ROLLING STONE hat gewählt: Die 250 besten Gitarristen aller Zeiten
Die neue Liste der besten Gitarristinnen und Gitarristen – erweitert auf 250 Positionen
99 Tosin Abasi (Animals As Leaders)
Als Gitarrist der Technical-Metalcore-Band Reflux in Washington, D.C., wurde Tosin Abasi zum ersten Mal auf seine Fähigkeiten aufmerksam. Doch erst mit der Gründung seiner aggressiven, akrobatischen Instrumentalgruppe Animals as Leaders festigte er seinen Ruf als einer der aufregendsten und innovativsten Gitarristen des letzten Jahrzehnts. Abasi nahm ein achtsaitiges Instrument mit erweitertem Tonumfang und erfand verblüffende Techniken wie selektives Picking, Thumping und "Swybrid Picking". Man könnte behaupten, dass Abasi auch die Vorstellung davon, was es bedeutet, ein Gitarrist zu sein, neu definiert. "Ich versuche immer, mich weiterzuentwickeln", sagte er in einem Interview 2020. "Und das bedeutet, dass ich mir neue Wege ausdenken muss, um Harmonie und Rhythmus auf der Gitarre zu erzeugen." -T.B..
Key Tracks: "Cafo", "Tooth and Claw", "The Problem of Other Minds"
98 Link Wray
Als Link Wray 1958 das mitreißende, bedrohliche "Rumble" veröffentlichte, wurde es als eines der wenigen Instrumentalstücke jemals aus dem Radio verbannt - aus Angst, es könnte zu Bandengewalt anstiften. Indem er mit einem Bleistift in die Lautsprechermembran seines Verstärkers stach, erzeugte Wray den verzerrten, übersteuerten Sound, der in Metal, Punk und Grunge nachhallen sollte. Wray, der stolz behauptete, von den Shawnee-Indianern abzustammen und eine Lunge durch Tuberkulose verloren zu haben, war der Archetyp des in Leder gekleideten Bösewichts, und allein seine Songtitel - "Slinky", "The Black Widow" - vermitteln die Kraft und Bedrohung seines Spiels. "Er war der absolute Wahnsinn", sagte Dan Auerbach von den Black Keys. "Ich hörte mir ‚Some Kinda Nut’ immer und immer wieder an. Es klang, als würde er die Gitarre erwürgen - als würde sie um Hilfe schreien." -A.L.
Schlüsseltracks: "Rumble", "Jack the Ripper", "Raw-Hide"
97 Stephen Malkmus (Pavement)
Als Pavement anfingen, kam Stephen Malkmus wie ein Feedback-liebender Indie-Streichler daher. Doch schon bald erwies er sich als der große Gitarrenromantiker seiner Zeit. Auf Alben wie Pavements Brighten the Corners ("Fin") oder American Water ("The Wild Kindness") von The Silver Jews spielt er seine wunderbar zerklüfteten, fließend emotionalen Riffs. Im Laufe der Jahre wird er immer schredderiger, sei es im zotteligen Psychothrash von Real Emotional Trash, dem elegischen Witz von Mirror Traffic oder seinem Folk-Experiment Traditional Techniques. Auf den jüngsten Pavement-Tourneen jammt er hart und stellt die Band scherzhaft als "Phishport Convention" vor. Aber seine verrückte Unabhängigkeit hat ihn zu einer Ikone für jüngere Gitarristen der Generation Snail Mail/Soccer Mommy gemacht, was ihn zu der Beadadoobee-Hommage "I Wish I Was Stephen Malkmus" inspirierte. -R.S.
Wichtigste Tracks: "Gold Soundz", "Night Society", "Share the Red"
96 Mark Knopfler (Dire Straits)
Mark Knopflers erster großer Moment als Gitarrenheld - das flotte, herrlich melodische Solo auf dem Dire-Straits-Hit "Sultans of Swing" von 1978 - kam zu einer Zeit, als der Punk die Idee des Gitarrenhelden obsolet zu machen schien. Und doch erwarb sich Knopfler den Ruf eines äußerst kreativen Virtuosen (ganz zu schweigen von einem hervorragenden Songschreiber), der eine bemerkenswerte Bandbreite an Tönen und Strukturen beherrschte - von der knorrigen Verzerrung auf der Hitsingle "Money for Nothing" bis zur stechenden Präzision von "Tunnel of Love". Ein Schlüssel zu Knopflers unverkennbarem Stil: das Spielen ohne Plektrum. "Mit den Fingern zu spielen", sagte er, "hat etwas mit Unmittelbarkeit und Seele zu tun". Knopflers Vielseitigkeit machte ihn zu einem gefragten Partner für Projekte mit Künstlern wie Tina Turner, Eric Clapton und Bob Dylan, der Knopfler erstmals für das 1979 erschienene Album Slow Train Coming engagierte. -A.L.
Wichtigste Tracks: "Sultans of Swing", "Romeo and Juliet"
95 Mary Timony (Helium)
Die ungemein brillante Mary Timony schreibt seit drei Jahrzehnten das Regelwerk der Gitarre neu. Als jugendliche Satriani/Vai-Anhängerin brachte sie ihre gesamte klassisch ausgebildete Technik in den Punkrock ein. "Ich war zwar auf der Musikschule, aber ich spielte in der Hardcore-Szene von Washington", sagt sie. "Ich wusste, dass ich laut sein wollte." Mit Helium, einer der umwerfendsten Bands der Neunzigerjahre, machte sie sich mit Avant-Fuzz-Klassikern wie The Dirt of Luck einen Namen. Sie ging weiter zu Prog, Psychedelia, dem Rock-Swagger von Wild Flag und Ex Hex. Andere Schredderer vergöttern sie. Carrie Brownstein nennt sie "Timony, diese verrückte Zauberin". Lindsey Jordan von Snail Mail - einer ihrer Gitarrenschüler - sagte dem Rolling Stone: "Jeder will so sein wie sie." -R.S.
Wichtigste Tracks: "XXX", "Pat’s Trick", "Glass Tambourine"
94 Joe Satriani
Selbst wenn er nur als der Gitarrist bekannt wäre, der einst Kirk Hammett und Steve Vai zu seinen Schülern zählte, wäre Joe Satriani vielleicht immer noch ein Spieler, dessen Name nur leise geflüstert wird. Doch im "schneller ist besser"-Ökosystem der Achtzigerjahre fand Satriani geschickt eine Nische für sich als "geschmackvoller Schredder", eine melodische Stimme der Vernunft im damaligen Wettrüsten am Griffbrett. Sicher, "Satch", wie er oft genannt wird, hatte es faustdick hinter den Ohren, aber bei typischen Tracks wie "Surfing With the Alien" und "Summer Song" setzt er sie mit Bedacht und immer im Dienste des Songs ein, wie die klassischen Rockgitarristen, die er als Kind verehrt hat. "Wenn jemand wirklich schnell spielen will, kann er sechs Stunden am Tag üben und in zwei Jahren erstaunliche Ergebnisse sehen", sagte Satriani dem Guitar Player. "Aber es gibt keine Methode, um wie Jimi Hendrix oder Jimmy Page zu spielen." -T.B..
Key Tracks: "Surfing With the Alien", "Summer Song"
93 Leo Nocentelli (The Meters)
Als Leo Nocentelli in New Orleans aufwuchs, wollte er Jazz spielen wie seine Gitarrenhelden Kenny Burrell und Wes Montgomery. Aber wenn er "nachts mit einem Riff im Kopf aufwachte", wie er einem Reporter erzählte, nahm die Musik eine funkigere Form an. Zusammen mit seinen Bandkollegen bei den Meters nahm Nocentelli "Dinge, die schon ziemlich funky waren, und machte sie richtig funky", wie Generationen von Hip-Hop- und Dance-Music-Samplern bestätigen würden. Nocentellis Riffs stachen cool, ob bei Meters-Meisterwerken wie "Cissy Strut" und "Just Kissed My Baby" oder bei der Begleitung von Labelle bei "Lady Marmalade", neben vielen anderen. -M.M.
Schlüsseltracks: "Cissy Strut", "Just Kissed My Baby"
92 Wata (Boris)
Mehr noch als die Gitarre ist Watas Instrument ihr Verstärker. Im Laufe der Jahre hat ihre Band, das Avantgarde-Metal-Trio Boris, Alben mit den Titeln Amplifier Worship, Feedbacker und Noise veröffentlicht - wörtliche Bezeichnungen für die Art und Weise, wie sie lange, grummelnde Drones und Obertöne aus ihrem Verstärker zaubert und jeden unscharfen Akkord plätschern lässt, bis er verpufft. Aber Wata ist eine Meisterin von mehr als nur Lärm. Auf Boris’ fast 30 Alben, darunter Kollaborationen mit Noiseniks wie Merzbow und Sunn O))), haben sie und ihre Bandkollegen zwischen Psychedelic Rock, Doom Metal und Shoegaze gewechselt. Besonders beeindruckend ist, dass sie bei Pink einen EBow (einen elektronischen Geigenbogen für E-Gitarren) verwendet, um Noten zu erzeugen, die auf den Klangwellen surfen. -K.G.
Schlüsseltracks: "Huge", "Just Abandoned Myself"
91 Cat Coore (Third World)
Stephen "Cat" Coore von Third World definierte die Höhen, zu denen sich die Reggae-Gitarre aufschwingen konnte, praktisch neu, mit brennenden Soli, die sich mit denen der bekanntesten Rock-Gitarrengötter messen können - sehen Sie sich seine Saitenarbeit auf "Try Jah Love" von 1982 an, um ein Beispiel dafür zu finden, warum sein Lead-Spiel manchmal mit dem von Carlos Santana verglichen wird. Aber Coores Verständnis für die Bedeutung des Rhythmus ist ein wesentlicher Bestandteil seines Stils, und seine Plektrum-Begleitungen tragen oft dazu bei, den Motor der besten Stücke von Third World anzutreiben. Er ist auch ein Meister der Akustikgitarre, die nicht immer mit jamaikanischer Musik in Verbindung gebracht wird - seine Laubsägearbeiten auf "1865 (96 Degrees in the Shade)" haben dazu beigetragen, dass jamaikanische Zuhörer und andere jamaikanische Gitarristen die Möglichkeiten der Akustikgitarre im Reggae erkannt haben. -M. Goldwasser
Schlüssel-Tracks: "Try Jah Love", "1865 (96 Degrees in the Shade" (96 Grad im Schatten)
90 Mdou Moctar (from Niger)
Als Mdou Moctar im Niger aufwuchs, wurde ihm von seinen strengen Eltern verboten, Gitarre zu spielen. Unbeirrt baute er sich aus einem Stück Holz, gebrauchten Fahrradkabeln und Sardinendosenöffnern eine viersaitige Gitarre und begann eine musikalische Reise, die seine einzigartige und hypnotische Art der Touareg-Musik nach Europa, in die USA und darüber hinaus gebracht hat. Mdour, der inzwischen auf eine Fender Stratocaster umgestiegen ist, verwendet Modulationseffekte wie Flanging und Chorus sowie Echo und Hall, um seinen scharfen, aber treffsicheren Melodielinien einen Glanz zu verleihen, der sowohl spirituelle als auch irdische Weiten beschwört. "Der Himmel und die Sterne, das inspiriert dich, wenn du etwas schreiben willst oder wenn du spielen musst", sagte er 2021 zu Guitar World. "Es ist das Gefühl, frei zu sein, um zu tun, was man tun muss." -T.B..
Key Tracks: "Tarhatazed", "Mdou’s Theme", "Afrique Victime"
89 Lou Reed
Lou Reed, der eher als Songschreiber denn als virtuoser Gitarrist verehrt wird, war schon immer ein leidenschaftlicher Gitarrist - ein Fan des muskulösen R&B von Ike Turner und des brühenden Free Jazz von Ornette Coleman, der mit Velvet Underground von Anfang an neue Wege beschritt (u. a. mit seiner "Straußenstimmung"). Hören Sie sich die Süße und das Blut von "Heroin", den göttlichen Garagenrock von "What Goes On" und die epische Psychedelik von "Sister Ray" an. "Er war zu Recht sehr stolz auf sein eigenes Solospiel", schrieb sein New Yorker Gitarrenkollege Robert Quine, "aber er hatte sich damit abgefunden, dass die meisten Leute noch nicht bereit dafür waren". Als Solokünstler zerriss Reed immer wieder das Regelwerk: Siehe Metal Machine Music von 1975, ein Noise-Opus, das das Feedback weiter brachte, als Jimi Hendrix es sich hätte vorstellen können. -W.H.
Wichtigste Tracks: "Sister Ray", "Heroin", "Foggy Notion"
88 Kurt Cobain (Nirvana)
Für jemanden, der mit Kiss und den Melvins aufgewachsen ist, ist es nicht verwunderlich, dass Kurt Cobains Zugang zu seinem Instrument auf dem fruchtbaren Boden zwischen Arena-Rock und Indie-Punk lag. "Ich wollte nie singen", sagte Cobain 1994 dem Rolling Stone und erinnerte sich an seine Zeit vor dem Erfolg. "Ich wollte nur Rhythmusgitarre spielen - mich im Hintergrund verstecken und einfach nur spielen." Cobain kannte sich mit starken Power-Akkorden aus ("In Bloom" und "Stay Away"), aber seine Soli waren immer einfallsreich und unkonventionell, von dem gezackten Grind in "School" (auf Nirvanas Debütalbum "Bleach") bis zu dem Feueralarm in seiner letzten Aufnahme, Nirvanas "You Know You’re Right". Cobain bevorzugte Textur und Rohheit gegenüber Effekthascherei, und von ihm lernte eine Generation von Altrockern, dass man kein Virtuose sein muss, um ein Gitarrenheld zu sein. -D.B..
Wichtigste Tracks: "Smells Like Teen Spirit", "Scentless Apprentice"
87 Poison Ivy (The Cramps)
Poison Ivy hat es selbst am besten ausgedrückt: "Niemand redet mit mir über Musik oder Gitarre. Ich bin die Königin des Rock’n’Roll, und wenn das nicht anerkannt wird, ist das purer Sexismus." Ivy und ihre orangefarbene 1958er Gretsch 6120 waren der eigentliche Motor der Cramps und gaben der geisterhaften Rockabilliy-Band die Zombie-Dick-Dale-Note. Obwohl sie de facto die Co-Texterin und Komponistin der Band war, mag Ivy zeitweise gegenüber ihrem flamboyanteren Bandkollegen und Partner Lux Interior, der 2009 verstarb, in den Hintergrund getreten sein, aber ihr sechssaitiges Styling hat zahllose Bands mit einer Vorliebe für sexy Surf-Rock mit einer blutigen Kante inspiriert. "Vielleicht hat es mir das leichter gemacht, Gitarre zu spielen, weil ich sowieso so ein Außenseiter war", sagte sie einmal. "Vielleicht ist es für jemanden, der dazugehört, schwieriger, das zu tun. Für mich war alles ein faires Spiel." -B.E.
Key Tracks: "Human Fly", "Goo Goo Muck"
86 Sonny Sharrock
Sonny Sharrock wollte der nächste John Coltrane werden - bis ihn das Asthma zur Gitarre statt zum Saxophon trieb. Aber wie er 1990 sagte: "Ich betrachte mich als Jazz-Saxophonist mit einem sehr abgefuckten Horn". Auf Klassikern wie Pharoah Sanders’ "Tauhid" (1966) und Miles Davis’ "Jack Johnson" (1971) brachte Sharrock rockige Verzerrungen in den Jazz. Er verschwand jahrelang, erlebte aber in den Achtzigern mit seiner Solo-Gitarre und Bill Laswells Avant-Noise-Band Last Exit seine Blütezeit. Sein Meisterstück machte er schließlich in Ask the Ages, wo er zusammen mit Sanders und dem Schlagzeuger Elvin Jones auftrat, kurz vor seinem tragischen Tod im Jahr 1994. "Interkonfessionelle intergalaktische Musik", nannte ihn Carlos Santana. "Er ist wie Coltrane - er ist der kosmische Löwe." -R.S.
Key Tracks: "Yesternow", "Sheraserhead’s High-Top Sneakers", "Many Mansions"
85 Larry Carlton
84 Muddy Waters
Wäre er in Mississippi geblieben und hätte in Roadhouses in und um Clarksdale gespielt, wäre McKinley Morganfield zweifellos als ein Gigant des Country-Blues in Erinnerung geblieben. Doch nachdem er in den Norden nach Chicago gezogen war und die elektrische Gitarre entdeckt hatte, änderte Muddy Waters die Regeln, nach denen der Blues gespielt wurde. Zunächst spielte er nur elektrisch, um sicherzustellen, dass seine Gitarre über das Getöse der lärmenden Großstadtmenschen hinweg gehört wurde. Aber als sich sein Spiel an das neue Instrument anpasste, bekam seine Musik eine aggressivere Note, die durch eine Band mit dem Pianisten Otis Spann und dem Mundharmonika-Zauberer Little Walter noch verstärkt wurde. Seine Songs, darunter Klassiker wie "Hoochie Coochie Man", "Got My Mojo Working" und "Rollin’ and Tumblin’", wurden zu Prüfsteinen für Blueser und junge Rocker gleichermaßen. -J.D.C.
Wichtigste Tracks: "Rollin’ Stone", "Mannish Boy"
83 Adrian Smith and Dave Murray (Iron Maiden)
Die Geheimwaffen von Iron Maiden waren schon immer Geschwindigkeit und Harmonie, Techniken, die von den Gitarristen Dave Murray und Dennis Stratton auf dem selbstbetitelten Debüt der Band eingeführt und später von Murray und Adrian Smith ab dem 1981er Album Killers und den klassischen Alben der Band aus den Achtzigern perfektioniert wurden. Das Duo beherrscht die galoppierenden Riffs der Band mit seltener Intensität und macht nur dann Pausen, wenn sie sich ihren eigenen einzigartigen Soli hingeben: sanfte, cremige Leads für Murray und schneidende Blues-Licks für Smith. Diese Combo prägt so beliebte Songs wie "The Trooper", "Run to the Hills" und "Aces High". Seit 1999 ist die Gitarrenlinie ein Trio mit Janick Gers, was die Harmonien und die Kraft noch verstärkt. -K.G.
Wichtigste Tracks: "Hallowed Be Thy Name", "Aces High", "The Evil That Men Do"
82 Wes Montgomery
In dem Dokumentarfilm Influences nannte Carlos Santana Wes Montgomery als einen der drei Gitarristen, die ihn am meisten inspiriert haben. Montgomery, der für seinen einzigartigen Daumen-Picking-Stil bekannt war, der es ihm ermöglichte, Melodielinien in Oktaven zu spielen, wurde zu einem der gefragtesten Gitarristen des Jazz. In Zusammenarbeit mit dem Produzenten Creed Taylor nahm er alles auf, vom treibenden Hard Bop (Smokin’ at the Half Note von 1965) bis zum funkigen Soul Jazz (Tequila von 1966). Aber es war seine üppig orchestrierte Interpretation von Rockhits, A Day in the Life von 1967, die ihm sein größtes Publikum einbrachte und damit den Weg für Smooth Jazz ebnete. Bill Frisell sagte: "Wes Montgomery spielte die Musik, die zu diesem Zeitpunkt populär war. Es war, als wäre er der Rattenfänger oder so etwas". -J.D.C.
Wichtigste Tracks: "Four on Six", "Willow Weep for Me", "Bumpin
81 Bert Jansch
Die britische Folk-Rock-Szene der Sechzigerjahre bescherte uns eine Musikklasse voller versierter Musiker, darunter Richard Thompson und John Renbourn. Aber es gibt einen Grund, warum Bert Jansch, der schottische Sänger und Gitarrist, von Jimmy Page und Neil Young namentlich erwähnt wurde. Ob auf seinen eigenen Platten oder mit der klassischen Band Pentangle, zu der auch Renbourn gehörte, Janschs strenges Fingerpicking (das auch zu seiner Gesangsstimme passte) hatte eine ganz eigene agile, launische Persönlichkeit. In seinen Händen erinnerte die Akustikgitarre mehr an einsame Spaziergänge in der britischen Landschaft als an Mitsingkonzerte in Pubs. Sein "Black Water Side" ist eindeutig von Led Zeppelins "Black Mountain Side" inspiriert, und ihr "Bron-Y-Aur Stomp" hat ein paar Anleihen bei Janschs "The Waggoner’s Lad", und Young coverte "Needle of Death". -D.B..
Wichtigste Tracks: "Black Water Side", "The Waggoner’s Lad"
80 Derek Trucks (Tedeschi-Trucks Band/Allman Brothers)
Buchstäblich in der Allman Brothers-Familie aufgewachsen, begann Derek Trucks - der Neffe des Allmans-Schlagzeugers Butch Trucks - mit neun Jahren Slide-Gitarre zu spielen und ging mit 12 Jahren auf Tour. Als er 1999 im Alter von 20 Jahren den Platz des verstorbenen Duane Allman an der Slide-Gitarre in der Allman Brothers Band einnahm, explodierte Dereks Solospiel in aufregende Richtungen. Er schaffte es, Delta-Blues, Hard-Bop-Jazz, die vokalen Ekstasen des Southern Black Gospel und indianische Modalitäten und Rhythmen zu integrieren. "Er ist wie ein Fass ohne Boden", sagte Eric Clapton, der Trucks 2006 und 2007 als Sideman mit auf Tour nahm. "Sein Ding ist sehr tiefgründig." -D.F.
Key Tracks: "Joyful Noise", "Whipping Post (One Way Out Version)"
79 Ernie Isley (Isley Brothers)
Als Ernie Isley als Teenager zum ersten Mal zur Gitarre griff, lernte er Jose Felicianos Akustikversion von "Light My Fire" von den Doors - und natürlich hatte der einstige Isley Brothers-Gitarrist Jimi Hendrix bei der Familie gelebt, als Ernie noch ein Jugendlicher war. Er war also bereit für das Rampenlicht, als er 1973 sein Solo bei That Lady" in einem einzigen Take aufnahm. "Als ich die erste Note auf der Rhythmus-Spur von ‚That Lady’ anschlug, verwandelte sich das Bild von Schwarz-Weiß in 3D-Farbton", erinnert er sich. "Es war verblüffend." Der Song hatte einen sofortigen, übergroßen Einfluss auf den Sound der Isleys - seine langen Soli waren ein Merkmal sowohl der klassischen Siebziger-Alben der Band als auch ihrer Liveshows - und sein strahlender, ekstatischer Fuzz-Ton bleibt ein Marker für eine glückliche Ära. -M.M.
Wichtigste Tracks: "That Lady", "Voyage to Atlantis"
78 Charlie Christian
Er leitete nie eine Aufnahmesession und verbrachte gerade einmal drei Jahre im nationalen Rampenlicht, bevor er 1942 der Tuberkulose erlag, aber Charlie Christian schaffte es dennoch, einer der einflussreichsten Gitarristen aller Zeiten zu werden. Seine erste E-Gitarre, eine Gibson ES150, kaufte er 1937, und ein Jahr später warb die Firma damit, sie "wie von Charlie Christian benutzt". Sein großer Durchbruch kam 1939, als er von Bennie Goodman angeheuert wurde, der ihn schnell zum Solisten in seinem Sextett machte, wo er mit seinem druckvollen, eintönigen Stil den Bläsern ebenbürtig war. "Der Beat kam zuerst", sagte Les Paul, ein Freund. "Er hat sich auf diesen treibenden Sound eingeschossen". -J.D.C.
Schlüsseltracks: "Solo Flight", "Gone With What Wind", "Lester’s Dream"
77 Willie Nelson
Wie sein gesprächiger Gesang ist auch Willie Nelsons Gitarrenspiel täuschend lässig, spielerisch unkonventionell und sofort wiedererkennbar. Erstaunlicherweise spielt Nelson seit 1969 dieselbe Martin M-20-Klassikgitarre mit dem Spitznamen Trigger; sie hat seinen Sound definiert, eine nylongestochene Mischung aus Country, Blues und Django Reinhardts Gypsy Jazz. "Ich habe meine Gitarre Trigger genannt, weil sie so etwas wie mein Pferd ist", erklärt er. "Roy Rogers hatte ein Pferd namens Trigger". Obwohl die Gitarre jetzt ein großes, klaffendes Loch hat, spielt Nelson sie immer noch jeden Abend. "Ich bin zu der Überzeugung gelangt, dass wir füreinander bestimmt sind", sagte er. "Wir beide sehen uns sogar ähnlich. Wir sind beide ziemlich ramponiert und zerschrammt".
Key Tracks: "Whiskey River", "Night Life"
76 Joan Jett
Joan Jetts Zukunft als Rockerin war vorherbestimmt, erklärte sie einmal: "Als ich 11 oder 12 war, hatte ich endlich den Mut zu sagen: ‘Mama, Papa, ich will eine Gitarre zu Weihnachten, und zwar keine Folk-Gitarre’." Im Alter von 15 Jahren wurde sie als Gitarristin für die Runaways engagiert - nicht zuletzt, weil, wie ihr Manager Kim Fowley es ausdrückte, "ich merkte, dass Joan lieber Keith Richard als Duane Allman sein wollte". Der Unterschied besteht darin, dass Keef schon immer eine Vorliebe für den Blues hatte, während Jetts aus dem Glam stammende rhythmische Kraft eher treibend und geradlinig ist: Sie ist ebenso ein Punk-Urgestein wie Johnny Ramone es war. -M.M.
Wichtigste Tracks: "Cherry Bomb", "Do You Wanna Touch Me (Oh Yeah)"
75 Ritchie Blackmore (Deep Purple/Rainbow)
Ritchie Blackmore, der vor allem für das gigantische Riff im Herzen von Deep Purples "Smoke on the Water" bekannt ist, trug dazu bei, die Heavy-Metal-Gitarre zu definieren, indem er komplizierte klassische Kompositionen mit rauem Bluesrock mischte. Blackmore sorgte 1972 mit Machine Head für Furore; seine Soli in den Boogie-Rockern "Highway Star" und "Lazy" sind bis heute Musterbeispiele für Metal-Pyrotechnik. Mit seiner nächsten Band, Rainbow, besann er sich auf die frühe europäische Musik - er lernte sogar Cello, um das stampfende "Stargazer" von 1976 zu schreiben - und erforschte mit Blackmore’s Night das Fingerpicking im Stil der Renaissance. Aber es ist seine Arbeit mit Deep Purple, die eine ganze Generation von Headbangern beeinflusst hat. "Blackmore verkörperte diese Faszination, die ich von der bloßen Essenz des Rock & Roll hatte, dieses Element der Gefahr", sagt Lars Ulrich von Metallica. -R.T.
Schlüsseltracks: "Smoke on the Water", "Highway Star", "Speed King"
74 J Mascis (Dinosaur Jr.)
Die massiven Platten aus Rock-Bonbons, die J Mascis bei Dinosaur Jr. aus seiner Fender Jazzmaster schmetterte, enthielten eine Vielzahl von Elementen: Black-Sabbath-Wildheit, melodischer Neil-Young-Soul, Punk-Rock-Schweinefraß. Sein größter Moment ist vielleicht das stotternde Solo auf "Freak Scene", das so fesselnd ist, dass er es kaum unterbricht, um die letzte Strophe einzuklemmen. Mascis’ Soloset von 2011, Several Shades of Why, zeigte, dass er auch mit einem Akustikinstrument schamlos schön werden kann. "Ich erinnere mich, dass ich Dinosaur dieses sanfte, klagende Lied spielen sah - und dann wurde es von diesem wütenden Solo, das J gespielt hat, komplett zur Explosion gebracht", sagt Thurston Moore von Sonic Youth. "Der ganze Raum wurde eingeäschert." -W.H.
Schlüsseltracks: "Feel the Pain", "Little Fury Things"
73 Hubert Sumlin (Howlin’ Wolf)
"Ich liebe Hubert Sumlin", hat Jimmy Page gesagt. "Er hat immer das Richtige zur richtigen Zeit gespielt." In den mehr als zwei Jahrzehnten, in denen er an der Seite von Howlin’ Wolf spielte, schien Sumlin immer eine fast telepathische Verbindung zu dem legendären Bluessänger zu haben. Er ergänzte Wolfs wilde Schreie mit kantigen, schneidenden Gitarrenlinien und perfekt platzierten Riffs in so unsterblichen Songs wie "Wang Dang Doodle", "Back Door Man" und "Killing Floor". Sumlin hatte einen solchen Einfluss, dass Wolfs größter Rivale, Muddy Waters, ihn 1956 sogar für eine kurze Zeit anheuerte. Sumlin, der 2011 im Alter von 80 Jahren verstarb, spielte bis zum Schluss und tauchte manchmal in Gesellschaft von Gefolgsleuten wie den Rolling Stones, Elvis Costello, Eric Clapton und der Allman Brothers Band auf der Bühne auf. -D.W.
Wichtigste Tracks: "Smokestack Lightning", "Spoonful", "Killing Floor"
72 John McLaughlin (Mahavishnu Orchestra)
John McLaughlin wurde bereits in seinen Zwanzigern zu Aufnahmen mit Miles Davis eingeladen und wirkte unter anderem an der Jazz-Fusion auf Bitches Brew (auf der ein Song mit dem Titel "John McLaughlin" zu hören ist) und dem erhabenen In a Silent Way mit. Den Status eines Gitarrengotts erreichte er jedoch mit seinem eigenen Mahavishnu Orchestra, wo er seine Gibson wie einen vielköpfigen Drachen Feuer spucken ließ. Als halsbrecherischer Stilist war McLaughlin unvergleichlich und mischte psychedelischen Rock, R&B, Gypsy Jazz, Flamenco und indische Raga-Techniken. Er war auch ein Visionär der akustischen Gitarre: siehe My Goal’s Beyond von 1970. Diese polyglotte Meisterschaft brachte ihm großen Respekt von Jazz- und Rockkollegen gleichermaßen ein: Jeff Beck nannte ihn "den besten lebenden Gitarristen". -W.H.
Wichtigste Tracks: "Right Off", "The Noonward Race"
71 Franco Luambo
Der kongolesische Sänger, Gitarrist und Bandleader François Luambo Makiadi, besser bekannt als Franco, ist eine überragende Figur in der Geschichte der afrikanischen Musik. In seiner 31-jährigen Karriere veröffentlichte er 84 Alben und verdiente sich Spitznamen wie "Zauberer der Gitarre" und "Grand Maître der zairischen Musik" - und das in nur 51 Jahren seiner überlebensgroßen Karriere. Als geduldiger, fließender Musiker, der die Kunst beherrschte, gleichzeitig zu glänzen und in einen sich wiederholenden Groove einzutauchen, begannen Franco und seine Band OK Jazz in den fünfziger Jahren mit afro-lateinischer "Rumba" und erreichten ihren Höhepunkt in den siebziger und achtziger Jahren, als dieser Sound schneller wurde und sich zu den energiegeladenen Gitarrenweben des Soukous entwickelte. Er war ein Teamplayer, der die Synergie der gesamten Band mehr genoss als auffällige Soli, und er balancierte Muskelkraft und Anmut wie nur wenige Spieler in jedem Genre. -J.D.
Wichtigste Tracks: "Ngungi", "Mario"
70 Django Reinhardt
Der 1910 in Belgien geborene Django Reinhardt war einer der ersten Spieler, die das Potenzial der Gitarre als Lead-Instrument für Single-Note-Soli entdeckten. Nachdem er durch eine tragische Verletzung in jungen Jahren den Gebrauch seines dritten und vierten Fingers verloren hatte, lernte er, das Instrument mit nur zwei funktionstüchtigen Ziffern seiner linken Hand zu spielen. In Paris lernte Reinhardt schließlich den Geiger Stéphane Grappelli kennen. 1934 gründeten die beiden die legendäre Quintette du Hot Club de France, eine Gruppe, in der der Gitarrist seinen gewundenen und fließenden Improvisationsstil perfektionierte, der nicht nur Jazzlegenden wie Charlie Christian und Wes Montgomery, sondern auch Rock-Innovatoren wie Jeff Beck und Dickey Betts von der Allman Brothers Band beeinflussen sollte. -T.B.
Wichtigste Tracks: "Django’s Tiger", "Djangology", "Honeysuckle Rose"
69 Robbie Robertson (The Band)
Als Bob Dylan den "wilden Quecksilbersound" der Band beschrieb, meinte er eigentlich Robbie Robertsons Gitarre, wie sein rasantes, krächzendes Solo bei "Just Like Tom Thumb’s Blues" von der Tournee 1966 beweist. Aber zu der Zeit, als die Band ihre eigenen LPs aufnahm, hatte Robertson seine Herangehensweise heruntergeschraubt und sich zu einem vollendeten Ensemble-Spieler entwickelt. Wie kein anderer Gitarrist seiner Zeit zeigte Robertson, wie ein Gitarrist zu einem Ensemble beitragen kann, ohne es zu überwältigen. "Ich wollte in die entgegengesetzte Richtung gehen", sagte Robertson, "Dinge tun, die so geschmackvoll und diskret und subtil waren, wie Curtis Mayfield und Steve Cropper ... wo es nur um den Song ging." -D.B..
Wichtigste Tracks: "The Shape I‘m In", "Like a Rolling Stone (Live 1966)"
68 Les Paul
Les Paul ist vor allem als das Genie bekannt, das die Gibson-Gitarre mit massivem Korpus erfand, die seinen Namen trägt. Aber er war ein ebenso einfallsreicher Gitarrist. "Er schuf die besten Gitarrensounds der 1950er Jahre", sagte Brian Wilson. "Es gibt niemanden, der ihm nahe kam. Eine lange Reihe von Hits in den Vierziger- und Fünfzigerjahren (allein und mit seiner Frau, der Sängerin und Gitarristin Mary Ford) begründete seinen unverwechselbaren Stil: elegante, sauber getönte Improvisationen mit flinken Fingern über aktuelle Pop-Standards. Paul schuf eine Reihe bahnbrechender technischer Neuerungen, darunter mehrschichtige Studio-Overdubs und die Wiedergabe von Tonbändern mit variabler Geschwindigkeit, um Klänge zu erzielen, die noch niemand zuvor erfunden hatte - siehe das Insektenschwarm-Solo auf seiner Aufnahme von "Lover" aus dem Jahr 1948. -D.W.
Wichtigste Tracks: "How High the Moon", "Tiger Rag"
67 Kevin Shields (My Bloody Valentine)
Kevin Shields verfolgte mit dem engelsgleichen Sludge von My Bloody Valentine seine eigene Vision von schwerer Glückseligkeit und veränderte die nächsten 30 Jahre des Indie-Rock völlig. Sein unverkennbarer, hallender, zitternder "Glide-Guitar"-Stil - den er auf seiner Fender Jazzmaster durch Bewegen des Tremolo-Arms während des Anschlags erzeugte - schuf Laken aus herrlichem, sich überlagerndem Lärm, die den Eindruck erweckten, dass ein Künstler sein Ego in einem Ozean von Klängen versenkt. Das Ergebnis beeinflusste eine ganze Reihe von Bands, die schmerzhaft laut, zutiefst überwältigend und unheimlich intensiv sein wollten, ohne dabei auf altbewährte Rock-Tropen zurückzugreifen. Über drei Jahrzehnte nach der Veröffentlichung von MBVs epochalem Album Loveless ist es immer noch der Gral des Shoegaze. Shields sagte dem Rolling Stone 2017: "Wenn du Punkrock-Gitarre oder auf Sounds basierende Gitarre spielst, geht es mehr um deine Fähigkeit, dich selbst zu transzendieren." -J.D.
Key Tracks: "Only Shallow", "Soon"
66 Ry Cooder
Ry Cooder bezeichnete sein Spiel - ein sublimes Amalgam aus amerikanischem Folk und Blues, hawaiianischer Slack-Key-Gitarre, dem Tex-Mex-Schwung des Conjunto und der königlichen Sinnlichkeit des afro-kubanischen Son - einmal als "eine Art außer Kontrolle geratene Dampfmaschine". Als Sideman hat Cooder den Klassikern von Randy Newman, den Rolling Stones und Eric Clapton wahre Schärfe und emotionale Nuancen verliehen. Cooder ist auch ein gefühlvoller Bewahrer, der die Vergangenheit in der modernen Welt lebendig und dynamisch hält. Ein gutes Beispiel: die Nacht, in der Bob Dylan in Cooders Haus auftauchte und um eine Lektion bat, wie man wie der Blueser Sleepy John Estes Gitarre spielt. -A.L.
Wichtigste Tracks: "Memo From Turner", "Boomer’s Story"
65 T-Bone Walker
Als B.B. King T-Bone Walker hörte, "dachte er, Jesus selbst sei auf die Erde zurückgekehrt und spiele E-Gitarre". Walker erfand das Gitarrensolo, wie wir es kennen, und entwickelte einen neuen Stil mit fließenden Phrasierungen, bluesigen Bends und Vibrato. Der klare Ton und die melodische Erfindung seiner Single "Mean Old World" von 1942 begeisterten alle, und Walker verfeinerte seinen Ansatz mit Hits wie "Call It Stormy Monday". "Ich bin ein bisschen zu früh auf die Welt gekommen", sagte Walker. "Ich würde sagen, ich war etwa 30 Jahre vor meiner Zeit." -A.L.
Key Tracks: "Call It Stormy Monday", "T-Bone Shuffle", "Mean Old World"
64 Carrie Brownstein (Sleater-Kinney)
Carrie Brownstein lässt ihre Gibson SG wie eine wilde Stimme der Wut und des Überschwangs erklingen. Als Sleater-Kinney aus der Riot-Grrrl-Szene des pazifischen Nordwestens hervorgingen, liebte Brownstein es zu shredden - jetzt war sie eine schamlose Gitarrenheldin, ein Punk, der das gesamte Rock-Erbe als sein Revier beanspruchte. Sie zeigte sogar den Pete Townshend Windmill-Move. Sie tauschte die Riffs mit Corin Tucker über Janet Weiss’ Schlagzeug für das allmächtige Gebrüll von Dig Me Out (1997) und The Woods (2005); sie tat sich mit Mary Timony in The Spells und Wild Flag zusammen. "Ich wollte, dass sich die Gitarre wie eine Waffe anfühlt", sagte Brownstein einmal. "Sie könnte Geschichten erzählen oder in meinem Namen singen. Ich wollte, dass sie pointiert und auch ein wenig beängstigend ist" - R.S.
Schlüsseltracks: "Call The Doctor", "Get Up", "Entertain"
63 Richard Thompson
Richard Thompson ist seit seiner Zeit bei Fairport Convention, einer britischen Folk-Rock-Band, die sich der traditionellen englischen Musik zuwandte, einer der schillerndsten Stilisten des Rock. Er schoss lebensbejahende Riffs inmitten von Texten, die zum Sprung von einer Brücke animierten (wortwörtlich: siehe Richard und Linda Thompsons 1982er-Klassiker "Did She Jump Or Was She Pushed?"), und kombinierte einen rockigen Flat-Pick-Angriff mit schnellem Fingerpicking. Seine E-Gitarren-Soli, die weniger im Blues als in der keltischen Musik verwurzelt sind, können atemberaubend sein, aber sein Akustik-Picking ist ebenso umwerfend; niemand weiß, wie viele Tränen von Spielern vergossen wurden, die versuchten, "1952 Vincent Black Lightning" zu spielen. -W.H.
Wichtigste Tracks: "Shoot Out the Lights", "1952 Vincent Black Lightning"
62 Peter Green (Fleetwood Mac)
Ende 1966 hatte Peter Green die Aufgabe, Eric Clapton bei John Mayall’s Bluesbreakers zu ersetzen. Mayall sagte zu seinem Produzenten: "Er ist jetzt vielleicht nicht besser (als Clapton). Aber warte nur ab ... er wird der Beste sein." Bald war er mit den Original-Fleetwood Mac der progressivste Blues-Gitarrist Großbritanniens, mit einer von Chicago beeinflussten Aggression, die durch das melodische Abenteuer auf Alben wie Then Play On von 1969 noch verstärkt wurde. Green trat bald in ein dunkles Zeitalter psychischer und gesundheitlicher Probleme ein und kehrte in den Neunzigern mit gedämpfteren, aber erkennbaren Talenten zurück. "Es hat nichts zu bedeuten, schnell zu spielen", sagte Green der britischen Musikzeitung Record Mirror. "Ich spiele gerne langsam und fühle jede Note - sie kommt aus jedem Teil meines Körpers und meines Herzens und in meine Finger. Ich muss sie wirklich fühlen. Ich bringe die Gitarre dazu, den Blues zu singen." -D.F.
Schlüsseltracks: "Albatross", "Rattlesnake Shake"
61 John Mayer
John Mayers explosiver Erfolg als Popsänger und -songwriter in den frühen 2000er Jahren überschattete sein Spiel, aber seine Gitarrenkünste waren von Anfang an vorhanden. Man höre sich nur das aalglatte City-Juwel "Neon" auf seinem Debütalbum "Room for Squares" aus dem Jahr 2001 an oder alles, was er jemals mit dem John Mayer Trio gemacht hat, und man hört seine gekonnte Mischung aus Stevie Ray Vaughan-artigem Blues und süchtig machenden Pop-Licks. Mayers Opus magnum aus dem Jahr 2006, Continuum, enthält einige seiner besten Soli, von "Gravity" über "Slow Dancing in a Burning Room" bis hin zu seiner Coverversion von Jimi Hendrix’ "Bold as Love". Und 2015 gewann er als Mitglied von Dead and Company ein ganz neues Publikum und erweiterte seinen Lebenslauf zum Gefolgsmann von Jerry Garcia. Laut Mayer ist das alles ein Traum, der auf seine Kindheit zurückgeht. "Ich hatte diese Vision, als ich an einem regnerischen Nachmittag am Fenster saß und einfach nur Gitarre spielte", sagte er 2007 dem Rolling Stone. "Ich sagte zu mir: ‚Wenn ich genug Saiten und Strom habe, kann ich für immer Gitarre spielen. Ich brauche nichts anderes.’" -A.M.
Key Tracks: "Gravity", "In Your Atmosphere"
60 Scotty Moore (Elvis Presley)
Am 5. Juli 1954 spielten Elvis Presley, der Gitarrist Scotty Moore und der Bassist Bill Black während einer Sitzungspause bei Sun Records in Memphis an einer aufgepeppten Version von Arthur Crudups That’s All Right" herum. Die Gitarre sollte nie wieder dieselbe sein: Moores prägnante, aggressive Läufe mischten Country-Picking und Blues-Phrasierung zu einer neuen Instrumentensprache. Das Spiel war so kraftvoll, dass man leicht vergisst, dass es keinen Schlagzeuger gab. Hätte Moore nur die 18 Sun-Aufnahmen - darunter "Mystery Train" und "Good Rockin’ Tonight" - gemacht, wäre ihm sein Platz in der Geschichte sicher. "Alle anderen wollten Elvis sein", sagte Keith Richards. "Ich wollte Scotty sein." -A.L.
Schlüsseltracks: "That’s All Right", "Mystery Train"
59 Robert Fripp
Seit der ersten Probe von King Crimson im Jahr 1969 bis zu ihrer letzten Tournee im Jahr 2021 war Robert Fripp die prägende instrumentale Stimme der Band, eine einzigartige Mischung aus verzerrter Komplexität und meisterhaftem Sustain. "Crimson war immer eine Band von Spielern", sagte Fripp 2019 dem Rolling Stone. "Mein Interesse war es, Plattformen zu präsentieren, auf denen man gute Musiker bis zu einem bestimmten Punkt bringt und dann sagt: ‚Los.’" Diese Dualität ist am besten auf dem progressivsten Prog-Rock-Album zu hören, das je gemacht wurde, Crimsons dornig-metallischem Klassiker von 1973, Larks’ Tongues in Aspic. Fripps berühmteste Gitarrenlinie ist die Fuzz-Sirenen-Hook im Titeltrack von David Bowies "Heroes". Fripp würde "anfangen, ohne die Akkordfolge zu kennen", sagte Produzent Brian Eno und fügte hinzu, dass Fripps Arbeit an dem Bowie-Album von 1977 "nur aus ersten Takes bestand". -D.F.
Wichtigste Tracks: "21st Century Schizoid Man", "Heroes"
58 Alex Lifeson (Rush)
Selbst wenn er nie über das hirnzermarternde Riffing von "2112" und "Xanadu" hinausgekommen wäre, hätte Alex Lifeson von Rush einen großen, wenn auch unbemerkten Einfluss auf Metallica und andere Metal-Bands ausgeübt. Aber er vervollständigte den Power-Trio-Sound von Rush mit einer nahtlosen Mischung aus üppigen Arpeggios und Rock-Crunch, die nach mindestens zwei Musikern gleichzeitig klang - und er erfand seinen Sound weiter, als die Achtziger näher rückten, und fand seine eigene Interpretation von Andy Summers’ Echo- und Reggae-Ansatz. "In einer dreiköpfigen Band zu spielen, kam mir immer ein wenig leer vor", sagt Lifeson, "und die Gitarre musste einfach eine breitere Aussage machen." Doch sein gewagtes Spiel behält Lifeson für seine Soli vor, bei denen er oft sehr exotische Noten wählt: Versuchen Sie einmal, die außerirdische Verrücktheit etwa seines "Freewill"-Solos zu begreifen. -R.T.
Wichtigste Tracks: "La Villa Strangiato", "The Spirit of Radio"
57 Thurston Moore and Lee Ranaldo (Sonic Youth)
In den Achtzigern beschlossen Sonic Youth, dass das Rock-Handbuch für sie nicht galt: Die Songs brauchten keine traditionellen Strukturen, die Stimmen mussten nicht perfekt aufeinander abgestimmt sein, und Rückkopplungen konnten alles überlagern. Dieser subversive Ansatz galt auch für die Doppelgitarrenarbeit von Thurston Moore und Lee Ranaldo. Jeder von ihnen hatte einen ganz eigenen Stil - Moore war im Punk verwurzelt, Ranaldo in allem, von den Dead bis zum klassischen Rock - aber beide attackierten ihre ramponierten, umgebauten Instrumente mit Schraubenziehern oder Bohrern oder schwenkten sie um die Verstärker, um so viel Verzerrung wie möglich zu erreichen. Indem sie mehr Texturen als Soli austauschten, schufen sie gemeinsam eine neue Klangwand und schrieben die Regeln dafür neu, wie Gitarren nicht nur aussehen, sondern auch klingen sollten. -D.B..
Wichtigste Tracks: "Silver Rocket", "The Diamond Sea", "Theresa’s Sound-World"
56 Johnny Marr (The Smiths)
Der Gitarrist von The Smiths war ein Gitarrengenie der Post-Punk-Ära: kein protziger Solist, sondern ein Techniker, der wie eine ganze Band klingen konnte. Als Kind, das Motown-Platten studierte, versuchte Johnny Marr, nicht nur Gitarrenriffs, sondern auch Klavier und Streicher mit der rechten Hand nachzuspielen. Seine üppigen Arpeggios - oft auf einer klingenden Rickenbacker mit unglaublichem Fluss und Detailreichtum gespielt - waren für den unverwechselbaren Sound der Smiths ebenso wichtig wie Morrisseys Bariton. Und er war ein unermüdlicher Entdecker: Für "This Charming Man" von 1983 ließ Marr Messer auf eine 54er Telecaster fallen, ein aufschlussreicher Vorfall, auf den Radiohead in ihrem von den Smiths inspirierten "Knives Out" angespielt haben könnten. "Er war ein brillanter Rhythmusspieler, spielte selten Soli und war so voller Sounds", sagte Ed O’Brien von Radiohead, der zu einer ganzen Generation britischer Gitarristen gehört, die sich an Marr orientierten. -W.H.
Wichtigste Tracks: "This Charming Man", "How Soon Is Now?"
55 Mick Taylor (The Rolling Stones)
"Manchmal war ich voller Ehrfurcht, wenn ich Mick Taylor zuhörte", schrieb Keith Richards in seinen Memoiren. "In seinem Spiel war alles vorhanden - die melodische Note, ein wunderschönes Sustain und eine Art, einen Song zu lesen." Taylor war erst 20 Jahre alt, als die Rolling Stones ihn 1969 als Ersatz für Brian Jones von John Mayall’s Bluesbreakers rekrutierten. Sein Einfluss auf Meisterwerke wie "Exile on Main Street" und "Sticky Fingers" war sofort spürbar. Der schmutzige Slide bei "Love in Vain", die atemberaubende Präzision bei "All Down the Line" (wo sein Spiel brillant den Klang einer Mundharmonika imitiert), die ausgedehnte, vom Latin-Jazz inspirierte Coda bei "Can’t You Hear Me Knocking" - es ist kein Zufall, dass Taylors Zeit mit den durchweg großartigen Aufnahmen der Stones zusammenfiel. -A.L.
Wichtigste Tracks: "Can’t You Hear Me Knocking", "All Down the Line"
54 Bonnie Raitt
Bonnie Raitt mag die Tochter des Broadway-Stars John Raitt sein, aber ihre Ersatzeltern waren Howlin’ Wolf, Furry Lewis und Mississippi Fred McDowell, die sie zu Beginn ihrer Karriere kennenlernte und mit denen sie auf Tournee ging. Und das zeigte sich: Beginnend mit dem akustischen Slide-Workout von "Walking Blues" aus dem Jahr 1971 zeigte Raitt eine mühelose Beherrschung von Bluesgitarren-Licks und -Gefühl. Sie konnte mit den Besten fingerpicken (Love Me Like a Man" von 1972) oder Slide spielen wie ein alter Meister (Kokomo Blues/Write Me a Few of Your Lines" von 1973), und ihr Durchbruch mit Thing Called Love" von 1989 katapultierte den elektrischen Slide in die Pop-Charts. Wie man an den Werken von Nachfolgern wie Susan Tedeschi und Kaki King hören kann, betrat Raitt echtes Neuland, als das Spielen von Mundartgitarre noch als Männersache galt. -D.B..
Wichtigste Tracks: "Runaway", "Something to Talk About"
53 Trey Anastasio (Phish)
Es ist eine Sache, andere Gitarristen zu beeinflussen, aber Trey Anastasios weitreichende Herangehensweise an sein Instrument hat sich als nichts weniger als ein kulturelles Leuchtfeuer erwiesen. Anastasio und seine Bandkollegen von Phish haben, ähnlich wie die Grateful Dead vor ihnen, einen Stamm besessener Fans geschaffen, die der Band von Auftritt zu Auftritt folgen und heftig über die Vorzüge sowohl offizieller als auch illegaler Live-Aufnahmen diskutieren. Und obwohl die psychedelische Erholung sicherlich ein Teil des Phish-Rituals ist, ist es Anastasios übernatürliche Fähigkeit, seine schlüpfrigen und raffinierten modalen Improvisationen frisch, kinetisch und fast telepathisch mit seinen Bandkollegen verbunden zu halten, die die Fans durch ihren musikalischen Trip führt. Kein Wunder, dass alle, von Dave Matthews bis zu den New Yorker Philharmonikern, gerne mit dem Gitarristen zusammenarbeiten, wenn Phish eine Pause einlegt. "Bei vielen Phish-Jams lande ich bei einer einfachen, fast kindlichen Phrase und lasse sie dann laufen", sagte er dem Guitar Player. "Einige meiner Lieblingsimprovisatoren arbeiten auf diese Weise. -T.B..
Key Tracks: "Stash" (A Live One Version), "Divided Sky", "Fluffhead" (8/26/89)
52 John Lee Hooker
"Ich spiele keine ausgefallene Gitarre", sagte John Lee Hooker einmal. "Ich will sie nicht spielen. Die Art von Gitarre, die ich spielen will, sind fiese, fiese Licks." Hookers Stil ließ sich nicht als urbaner oder Country-Blues definieren - er war etwas ganz Eigenes, geheimnisvoll, funky und hypnotisch. Auf monumentalen Klassikern wie "Boogie Chillen" - ein Nummer-Eins-R&B-Hit im Jahr 1949 - "Boom Boom" und "Crawlin’ King Snake" perfektionierte er einen dröhnenden, stampfenden Groove, oft in eigenwilligen Taktarten und auf einen Akkord fixiert, mit einer zeitlosen Kraft. "Er war schon zu seiner Zeit ein Rückschritt", sagte Keith Richards. "Selbst Muddy Waters war neben ihm anspruchsvoll. Hooker war eine entscheidende Figur im Blues-Boom der sechziger Jahre; sein Boogie wurde die Grundlage für einen Großteil des frühen Sounds von ZZ Top; seine Songs wurden von allen gecovert, von den Doors bis zu Bruce Springsteen; und dann, lange nachdem er 70 geworden war, gewann er in den 1990er Jahren vier Grammys. "Als ich ein Kind war", sagte Carlos Santana, "war er der erste Zirkus, mit dem ich durchbrennen wollte." -A.L.
Key Tracks: "Boogie Chillen", "Boom Boom", "I’m in the Mood"
51 Tom Verlaine (Television/solo)
Patti Smith beschrieb den Gitarrensound von Tom Verlaine als "das Schreien von tausend blauen Vögeln". Der Anführer von Television saugte den Geschmack seiner Lieblingsplatten von John Coltrane, den Stones und den Dead auf - um sie dann auf dem Debüt der Band, Marquee Moon, von 1977 zu etwas völlig Neuem zu synthetisieren, wobei er im Konzert mit seinem Gitarren-Ästheten Richard Lloyd endlose flüssige Soli spielte. In den folgenden Jahrzehnten hielt sich Verlaine zurück, aber er blieb ein Vorbild für Generationen von Gitarristen, die sowohl die Gewalt des Punk als auch den melodischen Flug lieben. Dem Rolling Stone sagte er 1977: "Es gibt eine ganze Reihe von Möglichkeiten, auf dem Gitarrenhals von einem Ort zum anderen zu gelangen, von denen ich nichts weiß. -W.H.
Wichtigste Tracks: "Marquee Moon", "Little Johnny Jewel"
[amsb_article_list_item youtube_id=’pd7b1Ye6Oc0′ number=’50‘ headline=’Elmore James‘ text=’Der in Mississippi geborene Sänger und Gitarrist Elmore James hatte ein unsterbliches Lick: das Stakkato- und Downhill-Slide-Riff in seiner 1951er Adaption von Robert Johnsons „I Believe I’ll Dust My Broom“. „Aber es war ein großartiges Lick“, sagt Slide-Gitarrist Derek Trucks. „Da war etwas Entfesseltes in seinem Spiel, diese akustische Gitarre mit dem elektrischen Tonabnehmer. Wenn er singt, hört man seine Stimme durch den elektrischen Tonabnehmer.“ James punktete auch mit brodelnden Variationen dieses Licks in „Shake Your Moneymaker“ und „Stranger Blues“, die nach seinem Tod im Jahr 1963 zu Blues-Boom-Standards wurden. James’ Ton inspirierte eine ganze Generation von Gitarristen: „Ich habe 12 Stunden am Tag geübt, jeden Tag, bis meine Finger bluteten, und versucht, den gleichen Sound wie Elmore James zu erreichen“, sagte Robbie Robertson. „Dann hat mir jemand erzählt, dass er mit einem Slide spielt“. -R.T.
