ROLLING STONE hat gewählt: Die 250 besten Gitarristen aller Zeiten
Die neue Liste der besten Gitarristinnen und Gitarristen – erweitert auf 250 Positionen
„My Guitar is not a thing“, sagte Joan Jett einmal. „Sie ist eine Erweiterung von mir selbst. Sie ist das, was ich bin.“ Die Gitarre ist das universellste Instrument, das ursprünglichste und das ausdrucksstärkste. Jeder kann im Handumdrehen eine kleine Gitarre in die Hand nehmen, aber man kann ein ganzes Leben damit verbringen, ihre Möglichkeiten zu erkunden. Deshalb macht es auch so viel Spaß, darüber nachzudenken, was einen guten Gitarristen ausmacht.
Der ROLLING STONE veröffentlichte seine ursprüngliche Liste der 100 größten Gitarristen im Jahr 2011. Sie wurde von einem Gremium von Musikern, meist älteren Classic Rockern, zusammengestellt. Unsere neue, erweiterte Liste wurde von den Redakteuren und Autoren des Rolling Stone erstellt. Diese Liste enthält 250 Musiker.
Gitarristen sind oft genauso ikonisch wie die Leadsänger der Bands, in denen sie spielen. Aber mythische Gitarrengötter wie Jimmy Page, Brian May und Eddie Van Halen sind nur ein Teil der Geschichte. Wir wollten den Umfang der Entwicklung der Gitarre aufzeigen. Die älteste Teilnehmerin der Liste (Folkmusik-Ikone Elizabeth Cotten) wurde 1893 geboren, die jüngste (Indie-Rock-Wunderkind Lindsey Jordan) 1999. Die Liste umfasst Rock, Jazz, Reggae, Country, Folk, Blues, Punk, Metal, Disco, Funk, Bossa Nova, Bachata, kongolesische Rumba, Flamenco und vieles mehr. Es gibt unvergleichliche Virtuosen wie Pat Metheny, Yvette Young und Steve Vai, aber auch Primitivlinge wie Johnny Ramone und Poison Ivy von den Cramps. Es gibt große Stars wie Prince, Joni Mitchell und Neil Young, aber auch Meister hinter den Kulissen wie die Soul-Größe Teenie Hodges aus Memphis und den Smooth-Rock-Attentäter Larry Carlton.
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Viele große Gitarristen haben ihr Genie als Teil eines Duos verwirklicht, so dass Kim und Kelley Deal von den Breeders, Adrian Smith und Dave Murray von Iron Maiden und andere symbiotische Paare sich einen Eintrag teilen. Unser einziges instrumentales Kriterium ist, dass du ein Sechssaiter sein musst. (All ihr Balalaika-Schredder da draußen, macht weiter so; vielleicht beim nächsten Mal.)
Bei der Zusammenstellung der Liste haben wir mehr Wert auf Schwere als auf Geschmack gelegt, auf Gefühl als auf Glanz, auf Erfindungsreichtum als auf Raffinesse, auf Risikoträger und Urheber als auf Techniker. Wir neigten auch dazu, Künstlern den Vorzug zu geben, die die Gaben, die Gott ihnen gegeben hat, in großartige Songs und bahnbrechende Alben umsetzten, nicht nur in beeindruckendes Spiel.
Wie der moderne Blues-Visionär Gary Clark Jr. es ausdrückte: „Ich weiß nicht, ob ich zu weit vom Weg abkommen will – ich will mich nicht im Wald verirren – aber ich mag es, ein bisschen herumzuwandern und Abenteuer zu erleben.“MITWIRKENDE: Jonathan Bernstein, Tom Beaujour, David Browne, Brenna Ehrlich, Jon Dolan, J.D. Considine, Dan Epstein, Jon Freeman, David Fricke, Elisabeth Garber-Paul, Maya Georgi, Michael Goldwasser, Sarah Grant, Andy Greene, Joe Gross, Kory Grow, Will Hermes, Brian Hiatt, Joseph Hudak, Maura Johnston, Ernesto Lechner, Alan Light, Leah Lu, Charisma Madarang, Angie Martoccio, Michaelangelo Matos, Brittney McKenna, Craig Seymour, Rob Sheffield, Rob Tannenbaum, Simon Vozick-Levinson, Douglas Wolk, Zhenzhen Yu
250 Andy Summers (The Police)
The Police war eine neue Art von Power-Trio, und Andy Summers war der Hauptgrund dafür. Er entfernte sich schnell vom Punk und verwandelte Jazz-Akkorde und Reggae-Rhythmen in rasanten Rock & Roll. Summers spielte so sparsam wie möglich, konstruierte abgehackte Zuckungen oder dubbige Klangteppiche und ließ so viel Platz für Sting und Stewart Copeland. "Sein Ton und sein Stil waren einfach absolut perfekt - er ließ um alles herum Raum", sagte Alex Lifeson von Rush. "Und er kann alles, von wunderschönem Akustikspiel über Jazz bis hin zu Mischformen. -D.W.
Schlüsseltracks: "Message in a Bottle", "Every Breath You Take"
249 Brittany Howard (Alabama Shakes)
Seit ihren Anfängen in der Garage-Roots-Band Alabama Shakes war Brittany Howards Gitarrenspiel immer eine erdige, flüssige, bewundernswert ad-hoc Ergänzung zu ihrem kraftvollen Gesang und ihrem gefühlvollen Songwriting. Sie hat ein elastisches Rhythmusgefühl (man beachte die Art und Weise, wie ihre harten, gezackten Linien auf dem Song "Don’t Wanna Fight" von 2015 am Shakes-Leadgitarristen Heath Fogg abprallen). Howard hat sich mit ihrer Nebenband Thunderbitch dem geradlinigen Rock’n’Roll verschrieben, und ihr Soloalbum Jaime aus dem Jahr 2019 ist ein hervorragendes Beispiel für ihre musikalische Offenheit, vom funkigen, an James Brown angelehnten Hopscotching auf "History Repeats" bis hin zu dem geschmolzenen Fuzz, den sie auf "Presence" aufträgt. -J.D.
Wichtige Tracks: "History Repeats", "Presence"
248 Robbie Krieger (The Doors)
Ausgebildet in Flamenco und Jazz, wagte sich Robby Krieger zu einer Zeit, als die meisten Musiker noch dem Blues verpflichtet waren, über den Rock hinaus. Bei den Doors hatte er das improvisatorische Gespür, um Jim Morrisons wildesten Reisen zu folgen, er schrieb einige ihrer größten Hits ("Light My Fire") und sprang für die Lücke in der Keyboard-Schlagzeug-Gitarren-Besetzung ein. "Da wir keinen Bassisten hatten, musste ich mehr Bassnoten spielen, um den Boden auszufüllen", sagte er. "Da ich keinen Rhythmus-Spieler hatte, musste ich auch anders spielen, um den Sound zu vervollständigen. Ich fühlte mich immer wie drei Spieler gleichzeitig." -A.L.
Schlüsseltracks: "Riders on the Storm", "Roadhouse Blues"
247 Ricky Wilson (The B-52s)
Wenn die B-52s live auftraten, schien Ricky Wilson oft glücklich im Hintergrund zu existieren, inmitten des manischen Überschwangs von Leadsänger Fred Schneider und der Bienenkorbfrisur und den schrägen Tanzbewegungen von Kate Pierson und Cindy Wilson. Doch seine Mischung aus bodenständigem Chicken Scratch, kantigem Post-Punk, Rockabilly und Surf-Rock auf Klassikern wie "52 Girls", "Strobe Light" und "Private Idaho" machte ihn zu einem der einfallsreichsten Musiker der New Wave-Ära. Wilson verwendete oft nur vier oder fünf Saiten auf seiner blauen Mosrite-Gitarre und ungewöhnliche Stimmungen, um einen seltsamen, spartanischen Sound zu erzielen. "Ich stimme einfach die Saiten, bis ich etwas höre, das mir gefällt", sagte er einmal. Mit seinem Tod im Jahr 1985 verlor die Indie-Rock-Szene einen unscheinbaren Radikalen. -J.D.
Schlüsseltracks: "52 Girls", "Mesopotamia"
246 Paul Simon
Paul Simon, der große Wortschmied, spricht durch seine Gitarre ebenso lebendig wie durch seine Texte. Aufgewachsen mit frühem Doo-Wop und Rock ’n Roll, geriet Simon Mitte der sechziger Jahre in den Sog des Folk-Revivals und reiste nach England, um die akustische Meisterschaft von Bert Jansch zu studieren. Er hat immer wieder neue Einflüsse aufgenommen, wie bei "Dazzling Blue" von seinem jüngsten Album So Beautiful or So What: All das Folk-Fingerpicking habe ich mit Simon and Garfunkel gemacht, aber hier liegt es über diesem Rhythmus mit indischen Musikern, die im Zwölfachteltakt spielen. Mit seinen 80 Jahren ist er immer noch so flink wie eh und je, wie er auf seinem 2023 erschienenen Album "Seven Psalms" unter Beweis stellt.-W.H.
Key Tracks: "Dazzling Blue", "Kathy’s Song"
245 Leslie West (Mountain)
Leslie West (richtiger Name: Leslie Weinstein) machte sich erstmals Mitte der sechziger Jahre mit dem Garage-Rock der Vagrants einen Namen, als er Otis Reddings "Respect" coverte. Ab 1969 war West der harte Rächer in dem Cream-ähnlichen Quartett Mountain. Bei Songs wie dem 1970er-Hit "Mississippi Queen" spielte West aufgeraute Blues-Linien mit trügerischer Leichtigkeit und R&B-Flair durch einen schwarzen Wald aus gestresster Verstärkerverzerrung. "Die Riffs waren unglaublich", sagt Dave Davies. "Er konnte auffällige, komplizierte Phrasen spielen. Aber er war kein Typ, der nur auf mich schaut. Er spielte mit Gefühl." -D.F.
Schlüsseltracks: "Mississippi Queen", "Nantucket Sleighride (To Owen Coffin)"
244 Edilio Paredes
Jetzt, wo die Popstars Rosalía und The Weeknd einen Welthit gelandet haben, ist es kaum zu glauben, dass Bachata außerhalb seiner Heimat, der Dominikanischen Republik, einst kaum bekannt war. Und der Mann, der la música del amargue ihre klangliche Identität gab - diese scharfen, spiralförmigen Gitarrenlinien, die flattern und die Bitterkeit einer verlorenen Liebe betonen - ist Edilio Paredes. Als autodidaktisches Wunderkind spielte er eine Schlüsselrolle bei der Entwicklung des Übergangs vom Bolero Campesino zum zeitgenössischen Bachata, der in den neunziger Jahren schließlich seinen rechtmäßigen Platz als transzendentes afrokaribisches Genre einnahm. Paredes’ Diskografie als produktiver Session-Mann von den 60er bis zu den 80er Jahren spricht für sich selbst - aber el maestro wurde auch durch seinen Auftritt auf dem exquisiten 2011er Album The Bachata Legends bestätigt. -E.L.
Key Tracks: "No Me Olvides", "Bendita Nena"
243 Aaron Dessner and Bryce Dessner (The National)
The National sind eine einzigartige Rockgeschichte mit einem virtuosen Zwillingsgitarren-Duo, das zufällig auch noch Zwillingsbrüder sind. Bryce Dessner hat mit Legenden wie Steve Reich, Ryuichi Sakamoto, Jonny Greenwood und dem Kronos Quartet zusammengearbeitet. Aaron Dessner ist Taylor Swifts Gitarrenpartner auf Folklore und Evermore und verleiht Cowboy Like Me" einen an Jerry Garcia erinnernden Twang; bei August" in The Long Pond Studio Sessions geht er richtig ab. Die Dessner-Brüder können elektrische Angst ("Terrible Love") oder intime Folk-Schönheit ("I Need My Girl") vereinen. Sie waren auch die Meister des Grateful Dead Tribute Day of the Dead 2016 und jammten mit Bob Weir bei "I Know You Rider". -R.S.
Key Tracks: "Mr. November", "Bloodbuzz Ohio", "The System Only Dreams in Total Darkness"
242 Lindsey Jordan (Snail Mail)
Lindsey Jordan, Gitarrenheldin der Generation Z, nahm Unterricht bei Mary Timony, die ebenfalls auf der Liste der 250 größten Gitarristen steht, der außerordentlich einfallsreichen Gitarristin von Helium und Wild Flag. Als Jordan mit 18 Jahren ihr Debüt als Snail Mail mit dem 2018 erschienenen Album Lush gab, schien sie den gesamten Indie-Rock-Kanon verinnerlicht zu haben. Sie ist eine lässige Virtuosin und eine ernstzunehmende Schredderin, die von strumigen Spannungsaufbauten zu glorreichen, brennenden Soli wechselt, von kühl gewundenem Liz Phair-Low-Fi zu Sonic Youth-Wildwuchs. "Ich spiele gerne mit vollem Körpereinsatz", sagte sie 2018 dem Rolling Stone. "Das ist es, was es bedeutet, mit Integrität auf der Bühne zu stehen." -J.D.
Key Tracks: "Heat Wave", "Pristine"
241 Keith Urban
Er ist vielleicht nicht der virtuoseste oder traditionellste Countrymusiker, aber Keith Urban glänzt unter den Nashville-Cats durch seinen mühelosen Stil. Seine Riffs, Rhythmen und Soli scheinen so natürlich zu sein wie das Denken und heben den Song doch immer irgendwie hervor. Nichts ist übermäßig auffällig, jede Note macht Sinn. Beides ist der Höhepunkt von Urban im Studio. Aber am besten ist er auf der Bühne, wo er Gitarren-Heldentaten abliefert, die sich mit den Größten des Rock-Pantheons messen können. Kein Wunder, dass er mit allen zusammengespielt hat, von den Rolling Stones bis zu Nile Rodgers. "Ich liebe es, dass die Leute die Gitarre hören wollen", sagte Urban 2015 dem Rolling Stone, "aber ich denke nur an den Song ... was immer der Song zu wollen scheint." -J.H.
Key Tracks: "Highway Don’t Care", "Blue Ain’t Your Color"
240 Erin Smith (Bratmobile)
Erin Smith von den Riot-Grrrl-Pionieren Bratmobile begann mit dem Mitspielen zu Platten von Beat Happening, einer selbstbewusst primitiven Cuddle-Core-Band mit einer Frau am Schlagzeug. "Das war ’87, und ich habe nicht nur gesehen, dass Frauen Musik machen können, sondern auch, dass man es einfach selbst tun kann", sagte sie dem Museum of Pop Culture. "Ich konnte niemals Andy Taylor sein. Und mir wurde klar, dass das in Ordnung war." Der Stil, den sie zusammen mit der Sängerin Allison Wolfe und der Schlagzeugerin Molly Neuman entwickelte, kombinierte melodische Surf-Rock-Basslinien mit krachenden Garage-Rock-Akkorden und trug dazu bei, dass das Debütalbum Pottymouth von Bratbmobile aus dem Jahr 1993 zu einer der aufregendsten Punk-Platten der neunziger Jahre wurde. -E.G.P.
Wichtigste Tracks: "Love Thing", "P.R.D.C.T.
239 Duane Eddy
Falls es in den späten 1950er Jahren noch Zweifel daran gab, dass die Gitarre - und nicht das Saxophon - das wichtigste Lead-Instrument des Rock’n’Roll war, so hat Duane Eddy den Streit beigelegt: Siehe seine Single "Rebel Rouser" von 1958, die von Country-Twang durchzogen ist und mit Tremolo kräuselt. "Chet Atkins setzte das Vibrato selektiv ein - Duane Eddy benutzte es, um die Musik zu zerschmettern", sagt Dave Davies von den Kinks. Der Einfluss von Eddys Hits wie "Forty Miles of Bad Road" und "Peter Gunn" sollte sich bald in der Surfmusik und bei Gitarristen wie Jeff Beck und George Harrison bemerkbar machen. -D.F.
Wichtigste Tracks: "Rebel Rouser", "Peter Gunn"
238 Doug Gillard
Wenn Robert Pollard das schräge Genie der Indie-Rock-Institution Guided By Voices aus Ohio ist, dann ist Doug Gillard das schlagende Herz der Band. Er ist die perfekte Ergänzung zu Pollard, indem er seine verrückten Wortspiele und experimentellen Drones in Rock & Roll verwandelt, und das im unermüdlichen Tempo von zwei oder sogar drei GBV-Alben pro Jahr. "Ich kenne seine üblichen Formen und Drones - oder kann sie ziemlich genau entziffern, wenn es sich um eine neue Form handelt - und repliziere sie größtenteils in den Rhythmusparts auf den Platten", sagte Gillard einmal. "Aber ich habe auch eine gewisse Freiheit, sie zu verändern." -B.E.
Key Tracks: "I Am a Tree", "Mr. Child"
237 Jennifer Batten
Jennifer Batten wurde als löwenmähniger Gitarren-Hurricane auf Michael Jacksons größten Tourneen berühmt. Ein Auftritt, bei dem sie jede Nacht Funk, Soul, Metal und Eddie Van Halens "Beat It"-Solo spielen musste. Auf ihrem ersten Soloalbum, "Above Below and Beyond "von 1992, spielte sie Rimsky-Korsakovs "Flight of the Bumble Bee", Jacksons "Wanna Be Startin’ Somethin’" und John Coltranes "Giant Steps" (auf zwei ungewöhnliche Arten) auf der E-Gitarre ein, mit Whammy Dives und Finger-Tapping in Hülle und Fülle, alles mit ihrer einzigartigen Note. Später machte sie selbst riesige Schritte und wurde eine der wenigen Gitarristinnen, die es mit Jeff Beck aufnehmen konnten und mit ihm auf einigen seiner gewagtesten Alben um die Jahrtausendwende tourten und aufnahmen. -K.G.
Wichtigste Tracks: "Flight of the Bumblebee", "Giant Steps (Rock Version)"
236 Greg Sage (The Wipers)
Greg Sage gründete seine Band The Wipers 1977 in Portland, Oregon, und sprengte mit seinen komplexen, ausufernden Songs und seinem zerklüfteten, miasmatisch verzerrten Gitarrensound die Orthodoxie des Punk, bevor sie überhaupt existierte. Zu einer Zeit, in der andere Bands auf thrashige Einfachheit Wert legten, fühlten sich Wipers-Songs wie "When It’s Over" und "Romeo" wie stampfende Klanglandschaften an. Das Ergebnis war, dass sie die Indie-Rock-Szene des pazifischen Nordwestens aufmischten. "Wir haben alles von den Wipers gelernt", sagte Kurt Cobain, der sie stolz als seine Lieblingsband bezeichnete. "Sie spielten eine Mischung aus Punk und Hardrock, als es noch niemanden interessierte. -Z.Y.
Schlüsseltracks: "When It’s Over", "Up Front"
235 Laura Marling
Die britische Singer-Songwriterin und Multiinstrumentalistin Laura Marling ist eine subtile Virtuosin, die in ihrer Musik komplexe Stimmungen und Voicings verwendet, die viel einfacher klingen, als sie tatsächlich sind. "I Was an Eagle" von Marlings LP One I Was an Eagle aus dem Jahr 2013 klingt dank ihrer DADDAD-Stimmung verträumt und atmosphärisch, wobei ihr Haupteinfluss Joni Mitchell durch ungewöhnliche Phrasierungen und atonale Schnörkel in ihrem Katalog durchklingt. Während der Covid-19-Sperre teilte Marling ihr Gitarrenwissen mit ihren Fans und Anhängern, indem sie auf Instagram prägnante und informative Tutorials anbot. -B.M
Schlüsseltracks: “I Was an Eagle,” “Wild Fire,” “Ghosts”
234 John McGeoch
John McGeoch aus Manchester meldete sich mit der stürmischen Attacke der Debütsingle "Shot by Both Sides" von Magazine aus dem Jahr 1978, einer der großen Hymnen des britischen Punk-Rocks, und er entwickelte auf den späteren Werken von Magazine und Public Image Ltd. sowie bei Siouxsie and the Banshees schnell seinen eigenen ausladenden, architektonischen Stil. McGeoch wurde u. a. von Johnny Marr und Ed O’Brien von Radiohead in den höchsten Tönen gelobt. Seine Mischung aus schmetternder Rhythmusgitarre, miasmatischem Flansch und wirbelnden Arpeggios machte das 1981er Album Juju der Banshees zum großen Goth-Gitarren-Album der Achtziger, das eine neue, stimmungsvolle Sprache in den britischen Rock einführte, bei der Atmosphäre viel mehr zählte als Angst. -J.D.
Wichtigste Tracks: "Philadelphia", "Spellbound"
233 H.E.R.
H.E.R. ist so unauffällig geblieben, dass sie immer noch bei jedem großen öffentlichen Auftritt wie den Grammys oder dem Super Bowl für Aufsehen sorgen kann. H.E.R.s Stimme ist von klassischem R&B geprägt, und sie liebt ruhige Balladen, aber ihr Spiel reicht von zarten und fließenden Akzenten bis hin zu Prince-ähnlichen Rockschreddereien. Bei H.E.R.s Single "Hold On" verdoppelt sie ihre eigenen Gesangsmelodien mit einer Reihe von quietschenden Leads, eine ihrer Lieblingssignaturen. "Ich spiele meine Gitarre auch gerne so, als würde ich singen", erklärte sie gegenüber Guitar World. "Manchmal singe ich gerne und spiele meine Soli gleichzeitig ... ich harmonisiere sogar meine Stimme mit meiner Gitarre." Im Jahr 2021 kreierte Fender ein Stratocaster-Signaturmodell für H.E.R. und machte sie damit zur ersten schwarzen Frau, der diese Ehre zuteil wurde. -J.F.
Key Tracks: "Hold On", "Comfortable"
232 David Williams
Obwohl er mit der Liebe zum Jazz aufgewachsen ist, hat David Williams seinen größten Einfluss auf einen Musikstil ausgeübt, der nicht als Schaufenster der Instrumentalisten bekannt ist: Pop der achtziger Jahre. Seine absichtlich sparsame Spielweise ist der Schlüssel zur rhythmischen Verführung von Michael Jacksons "Billie Jean", Stevie Nicks’ "Stand Back" und Diana Ross’ "Muscles". Der Vietnam-Veteran, der auch mit Jackson und Madonna tourte und mit allen von Chaka Khan bis Kenny Loggins zusammenarbeitete, beschrieb einmal die "geheime Würze", die er den Top-40-Hits hinzufügte: "Man braucht nicht viel davon, aber die richtige Menge macht den Job." Williams starb 2009 im Alter von 58 Jahren an einem Herzinfarkt. -C.S.
Key Tracks: "Billie Jean", "Dirty Diana"
231 Etta Baker
Etta Bakers Name ist ein Synonym für den Piedmont-Blues, einen rollenden, von Ragtime und Folk beeinflussten Spielstil, der Anfang des 20. Jahrhunderts an der Ostküste entstand. Jahrhunderts an der Ostküste entstand. Baker, die 1913 in North Carolina in eine gemischtrassige Familie hineingeboren wurde und in Virginia aufwuchs, lernte das Gitarrenspiel von ihrem Vater und spielte als Jugendliche oft mit ihrer Familie zum Tanz auf. Ihre Instrumentalkompositionen wie "One Dime Blues", die 1956 auf einer Anthologie erschienen, waren ein Erdbeben: Zu den Zuhörern gehörten Bob Dylan und Taj Mahal, der noch vor ihrem Tod 2006 ein Album mit Baker aufnahm. -J.F.
Wichtigste Tracks: "One Dime Blues", "Carolina Breakdown"
230 Gustavo Cerati (Soda Stereo)
Vielleicht weil er mit der Majestät seiner Lieder den Sound des Latin Rock im Alleingang veränderte, vergisst man leicht, was für ein außergewöhnlicher Gitarrist Gustavo Cerati war. Mitte der achtziger Jahre löste der argentinische Singer-Songwriter mit dem Trio Soda Stereo und hymnischen Hits wie "De Música Ligera" einen panamerikanischen Rock en español-Boom aus. Nach der Auflösung von Soda geriet Cerati in den Bann von Sequenzern und Samples, kehrte aber 2006 mit Ahí Vamos, einer stürmischen, von zackigen Elektroriffs durchtränkten Session, in den Modus des Gitarrengotts zurück. Cerati fiel im Alter von 50 Jahren ins Koma und erholte sich nie wieder - aber das Bild von ihm, wie er sich auf der Bühne in ein Solo stürzt, ist für immer in das Unterbewusstsein der lateinamerikanischen Musikkultur eingebrannt. -E.L.<
Wichtigste Tracks: "Canción Animal", "La Excepción"
229 Barbara Lynn
Die sechzehnjährige Barbara Lynn hatte eine letzte Warnung für ihren Freund Stank: "Wenn du mich verlierst, verlierst du eine gute Sache". Die aus Beaufort, Texas, stammende Frau vertonte ihre Worte mit einer rechtshändigen Gitarre, die sie sich selbst beigebracht hatte, mit der linken Hand zu spielen. Der daraus resultierende Song "You’ll Lose a Good Thing", 1962 ein R&B-Nummer-eins-Hit, war der Auftakt zu einer gefeierten, 60 Jahre andauernden Schlagzeugerkarriere. Lynns meist selbst geschriebene Songs wurden von den Rolling Stones, Aretha Franklin, Otis Redding und Robert Plant gecovert und von den Beastie Boys und Moby gesampelt. Das spricht für die Glaubwürdigkeit und die kreative Kraft einer guten Frau, die etwas falsch gemacht hat. -C.S.
Wichtigste Tracks: "You’ll Lose a Good Thing", "I’ll Suffer"
228 Steve Jones (Sex Pistols)
Als der Manager der New York Dolls und später der Sex Pistols, Malcolm McLaren, Steve Jones eine weiße Les Paul Custom schenkte, die von Sylvain von den Dolls gespielt worden war, wurde dieses Instrument (oder ein ähnliches Modell) von da an zu Jones’ bevorzugter Waffe. Jones’ brutale Power-Akkorde und extravagante Gossen-Glam-Soli waren ein perfekter Spiegel für die spöttische Galle von Johnny Rotten - und ein Maßstab für jeden Punkrock-Krachmacher, der folgte. Sein Vermächtnis wurde mit unauslöschlichen Riffs auf einer einzigen Platte - Never Mind the Bollocks... von 1977 - festgelegt, die Gitarristen von Slash bis Billie Joe Armstrong inspirierten. Es war sowohl eine Einstellung als auch ein Sound. Wie Jones einem Journalisten während seiner Zeit bei den Sex Pistols sagte: "Eigentlich geht es uns nicht um Musik. Wir stehen auf Chaos." -W.H.
Schlüsseltracks: "God Save the Queen", "Pretty Vacant"
227 Glenn Branca
Als eine der Säulen der New Yorker Post-Punk-No-Wave-Bewegung setzte sich Glenn Branca dafür ein, die Gitarre - oft auf sein Markenzeichen, die "harmonische Reihe", gestimmt und so modifiziert, dass sie in verschiedenen Registern funktioniert und unterschiedliche Klangfarben erzeugt - als symphonisches Instrument zu etablieren, das für Ensembles von manchmal bis zu 100 Spielern komponiert werden kann. In seiner dröhnenden, wuchtigen Symphonie Nr. 1, die 1981 aufgenommen wurde, spielten sowohl Thurston Moore als auch Lee Ranaldo von Sonic Youth im Orchester mit. Branca brachte auch das erste Album von Sonic Youth auf seinem Label Neutral heraus und bewies damit, dass er auch ein Talent dafür hatte, andere musikalische Revolutionäre aufzuspüren. "Ich habe so viele Ideen über Musik, an denen ich noch nicht einmal gearbeitet habe", sagte er 2016 gegenüber Esquire. "Wenn ich 200 Jahre alt werden würde, würde ich mein Werk nicht vollenden." -T.B..
Key Tracks: "Light Field (In Consonance)", "Velvets and Pearls"
226 El Kempner (Palehound)
Lange bevor El Kempner Palehound ins Leben rief - ein Indie-Powerhouse-Projekt, das kürzlich für Boygenius eröffnete - war er ein siebenjähriges Kind, das Gitarre spielen lernte, indem es die Gitarre seines Vaters mit einer Markierungskappe anschlug. Seitdem ist die Gitarre das Leitmotiv des gebürtigen Bostoners: Elektrisierende Riffs, die durch Kempners musikalisches Geschick noch verstärkt werden, tragen temperamentvolle Tracks wie "The Clutch" von ihrem aktuellen vierten Studioalbum "Eye on the Bat". Doch was die raffinierten Fähigkeiten des 29-Jährigen noch unterstreicht, ist ihre Vielseitigkeit. Kempner ist auf ihrer geliebten Stratocaster ebenso zu Hause wie mit hübschem akustischem Fingerpicking oder wirbelnden Arpeggios. -M. Georgi
Schlüsseltracks: "The Clutch", "Independence Day"
225 Fred ‘Sonic’ Smith and Wayne Kramer (MC5)
Das MC5-Gitarrenduo Wayne Kramer und Fred "Sonic" Smith wurde in den 1960er Jahren in Detroit geschmiedet und arbeitete zusammen wie die Kolben eines starken Motors. Durch die Kombination von Chuck Berry- und frühen Motown-Einflüssen mit einem aufkeimenden Interesse am Free Jazz konnten die beiden die legendären, energiegeladenen Jams ihrer Band tief in den Raum schießen und gleichzeitig mit einem Fuß im Groove bleiben. "Wenn du lange genug mit einem anderen Gitarristen spielst, schöpfst du alles aus, was du kennst, und dann fängst du an zu spielen, was du nicht kennst, und du kommst in etwas Gutes hinein", sagte Kramer 2018 gegenüber Premier Guitar. "Wir haben einfach herausgefunden, dass wir synkopische Rhythmus-Parts gleichzeitig spielen können und sie perfekt einrasten, oder wir können gleichzeitig ein Solo spielen und sie rasten immer noch ein." -D.E.
Key Tracks: "Looking at You", "Poison"
224 Marv Tarplin (Smokey Robinson)
Marv Tarplin wurden zum Schlüssel für den Erfolg von Smokey Robinson and the Miracles, als der Soul-Crooner ihn in den 1960er Jahren zum Gitarristen der Gruppe auswählte. Tarplins Vielseitigkeit passte zu den Anforderungen von Motown, von seinen treibenden Akkorden bei "Going to a Go-Go" bis zu den süßen 12-saitigen Akustikklängen bei "You Really Got a Hold on Me". Sein Herumspielen mit den Akkorden von Harry Belafontes "Day-O (The Banana Boat Song)" führte dazu, dass er den Kern des Miracles-Hits "The Tracks of My Tears" schrieb. Auch nach der Auflösung der Miracles arbeitete er weiter mit Robinson zusammen. Die filigranen Akkorde, die er Robinsons Solosingle "Cruisin’" aus dem Jahr 1979 hinzufügte, verliehen dem Titel ein zeitloses Gefühl, das dazu beitrug, ihn in die Top Five der Billboard Hot 100 zu bringen. -M.J.
Schlüsseltracks "The Tracks of My Tears", "Cruisin’"
223 Joseph Spence (from The Bahamas)
1958 waren die Musikwissenschaftler Sam Charters und Ann Danberg Charters auf den Bahamas unterwegs, um nach Musikern für Aufnahmen zu suchen, als sie auf Joseph Spence stießen, der eine so reichhaltige Musik spielte, dass sie aus der Ferne annahmen, sie hörten zwei Gitarristen. "Er schien oft gleichzeitig im Bass, in den mittleren Saiten und im Diskant zu improvisieren", schreibt Sam in den Anmerkungen zu Joseph Spence: The Complete Folkways Recordings 1958. Spence’ pointillistisches, scharfkantiges Fingerpicking auf einer breiten Palette von Musik, von Blues über Spirituals bis hin zu Calypso, sollte einen großen Einfluss auf die Folk-Bewegung und darüber hinaus haben. Die Grateful Dead machten das Spence-Highlight "We Bid You Goodnight" zum Abschluss ihres Live-Sets, und der Pet Sounds-Klassiker "Sloop John B" der Beach Boys geht auf Spence’ Version des Songs zurück. -J.D.
Schlüsseltracks: "Brownskin Girl", "Jump in the Line"
222 Molly Tuttle
Die in Kalifornien aufgewachsene und in Nashville lebende Bluegrass-Innovatorin Molly Tuttle und ihre Crack-Band Golden Highway schrieben sich schon in die Geschichte der Roots-Musik ein, bevor sie bei Preisverleihungen auftraten. Ihr akustisches Flatpicking, das von Tony Rice, Joni Mitchell und Clarence White beeinflusst wurde, ist in der Tradition verwurzelt, aber nicht an sie gebunden. Anfang dieses Jahres wurde sie als erster Bluegrass-Act überhaupt für den Grammy als bester neuer Künstler nominiert - ein Zeichen für die anhaltende Entwicklung des Sounds, an der Tuttle einen großen Anteil hat. "Unsere Generation von Bluegrass-Spielern drängt wirklich in einige neue Richtungen", sagte Tuttle im Januar dem Rolling Stone. "Ich fühle mich glücklich, Teil dieser Szene zu sein, die Barrieren einreißt." -C.M.
Wichtigste Tracks: "Take the Journey", "El Dorado"
221 James Blood Ulmer
Erst als Soul-Jazzer, dann als bienengleicher Gegenspieler der melodischen Läufe von Free-Jazz-Ikone Ornette Coleman hat James Blood Ulmer Generationen von Blues-, Funk- und Jazz-Gitarren zu glitzernden Blättern, krachenden Riffs und nervösen Soli zusammengeschmolzen. Auf Alben wie Tales of Captain Black und Odyssey erwies sich sein stechender Ton als massiver Einfluss auf die experimentelle New Yorker Downtown-Szene der siebziger und achtziger Jahre und berührte jeden, von Vernon Reid (der Ulmers hervorragende Blues-Platten aus den 2000er Jahren produzierte) bis hin zu No-Wave-Bands wie DNA und Mars. Wie Reid es selbst ausdrückte: "James Blood Ulmer ist sich seiner Sache theoretisch und idiomatisch voll bewusst - er hat sich nur nie von diesen Bedenken einschränken lassen. Er ist ein Rocker. Er ist unumwunden er selbst. Er ist der Blues. Er selbst. Nicht seine Regeln." -J.G.
Wichtigste Tracks: "Thema from Captain Black", "Timeless"
220 Courtney Barnett
Die Fähigkeit der Indie-Rock-Sängerin und Songwriterin Courtney Barnett, zwischen kompliziertem, melodischem Fingerpicking und frenetischen, vom Garagenrock inspirierten Soli zu wechseln, macht ihre witzigen Erzählungen umso dynamischer. "Es klingt, als ob man über eine Autobahn fährt und die Sonne scheint", sagte Barnett dem Rolling Stone über "Write a List of Things to Look Forward To" aus ihrem 2021 erschienenen Album Things Take Time, Take Time. Das ist eine genaue Beschreibung der Art und Weise, wie Barnetts Gitarrenspiel die beschwingten, befreienden Songs begleitet, die sie schreibt. Auf Lotta Sea Lice, ihrem 2017er-Kollaborationsalbum mit Kurt Vile (der ebenfalls auf dieser Liste zu finden ist), ist die Chemie zwischen den beiden Musikern umwerfend, da ihre Gitarren und ihr Gesang spontan und nahtlos ineinandergreifen. -L.L.
Wichtigste Tracks: "Turning Green", "Over Everything", "Pedestrian at Best"
219 Glenn Tipton and K.K. Downing (Judas Priest)
Nachdem sie gesehen hatten, was Black Sabbath, Led Zeppelin und Deep Purple mit einem einzigen Gitarristen erreichen konnten, definierten Judas Priest Mitte der siebziger Jahre den Begriff Heavy" mit zwei Gitarristen neu: K.K. Downing und Glenn Tipton. Anstatt sich in Rhythmus- und Leadgitarren aufzuteilen, wie es die Rolling Stones und die Kinks getan hatten, verdoppelten Tipton und Downing die Riffs, wechselten sich mit schneidenden Soli ab und übernahmen Harmonie-Leads in den Motorrad-revierenden Songs der Band. Ihr gegenseitiges Geben und Nehmen bildete die Vorlage für Iron Maiden, Metallica, Slayer und all die großen Zwei-Gitarren-Bands, die folgten. Wie Kerry King von Slayer sagte: "Man kann fast immer sagen, dass es super-verdammt lecker ist, wenn es Tipton ist. Wenn es K.K. ist, ist es eine kantigere, fast punkige Art von Vibe, was eine großartige Mischung ist". -K.G.
Wichtige Tracks: "Victim of Changes", "Breaking the Law", "The Hellion/Electric Eye"
218 Lzzy Hale (Halestorm)
Lzzy Hale ist allein schon wegen ihrer dynamischen Stimme eine Göttin des Hard Rock. Aber sie ist auch eine wilde Musikerin mit einem aggressiven, rhythmischen Slap-Stil, der gut zu Halestorms Leadgitarristen Joe Hottinger passt. Hale kann auch schreddern - sieh dir an, wie sie die Gesangsmelodie von "I Miss the Misery" auf ihrem Instrument nachahmt - und ist für den Gitarrenrock des 21. Jahrhunderts so einflussreich, dass Gibson sie als erste weibliche Markenbotschafterin ausgewählt hat. Das Unternehmen hat sogar ein Hale-Signaturmodell seiner Explorer entworfen, das sie auf der Bühne spielt und an ihre Kollegen verschenkt, von Demi Lovato bis Daniela Villarreal von The Warning. "Die Leute bei Gibson sagen mir immer wieder, dass die Zielgruppe, die im Moment die meisten E-Gitarren kauft, weiblich ist", so Hale gegenüber dem Rolling Stone. "Die Welle kommt, ob es jemandem gefällt oder nicht." -J.H.
Schlüsseltracks: "I Miss the Misery", "The Steeple"
217 Thomas McClary (The Commodores)
Als einer der ersten schwarzen Schüler, die in die öffentlichen Schulen Floridas integriert wurden, hatte der in Eustis, Florida, geborene Thomas McClary, dessen erstes Instrument die Ukulele war, die Erfahrung, seinen eigenen Weg zu gehen. Er besuchte das College am Tuskegee Institute in Alabama, wo er zusammen mit dem Sänger Lionel Richie die Commodores gründete. Die Gruppe verschmolz Funk, Soul, Gospel und Country auf eine Weise, die Schwarze und Weiße gleichermaßen ansprach, und McClarys Mischung aus Glam-Grandezza und Blues-Grit in Songs wie "Easy" prägte den Sound des Crossover der Achtzigerjahre. "Ich hörte Santana, Jimi Hendrix, Albert King, James Taylor und Crosby, Stills, Nash, and Young", erinnerte er sich später. "Ich dachte, es wäre wirklich großartig, diese Typen zusammenzubringen, um einen wirklich rauen, rohen, authentischen Sound zu haben, der jeden ansprechen könnte." -C.S.
Schlüsseltracks: "Easy", "Brick House"
216 Steve Hackett (Genesis)
Genesis waren eine weitgehend unbekannte Art-Rock-Band, bevor der Gitarrist Steve Hackett 1971 anstelle des Gründungsmitglieds Anthony Phillips engagiert wurde. Hackett sorgte sofort für Aufsehen, als er ihnen seine zweihändige Klopftechnik vorstellte, die sie 1971 auf dem Album Nursery Crime festhielten, Jahre bevor Eddie Van Halen sie einem größeren Publikum vorstellte. Ein paar Jahre später legte er auf ihrem Meisterwerk Firth of Fifth" ein episches, schwebendes Gitarrensolo hin, eines der schönsten Musikstücke, die je auf einem Prog-Rock-Album erschienen sind. 1977 verließ er die Gruppe, um eine Solokarriere zu starten, die bis heute andauert. "Ich bin sehr glücklich darüber, dass ich den Gitarristen die Freiheit gegeben habe, um umwerfende Soli zu spielen", sagte Hackett, "und mit Dingen aufzuwarten, von denen man früher nur träumen konnte." -A.G.
Key Tracks: "Horizons", "Firth of Fifth"
215 Kurt Vile
Kurt Vile wirkt wie ein lässiger Slacker, aber er ist ein ernsthafter Gitarrist - und sein Stil, der chillige Drones und komplizierte, aber melodische Soli kombiniert, hat seine Wurzeln zum Teil darin, dass er als Teenager von seinen Eltern ein Banjo bekam, nachdem er sich eine Gitarre gewünscht hatte. "Banjos sind offen gestimmt und haben diese hohe Bordun-Saite", sagte der Musiker aus Philadelphia 2018 gegenüber guitar.com. "Es ist nicht so, dass man darüber nachdenkt, wenn man als Kind spielt, aber ich habe dieses ätherische Dröhnen wirklich gemocht." Im Laufe seiner Karriere hat er Einflüsse aus der ganzen Welt der Musik aufgenommen und sie in seinem bedächtigen, sanft und subtil virtuosen Stil zusammengeführt. -M.J.
Wichtige Tracks: "Pretty Pimpin", "Wakin on a Pretty Day"
214 Keiji Haino
Die freien Solodarbietungen des japanischen Musikers Keiji Haino sind quietschende, lärmende Katharsisübungen, bei denen nicht klar ist, ob er spielt oder tatsächlich einen Exorzismus an seiner Gitarre durchführt, und in Ensemblekonstellationen wie der Gruppe Aihiyo aus den späten Neunzigern, deren selbstbetiteltes Debüt wunderschön zerklüftet und zutiefst gefühlvoll ist. In einem Moment beruhigt er mit weichen, schimmernden Akkorden, im nächsten zerfetzt er das Trommelfell seiner Zuhörer mit Fuzz-Böen. "Die Leute üben wirklich hart, weil sie wollen, dass die Leute sie anhören", sagte er Vice Japan. "Und dann sagen sie, es sei Improvisation. Das macht mich wahnsinnig." -T.B..
Key Tracks: "A Shredded Coiled Cable Within This Cable Sincerity Could Not be Contained", "Why in the Courtesy of the Prey Always Confused With the Courtesy of the Hunters Pt. 1"
213 Lucy Dacus
Für Lucy Dacus ist die Gitarre ein ebenso wichtiges Instrument wie ihre Stimme, auch wenn ihrem Spiel nicht so viel Aufmerksamkeit zuteil wird wie ihren durchdringenden lyrischen Einsichten. Von ihrem pulsierenden Rhythmus-Part auf dem 2016er-Hit "I Don’t Wanna Be Funny Anymore" bis hin zu ihren Beiträgen in der Supergruppe Boygenius sind Dacus’ Arrangements ein unauffälliger, aber wichtiger Teil ihrer Fähigkeiten. Live-Auftritte ihres 2018er-Fan-Lieblings "Night Shift" beginnen leise, mit Dacus, die allein klimpert. Ihr langjähriger Lead-Gitarrist Jacob Blizard sorgt im weiteren Verlauf des Songs für verzerrte Geräusche, aber sie bleibt bei jeder Bewegung des Songs an seiner Seite und lässt nicht locker. Wenn alles zu einem krachenden, kathartischen Ende kommt, hat Dacus einem alten Geliebten ein letztes Lebewohl gesagt, und es ist klar, dass sie es ernst meint.
Wichtigste Tracks: "Night Shift", "I Don’t Wanna Be Funny Anymore"
212 José Feliciano
José Feliciano nur als den Mann zu sehen, der in der Weihnachtszeit "Feliz Navidad" schmettert, wäre spektakulär unfair. Der blind geborene Feliciano wurde bereits als Teenager zum Virtuosen der akustischen Gitarre. Sein abwechselnd lyrisches und wildes Spiel ist durchdrungen von den Boleros und Volksliedern seiner puertoricanischen Herkunft. Sein zerklüftetes Mosaik von Stilen - Rock, Jazz, Soul, Bossa Nova - veränderte den Sound des Mainstream-Pop-Rock in den Sechzigern. Bei Felicianos radikaler Neuerfindung von "California Dreamin’" von den Mamas and the Papas im Jahr 1968 sang er auf Spanisch wie ein Salsa-Sonero, und das Gitarrenfeuerwerk seines "Light My Fire" führte den Doors-Klassiker in ein düsteres, cineastisches Gebiet. -E.L.
Wichtigste Tracks: "Light My Fire", "Here, There and Everywhere"
211 Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs)
Als sich das New Yorker Garage-Rock-Trio Yeah Yeah Yeahs im Jahr 2000 gründete, war es ihr Ziel, etwas "Trashiges, Punkiges, Dreckiges" zu schaffen. Nick Zinners Stil ist all das und noch viel mehr, indem er den Dance-Punk von ESG, den Elan von Van Halen, die Gewalttätigkeit von Rowland S. Howard und die Erhabenheit von Johnny Marr in seinen charakteristischen eingängigen, glitzernden Riffs vereint. Zinners Gitarrenarbeit ist minimal, birgt aber abgrundtiefe Emotionen, von der Sehnsucht in "Maps" bis zur monströsen Spannung in "Heads Will Roll". -Z.Y.
Schlüsseltracks: "Y Control", "Maps", "Gold Lion"
210 Kaki King
Als unermüdlicher Klangabenteurer verfolgt Kaki King einen Ansatz, bei dem Preston Reed auf John Cage trifft. Er experimentiert mit alternativen Stimmungen, "behandelten" Instrumenten und elektronischen Loops, während er Fingerstyle, beidhändiges Klopfen und perkussive Slapping-Techniken einsetzt. "Ich denke: ’Mal sehen, was passiert, wenn ich diese Saite hier senke und jene dort anhebe’amadou", sagte sie 2011 gegenüber Premier Guitar. "Wenn du deine Gitarre anders stimmst, müssen deine Finger und dein Geist plötzlich wieder kreativ sein, weil du dich nicht auf Formen und Stellen verlässt, die gut klingen oder sich vertraut anfühlen. Man muss das Griffbrett erforschen, um neue Fingersätze und Klänge zu finden, und das führt zu neuen Entdeckungen." -D.E.
Schlüssel-Tracks: "Playing With Pink Noise", "Skimming the Fractured Surface to a Place of Endless Light"
209 Gary Clark Jr.
Ursprünglich als Erbe von Jimi Hendrix oder Stevie Ray Vaughn gehandelt, hat der mit einem Grammy ausgezeichnete Blues-Rock-Gitarrist Gary Clark Jr. hat mit seinem feurigen Spiel immer wieder bewiesen, dass er viel breiter aufgestellt ist, Elemente von Soul, Funk, Grunge und Hip-Hop in seine Platten einfließen lässt und mit so unterschiedlichen Künstlern wie den Foo Fighters, Alicia Keys, Tech N9ne und Bun B zusammenarbeitet. "Ich glaube nicht, dass ich mein volles Potenzial ausschöpfe, wenn ich nur das mache, was die Leute von mir erwarten", sagte er 2014 dem Rolling Stone. "Ich liebe es, zu spielen und zu experimentieren, und es gibt noch viele Wege zu erkunden. Ich weiß nicht, ob ich zu weit vom Weg abkommen will - ich will mich nicht im Wald verirren - aber ich mag es, ein bisschen zu wandern und Abenteuer zu erleben." -D.E.
Key Tracks: "This Land", "Grinder"
208 Amadou Bagayoko
Das malische Ehepaar Amadou Bagayoko und Mariam Doumbia, das sich 1977 in einem Blindeninstitut kennenlernte, erlangte als Amadou und Mariam den Durchbruch, als sie mit ihren hellen, melodischen Duetten, die von Amadous flotten, gelegentlich skronigen Leads rhythmisch angeführt werden, den Weg auf die Rockfestivals fanden. Aber es macht Sinn: "Die Leute sind oft überrascht, wenn wir erklären, wie sehr wir von westlicher Popmusik beeinflusst wurden", sagte Amadou Bagayoko einmal lachend zu einem Interviewer. "Ich bin mit Platten von Rod Stewart, Led Zeppelin, James Brown, Crosby, Stills und Nash, Eric Clapton, Jeff Beck, Pink Floyd, Stevie Wonder aufgewachsen... Das liegt daran, dass das die einzigen Platten waren, die wir in Mali hatten! -M.M.
Wichtigste Tracks: "Djanfa", "Ce N’est Pas Bon"
207 Justin Broadrick (Godflesh)
Justin Broadrick hat zwischen den Industrial-Metal-Brechern Godflesh, den Grindcore-Pionieren Napalm Death und der psychedelischen Post-Metal-Band Jesu (neben unzähligen anderen Projekten) sein eigenes Gitarren-Lexikon geschaffen. Seine dampfenden, elastischen Riffs und schwammigen Texturen bei Godflesh hauchten den mechanischen Rhythmen der Band eine seltene Menschlichkeit ein. Bei Napalm Death leistete er Pionierarbeit für den "grindigen" Sound des Grindcore (hyperschneller Death Metal), indem er die Verzerrung so stark aufdrehte, dass man bei Songs wie "Instinct of Survival" den Puls mehr spürte als die Noten. Und in Jesu, seinem psychedelischen Post-Metal-Gewand, schichtete er Geräuschmiasmen übereinander, bis sie eine wunderschöne Schattenwelt schufen, in der seine Stimme widerhallte. Bei allem, was er tut, seufzt, stöhnt und weint seine Gitarre, aber nichts anderes klingt so. -K.G.
Key Tracks: "Like Rats", "Silver", "Scum"
206 Hugh McCracken (Steely Dan)
Der Ostküsten-Gitarrist Hugh McCracken war nie ein auffälliger Solist, hat aber unzähligen Klassikern seinen geschmackvollen Stempel aufgedrückt. Das ist sein durchdringendes Lead bei "Hey Nineteen" von Steely Dan, sein sprintender Eröffnungs-Lick bei "Brown Eyed Girl" von Van Morrison und sein seidiges Akustikspiel bei "Killing Me Softly With His Song" von Roberta Flack. Auf unaufdringliche, aber lebendige Weise bereicherte er auch Paul Simons "50 Ways to Leave Your Lover", Alicia Keys’ "If I Ain’t Got You" und John Lennons und Yoko Onos "I‘m Losing You". McCracken war so beschäftigt und so zufrieden mit der Studioarbeit, dass er Paul McCartneys Angebot, bei den Wings einzusteigen, ablehnte, nachdem er auf Ram gespielt hatte. -D.B..
Wichtige Tracks: "Hey Nineteen", "Killing Me Softly With His Song"
205 Eric Johnson
204 Lynn Taitt
Lynn Taitt wurde in Trinidad geboren, machte sich aber in Jamaika einen Namen, indem er den Gitarrensound der Rocksteady-Musik durch sein Spiel auf den frühesten Aufnahmen dieses Stils wie Hopeton Lewis’ "Take It Easy" und Derrick Morgans "Tougher Than Tough" maßgeblich prägte. Als der König der jamaikanischen Gitarre, Ernest Ranglin, 1964 nach England ging, wurde Taitt zum wichtigsten Session-Mann auf der Insel. Seine Arbeit an Desmond Dekkers "007 (Shanty Town)" gehört zu den bekanntesten Gitarren in der jamaikanischen Musikgeschichte, und obwohl er nur wenige Jahre in der Szene aktiv war und 1968 nach Kanada ging, wurden sein Einfluss und seine Bedeutung zementiert, als sein Schüler Hux Brown Taitts Spielstil verfeinerte, um den Sound der Reggae-Gitarre mitzugestalten.-M. Goldwasser
Wichtigste Tracks: "007 (Shanty Town)", "Take It Easy"
203 Grant Green
Grant Green kam aus der Hard-Bop-Szene und wurde ein Pionier des Soul-Jazz. Der Charlie-Parker-Fan aus St. Louis nahm 1960 sein Blue-Note-Debüt auf und hatte danach fünf Jahre lang eine glänzende Karriere mit den makellos coolen Grooves von Idle Moments und The Complete Quartets With Sonny Clark. Mit Elvin Jones und McCoy Tyner erkundete er auf seinem Matador-Album von 1964 den Latin Jazz. Green starb 1979 im Alter von nur 43 Jahren, als er in New York in George Bensons Breezin’ Lounge auftrat. Doch sein Einfluss ist noch immer ungebrochen, vor allem im Hip-Hop. Seine Gitarre wurde auf Rap-Klassikern von A Tribe Called Quests "The Low End Theory" bis zu Kendrick Lamar’s "Good Kid, m.A.A.d City" gesampelt. -R.S.
Wichtigste Tracks: "Idle Moments", "Jean De Fleur", "On Green Dolphin Street"
202 Vince Gill
Es ist fast unfair - als reiner Sänger wird Vince Gill zu Recht als einer der ganz Großen der Country-Musik gefeiert. Aber mehr noch, der Mann ist tödlich mit einer elektrifizierten Fender in den Händen. Neben dem lebendigen Chicken Picking und den twangigen Bendings auf Singles wie "Liza Jane" von 1991 hat Gill auf "Bakersfield" von 2013 den kalifornischen Country-Gitarrengöttern wie Don Rich und Roy Nichols gehuldigt. Darüber hinaus hat Gill seine Gitarre bei Sessions für die Alben unzähliger anderer Künstler eingesetzt - wie Miranda Lambert, Emmylou Harris, Patty Loveless, Kenny Chesney, Dolly Parton und Don Henley. Apropos Henley: Seit dem Tod von Glenn Frey im Jahr 2017 ist Gill ein Tourmitglied der Eagles und erfüllt eine Doppelfunktion als Harmonie-Sänger und hervorragender Gitarrist. -J.F.
Key Tracks: "Liza Jane", "Oklahoma Borderline"
201 Garry ‘Diaper Man’ Shider (Parliament)
Auf die Frage, warum er auf der Bühne nur mit einer übergroßen Windel bekleidet auftrat, antwortete Parliament/Funkadelic-Gitarrist Garry Shider: "Gott liebt Babys und Narren. Ich bin beides." Obwohl er ursprünglich dafür gefeiert wurde, dass er das -delic in Funkadelic durch scharfe, verzerrte Leads in Jams wie "Cosmic Slop" einbrachte, war Shider auch ein meisterhafter Rhythmusgitarrist, wie sein eindringliches, funkiges Spiel in "One Nation Under a Groove" und "Atomic Dog" (die er beide mitgeschrieben hat) beweist. Er spielte nicht nur den "Diaper Man" in Parliament/Funkadelic, sondern wurde auch "Starchild" in Bootsys Rubberband genannt und diente als musikalischer Leiter der P-Funk All Stars, während er nach seiner P-Funk-Karriere sowohl mit Paul Schaffer als auch mit den Black Crowes zusammenarbeitete. -J.D.C.
Schlüsseltracks: “Cosmic Slop,” “One Nation Under a Groove”
[amsb_article_list_item youtube_id=’1JKTwgujXlA‘ number=’200′ headline=’Christone „Kingfish“ Ingram‘ text=’Christone „Kingfish“ Ingram ist in Clarksdale, Mississippi, aufgewachsen, ganz in der Nähe von Robert Johnsons Kreuzung, und bezeichnet sich selbst als „alte Seele“ – was vielleicht eine Untertreibung ist. Mit seinen 24 Jahren scheint er den gesamten Kanon der Bluesgitarre und darüber hinaus in sich aufgesogen zu haben, dank Einflüssen, zu denen auch Prince gehört. Aber sein Spiel zeigt nicht nur eine verblüffende Geläufigkeit, die nahtlos die Licks eines ganzen Jahrhunderts integriert, sondern auch eine Frische, die einem das Gefühl geben kann, ein brennendes Bluessolo zum ersten Mal zu hören. Er ist ein seltener Gitarrenheld des 21. Jahrhunderts und die unbestrittene Zukunft des Blues. -B.H.
