ROLLING STONE hat gewählt: Die 250 besten Gitarristen aller Zeiten
Die neue Liste der besten Gitarristinnen und Gitarristen – erweitert auf 250 Positionen
Wichtigste Tracks: „Midnight Heat“ (live), „Outside of This Town“‚ caption=“]
199 Bombino (from Niger)
Omara Moctar, besser bekannt als Bombino, ist ein Tuareg-Musiker aus Niger, der sich auf das spezialisiert hat, was viele als "Wüstenblues" bezeichnen, eine Klassifizierung, die auch andere Künstler aus der Sahara wie Tiniwaren und Songhoy Blues umfasst. Beeinflusst von Jimi Hendrix und Mark Knopfler, weist Bombinos Spiel Aspekte beider auf, von knorrigen Fingerstyle-Progressionen bis hin zu explosiven, psychedelischen Soli, die in den Melodien und Rhythmen Nordafrikas verwurzelt bleiben. Bombinos Musik hat auch eine politische Botschaft - er gehört zu einem Nomadenvolk, das an den Rand gedrängt wurde und in einem brutalen Kreislauf aus Gewalt und Rebellion gefangen ist. Bombinos eigene Form der Rebellion bestand darin, seine Gitarre zur Waffe zu machen. "Ich habe nie die Notwendigkeit gesehen, für die Sache der Rebellen zu den Waffen zu greifen", sagt er. "Ich habe immer daran geglaubt, dass es einen Ausweg durch die Musik gibt." -J.F.
Key Tracks: “Azamane Tiliade,” “Tenere (The Desert, My Home)”
198 Jerry Reed
Jerry Reed, eine Rockabilly-Teenie-Sensation, der als Kind einige Zeit in einem Waisenhaus verbrachte, machte sich zunächst als Songwriter einen Namen - Gene Vincent coverte seinen "Crazy Legs", als Reed 20 war. Dann schlug er sich als Session-Gitarrist durch, und sein spritziger Sound prägte Seiten für jeden, von Waylon Jennings bis Joan Baez. Aber es war der 1967er Hit "Guitar Man" (der bald von Elvis Presley gecovert wurde), der seine Identität festschrieb: Das stramme, beherzte Solo geht fast in Richtung Funk, Cajun und Soul, ein Stil, den er im Laufe der Jahre in Liedern wie "Amos Moses" verfeinern sollte und der den Text des Liedes über einen umherziehenden Musiker mit einem einzigartigen Vibe perfekt illustrierte. -J.G.
Wichtigste Tracks: "Guitar Man", "Amos Moses"
197 Nuno Bettencourt
Nuno Bettencourt hat sich als Gitarrist der Funk-Metal-Band Extreme einen Namen gemacht. Er ist ein schillernder Pyrotechniker mit einem angeborenen Gespür dafür, wie man komplexe Riffs in die Melodie eines Songs einfügt. Seine fließenden, lässig-virtuosen Soli in Songs wie dem fetzigen "Get the Funk Out" und der Chart-Ballade "More Than Words" machten ihn zu einem formidablen Gegenspieler des theatralischen Frontmanns Gary Cherone. Sein angeborenes Wissen darüber, was einen Popsong ausmacht, führte dazu, dass er in den Neunzigern von Künstlern wie Janet Jackson und Robert Palmer angezapft wurde. 2009 begann er, mit Rihanna zusammenzuarbeiten, eine Beziehung, die es ihm ermöglichte, seine stilistische Vielfalt zu zeigen und bei der Halbzeitshow des Super Bowl auf der Bühne zu stehen. -M.J.
Wichtigste Tracks: "Midnight Express", "Kiss It Better"
196 James Taylor
James Taylor entwickelte die Klänge des Folk-Revivals der sechziger Jahre zu etwas, das für die siebziger Jahre glatt genug war, und ein wichtiger Teil dieser Entwicklung war sein einzigartiger akustischer Gitarrenstil - die ständig in Bewegung befindliche Begleitung, die man bei einem Song wie "Country Road" hört, ist ebenso erkennbar wie seine Stimme. Folk-Fingerpicker benutzen normalerweise ihre Daumen, um rhythmische Bassmuster auf den unteren Saiten der Gitarre zu spielen, aber Taylor löste sich von diesen Mustern zugunsten eines freieren, pianistischeren Ansatzes. Gleichzeitig griff er auf Hymnen, Showtunes und Jazz zurück, um seine raffinierten Akkorde und einzigartigen Voicings zu entwickeln. -B.H.
Wichtigste Tracks: "Something in the Way She Moves", "The Frozen Man", "Fire and Rain"
195 Greg Ginn (Black Flag)
Henry Rollins ist das berühmteste Mitglied der wechselnden Besetzung von Black Flag, aber der Gründer, das Herz und die Seele der legendären L.A.-Punk-Crew ist Greg Ginn, dessen zerklüftete Kombination aus psychedelischem Blues-Rock, Jazz-Abstraktion und Hardcore-definierender Geschwindigkeit die Rockgitarre für nachfolgende Generationen neu definierte. Mit seiner ikonischen Dan-Armstrong-Gitarre aus Plexiglas kombinierte Ginn den Sludge von Black Sabbath und die Spaciness von Grateful Dead, um schräge Soli zu kreieren, die überall hinführen konnten, während sein rasendes Tuckern die schweißtreibenden, gewalttätigen Exzesse der Band antrieb. Wie Rollins es selbst formulierte: "Black Flag hatte mindestens eine Zutat, von der sie nur eine einzige herstellten, und das war Greg Ginn; das war das Entscheidende an dieser Band." -J.G.
Wichtigste Tracks: "Damaged II", "Revenge"
194 Brian Robertson and Scott Gorham (Thin Lizzy)
Der Schlüssel zu Thin Lizzys aufstrebendem Hardrock der siebziger Jahre war das Songwriting von Sänger und Bassist Phil Lynott, der frühen Rock, keltischen Folk und Motown zu einem einzigartigen Stil verband, der abwechselnd guttural und hymnisch war. Aber Thin Lizzy kamen erst richtig in Fahrt, als sich Brian Robertson und Scott Gorham 1974 zusammentaten und einen telepathisch verschränkten Doppelgitarren-Angriff schufen, der eine ganze Generation von Metal-Bands beeinflusste, von Judas Priest über Iron Maiden bis hin zu Metallica. In Anbetracht der Tatsache, wie viel härter der Metal geworden ist, kann es für heutige Ohren schwer sein, zu hören, wie hart Songs wie "Jailbreak" oder "Bad Reputation" damals klangen, also hören Sie sich die extra knackigen Tracks aus den BBC-Sessions an, die im Laufe der Jahre bei verschiedenen Wiederveröffentlichungen enthalten waren. -J.G.
Wichtigste Tracks: "The Boys Are Back in Town", "Emerald"
193 David Lindley
Einen Troubadour zu begleiten, ist für einen Lead-Gitarristen nicht einfach. Er muss eine kompatible Begleitung bieten, ohne jemals vom Sänger und dem Song abzulenken. David Lindley, der Zauberer an den Saiteninstrumenten, der während der Blütezeit des SoCal-Rocks auf Abruf bereitstand, schaffte es immer wieder, genau das zu tun und sich dennoch bemerkbar zu machen. Man höre sich nur seine Slide-Gitarre bei "Running on Empty" und "Red Neck Friend" von Jackson Browne an, seine wogende Leadgitarre bei "Fountain of Sorrow" von Browne oder sein zartes Slack-Key-Solo bei der Dolly Parton-Linda Ronstadt-Emmylou Harris-Version von "To Know Him Is to Love Him". Wie auf seiner rumpeligen Version von "Mercury Blues" zu hören ist, konnte er es auch auf seinen eigenen Platten reißen. -D.B..
Schlüsseltracks: "Running on Empty" und "Red Neck Friend" (Jackson Browne), "Mercury Blues"
192 Lita Ford
"Ich war mir der Tatsache, dass ich keinen Penis zwischen den Beinen hatte, ziemlich unbewusst", sagte Lita Ford dem Rolling Stone. "Alles, was ich wusste, war, dass ich Finger hatte und die Lust auf Rock & Roll." Ford gehörte zu den technisch begabtesten Solisten im Hair Metal der achtziger Jahre, mit einem satten Ton, den sie in ihren hochfliegenden Hymnen wie "Kiss Me Deadly" von 1988 manipulieren konnte. Als Teenager hing Ford auf dem Sunset Strip mit Gitarrengöttern herum, die doppelt so alt waren wie sie, wie etwa Ritchie Blackmore, der ihr beibrachte, wie man ein Plektrum in Form einer Hausplatte benutzt, um die verschlungenen Soli zu spielen, für die sie bekannt wurde. Ihr anderes Idol, Tony Iommi, machte ihr einen Heiratsantrag, als sie noch die Lead-Gitarristin der Runaways war. Trotz der Missbrauchsvorwürfe der Sabbath-Legende war es letztlich Ford, die Iommi beibrachte, seine eigenen Riffs zu spielen, als er aus der Drogensucht herauskam. -S.G.
Wichtigste Tracks: "Black Widow", "Lisa", "Hellbound Train"
191 Chalmers Edward ‘Spanky’ Alford
Ein Riff veränderte den Verlauf des R&B der Jahrhundertwende. Als Chalmers Edward "Spanky" Alford den sehnsüchtigen Schrei seiner Gitarre in D’Angelos "Untitled (How Does It Feel)" aus dem Jahr 00 einbrachte, trug dies dazu bei, dass sich der Black Pop vom Beat-basierten Hip-Hop-Soul zum instrumentenreichen Neo-Soul entwickelte. Alford, der auch auf Slow Jams wie Raphael Saadiqs "Ask of You", Totals "Kissing You" und Mary J. Blige’s "I Found My Everything" mitwirkte, begann seine Karriere in der Gospelwelt, wo er mit den East St. Louis Gospelettes und den Mighty Clouds of Joy arbeitete. Seine Arbeit zeigt, dass der Gospel auch heute noch musikalisch relevant für neue Formen des Soul ist. Alford starb 2008 im Alter von 52 Jahren an den Folgen von Diabetes. -C.S.
Wichtigste Tracks: "Untitled (How Does It Feel)", "Ask of You", "Kissing You"
190 Lightnin’ Hopkins
Der 1912 geborene Samuel John Hopkins war ein 32-jähriger Absolvent des texanischen Strafvollzugs, bevor er den Beinamen "Lightnin’" annahm und eine Plattenkarriere begann, die ihn zu einem der produktivsten und verehrtesten Künstler des Blues werden ließ. Als Meister der Selbstbegleitung, dessen eindringliche Fills und Riffs auf Kommando shuffeln, mosey oder boogieen konnten, schuf er einen Großteil der Blues-Sprache, die das Genre bis heute prägt. Hopkins profitierte vom Blues-Revival der 1960er Jahre, aber eines der gesprochenen Intros auf dem 1968 erschienenen Album Free Form Patterns, das er mit der Rhythmusgruppe der Psych-Rocker 13th Floor Elevators aus Austin aufnahm, zeigt, wie hart sein Weg ins Rampenlicht gewesen war. "Ich wurde schlecht behandelt. Ich wurde getreten, mit Füßen getreten, getreten, aufgegriffen und ins Gefängnis gesteckt. Gott sei mir gnädig." -T.B.
Key Tracks: "Little Wail", "What’d I Say", "Little Sister’s Boogie"
189 Jerry Cantrell (Alice In Chains)
Jerry Cantrell ist mit klassischem Rock, Country und Heavy Metal aufgewachsen und hat diese Stile zu einem einzigartigen, verheerenden Gitarrenstil verschmolzen, der zwischen dampfenden Riffs und schneidenden, bluesigen Leads wechselt. Er spielt das Talkbox-Riff von Alice in Chains’ "Man the Box" mit gewichtiger Kraft und entwarf das schädelrasselnde 7/8-Riff von "Them Bones", das das Meisterwerk der Band "Dirt" eröffnet. Dieses Tempo hat er während seiner gesamten Karriere beibehalten und spielt ruinöse Riffs auf seinem Solo "Psychotic Break" und Alice in Chains’ "Check My Brain". Selbst wenn er es etwas ruhiger angehen lässt, wie bei dem akustischen "No Excuses", spielt er immer noch so, dass jeder Silberstreif am Horizont mit Wolken bedeckt ist. Er ist ein Meister des Stimmungsvollen, der dunkle Herr des Grunge. -K.G.
Schlüsseltracks: "Man in the Box", "We Die Young", "No Excuses"
188 Marnie Stern
187 Marc Ribot
Manche Studiomusiker werden für ihre Fähigkeit geschätzt, sich unauffällig zu integrieren. Und dann gibt es Marc Ribot, der für das genaue Gegenteil geliebt wird - einen glühenden Ton und einen sparsamen, aber kinetischen Angriff, der wie Rauch schwebte. Hier war ein Musiker, der eine gnomische musikalische Anfrage von Tom Waits aufnahm und etwas sowohl Formschönes als auch Unheimliches ablieferte. "Ich erinnere mich an eine verbale Anweisung, die lautete: ‚Spielt es wie die Bar-Mizwa eines Zwerges’", erinnert sich Ribot an die Sessions für das 1985er Album "Rain Dogs". Marc Ribot y Los Cubanos Postizos kultiviert immer noch einen fesselnden Late-Night-Groove, vor allem auf ihrem Debüt von 1998, The Prosthetic Cubans, wo der Bandleader Arsenio Rodriguez sich durch das wimmelnde Songbuch der Rumba wühlt und brüllt. -M.M.
Wichtigste Tracks: "Jockey Full of Bourbon", "Aurora En Pekin"
186 Steve Lukather
Kein Gitarrist hat den Sound des L.A. der frühen Achtzigerjahre besser auf den Punkt gebracht als Steve Lukather. Als Gründungsmitglied von Toto war er einer der gefragtesten Session-Gitarristen der Stadt, sowohl dank seiner makellosen Technik als auch dank seiner stilistischen Beweglichkeit, die ihn sowohl mit raffinierten Funk-Rhythmus-Licks als auch mit schreienden Arena-Rock-Leads vertraut machte. Er spielte drei Jahre lang bei den Nominierungen für das Grammy-Album des Jahres mit: Quincy Jones’ The Dude im Jahr 1982, Toto IV im Jahr 1983 und Michael Jacksons Thriller im Jahr 1984 (das zweite und dritte Album gewann). "Damals ging es Schlag auf Schlag", sagte er. "Es war die letzte große Ära der Session-Guy-Szene." Lukather ist das einzige Mitglied von Toto, das alle Trennungen und Wiedervereinigungen mitgemacht hat. -J.D.C.
Wichtigste Tracks: "Hold the Line", "Razamatazz"
185 Peggy Jones
Peggy Jones ist nicht umsonst als die "Queen Mother of Guitar" bekannt. Die in Harlem geborene Musikerin nahm zu Beginn ihrer Karriere mit keinem Geringeren als Bo Diddley auf und trat mit ihm auf, was ihr einen weiteren Spitznamen einbrachte: "Lady Bo". Jones, die auch eine Opern- und Tanzausbildung genossen hatte, brachte das Ohr eines Technikers in ihr Blues-Spiel ein, wie in dem Stück "Aztec" zu hören ist, einem komplexen Instrumentalstück, das Jones selbst geschrieben und gespielt hat, obwohl der Song auf den Aufnahmen Diddley zugeschrieben wird. Die Art von jazzigen, avantgardistischen Experimenten, die auf "Aztec" zu hören sind, beeinflussten Jones’ Soloarbeit mit ihrer Band The Jewels, mit der sie auch einen Roland-Gitarrensynthesizer spielte, eine von vielen Möglichkeiten, wie sie bewies, dass sie ihrer Zeit voraus war. - B.M.
Wichtigste Tracks: "Aztec", "Wiggle Wobble", "I‘m Forever Blowing Bubbles"
184 Eldon Shamblin (Bob Wills and His Texas Playboys)
Eldon Shamblin war ein Country-Pionier, der in den 1930er Jahren mit Bob Wills and His Texas Playboys die elektrische Gitarre in den Vordergrund rückte. Er trug dazu bei, den als Western Swing bekannten Stil zu kreieren. Der aus Oklahoma stammende Jazzer schloss sich Wills 1937 an, arrangierte und brachte seinen breit gefächerten Geschmack mit ein: "Wir haben uns alles angehört", sagte er dem Rolling Stone. Er diente vier Jahre lang im Zweiten Weltkrieg und kehrte dann sofort zu den Playboys zurück. Sein Einfluss ist überall spürbar - Chuck Berry schrieb "Maybellene" als Versuch, Shamblins Rhythmusgitarre im Klassiker "Ida Red" von 1938 zu imitieren. Später spielte er mit Fans wie Merle Haggard und Asleep at the Wheel und groovte dabei auf seiner berühmten goldenen Stratocaster von 1954. -R.S.
Key Tracks: "Ida Red", "At the Woodchopper’s Ball", "Twin Guitar Special"
183 Roy Buchanan
Nur wenige Gitarristen können sich rühmen, Mentor von Robbie Robertson von The Band gewesen zu sein und ein Jobangebot der Rolling Stones abgelehnt zu haben, aber Telecaster-Ass Roy Buchanan hat beides geschafft. Der 1939 geborene Buchanan hatte als Sideman bei verschiedenen Aufnahmen mitgewirkt und war in seiner Heimatstadt Washington, D.C., gut bekannt, schien aber dazu bestimmt zu sein, eine lokale Legende zu bleiben, bis eine PBS-Dokumentation von 1971, Introducing Roy Buchanan, die Aufmerksamkeit der großen Labels auf ihn lenkte. Die tadellose Technik des Gitarristen, seine nuancierte Blues-Phrasierung und seine Fähigkeit, alle Ausdrucksmöglichkeiten der Telecaster zu nutzen - einschließlich quäkender Pinch-Harmonien und stimmähnlicher Tonalitäten, die dem Tonregler der Gitarre entlockt werden - brachten ihm das Lob von Top-Gitarristen wie Jeff Beck und Jerry Garcia ein, aber Buchanan erreichte nie den Status eines Superstars und starb 1988 durch einen offensichtlichen Selbstmord. -T.B.
Wichtigste Tracks: "Wayfaring Pilgrim", "The Messiah Will Come Again", "Further on Up the Road"
182 Earl ‘Chinna’ Smith (Bob Marley)
Earl "Chinna" Smith ist vielleicht der am häufigsten aufgenommene Gitarrist der klassischen Reggae-Ära. Er spielte auf bahnbrechenden Werken von Bob Marley, Dennis Brown, Bunny Wailer, Sugar Minott, Jacob Miller, Black Uhuru, Mighty Diamonds, Augustus Pablo, Gregory Isaacs, Freddie McGregor - die vollständige Liste würde eine ganze Seite füllen. Als Mitglied von Bunny Lee’s Aggrovators und später des Soul Syndicate beeinflusste Smith eine ganze Generation von jamaikanischen Musikern. Neben seinem tighten Rhythmus- und Riffspiel war er auch dafür bekannt, dass er Gitarren-Intros für Songs wie Marleys "Rat Race" und Dennis Browns "Cassandra" erfand - vor dieser Innovation wurde fast jeder Reggae mit einem Schlagzeug-Fill begonnen. Bis heute empfängt Smith Musiker aus nah und fern auf seinem Hof in Jamaika, um mit ihnen zu lernen und zu spielen. -M. Goldwasser
Wichtigste Tracks: "Cassandra", "Rat Race"
181 Larissa Strickland (Laughing Hyenas)
Larissa Strickland (geboren als Larissa Stolarchuk) war eine der großen Noise-Gitarristinnen des amerikanischen Punk-Undergrounds. Angefangen bei der wenig bekannten Detroiter Punkband L-Seven, kam Stolarchuk in der Band Laughing Hyenas in den späten Achtzigern/frühen Neunzigern zu ihrem Recht, wo ihre bluesigen, zitternden Höhen durch das höllische Geschrei des verrückten Sängers John Brannon schnitten wie eine Pflastersäge durch Beton. Thurston Moore von Sonic Youth sagte: "Ich erinnere mich, wie Lee Renaldo hinter die Bühne kam ... und sagte: ‚Ja, Larissa ist das einzig Wahre’. ... Jeder in der Szene wusste, dass Larissa Strickland die Beste war." Nach einem jahrzehntelangen Kampf mit Suchtproblemen starb Stolarchuk 2006 im Alter von 46 Jahren. -J.G.
Wichtigste Tracks: "You Just Can’t Win", "Everything I Want"
180 Mike Campbell (Tom Petty & The Heartbreakers)
Mike Campbell, seit mehr als 40 Jahren der Lead-Gitarrist von Tom Petty, überfrachtet einen Song nie mit Noten, wenn zwei oder drei Volltreffer ausreichen. "Es ist eine Herausforderung, in kurzer Zeit eine Aussage zu machen", sagte er, "aber ich bevorzuge diese Herausforderung, anstatt mich einfach nur in die Länge zu ziehen." Hören Sie sich die skelettartige Hook an, die "Breakdown" zusammenhält, oder das lakonische, klangverbiegende Solo in "You Got Lucky", um Campbells raffinierte Nutzung des negativen Raums zu hören. "Michael ist keiner, der sich aufspielt", sagte Petty einmal. "Was er sagt, ist wesentlich." -D.W.
Schlüsseltracks: "Breakdown", "You Got Lucky"
179 Ernest Ranglin
Es ist eine einfache Gleichung: Kein Ernest Ranglin, kein Reggae. Ranglin war der Hauptarchitekt des jamaikanischen Ska in den frühen Sechzigern. Er erfand das Rhythmusgitarrenmuster, bei dem auf dem Upbeat gespielt wird, und ebnete so den Weg für Rocksteady und später Reggae. Er spielte auf dem ersten internationalen Ska-Hit, Millie Smalls Hit "My Boy Lollipop" von 1964, und erfand das klassische Riff von Toots and the Maytals’ bahnbrechendem "54-46 Was My Number". Ranglin hat nicht nur als Studiomusiker auf Hunderten von Ska-, Rocksteady- und Reggae-Klassikern mitgewirkt (und diese oft auch arrangiert), sondern trat vor fast 60 Jahren auch live als Leiter seiner eigenen Gruppe auf, und er ist immer noch dabei. -M. Goldwasser
Wichtigste Tracks: "My Boy Lollipop", "54-46 Was My Number"
178 Skip James
Der 1902 in Yazoo City, Mississippi, geborene Skip James zeigte schon früh ein Talent für Klavier und Gitarre, verbrachte seine Zwanziger jedoch mit weitaus lukrativeren Aktivitäten wie Glücksspiel und Schmuggel. Die 18 Songs, die er 1931 bei einer Session in Wisconsin aufnahm, waren so kraftvoll, dass Stücke wie das abschreckende "Devil Got My Woman" und "Hard Time Killin’ Floor Blues" Teil des Country-Blues-Kanons wurden. James’ ungewöhnliche offene D-Moll-Stimmung, seine verblüffende Fingerpicking-Technik mit der rechten Hand und sein eindringlich hoher Gesang wurden von Bluesfans gelobt und von anderen Künstlern nachgeahmt, auch wenn ihr Schöpfer im Dunkeln blieb. Der Fingerstyle-Gitarrist John Fahey machte James schließlich 1964 ausfindig, als er an Krebs erkrankt in einem Krankenhaus in Arkansas lag, und überredete ihn, 1966 auf dem Newport Folk Festival zu spielen. Während eines kurzen Comebacks gelang es James sogar, einige Alben aufzunehmen, bevor er 1969 starb. -T.B.
Wichtigste Tracks: "Devil Got My Woman", "Hard Time Killin’ Floor Blues", "Sick Bed Blues"
177 Rodrigo y Gabriela
Als die mexikanischen Gitarristen Rodrigo Sánchez und Gabriela Quintero 2006 ihr Debütalbum herausbrachten, war der Sound - flamenco-angehauchte Instrumentalstücke mit Pinselstrichen von Heavy-Metal-Pathos - so anders als alles andere in der lateinamerikanischen Musik, dass er sich schockierend gewagt und revoltierend anfühlte. Künftige Bühnenklassiker wie "Tamacún" und "Diablo Rojo" fühlten sich neben einer "Stairway to Heaven"-Coverversion, die mit einer Stimmung von schmerzhafter Verletzlichkeit begann und dann ein Crescendo von Flamenco-Raserei aufbaute, wie zu Hause an. Fünf Alben später fühlt sich das Rezept immer noch frisch an, dank der virtuosen Fähigkeiten des Duos. Im Konzert boogieen und brennen sie wie ein Waldbrand. - E.L.
Wichtigste Tracks: "Tamacún", "Stairway to Heaven", "Weird Fishes/Arpeggi"
176 Sadie Dupuis (Speedy Ortiz)
Wenn man sich einen Song von Speedy Ortiz anhört, findet man zwischen all den lyrischen Falltüren und trickreichen Klangverschiebungen fast immer einen kranken Gitarrenpart, der von dem selbsternannten "Frontdämon" der Band gespielt wird. "Die Erwartungen an weibliche Musiker sind historisch gesehen niedrig, also möchte ich technisch wirklich gut sein", sagte sie 2015 gegenüber RS. "Also schreibe ich immer Parts, die für mich eine Herausforderung darstellen." Auf diese Weise hat sie sich immer wieder selbst unter Druck gesetzt, auch wenn sich ihre Vision von den knorrigen Indie-Rätseln ihrer frühen Veröffentlichungen hin zu etwas wie Pop entwickelt hat. Wenn Sie sie live sehen, achten Sie auf ihr schwindelerregendes, einfallsreiches Spiel - es könnte Sie umhauen. -S.V.L.
Wichtigste Tracks: "American Horror", "Tiger Tank", "Raising the Skate"
175 Rory Gallagher
"Es scheint mir eine Verschwendung zu sein, jahrelang zu arbeiten und zu arbeiten", sagte Rory Gallagher 1972 dem Rolling Stone, "und dann einfach zu einer Art Persönlichkeit zu werden." Stattdessen wurde der irische Gitarrist, der damals erst 23 Jahre alt war, für seinen unermüdlichen Tournee-Ethos und sein feuriges Handwerk legendär. Mit seiner verwitterten Strat, die er oft in einem Flanellhemd trug, elektrisierte Gallagher den Chicago- und Delta-Stil mit seiner brühenden Slide-Arbeit und seinem hartgesottenen Songwriting. Zu seinen Fans zählten The Edge und Bob Dylan, der bei einem Konzert 1978 zunächst hinter der Bühne abgewiesen wurde, weil Gallagher ihn nicht erkannte. -D.F.
Wichtigste Tracks: "Bullfrog Blues", "Laundromat", "Walk on Hot Coals"
174 Marty Stuart
Im typischen Telecaster-Twang der Country-Ikone Marty Stuart klingt die gesamte Geschichte von Rockabilly, Country und Rock & Roll nach. Mit jahrzehntelangem Erfolg in Nashville - zunächst als Sideman der Bluegrass-Legende Lester Flatt, dann mit Johnny Cash und schließlich als hitverdächtiger Solokünstler - hatte Stuart immer ein weit offenes Gespür für die Möglichkeiten der Roots-Musik, besonders auf den jüngsten, kosmisch angehauchten Alben wie dem 2017er Album West Out West mit seiner großartigen Band The Fabulous Superlatives. Nicht umsonst wird er liebevoll als "Country Music’s Psychedelic Historian" tituliert. "Es gibt zwei Versionen von Tradition", sagte Stuart einmal. "Sie kann dich einsperren oder sie kann dich inspirieren, wenn du das, was du tust, in die Zukunft mitnimmst." -C.M.
Key Tracks: "Way Out West", "Hillbilly Rock"
173 Paul McCartney
Paul McCartney ist eine Legende für so viele Dinge - Songwriter, Sänger, Bassist, Beatle - dass man leicht seine Virtuosität an der Sechssaite übersieht. Aber Macca spielte so viele der großartigsten Gitarrensoli der Fabs - das psychedelische Aufblitzen von "Taxman" und "Sgt. Pepper", die metallische Explosion von "Helter Skelter", den zackigen Rock von "Paperback Writer" und "Back in the U.S.S.R.". Er hat auch seinen eigenen akustischen Folkie-Stil, wie in "Blackbird". Auf der Gitarre lässt er es immer noch krachen und schreddert über sein 2020er-Juwel McCartney III. Wie er 2018 sagte: "Ich bin immer noch begeistert von dem Privileg, zu einem Verstärker gehen zu können, ihn einzuschalten, meine Gitarre zu nehmen, sie einzustöpseln und sehr laut zu spielen." -R.S.
Schlüsseltracks: "Taxman", "Maybe I‘m Amazed", "Too Many People"
172 Chrissie Hynde
Chrissie Hyndes bahnbrechendes Songwriting und ihr leidenschaftliches Rhythmusgitarrenspiel bei den Pretenders sind untrennbar mit der felsenfesten Rhythmusgruppe der Band und der schillernden Reihe von Leadmusikern verbunden. "James Browns Gitarrist spielte eine einzige Figur während des ganzen Songs, und das liebe ich", sagte Hynde einmal. Hyndes Kunstfertigkeit (und ihre geliebten Telecasters) haben sich im Laufe der Jahre glänzend mit einer ganzen Reihe von Sechssaitern ergänzt, vom verstorbenen James Honeyman-Scott über Robbie McIntosh bis hin zu Johnny Marr (dessen eigenes Spiel von Honeyman-Scott beeinflusst wurde). Wie Hynde es ausdrückt: "Meine Position in jeder Band, in der ich war, ist es, dem Gitarristen den Weg zu ebnen, damit er ein Ziel erreicht." -J.G.
Key Tracks: "Tattooed Love Boys", "Brass in Pocket", "Stop Your Sobbing"
171 D. Boon (The Minutemen)
Der Gitarrist der Minutemen, D. Boon, bevorzugte dicke Saiten und kräftige Höhen, und er schwitzte auf der Bühne so sehr, dass seine Ausrüstung in Mitleidenschaft gezogen wurde. Beeinflusst wurde er von der straffen, drahtigen Aggression des Post-Punk, dem Classic-Rock-Getöse von The Who und Blue Oyster Cult, dem populistischen Geklimper von CCR und der Ökonomie von Funk und R&B. All das und noch mehr kam in seinem Spiel zum Ausdruck. Als das Trio aus San Pedro, Kalifornien, 1984 sein 43 Lieder umfassendes Meisterwerk Double Nickels on the Dime aufnahm, mischte er Punkrock mit Jazz, Country und Folk in einer fröhlich-fröhlichen Gesprächsdissonanz, die perfekt zu den wütenden Epiphanien in den Songs der Minutemen passte. Er starb 1985 auf dem Höhepunkt seines Schaffens bei einem Unfall mit einem Lieferwagen. -J.D.
Wichtigste Tracks: "Little Man With a Gun in His Hand", "Corona"
170 Phil Manzanera (Roxy Music)
Phil Manzaneras Spezialität: "Impossible Guitar", wie er es nennt. Mit seinem Space-Glam-Flash trug er dazu bei, dass Roxy Music zu einer der einflussreichsten Bands der 1970er Jahre wurde. Er wuchs in Kuba, Venezuela und Kolumbien auf und hörte neben den Beatles die Lieblingsmusik seiner Mutter, Cumbia und Bolero. Er landete in der Londoner Art-Rock-Szene mit seinem Geist der außerirdischen Respektlosigkeit, experimentierte ständig und filterte seine Gitarre oft durch Brian Enos Synthesizer. "Es ist alles eine Frage der Pan-Tonalität, Mann!", sagte er 1974. In 50 Jahren hat er auf 80 Alben mitgewirkt, mit Eno (sein Klappern auf "Needles in the Camel’s Eye"), John Cale (sein brutales Sperrfeuer in "Gun") und Solo-Perlen wie Diamond Head. -R.S.
Wichtigste Tracks: "In Every Dream Home a Heartache", "Amazona", "Lagrima"
169 Jessie Mae Hemphill
Nur wenige Traditionen haben die moderne Bluesmusik so beeinflusst wie der North Mississippi Hill Country Blues, für den die verstorbene Jessie Mae Hemphill eine Pionierin war. Die 1923 in den Hügeln geborene Hemphill begann schon in jungen Jahren mit dem Gitarrenspiel, feilte bei Familientreffen an ihren Fähigkeiten und begleitete ihren Großvater Sid Hemphill, einen weiteren berühmten Hill-Country-Musiker, mit seiner Band auf die Bühne. Erst als Hemphill später nach Memphis umzog, wo sie bis zu ihrem Tod im Alter von 82 Jahren im Jahr 2006 lebte, erlangte sie wahre Berühmtheit und wurde innerhalb weniger Jahre zu einer preisgekrönten, international tourenden Künstlerin - dank ihres intuitiven Spiels, ihres traditionell geprägten Blues-Songwritings und ihres rauen, gefühlvollen Gesangs. -B.M.
Wichtigste Tracks: "She-Wolf", "Shame on You"
168 John Cipollina (Quicksilver Messenger Service)
John Cipollina war der ursprüngliche psychedelische Gitarrenheld der Haight-Ashbury-Szene und spielte in seiner Band Quicksilver Messenger Service in San Francisco. Im Summer of Love rockte er das Fillmore mit seinem stratosphärischen Vibrato-Twang. Bei Quicksilver erhebt er sich in Epen wie "The Fool", in dem er mit Gary Duncan die Leads tauscht, oder in seinem Whammy-Bar-Blowout "How You Love". "Mein Gott, das war Magie", sagte Mickey Hart dem Rolling Stone. "Cipollina schnitt einfach die Luft mit seiner Gitarre. Als geborener Technikfreak hackte und kanalisierte er sein ganzes Instrumentarium - wie er sagte: "Ich stand einfach auf das Aufmotzen von Gitarren." Er starb 1989 im Alter von nur 45 Jahren, hinterließ seinen Sound aber Nachfolgern wie Television, Dream Syndicate und Yo La Tengo. -R.S.
Schlüsseltracks: "How You Love", "Maiden of the Cancer Moon", "Gold and Silver"
167 James Williamson (Iggy & The Stooges)
Trotz Williamsons früherem milden Job - Vizepräsident von Sony Electronics - ist der Mann ein Teufel an der Gitarre, der den ohnehin schon ungezähmten Stooges eine weitere Schicht wilder Intensität hinzufügte, als er sich der Band für ihr Punk-Wahrzeichen Raw Power 1973 anschloss. Wie Johnny Marr einmal sagte: "Er hat die technischen Fähigkeiten von Jimmy Page, ohne so fleißig zu sein, und die Angeberei von Keith Richards, ohne schlampig zu sein. Er ist dämonisch und intellektuell zugleich, fast so, wie man sich Darth Vader vorstellen würde, wenn er in einer Band wäre." Dreckig, brutal und derwischschnell trat Williamson die sprichwörtliche Tür für Generationen von Gitarristen ein, um auf die schönste Weise hässlich zu werden. -B.E.
Wichtigste Tracks: "Search and Destroy", "Raw Power"
166 Johnny Winter
Der in Texas geborene Blues-Rock-Wunderkind Johnny Winter begann mit 15 Jahren professionell zu spielen, allein und gelegentlich mit der Band seines Bruders Edgar, und seine Karriere dauerte bis in die 2000er Jahre. Er war ein blitzschneller E-Picker - wie sein Idol und gelegentlicher Kollege Muddy Waters spielt er mit einem Daumenplektrum - und ein glühend heißer Slide-Gitarrist. (Jimi Hendrix suchte ihn als Sideman, und Waters erkannte sein Talent auf den ersten Blick und wurde ein Freund und Mitarbeiter: "Der Typ da oben auf der Bühne - ich habe ihn aus der Nähe gesehen", sagte Waters später. "Er spielt acht Noten für meine eine!" -R.T.
Wichtigste Tracks: "I‘m Yours and I‘m Hers", "Fast Life Rider"
165 Rokia Traoré (aus Mali)
Als Tochter eines malischen Diplomaten wuchs Rokia Traoré größtenteils außerhalb ihres Heimatlandes auf - was bedeutete, dass sie gemäß den Gepflogenheiten nicht dessen Musik studieren sollte. "Daher war es für mich natürlicher und für mein Umfeld weniger umstritten, mit dem Gitarrenspiel zu beginnen", schreibt Traoré auf ihrer Website. Diese Gitarre, ob akustisch oder elektrisch, prägt ihre mitreißende Musik auf Alben wie "Mouneïssa" von 1998 und "Beuatiful Africa" von 2013: Genauso wie ihre flatterhafte, stählerne Stimme ist ihr Spiel geschmeidig und doch nachhallend und setzt sich sofort in Szene. -M.M.
Key Tracks: "The Man I Love" (2009), "Né So" (2016)
164 Dave Davies (The Kinks)
Alles, was laut und riffig ist, geht auf Dave Davies von den Kinks zurück, angefangen bei den fantastisch einfachen Power-Akkorden von "You Really Got Me", das er im Alter von 17 Jahren aufnahm und das eine Reihe von Proto-Metal-Singles von "All Day and All of the Night" bis "Till the End of the Day" einleitete. Davies, der die Verzerrung bei "You Really Got Me" durch das Zerschneiden eines Verstärkerlautsprechers mit einer Rasierklinge erzeugte, lachte über die Behauptung, dass sie in Wirklichkeit von einem nicht genannten Jimmy Page gespielt wurde: "Wer würde überhaupt ein so verrücktes Solo spielen wollen? Nur Dave Davies könnte so etwas."
Wichtigste Tracks: "You Really Got Me", "All Day and All of the Night"
163 Wah Wah Watson
Wah Wah Watson hat sich aus gutem Grund nach seinem wichtigsten Effektpedal benannt (er wurde als Melvin Ragin geboren): Nur wenige Gitarristen, ob in den siebziger Jahren oder heute, haben die schwankende Tonalität dieses Geräts so geschickt und mit so dramatischer Wirkung eingesetzt. Watson unterstreicht die träge Erotik von Marvin Gayes "Let’s Get It On", und abgehackte, wogende Akkorde heben "Papa Was a Rolling Stone" von den Temptations, "Car Wash" von Rose Royce und "I Will Survive" von Gloria Gaynor gleichermaßen. Aber Watsons Meisterwerk ist vielleicht "How Long (Betcha Got a Chick on the Side)" von den Pointer Sisters aus dem Jahr 1975 - seine messerscharfen Riffs unterstreichen perfekt die Kombo aus Wut und Sehnsucht in dem Song. -M.M.
Wichtigste Tracks: "Let’s Get It On", "How Long (Betcha Got a Chick on the Side)"
162 Rosinha de Valença (from Brazil)
Rosinha de Valenças Debütalbum von 1963, ein luftiger Bossa-Nova-Klassiker, brachte der Welt ihren makellosen Ton und ihre mühelose Technik auf der akustischen Gitarre nahe. Als Autodidaktin zog de Valença genau zur richtigen Zeit nach Rio, wo sie sich mit Baden Powell anfreundete und die tragische Diva Sylvia Telles bei Konzerten begleitete, die den Bohemien-Charakter des Bossa widerspiegeln. 1965 nahm sie zwei seidige Alben mit Sergio Mendes auf und tat sich dann mit dem gefühlvollen Samba-Star Martinho da Vila zusammen. Ihre Karriere wurde im Alter von 51 Jahren aus gesundheitlichen Gründen beendet. Sie verstarb 2004 und inspirierte ein Tributalbum mit Maria Bethânia, Chico Buarque und anderen brasilianischen Stars. -E.L.
Wichtigste Tracks: "Tristeza Em Mim", "Asa Branca"
161 Tim Henson (Polyphia)
Der Gitarrist der abenteuerlichen Prog-Band Polyphia ist einer der radikalsten Erneuerer, die das Instrument je gesehen hat. Für Henson war das gefühlsbetonte Dehnen der Saiten in der Blues- und Classic-Rock-Ära nur ein Haufen "Boomer Bends" - stattdessen ist sein Spiel eine wilde, hyper-synkopierte Videospiel-Soundtrack-Mischung aus verrückten Arpeggios, unerwarteten Obertönen und gebrochenen, hirnverbrannten Riffs. Sein sich ständig wandelnder Ton stammt fast immer von digitalen Modellen von Verstärkern und Effekten, nicht von den eigentlichen Instrumenten. In seinen Händen ist die Gitarre ein Instrument der Zukunft, nicht der Vergangenheit, wie die zahllosen jungen Spieler, die versuchen, ihn auf TikTok zu imitieren, bestätigen werden. -B.H.
Key Tracks: "Bad", "Playing God"
160 Kim and Kelley Deal (The Breeders)
Als Kim Deal ihre Zwillingsschwester Kelley in den frühen Neunzigern bat, bei ihrer Post-Pixies-Band The Breeders mitzumachen, hatte Kelley noch nicht viel Erfahrung an der Sechssaitigen. "Ich hatte kein Interesse am Schreddern", sagte sie gegenüber Guitar World. "Ich wollte einfach nur mit Sounds spielen." Diese Herangehensweise kam dem 1993er Album Last Splash, dem ersten Breeders-Album mit Kelley an der Gitarre, sehr zugute, das voller Ohrwürmer war. Der Dual-Deal-Ansatz der Breeders hat zu Songs geführt, die stilistisch sehr unterschiedlich sind, vom blubbernden "Divine Hammer" bis zum Cowpoke-artigen "Drivin’ on 9", aber alle sind von Gitarren geprägt, die sich auf raffinierte und manchmal aufregende Weise in die Struktur der einzelnen Songs einfügen. -M.J.
Schlüsseltracks: "No Aloha", "Drivin’ on 9"
159 John Lennon
Als Rolling Stone-Gründer Jann S. Wenner John Lennon fragte, wie er sich selbst als Gitarrist einschätze, antwortete Lennon: "Ich bin technisch nicht gut, aber ich kann sie verdammt noch mal zum Heulen bringen und bewegen. Ich war Rhythmusgitarrist. Das ist ein wichtiger Job. Ich kann eine Band zum Laufen bringen." Das ist es, und er tat es: Lennon war die Zündkerze und der Blutbrief der Beatles, der den makellosen Popsongs oft eine raue Note verlieh. Man höre sich nur die luftigen Strums an, die "Help!" antreiben, die kreisförmigen Riffs von "Day Tripper" oder das täuschend schlampige "The Ballad of John and Yoko" - wo Lennon, während George Harrison im Urlaub war, rudimentäre Lead- und Rhythmuslinien in scharfzahnige Magie verwandelte. -W.H.
Wichtigste Tracks: "Help!", "Day Tripper", "Yer Blues"
158 Johnny Thunders
Der als John Anthony Genzale geborene New Yorker Erbe von Keith Richards überbrückte die Kluft zwischen glamourösen Riffs und Pre-Hardcore-Punk, zunächst mit den New York Dolls, dann mit den chaotischen Heartbreakers und schließlich als sprunghafter Solokünstler. "Die Kombination aus dem Junior und einem Twin Reverb, voll aufgedreht und mit einer Tonne Hall, war das, wie Rock & Roll klingen sollte", so Mick Rossi von den britischen Punkern Slaughter and the Dogs. Thunders war gleichermaßen zu trashigem Feuer und schockierender Sensibilität fähig, wie sein verblüffend schönes "You Can’t Put Your Arms Around a Memory" zeigt, ein Song, der in der Gosse gestrandet ist, aber auf die Sterne starrt. -J.G.
Schlüsseltracks: "Born to Lose", "You Can’t Put Your Arms Around a Memory", "Jet Boy"
157 Pat Metheny
Pat Metheny als Jazz-Gitarristen zu bezeichnen, trifft die Sache nicht annähernd. Der 17-fache Grammy-Preisträger, der zu den führenden Vertretern der zeitgenössischen improvisierten Musik zählt, wuchs unter dem Einfluss der Beatles ebenso auf wie unter dem von Miles Davis. Und wie diese beiden formwandelnden kreativen Kräfte hat er immer wieder Genregrenzen übersprungen. Metheny hat mit Joni Mitchell, David Bowie und Ornette Coleman zusammengearbeitet. Er spielte pastorale Americana, melodische Fusion, Ambient-Minimalismus und knallharten Free Jazz; sein aggressives Gitarren-Soloalbum Zero Tolerance for Silence von 1994 wurde von Thurston Moore von Sonic Youth als "die radikalste Aufnahme des Jahrzehnts ... ein neuer Meilenstein der elektrischen Gitarre" bezeichnet. -A.L.
Wichtigste Tracks: "Bright Size Life", "And I Love Her"
156 Carl Perkins
In den Anfangstagen der Beatles nannte sich George Harrison zu Ehren seines Quick-Picking-Helden kurzzeitig Carl Harrison. Carl Perkins’ heller, dreistimmiger Stil - den der Rockabilly-König von Bluesern in Tennessee übernommen hatte - prägte die Singles, die er bei Sun Records veröffentlichte ("Blue Suede Shoes", "Glad All Over") und beeinflusste zahlreiche Musiker von Eric Clapton bis John Fogerty. "Er brachte das Country-Picking in die Rockwelt", sagte Tom Petty einmal. "Wenn du den Rock & Roll der Fünfziger spielen willst, kannst du entweder wie Chuck Berry oder wie Carl Perkins spielen." -A.L.
Key Tracks: "Blue Suede Shoes", "Glad All Over"
155 Yvette Young (Covet)
Wie viele erfolgreiche Musiker des Internetzeitalters hat sich auch Yvette Young ursprünglich eine Fangemeinde auf YouTube geschaffen, indem sie Clips veröffentlichte, in denen sie ihre fast pianistischen, beidhändigen Tapping-Künste vorführte. Als Solokünstlerin und Leiterin der Mathe-Rock-Band Covet hat sie immer wieder bewiesen, dass sie mehr als nur ein Strohfeuer ist. Mit einer Vielzahl von alternativen Stimmungen, einem funkelnden, sauberen Ton und dem Talent eines Komponisten für mehrstimmige Erfindungen schafft es die Gitarristin, den Klang von Alternative-Ikonen wie Tom Verlaine von Television mit der verruchten Präzision und rhythmischen Komplexität von Instrumentalisten der späten Achtziger und frühen 2010er Jahre wie Scale the Summit und Chon zu verbinden. "Ich war nie daran interessiert, ein ‚Shredder’ zu sein", sagte Young gegenüber Guitar.com. "Ich war immer mehr daran interessiert, die Dinge in meinem Kopf zum Leben zu erwecken und in der Lage zu sein, diese Dinge zu spielen." -T.B..
Key Tracks: "Firebird", "Falkor", "Nero"
154 Bill Frisell
Bill Frisell stammt aus der experimentellen Jazzszene, in der stürmischer Skronk oft eine improvisatorische Lingua franca ist. Das jahrzehntelange Markenzeichen des 72-jährigen Musikers ist jedoch seine Fähigkeit, Traditionen mit einer zärtlichen Berührung zu biegen und mit einem beiläufigen Erkundungstempo offenkundige Texturen zu enthüllen. Ob er Madonna oder Bob Dylan covert, ob er Country (Nashville von 1997), Rock & Roll (Guitar In the Space Age von 2014) oder Beatles-Melodien (All We Are Saying... von 2011) spielt, seine undeutlichen, raumgreifenden, schillernden Töne können vertrauten Klängen ein liebevoll verzerrtes Gefühl verleihen und Sie dazu bringen, musikalische Traditionen, die Sie gut zu kennen glaubten, neu zu überdenken. -J.D.
Wichtigste Tracks: "Live to Tell", "Keep Your Eyes Open", "Pipeline"
153 Otis Rush
Otis Rush stammte aus Mississippi und zog in den späten Vierzigern in die Windy City. Er war ein furchteinflößender elektrischer Gitarrist - mit einem düsteren, hohen Ton und einer schneidenden Attacke, wie eine Mischung aus Muddy Waters und B.B. King - sowie ein umwerfender Songschreiber. Zusammen mit Gitarristen wie Magic Sam und Buddy Guy trug Rush dazu bei, den modernisierten, vom R&B beeinflussten Ansatz des Chicago Blues zu schaffen, der als West Side Sound bekannt wurde. Rushs Einfluss auf spätere Generationen war enorm: Seine Singles aus den späten Fünfzigern und frühen Sechzigern wurden von Led Zeppelin ("I Can’t Quit You Baby"), John Mayall ("All Your Love (I Miss Loving)") und der J. Geils Band ("Homework") gecovert, während Stevie Ray Vaughan seine Band nach Rushs tödlichem 58er-Lied "Double Trouble" benannte. -A.L.
Wichtigste Tracks: "I Can’t Quit You Baby", "Double Trouble", "Homework"
152 Ani DiFranco
Ani DiFranco, die für ihre linke Politik, ihre cleveren, pointierten Texte und ihre Zusammenarbeit mit Folk-Koryphäen wie Pete Seeger und Utah Phillips bekannt ist, wurde in den 1990er Jahren zum Aushängeschild eines gewissen Alt-Feminismus, den sie mehr als 30 Jahre lang aufrecht erhielt. Doch hinter der rohen Wut und dem heimlichen Sarkasmus verbirgt sich ein einzigartiger Gitarrenstil, den sie als Kind - DiFranco begann mit neun Jahren zu spielen - in den Bars ihrer Heimatstadt Buffalo entwickelte. Es handelt sich um eine besondere Kombination aus leisen und lauten Tönen, die darauf abzielt, die Gäste zu betäuben und zu unterwerfen. "Laut gegen leise lässt die Gespräche der Leute an der Bar auffallen", sagte sie 2014 zu Acoustic Guitar. "Und sie drehen sich um und schauen dich an, und wenn du sie einmal hast, musst du sie behalten." -E.G.P.
Key Tracks: "Both Hands", "Allergic to Water", "Gravel"
151 Pete Cosey (Miles Davis)
Als unauffälliger Sideman hat Pete Cosey während seiner gesamten Karriere nie ein Soloalbum aufgenommen, aber er und seine Pedale waren die psychedelische Seele von Miles Davis’ extremsten elektrischen Platten in den 1970er Jahren wie Dark Magus, Get Up With It, Pangea und Agharta. Als Session-Mann für das legendäre Blues-Label Chess in seiner Heimatstadt Chicago waren seine schrägen Tunings, Wah-Wah, Flanger und Fuzz ein Markenzeichen der Crossover-Alben von Muddy Waters (Electric Mud) und Howlin’ Wolf (The Howlin’ Wolf Album), die Blues-Puristen in Angst und Schrecken versetzten. Davis sagte später, Cosey habe seiner elektrischen Band den "Jimi Hendrix- und Muddy Waters-Sound gegeben, den ich wollte". Er war ein früher Anwender von Gitarrensynthesizern und immer auf der Suche nach neuen Sounds. -J.G.
Schlüsseltracks: "Moja", "Smokestack Lightning"
150 Marissa Paternoster (Screaming Females)
Ob auf den acht LPs von Screaming Females oder in ihrer Solokarriere als Noun, Marissa Paternoster spielt sowohl mit großem Können als auch mit brutaler Einfachheit. Seit der Gründung von Screaming Females in New Brunswick. New Jersey, im Jahr 2005 gegründet hat, hat sie unermüdlich einen umfangreichen Katalog von rauem Indie-Rock und Power-Pop aufgebaut; ihre Hooks sind spröde und ansteckend, und ihre ungezähmten Soli klingen, als würden sie versuchen, sich zu verselbstständigen. Paternoster hat im Laufe der Jahre langsam die Effekte zurückgeschraubt und ihren Low-Fi-Sound verfeinert, aber es ist immer noch so klar wie eh und je, dass sie eine unserer größten modernen Punk-Stimmen ist, die die Fackel von Vorgängern wie Sleater-Kinney und den Breeders weiterführt. -Z.Y.
Schlüsseltracks: "It All Means Nothing", "I’ll Make You Sorry"
