, der auf Platten von The Who, The Kinks, Donovan, Marianne Faithfull und anderen mitwirkte. Doch 1968 festigte er seine Rolle als einer der Rockgitarrengötter aller Zeiten, als er mit Sänger Robert Plant, Bassist John Paul Jones und Schlagzeuger John Bonham eine Band gründete.
Mit Led Zeppelin wurde alles an Page sofort legendär - von seinem bestickten Drachenanzug bis hin zu seiner Besessenheit mit dem Okkulten - aber seine fulminanten Riffs standen immer im Vordergrund. Man kann nicht "Communication Breakdown" oder "In the Evening" hören und es nicht 72 Stunden lang im Kopf haben. "Ein Riff sollte ziemlich hypnotisch sein, weil es immer wieder gespielt wird", sagte er 2012 dem Rolling Stone. Und sein Spiel hat auch seine heiklen Momente, wie das atemberaubende Fingerpicking bei "Going to California" oder das Intro zu "Stairway to Heaven". "Er hatte die Vision, die Stereotypen dessen, was die Gitarre leisten kann, zu überwinden", sagte Joe Perry von Aerosmith. "Wenn man die Gitarre bei ’The Song Remains the Same’ die ganze Zeit über verfolgt, durchläuft sie so viele verschiedene Veränderungen - lauter, leiser, sanfter, wieder lauter. Er schrieb die Songs, spielte sie, produzierte sie - mir fällt kein anderer Gitarrist seit Les Paul ein, der das von sich behaupten kann." -A.M.
Key Tracks: "Achilles Last Stand", "Kashmir", "No Quarter"
2 Chuck Berry
Chuck Berry hat die Rock’n’Roll-Gitarre nicht nur erfunden – er hat sie perfektioniert. Das kann man im Intro seines Klassikers „Johnny B. Goode“ von 1956 hören, als er den Song mit einem 18-sekündigen Manifest auf der Sechssaitigen einleitet – die endgültige Hymne des Gitarrenhelden. Er verstand es, den Blues und die Country-Musik, die er liebte, zu mischen, indem er Boogie-Woogie und Hillbilly-Twang zu seinem eigenen, originellen Stil des elektrischen Hochgeschwindigkeitsflashs verschmolz. Mit anderen Worten: Rock & Roll. Jede Tradition der amerikanischen Musik ist irgendwo in Chuck Berrys Gitarre enthalten. Wie sein Schüler Keith Richards sagte, „Chuck ist der Großvater von uns allen“.
Er war ein Friseur aus St. Louis, als er 1955 seinen revolutionären Debüthit „Maybellene“ für Chess Records aufnahm. Er sagte immer, er habe „Maybellene“ geschrieben, um einen Country-Klassiker, Bob Wills’ „Ida Red“, zu kopieren. Aber er schuf etwas Neues, das die Welt in Brand setzte. Er definierte den Rock & Roll mit einer Flut von genialen Hits: „Roll Over Beethoven“, „You Can’t Catch Me“, „Little Queenie“, „Brown Eyed Handsome Man“. Aus seinen Riffs gingen die Beatles und die Stones, Hendrix und Zeppelin, die Velvets und die Clash hervor. In den frühen 1960er Jahren wurde Berry ins Gefängnis gesteckt, wo er das bitter-ironische Promised Land“ schrieb. Aber in der Woodstock-Ära feierte er seine neue Hippie-Fangemeinde mit dem großartigen Kiffer-Choogle „Tulane“ von 1970.
„Es gibt nichts Neues unter der Sonne“, betonte Berry 1987 in dem Film Hail! Hail! Rock ’n’ Roll. Über sein Gitarrenspiel sagte er: „Es ist nur ein Waschbrett der vergehenden Zeit“. Eine poetischere Zusammenfassung von Chuck Berrys Leistungen kann es nicht geben. -R.S.
Key Tracks: „Maybellene“, „Johnny B. Goode“, „Brown Eyed Handsome Man“
1 Jimi Hendrix
Als Jimi Hendrix beim Monterey Pop seine Fender Stratocaster in Brand steckte, war dies eines der ikonischsten Bilder der Rockgeschichte. Er war ein Showman, der mit seinen Zähnen oder hinter seinem Rücken spielte. Doch hinter all der Theatralik verbirgt sich ein wahrer Meister des Instruments. Seine Karriere mag nur acht Jahre gedauert haben, aber Musiker verbringen ein ganzes Leben damit, seine umwerfende Technik und sein Improvisationsgenie zu studieren. Hendrix sang, aber er entschied sich, seine Gitarre zur Hauptstimme zu machen. Er machte die Verwendung von Rückkopplungen populär, erfand seine eigene Mischung aus Blues und Psychedelia und beeinflusste die Entwicklung von Rock, Metal, Funk und vielem mehr. Hendrix war nicht nur in seinem Spiel wortgewandt, sondern auch in der Art, wie er über das Spielen sprach. „Das Wah-Wah-Pedal ist großartig, weil es keine Noten hat“, sagte er 1968 dem Rolling Stone. „Man muss es nur mit dem Vibrato anschlagen, und dann kommt das Schlagzeug durch, und das fühlt sich an wie … keine Depression, sondern diese Einsamkeit und diese Frustration und die Sehnsucht nach etwas. Als ob sich etwas ausstrecken würde.“
In einer Zeit, in der die Musik noch weitgehend von der Rassentrennung geprägt war, war das Auftauchen von Hendrix – einem schwarzen Künstler, der das weiße Publikum in Ehrfurcht erstarren ließ – ein seismisches Ereignis, das kulturelle Barrieren auslöschte. Und auch Jahrzehnte nach seinem Tod wird sein Publikum immer größer. „Jimi Hendrix hat unsere Vorstellung davon, was Rockmusik sein kann, auf den Kopf gestellt“, sagt Tom Morello. „Es ist unmöglich, sich vorzustellen, was Jimi heute tun würde; er schien ein ziemlich sprunghafter Charakter zu sein. Würde er ein Elder Statesman des Rock sein? Würde er Sir Jimi Hendrix sein? Oder würde er eine Residency auf dem Vegas Strip absolvieren? Die gute Nachricht ist, dass sein Erbe als der größte Gitarrist aller Zeiten gesichert ist. -A.M.
Key Tracks: „Purple Haze“, „Voodoo Child“, „Little Wing“, „The Star-Spangled Banner“
