Nachruf auf Quincy Jones: Das Universalgenie
Jones war bekannt für seine zahlreichen Beiträge zur Musik, darunter Michael Jacksons „Off the Wall“ und „Thriller“.
Quincy Jones, ein musikalisches Universalgenie, das zu bemerkenswerten Alben in den Bereichen Jazz, Soul und Funk sowie zu einigen der größten Pop-LPs des Jahrhunderts beigetragen hat – insbesondere durch die Produktion von Michael Jacksons Alben „Off the Wall“, „Thriller“ und „Bad“ –, starb am Sonntag, dem 3. November, in seinem Haus in Bel Air, Kalifornien. Er wurde 91 Jahre alt.
„Heute Abend müssen wir mit vollem, aber gebrochenem Herzen die Nachricht vom Tod unseres Vaters und Bruders Quincy Jones verkünden“, teilte die Familie in einer Erklärung über AP mit. „Und obwohl dies ein unglaublicher Verlust für unsere Familie ist, feiern wir das großartige Leben, das er geführt hat, und wissen, dass es nie wieder jemanden wie ihn geben wird.“
Jones war in fast allen Bereichen der Popmusik zu Hause: Während seiner sieben Jahrzehnte umfassenden Karriere, in der er als Trompeter, Komponist, Arrangeur, Produzent, Dirigent und Filmmusikkomponist tätig war, befasste er sich mit Big-Band-Jazz, Bebop, Gospel, Blues, Soul, Funk, Quiet Storm R&B, Disco, Rock und Rap.
„Ich habe alle Fehler gemacht. Alle.“
Am bekanntesten ist er für seine Zusammenarbeit mit Michael Jackson, die einigen der beliebtesten Alben aller Zeiten ein beispielloses Maß an musikalischer Geschicklichkeit verlieh und dazu beitrug, die Bedeutung des Popstars neu zu definieren.
Als Jones zu Jackson kam, hatte er sich bereits einen Namen im Jazz und im Bubblegum-Pop der frühen Sechzigerjahre gemacht und zahlreiche Filmmusiken komponiert. Er hatte bei der berühmten klassischen Kompositionslehrerin Nadia Boulanger studiert, Platten für Ray Charles arrangiert und Frank Sinatras Band dirigiert. Nur wenige Musiker in der Geschichte haben eine so abwechslungsreiche Karriere und Erfolge in so vielen Bereichen erlebt. In einem Gespräch mit ROLLING STONE im Jahr 2017 stellte Jones seine kreative Rastlosigkeit als Teil seines lebenslangen Engagements dar, so viel wie möglich über Musik zu lernen. „Man muss hoffen, dass man so viele Fehler wie möglich machen kann, um zu lernen“, sagte er. „Ich habe alle Fehler gemacht. Alle.“
Ein Außenstehender könnte anderer Meinung sein – Jones hatte ein untrügliches Gespür für großartige Stimmen, und viele der besten Sängerinnen und Sänger der Popgeschichte schienen zu lieben, was er im Studio aus ihren Stimmen machen konnte. Infolgedessen arbeitete Jones mit Betty Carter, Dinah Washington, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Little Richard, Frank Sinatra, Aretha Franklin, Donny Hathaway, Minnie Ripperton, Al Jarreau, Luther Vandross, Chaka Khan, Michael Jackson, James Ingram und Tamia zusammen, um nur einige zu nennen.
„Septimen, Nonen und Undezimen“
Jones war dafür bekannt, Hunderte von Demos zu sichten, bevor er sich für den richtigen Song für einen Künstler entschied, und sobald der Song ausgewählt war, brachte er seinen beeindruckenden musikalischen Hintergrund in die Aufnahmesessions ein. „Normalerweise setzt man dreistimmigen Hintergrundgesang auf den Track, und das klingt gut“, sagte Stephen Bray, der in den Achtzigern für Madonna schrieb und produzierte, 2017 dem ROLLING STONE. „Man geht dabei mehr oder weniger nach dem Gospel-Prinzip vor: ein Quint- oder Terz-Akkord, der hinter der Melodie gesungen wird. Wenn man sich die Hintergrundstimmen auf [Jacksons] Bad anhört, bekommt man nicht nur diese, sondern auch Septimen, Nonen und Undezimen. In weniger erfahrenen Händen würde das wie Schlamm klingen, aber sie haben es geschafft, Fünf-Noten-Akkorde einzubauen. Sie haben Background-Vocals, die wie nichts klingen, was wir in diesem Zusammenhang je zuvor gehört haben.“
Michael Jackson – „Bad“:
Ob er nun einen Pop-Hit oder eine TV-Filmmusik komponierte, Jones war immer fest entschlossen, zukunftsorientiert zu produzieren. Die meisten Produzenten lassen sich irgendwann auf einen bestimmten Stil ein und entwickeln sich nicht mehr weiter, sondern entwickeln einen wiedererkennbaren Sound. Jones war jedoch nie jemand, der in der Vergangenheit stecken blieb und als Nostalgiker abgetan wurde, was erklärt, warum er in drei verschiedenen Jahrzehnten an Nummer-eins-Singles beteiligt war.
„Wir hatten 1953 den ersten Fender-Bass – ohne einen Fender-Bass, der an eine E-Gitarre aus dem Jahr 1939 angeschlossen war, gäbe es weder Rock ’n‘ Roll noch Motown“, sagte er dem ROLLING STONE. ‚Zuerst haben wir damit Jazzplatten aufgenommen, eine davon hieß ‘Work of Art“ von Art Farmer auf Prestige Records. Und mein Ironside-Thema ist das erste Mal, dass die Öffentlichkeit einen Synthesizer hörte.“
„Quincys Philosophie war ein Plumpsklo mit Penthouse-Blick“
Später, bei Aufnahmen mit Jackson, setzte Jones auch die neueste Keyboard- und Programmiertechnologie ein, um treibende Platten zu machen, die auch drei Jahrzehnte später noch im Radio zu hören sind. „Quincys Philosophie war ein Plumpsklo mit Penthouse-Blick“, sagte der Produzent von Whitney Houston, Narada Michael Walden, 2017 dem ROLLING STONE. „Es muss unten stinken und oben schön sein, mit Blick auf die Skyline. Dann kann man es in der Bar, im Club oder auf der Yacht spielen. Es funktioniert überall.“
Lange bevor Jones herausfand, wie man Megahits produziert, und mit 28 Grammy Awards und einer Rekordzahl von 79 Nominierungen zu einem der am meisten ausgezeichneten Musiker der Geschichte wurde, wuchs er in armen Verhältnissen im gewalttätigen Süden von Chicago auf. Er wurde dort am 14. März 1933 geboren, auf dem Höhepunkt der Weltwirtschaftskrise. Seine Mutter litt an einer psychischen Erkrankung und wurde in eine Anstalt eingewiesen, als Jones noch jung war. Jones und sein jüngerer Bruder Lloyd lebten eine Zeit lang in der Hütte ohne Strom ihrer Großmutter in Louisville, Kentucky, bevor sie nach Chicago zurückkehrten. Dann folgten sie ihrem Vater, einem Zimmermann, in den Bundesstaat Washington, wo er während des Zweiten Weltkriegs auf einem US-Marinestützpunkt arbeitete.
Laut Jones‘ Autobiografie „Q“ ging seine musikalische Ausbildung auf Hochtouren, wenn er nicht gerade Waffen und Munition aus dem Militärlager in der Nähe von Sinclair Heights stahl. Er erinnert sich, dass er zufällig ein Klavier entdeckte, als er mit Freunden in das Freizeitzentrum einbrach, um sich mit Zitronen-Merengue-Kuchen zu versorgen. Er spielte ein paar Töne und war begeistert. „Dort begann ich, Frieden zu finden“, schreibt Jones. „Ich war elf. Ich wusste, das war es für mich. Für immer.“
Er stürzte sich in die Musik – sang in einer A-cappella-Gruppe, riskierte Schläge von seinem Vater, um die Musiker auszuspionieren, die in örtlichen „Spelunken“ spielten, und belästigte den Jazztrompeter Clark Terry, damit dieser ihm vor Schulbeginn Unterricht gab. Mit 13 Jahren versuchte Jones bereits, eigene Arrangements für Jazz-Bigbands zu schreiben.
Ins Berklee College of Music
Nach Kriegsende zog Jones‘ Familie nach Seattle im Süden der USA, wo seine musikalische Ausbildung einen Turboantrieb erhielt. Mit 14 freundete er sich mit einem vielversprechenden Musiker aus der Gegend an: Ray Charles. Er begann auch, in Bands zu spielen. „An den Wochenenden hatten wir eine feste Routine: Von 19 bis 22 Uhr arbeiteten wir an Orten wie dem Seattle Tennis Club und spielten … Popmusik“, erinnert er sich in „Q“. „Von 22 bis 1 Uhr morgens machten wir dann in schwarzen Clubs … R&B-Musik … für die Stripperinnen. Dann spielten wir Bebop-Jam-Sessions … bis zum Morgengrauen.“ Als Billie Holiday auf Tournee durch die Stadt kam, war Jones einer der lokalen Musiker, die sie begleiteten. Der Jazz-Star Lionel Hampton lud Jones ein, sich seiner Tourband anzuschließen, als er gerade einmal 15 Jahre alt war, aber Hamptons Frau verlangte, dass Jones zuerst die Schule beendete.
Nach einem Semester an der Seattle University machte sich Jones auf den Weg quer durchs Land, um das Berklee College of Music – damals noch Schillinger House genannt – in der Nähe der Jazz-Hochburg New York City zu besuchen. Schon bald schloss er sich Hamptons Band als Trompeter an, tourte durch die USA und Europa und verfeinerte seine Fähigkeiten als Arrangeur, bevor er die Gruppe verließ, da er die schlechte Bezahlung und den unerbittlichen Tourplan leid war. Als Allrounder, der in der Lage war, einen Song zu schreiben, ihn zu arrangieren, eine Band durch eine Session zu dirigieren und die Aufnahme zu produzieren, tauchte sein Name in den Credits von Alben von Jazzgrößen wie Cannonball Adderley, Dizzy Gillespie, Count Basie, Sarah Vaughan und Dinah Washington auf.
1964 kam er Sinatra näher
Jones zog 1957 nach Paris, um für Barclays Records zu arbeiten, was ihm Arrangements mit Streichern ermöglichte – in den USA war dieses Privileg laut Jones‘ Freund und Mitarbeiter Bobby Tucker, der mit ihm an Platten für den Sänger Billy Eckstine arbeitete, weißen Arrangeuren vorbehalten. Während seines Aufenthalts in Frankreich studierte Jones auch bei Nadia Boulanger, die viele der größten Komponisten klassischer Musik des 20. Jahrhunderts unterrichtete. Und genau dort wurde Frank Sinatra erstmals auf den erst 25-jährigen Jones aufmerksam, der bei einem Auftritt in Monaco ein 55-köpfiges Orchester dirigierte. 1964 kam er Sinatra näher: The Voice war von Jones‘ Arbeit als Dirigent und Arrangeur von Count Basies Band so begeistert, dass er die gesamte Band mitbrachte, um ihn während eines Aufenthalts in Las Vegas und der anschließenden Tournee zu unterstützen.
In den frühen 60er Jahren zeigte Jones auch sein Talent für unvergessliche Pop-Singles. In „Q“ erinnert er sich an seine Arbeit als A&R bei Mercury Records, als Labelgründer Irving Green ihm sagte: „Ihre Platten sind alle musikalisch großartig, aber wir könnten sicher etwas Hilfe bei unserem Endergebnis gebrauchen.“
Zwei lebensrettende Gehirnoperationen
Jones produzierte bald darauf Lesley Gore, die zwischen 1963 und 1965 zehn Top-40-Hits in den USA landete, allesamt eingängige Pop-Meisterwerke. Er erreichte auch den Mainstream auf andere Weise, indem er sich um diese Zeit in Hollywood etablierte. Er kämpfte mit aller Kraft gegen die Diskriminierung in der Filmindustrie – schwarze Filmkomponisten waren selten und wurden in der Regel nicht für die Vertonung „weißer“ Filme herangezogen. Doch Jones schrieb weiterhin Musik für zahlreiche Fernsehserien und Filme, darunter die Truman-Capote-Adaption „In Cold Blood“ und den Sydney-Poitier-Klassiker „In der Hitze der Nacht“.
1974 erlitt Jones ein Aneurysma und unterzog sich zwei lebensrettenden Gehirnoperationen. Infolgedessen waren seine Tage als Trompeter vorbei: Der Druck, der durch das Blasen auf das Horn entsteht, könnte seine Hirnarterien gefährden. Er begann auch, sich von der Partiturarbeit abzuwenden, bei der die schiere Menge an Kompositionen, die erforderlich war, zermürbend war. Stattdessen hatte Jones begonnen, großartige Alben aufzunehmen, die Jazz, zarten Funk und makellos arrangierten Soul mischten, und arbeitete wie gewohnt mit anmutigen Sängerinnen und Sängern – Minnie Riperton, Al Jarreau, Luther Vandross – und talentierten Musikern wie Leon Ware (Marvin Gaye, Diana Ross) und Louis E. Johnson (der später die Funk-Band Brothers Johnson gründete und den Bass in Jacksons „Billie Jean“ spielte).
Eines von Jones‘ letzten Filmprojekten brachte ihn jedoch in die Nähe von Michael Jackson: Er überwachte einen Großteil der Musik in der Verfilmung von „The Wiz“, in der Diana Ross und Jackson die Hauptrollen spielten. Jones und Jackson wurden am Set Freunde, und als Jackson sich nach einer äußerst erfolgreichen Zeit mit den Jackson 5 auf sein Debüt als Solokünstler vorbereitete, schlug Jones vor, zusammenzuarbeiten. Epic Records war von dieser Idee zunächst nicht begeistert.
Michael Jackson – „Thriller“:
„Es hieß: ‚Quincy Jones ist zu jazzig und hat nur Dance-Hits mit den Brothers Johnson produziert‘“, schreibt er in „Q“. Aber Jackson bestand auf Jones, und Epic gab nach. Dies führte zu einer der fruchtbarsten musikalischen Partnerschaften der Geschichte. Jones produzierte „Off the Wall“, „Thriller“ und „Bad“, die zusammen zu 17 Top-10-Hits in den Hot 100 führten, darunter neun Nummer-eins-Hits, und sich laut RIAA in den USA mehr als 50 Millionen Mal verkauften.
Jones stellte Jackson ein Team aus erstklassigen Musikern und Songwritern sowie modernste Musiktechnologie zur Verfügung, was zu erstaunlich raffinierten, rhythmisch explosiven Hits führte. „Es war diese Konvergenz der fortschrittlichsten Technologie im bekannten Universum, die einem zur Verfügung stand, gemischt mit der Musikalität der alten Schule“, sagte Stephen Bray, der mit Madonna zusammenarbeitete.
Während Jones an diesen Alben arbeitete, landete er gleichzeitig weitere Superhits: Er produzierte George Bensons Album Give Me the Night, dessen Leadsingle noch heute auf jeder Tanzfläche zu hören ist, und Donna Summers Album „Donna Summer“ mit den großartigen Singles „Love Is in Control (Finger on the Trigger)“ und „State of Independence“.
Nach „Bad“ trennten sich die Wege von Jones und Jackson
Er schaffte es irgendwie, die Aufnahmesession für die Superstar-Ego-Anhäufung von „USA for Africa: We Are the World“ zu kontrollieren, einer Benefiz-Single, an der sich alle von Paul Simon über Stevie Wonder und Bruce Springsteen bis hin zu Cyndi Lauper beteiligten. Und Jones veröffentlichte „The Dude“, ein Album unter seinem eigenen Namen, das drei Top-40-Hits erzielte und die Karrieren von James Ingram und Patti Austin ankurbelte.
Jones gewann im folgenden Jahr (1982) bei den Grammys als Produzent des Jahres (außer Klassik), das erste von drei Malen, dass er diese Auszeichnung mit nach Hause nahm. Nach „Bad“ trennten sich die Wege von Jones und Jackson. In „Q“ schreibt der Produzent, dass Jacksons Umfeld das Gefühl hatte, der Produzent würde zu viel Anerkennung erhalten. Auch auf seinem nächsten Album „Dangerous“ orientierte sich Jackson in Richtung Hip-Hop und wollte jüngere Produzenten, die mit dieser Musikrichtung besser vertraut waren.
Jones produzierte weiterhin und gab den Karrieren der R&B-Sänger Tevin Campbell und Tamia einen frühen Schub. Mit seinem Album „Back on the Block“ landete er drei Nummer-eins-Hits im R&B-Bereich und schaffte es mit „Slow Jams“, einer von ihm produzierten Single mit Babyface, Tamia und Barry White, bis 1996 in die Charts.
In diesem Jahrzehnt half er auch bei der Gründung des Magazins „Vibe“, das er sich als Gegenstück zum ROLLING STONE vorstellte und das sich mehr auf die Arbeit schwarzer Musiker konzentrierte.
„Die unbeliebtesten meiner Platten waren die auf Platz zwei, sechs und elf“
Jones beschrieb seine Leistungen gerne in charmanten, prägnanten Äußerungen: Er verglich Musik mit „emotionaler Architektur“ oder sagte etwas in der Art: „Die unbeliebtesten meiner Platten waren die auf Platz zwei, sechs und elf.“ Zu seinen weiteren Standardsätzen gehörten: „Mach einfach Musik, die Gänsehaut verursacht“, und „ein großartiger Song kann den schlechtesten Sänger der Welt zum Star machen; ein schlechter Song kann nicht von den drei größten Sängern der Welt gerettet werden.“
Diese liebenswerten Sprüche ließen es so aussehen, als wären Jones‘ Leistungen mühelos und vielleicht sogar wiederholbar gewesen. Die Tatsache, dass niemand sie erreicht hat, spricht jedoch eine andere Sprache. Jones war der achte Künstler, der 1991 mit dem Grammy Legend Award ausgezeichnet wurde, eine Ehre, die in der Geschichte der Recording Academy nur 15 Künstlern zuteil wurde.
„Los geht’s“
In den letzten Jahren hat sich sein musikalisches Schaffen verlangsamt – obwohl sein Katalog immer noch regelmäßig gesampelt wird, sodass seine Gutschriftenliste weiter wächst. In den 2000er Jahren begann er, junge Talente zu managen, darunter die Jazzmusiker Alfredo Rodríguez und Justin Kauflin. 2017 gründete er Qwest TV, eine Online-Bibliothek mit Jazz-Videoinhalten.
Als der französische Fernsehproduzent Reza Ackbaraly Jones wegen der Gründung des Senders ansprach, erklärte er sich bereit, sich mit demselben Eifer zu beteiligen, der sein ganzes Leben lang sein Herangehen an neue Unternehmungen geprägt hatte: „Ich sagte: ‚Oh ja‘“, berichtete Jones 2017 der New York Times. „Los geht’s.“
