Ray Charles: Das turbulente Leben und die Todesursache einer Legende
Mit Ray Charles ging einer der einflussreichsten Musiker aller Zeiten von uns. ROLLING STONE blickt auf sein Leben zurück.
Von seinen vielen Talenten war es vor allem Ray Charles Fähigkeit, Lieder so zu interpretieren und zu singen, dass sie die Worte aus den Tiefen seines eigenen Herzens erfüllten und diese Emotion zum Zuhörer trugen, die ihn vom Rest absetzte. „Ich singe die Lieder für das, was sie mir bedeuten“, wurde Charles in Joe Goldbergs „Jazz Masters of the Fifties“ zitiert. Sein Gesang verdeckte jedoch lange Zeit seine weiteren beachtlichen Errungenschaften als Blues-Pianist, Bandleader, Komponist und Arrangeur. „Jazzmusiker sprechen von einer Qualität, die ‚der Schrei‘ genannt wird, eine Qualität, die den Blues widerhallen lässt, egal was gespielt wird. Der Schrei des Blues durchdringt jede Charles-Aufführung“, schrieb Goldberg.
Obwohl Ray Charles in extreme Armut hineingeboren wurde, schuf er über fünf Jahrzehnte hinweg ein einzigartiges Werk. Er beherrscht zahlreiche Stile, seine Aufnahmen sind reich an Blues, Jazz und Country, und er wurde oft als der beste Rock-’n‘-Roll-Sänger, der beste Jazzsänger und der beste Popsänger der USA bezeichnet, wobei seine Vormachtstellung nur von Frank Sinatra in Frage gestellt wurde. Häufig imitiert und während seiner Karriere mit zahllosen Auszeichnungen geehrt, bleibt Ray Charles am besten als „Father of Soul“ in Erinnerung.
Charles selbst hat sich nie darum gekümmert. Als man ihn darauf ansprach, antwortete er in Goldbergs Buch: „Ich betrachte das als Kompliment. Ich möchte nicht gebrandmarkt werden. Ich will weder die Rhythm-and-Blues-Marke, noch die Pop-Marke oder irgendeine andere. Deshalb probiere ich all diese verschiedenen Dinge aus…. Ich weiß, dass nicht jedem alles gefällt, was ich tue. Manche mögen das eine, manche das andere. Aber ich versuche, möglichst viele Leute zu erreichen, während ich tue, was ich will. Ich bin ein Entertainer.“
Die harte Kindheit von Ray Charles
Ray Charles Robinson wurde am 23. September 1930 in Albany, Georgia, geboren. Sein abwesender Vater, Bailey Robinson, war ein eingewanderter Eisenbahnarbeiter, der seinen Sohn nie kennenlernte. Charles und seine geliebte Mutter Aretha zogen nach Greenville, Florida, als der Junge sechs Monate alt war. Die Zeiten waren hart. In seiner Autobiografie „Brother Ray“ erinnerte sich Ray Charles daran, dass „wir selbst im Vergleich zu den anderen Schwarzen in Greenville ganz unten auf der Leiter standen“.
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Hinzu kamen weitere Schicksalsschläge. Im Alter von fünf Jahren musste Ray hilflos mit ansehen, wie sein vierjähriger Bruder George in einer Waschwanne ertrank. Danach verschlechterte sich seine Sehkraft aufgrund eines Glaukoms erheblich, so dass er im Alter von sieben Jahren vollständig erblindet war. Charles besuchte daraufhin eine staatliche Schule für Taube und Blinde in St. Augustine, Florida.
Ray Charles war ein Naturtalent
Während seines Aufenthalts in St. Augustin lernte Charles lesen, komponieren und Musik in Blindenschrift zu schreiben. Dazu Klarinette, Trompete, Saxophon und Keyboard. Obwohl er an diesem Ort mit klassischer Musik vertraut wurde, machte er seine ersten Erfahrungen mit dem Klavierspiel am Instrument von Wylie Pittman, einem lokalen Lebensmittelhändler. Der Autor Robert Palmer schrieb, dass Charles sich gerne an einen Besuch bei Wylie nach der Schule erinnerte, wo „er mich auf dem Klavierhocker oder auf dem Stuhl neben ihm sitzen und mit ihm auf das Klavier hämmern ließ“.
Charles gab vier Pianisten an, die ihn als Kind am meisten beeinflussten: Art Tatum, Bud Powell, King Cole und Oscar Peterson. Seine Exzellenz als Blues-Pianist zeigt sich später auf seinen Instrumentalalben, darunter „The Great Ray Charles“. Quincy Jones führt bis heute Charles pianistische Fähigkeiten als einen wesentlichen Faktor für den Erfolg seiner Produktionen an. Der junge Ray Charles besaß ein natürliches Talent für Musik und war bereits mit zwölf Jahren angeblich dazu in der Lage, alle Teile einer Big Band oder eines Orchesters zu arrangieren und zu instrumentieren. Als Kind hörte er neben der wöchentlichen „Grand Ole Opry“ und der Gospelmusik seiner Baptistenkirche vor allem Blues und Swing.
Ray Charles trifft Quincy Jones
Als Ray Charles fünfzehn Jahre alt war, starb seines Mutter. Sein Vater war einige Jahre zuvor ebenfalls gestorben. Da er keine unmittelbare Familie mehr hatte, zog der Teenager auf der Suche nach Arbeit nach Jacksonville, Florida. Er erinnerte sich an diese Tage als harte Zeiten, doch zugleich hatte er das Gefühl, dass seine Jugend ihm eine gewisse Widerstandskraft verlieh. Bald spielte Charles in zahlreichen kleinen Bands im ganzen Bundesstaat. Im Jahr 1948, jetzt achtzehn Jahre alt, war aus dem Jungen ein erfahrener Straßenmusiker geworden. Auch das Heroin hatte zu diesem Zeitpunkt bereits einen Platz in seinem Leben. Der ehrgeizige Musiker war jedoch fest entschlossen, seinen Weg in der Musik zu gehen. Er kaufte sich ein simples Aufnahmegerät und spielte in Tampa einige Demos ein.
Nachdem er rund 600 Dollar aus Gagen gespart hatte, reiste Charles an die Westküste der USA und ließ sich eine Zeit lang in Seattle nieder. Dort traf er Quincy Jones und Bumps Blackwell, den Produzenten von Little Richard. Charles stellte zudem erfolgreich ein Trio aus Gitarre, Bass und Klavier zusammen und ließ seinen Nachnamen Robinson fallen, um nicht mit dem damals beliebten Boxer Sugar Ray Robinson verwechselt zu werden. Das Trio erregte schließlich die Aufmerksamkeit von Jack Lauderdale, einem alteingesessenen Veteranen der Musikindustrie. Um 1950 zog Ray Charles weiter nach Los Angeles und nahm Platten für Lauderdales Label „Swing Time“ auf. Zur gleichen Zeit wurde er zum ersten Mal Vater – zwölf Kinder von unterschiedlichen Frauen standen am Ende seines Lebens zu Buche.
Von „Swing Time“ zu „Atlantic“
1951 nahm Ray Charles einen unter Afroamerikanern beliebten Hit namens „Baby Let Me Hold Your Hand“ auf, der in den Rhythm-and-Blues-Charts die Top 10 erreichte. Diese und andere „Swing-Time“-Singles wurden im Stil von Nat King Cole und Charles Brown aufgenommen, da der junge Musiker seinen eigenen Stil noch nicht gefunden hatte. Er versuchte, wie seine beliebten Vorbilder zu klingen, um Arbeit zu bekommen, vor allem in den Clubs.
Zur gleichen Zeit tourte Charles mit dem Blues-Sänger Lowell Fulsom als dessen Pianist. Gegen Ende 1951 entschied sich „Swing Time Records“ dazu, Ray Charles fallen zu lassen, und die Manager von „Atlantic“ Records“, Ahmet Ertegun, Herb Abramson und Jerry Wexler, schnappten sich das vielversprechende Talent, ohne ihn je gesehen zu haben. Sie zahlten ihm 2.500 Dollar für einen Vertrag, was zu dieser Zeit eine enorme Summe war – zumal für einen Schwarzen aus ärmlichen Verhältnissen. Für seine ersten Sessions bei „Atlantic“ wurde Charles mit einer außergewöhnlich talentierten Gruppe von New Yorker Studio-Musikern unter der Leitung von Jesse Stone zusammengebracht, darunter Gitarrist Mickey Baker, Schlagzeugerin Connie Kay und Bassist Lloyd Trotman. Bei „Atlantic“ wurde Charles nie nur als ein weiterer Künstler betrachtet. Für sie war Charles ein musikalisches Genie, das viel mehr zu bieten hatte als das Schreiben und Singen von Songs.
Die Zeit in New Orleans
Ray Charles arbeitete 1953 vor allem in New Orleans. Es war das letzte seiner Lehrjahre, an dessen Ende ein unvergleichlicher Musiker stand. Der Rhythmus von Louisiana hatte jedoch weniger Einfluss auf sein Gesamtwerk, als ihm manche nachsagten. Tatsächlich ähnelten seine Bandarrangements aus der Mitte der fünfziger Jahre eher dem Stil von James Brown als dem Rhythm-and-Blues aus New Orleans. Charles eigene musikalische DNA entstand auch als Ergebnis seiner Arbeit mit „Guitar Slim“, dessen kruder Gospel-Blues ihn stark beeinflusste.
Charles arrangierte sogar Slims millionenfach verkaufte Single „Things That I Used to Do“. Die frühen Aufnahmen basieren auf Blues- und Gospelsongs, darunter die gefühlvollen Stücke „A Fool For You“, „What Would I Do Without You“, „It’s Allright“ und „Drown In My Own Tears“. Während dieser Zeit ließ sich Charles von seiner Frau Eileen scheiden, mit der er sechzehn Monate verheiratet gewesen war. Die nächste Frau namens Della stand da bereits in den Startlöchern.
„Ray war in der Lage, so viel Persönliches einzubringen.“
Ab 1954 begann Ray Charles, Lieder zu schreiben, die sich radikal von seinen fachmännischen Imitationen von Nat King Cole, Charles Brown und Louis Jordan unterschieden. Sobald die Songs begannen, sich durchzusetzen, betitelte man ihn als „The Genius“ und „The Bishop“. Von New Orleans zog Charles weiter nach Dallas, wo er mit Renald Richard seine erste richtige Band zusammenstellte. Die Gruppe begann mit Ruth Brown aus El Paso in ganz Florida aufzutreten. Während dieser Zeit stieß der Saxophonist David „Fathead“ Newman dazu, und Charles und Richard entwickelten den Song „I Got a Woman“, der den Wendepunkt in Charles Musik vom Rhythm-and-Blues zum Soul markierte und die Inbrunst der Baptistenkirchen verströmte.
Im November 1954 lud Charles die „Atlantic“-Manager Ahmet Ertegun und Jerry Wexler ein, seine neue Musik im „Peacock Club“ in Atlanta zu hören. Dort erkannte Wexler zum ersten Mal den allgemeinen Wandel in der Musik des aufstrebenden Stars. Nesuhi Ertegun, Ahmets Bruder, räumte jedoch ein, dass der Stil von Ray Charles nicht unbedingt einzigartig war, wie der Autor Robert Palmer bemerkte: „Ray war nicht der erste, der Gospel und Blues kombinierte. Er ist der Beste einer langen Tradition, aber zwanzig Jahre zuvor gab es Leute, die auf diese Weise sangen. Ray war jedoch in der Lage, so viel Persönliches einzubringen.“
Elvis Presley war Fan von Ray Charles
„Atlantic“ machte frühe Aufnahmen mit Ray Charles, während er in Atlanta, Florida und New York auftrat. Nesuhi Ertegun sah dies als Vorteil an, da der Schützlings des Labels dadurch die Möglichkeit hatte, seine Arrangements unterwegs auszuarbeiten. Nach Charles Rückkehr nach Atlanta gelang es Wexler und Ertegun, sein erstes Nummer-Eins-Album, „Ray Charles“, zu produzieren. Mittlerweile war deutlich, welche Größe er erreicht hatte. Die Single „I Got a Woman“ stieg ebenfalls auf Platz eins der Rhythm-and-Blues-Charts ein. Der außerordentliche Erfolg seines neuen Gewands, sowohl in kommerzieller als auch in künstlerischer Hinsicht, führte zu weiteren Hits, darunter „This Little Girl of Mine“ (1955), „Talkin‘ ‚Bout You“ (1957) und „Don’t Let The Sun Catch You Crying“ (1959), dessen Call-and-Response-Charakter mit „What’d I Say?“ 1959 vollends verwirklicht wurde.
In dieser Zeit entdeckte die weiße Jugend Amerikas Aufnahmen von schwarzen Künstlern. Elvis Presley hatte dazu beigetragen, die Rassenschranken zu überwinden. Außerdem war der „King“ Fan von Ray Charles. Doch trotz der Tatsache, dass die Führungskräfte von „Atlantic“ den Verkauf auf dem weißen Pop-Markt anstreben wollten, weigerte sich Charles, seinen Musikstil mit dem einfacheren Beat, den jugendlichen Texten und dem sanfteren Gesang zu kompromittieren. Charles fuhr mit seiner gefühlvollen Musik fort. Die Verkaufszahlen blieben hoch, wenn auch größtenteils in der schwarzen Community. „Atlantic“ unterstützte Charles weiterhin in jeglicher Hinsicht, daher war seine Soul-Musik unverdünnt. Einige seiner bahnbrechenden Lieder aus dieser Zeit waren noch gefühlvoller als seine früheren Aufnahmen, darunter „Come Back Baby“ und „Hallelujah I Love Her So“.
Ray Charles wird der „Father of Soul“
Trotz seines frühen Erfolgs in der Soul-Musik nahm Ray Charles die Auszeichnung „Father of Soul“ nie ganz an. Zu Robert Palmer sagte er: „Wenn mich Leute fragen, was ich über Soul-Musik denke, sage ich, dass all diese Begriffe Namen sind, die die Medien der Musik geben, um sie irgendwie zu beschreiben. Ich kenne den Unterschied zwischen Rhythm-and-Blues, Soul-Musik und der schwarzen Version der Disco nicht; die Rhythmusmuster sind die gleichen.“
In „Jazz Masters of the Fifties“ äußerte sich Charles weiter über seine Songs: „Die Dinge, über die ich schreibe und singe, betreffen den Durchschnittstypen und seine alltäglichen Probleme. Es gibt vier grundlegende Themen: Liebe, jemand, der zu viel redet, Spass haben, und Jobs, die schwer zu bekommen sind. Wenn ich mich in die Rolle desjenigen versetze, über den ich singe, dann tue ich es mit all dem Gefühl, das ich hineinlegen kann, damit ich es selbst empfinden kann.“
Die richtige Band für Ray Charles
Zum Glück für Ray Charles war seine Band sowohl flexibel als auch talentiert genug, um seinem Sinn für musikalische Perfektion gerecht zu werden. Zwischen 1957 und 1959, mit zusätzlichen Erweiterung seiner Mitmusiker, vertiefte er sich in größere musikalische Streifzüge, einschließlich eines ausgedehnten Interesses an Country. Von hier aus rekrutierte Charles drei Sängerinnen, Mary Ann Fisher, Darlene McRae und Margie Hendrix, als Kontrast zu seiner Stimme, um an den traditionellen Call-And-Response-Gospelgesang zu erinnern.
Die Hit-Single „What Kind of Man Are You“ ist ein hervorragendes Beispiel für das intensive, spirituelle Gefühl, das durch die neue stimmliche Klangfarbe Einzug erhielt. „What’d I Say?“, Ray Charles erster millionenfach verkaufter Song, war eine der besten Beispiele des Call-and-Response-Musters zwischen Ray Charles und seinen neuen Backgroundsängerinnen. Die Suggestion von Sex in dem Song führte jedoch dazu, dass es zunächst nur von schwarzen Radiosendern gespielt wurde – bis Elvis es für sich entdeckte und die weißen Radiosender nachzogen.
Abschied von „Atlantic“
Trotz früherer Eskapaden – spätes Erscheinen zu Konzerten, Drogenmissbrauch und ein aufbrausendes Temperament – war Ray Charles stets ein hochprofessioneller Musiker, der sein Publikum in seinen Bann zog. „Atlantic Records“ machte sich das besondere Live-Erlebnis ihres Schützlings zu Nutze und zeichneten zwei legendäre Shows mit. Auf „Ray Charles in Newport“ und „Ray Charles in Person“, erreichte der Live-Gesang eine Qualität, die im Studio nicht leicht einzufangen war.
Und doch standen die Zeichen auf Abschied. Die Manager von „Atlantic“ waren es, die ihm das Genie-Prädikat verpassten, natürlich im besten Bewusstsein über das geschäftliche Kalkül dieser Maßnahme. Letztlich war Ray Charles künstlerisch für sie nicht zu fassen, denn er liebte den Eigensinn zu sehr, der ihn – das muss konstatiert werden – überhaupt erst dorthin gebracht hatte, wo er war. Umworben von sämtlichen großen Plattenfirmen jener Zeit und zugleich immer seiner selbst treu. Als der Vertrag bei „Atlantic“ Ende 1959 auslief, machte ihm „ABC-Paramount“ ein selten großzügiges Angebot, und er unterschrieb.
„Georgia on My Mind“ und „Hit the Road Jack“
Während „Atlantic“ ihrem Star nachtrauerten, erfreute sich „ABC“ an den steigenden Verkaufszahlen. Ray Charles schrieb einen Hit nach dem anderen, darunter 1960 „Georgia on My Mind“ und 1961 „Hit the Road Jack“. Diese Songs etablierten ihn darüber hinaus als internationalen Künstler. 1962 wurde „Modern Sounds in Country and Western Music“ mit besten Kritiken und noch besseren Verkaufszahlen veröffentlicht. Alleine die Single „I Can’t Stop Loving You“, verkaufte sich drei Millionen Mal. Obwohl Charles Hang zum Country für erhebliche Kontroversen sorgte, sorgte die Popularität für weitere Aufnahmen dieser Art. Bei den Grammys 1961 ging er mit vier Auszeichnungen schließlich als großer Gewinner hervor.
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Zum einen war Ray Charles ein gefeierter Star, dessen Aufstieg kaum aufzuhalten war – außer von sich selbst. Vor einem Auftritt in Indiana am 14. November 1961 durchsuchten Polizisten sein Hotelzimmer und fanden Heroin weitere Drogen. Charles, damals einunddreißig Jahre alt, berichtete später, seit seinem sechzehnten Lebensjahr drogensüchtig gewesen zu sein. Ein Produkt des harten Lebens als Waise zwischen Existenzängsten und drängenden Sehnsüchten. Der Fall aus Indiana wurde aufgrund fehlerhafter Beweisführung eingestellt, doch die Situation verbesserte sich erst Jahre später.
Enge Freunde wie Quincy Jones waren der Meinung, dass die Menschen um Ray Charles herum für seinen Drogenkonsum verantwortlich waren, da er aufgrund seiner Blindheit nicht in der Lage war, sich selbst Drogen zu beschaffen oder zu verabreichen. 1964 wurde er erneut wegen Drogenbesitzes verhaftet, sodass er sich einem Aufenthalt im St.-Francis-Krankenhaus in Lynwood, Kalifornien selbst auferlegte. Er entging somit einer Haftstrafe und schaffte es tatsächlich, von den Drogen loszukommen. Ray Charles verarbeitete den inneren Kampf in Songs wie „I Don’t Need No Doctor“, „Let’s Go Get Stoned“ und in der Veröffentlichung seines ersten Albums seit dem Abschied vom Heroin, dem leidenschaftlichen „Crying Time“ von 1966.
Woran starb Ray Charles?
Ab den 70ern wandte sich Charles vermehrt dem Bewegtbild zu. Er komponierte Songs für Filme und Fernsehsendungen, darunter den Titelsong für die Sitcom „Three’s Company“ sowie den Song „Beers to You“ für den Clint Eastwood-Film „Any Which Way You Can“. 1979 wurde „Georgia on My Mind“ zum offiziellen Song des Bundesstaats Georgia ernannt, und Ray Charles war einer der ersten Musiker, der 1986 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen wurde. Immer häufiger bezogen sich die Neuigkeiten von Ray Charles in den Folgejahren auf seine Vergangenheit – ein Lifetime-Achievement-Award hier, eine Kampagne zu seinen größten Hits da. Es war das, was allen wirklichen großen Künstlern einmal erfährt. Sie werden zum Museum ihrer selbst. Einige tun dies in Würde, andere hingegen nicht – Ray Charles gehörte sicherlich zur ersten Kategorie.
Charles tourte bis an sein Lebensende. Seine letzte Tournee im Jahr 2003 musste aufgrund von Krankheit abgebrochen werden, doch trotz denn Rückschlags arbeitete er in jenem Jahr daran, ein Album mit Duetten zu produzieren – „Genius Loves Company“. Zu den Gästen zählten Norah Jones, Elton John, Bonnie Raitt und B.B. King. Als Charles am 10. Juni 2004 in seinem Haus in Beverly Hills, Kalifornien, an Leberversagen starb, trauerte die Musikwelt um eine Legende. Künstler und Manager aus der gesamten Branche feierten seine große Karriere, und das Nachrichtenportal „Newsweek“ kommentierte: „Generationen von Sängern wollten so klingen wie er. Niemand kommt ihm nahe.“ Das gefeierte Biopic über sein Leben war zu diesem Zeitpunkt bereits in Produktion. Die Beerdigung fand auf dem Inglewood Park Cemetery statt, nachdem Weggefährten wie Stevie Wonder und B.B. King auf der Trauerfeier zu Ehren ihres alten Freundes gesungen hatten.
