MGMT im ROLLING-STONE-Interview: „Es ist ja nicht so, dass wir keine Ahnung von Popkultur hätten“
Andrew VanWyngarden und Benjamin Goldwasser sind 40, nicht mehr an das Major-Label-System gebunden und machen einige der besten Musikstücke ihrer Karriere. Ein Interview über ihr neues Album „Loss of Life“
Noch vor wenigen Jahren schien es, als würden MGMT in Vergessenheit geraten. Das psychedelische Synthie-Pop-Duo um Andrew VanWyngarden und Benjamin Goldwasser explodierte 2007 mit ihrem Debütalbum „Oracular Spectacular“ und den Hits „Kids“, „Electric Feel“ und „Time to Pretend“ auf der Bildfläche. Doch die Folgealben „Congratulations“ und „MGMT“ spalteten die Kritiker, verwirrten viele Fans und brachten keine echten Hits hervor.
Das änderte sich 2018, als sie „Little Dark Age“ veröffentlichten, das eine Rückkehr zu den Hymnen ihres Debüts darstellte. Der Titeltrack löste einen TikTok-Wahn aus und wurde auf Spotify mehr als 500 Millionen Mal gestreamt. Sowohl „Congratulations“ als auch „MGMT“ hatten damals ihre Anhänger, und sie sind gut gealtert. Aber „Little Dark Age“ war es, das bewies, dass „Oracular Spectacular“ kein Zufall war – und es schickte sie mit neuem Selbstvertrauen zurück ins Studio, als die Zeit kam, ihr fünftes Album aufzunehmen.
Vor ein paar Wochen begannen MGMT damit, ihre Fans auf ein bevorstehendes neues Album hinzuweisen, indem sie ihre Website abschalteten und durch eine Cartoon-Schildkröte ersetzten, die langsam auf eine karierte Flagge zuläuft. Und jetzt sind sie bereit, der Welt zu sagen, dass das Album „Loss of Life“ heißt und am 23. Februar über Mom + Pop Records erscheint. Die Vorabsingle „Mother Nature“ ist ab sofort erhältlich, zusammen mit einem animierten Video unter der Regie von Jordan Fish.
Wir haben uns mit VanWyngarden und Goldwasser auf Zoom unterhalten, um über die Entstehung von „Loss of Life“ zu sprechen, wozu auch die erneute Zusammenarbeit mit dem„ Little Dark Age“-Produzenten Patrick Wimberly und dem langjährigen Mitarbeiter David Fridmann gehörte. Außerdem sprachen wir über das Feature Christine and the Queens beim neuen Song „Dancing in Babylon“, ihren merkwürdigen Karriereverlauf, den 40. Geburtstag und die Tatsache, dass sie Anfang des Jahres „Oracular Spectacular“ durchgespielt haben.
Fangen wir mit der letzten Platte an. Viele Leute haben gesehen, dass Sie zu Songs zurückgekehrt sind, die eingängiger und zugänglicher waren, nachdem ihr mit den beiden Vorgängern ziemlich abgehoben und eklektisch gewesen seid. Das ist eine vereinfachte Darstellung, aber sehen Sie das im Großen und Ganzen auch so?
Goldwasser: Ich denke, vor allem im Vergleich zu unserem selbstbetitelten Album [von 2013] hatte „Little Dark Age“ mehr offensichtliche Hooks. Aber ich glaube nicht, dass wir das Gefühl hatten, dass unser selbstbetiteltes Album viel experimenteller war als alles, was wir bisher gemacht haben. „Little Dark Age“ war geradliniger. Wir haben uns mehr auf den Prozess konzentriert und darauf, wie wir uns fühlen. Das Frustrierende für uns ist, dass sich die selbstbetitelte Platte sehr befreiend anfühlte. Wir dachten uns: „Wir werden uns nicht darauf konzentrieren, was die Leute von dieser Platte halten werden. Wir werden einfach nur Musik machen.“ Und in gewisser Weise hat uns dieser Prozess auch ein wenig gezeichnet. Wir haben zwischen den Alben ziemlich lange Pausen eingelegt. Wir sind zurückgekommen, um wieder zu entdecken, wie wir zusammen Musik machen können, was bei „Little Dark Age “der Fall war und auch bei dieser Platte der Fall ist.
VanWyngarden: Ich denke, die kleine Zusammenfassung, die du gesagt hast, ist wahr, aber es war keine geplante, absichtliche Sache. Wir sind nicht produktiv. Wir haben nie 100 Songs, die wir auswählen und reduzieren. Wir basteln, während wir gehen. Wir mischen, wie wir es tun. Als wir das für das selbstbetitelte [Album] taten, wurde es zu einer Art experimenteller, collagenartiger, chaotischer Sache. Und als wir dann an „Little Dark Age“ arbeiteten, wollten wir die Dinge definitiv vereinfachen, und das führte natürlich dazu, dass die Dinge eingängiger wurden.
Die Streaming-Zahlen für „Little Dark Age“ sind ziemlich verrückt. Das muss sehr erfreulich gewesen sein.
VanWyngarden: Es ist einfach verrückt. Es ist eines dieser Dinge, die man nie wirklich erzwingen oder versuchen kann, zu erreichen. Wir sind in den sozialen Medien nicht wirklich aktiv, vor allem nicht auf TikTok. Und dann wurde der Titelsong von „Little Dark Age“ vor ein paar Jahren auf magische Weise und spontan zu einem TikTok-Trend, und das hat den Song einfach nach oben katapultiert. Ich habe einige Bands gesehen, die die TikTok-Version eines Songs veröffentlichen, sobald er dort hochgeschossen ist. Sie nehmen ihn dann neu auf und versuchen, ihn am Laufen zu halten. Wir haben es einfach geschehen lassen.
Allein auf Spotify hat der Song 500 Millionen Streams.
Goldwasser: Das ist für mich ziemlich unverständlich. Es ist ja nicht so, dass wir keine Ahnung von Popkultur hätten. Ich weiß, wer Taylor Swift ist. Aber Erfolg bedeutet für verschiedene Leute einfach etwas anderes. Für uns haben wir in unserer eigenen kleinen Welt gelebt. Wir sind für diese und die anderen Platten viel getourt, und wir haben eine sehr treue Fangemeinde, die unsere Musik sehr mag. Für uns ist das ein Erfolg. Wir haben diese Fans, die dranbleiben und bereit sind, mit uns Risiken einzugehen. Aber dann gibt es da noch diese andere Geschichte, die eher auf der Mainstream-Ebene angesiedelt ist – dass wir vom Weg abgekommen sind und erst viele Jahre später wieder aufgetaucht sind. Für uns ist das eigentlich gar nicht passiert. Wir waren einfach damit beschäftigt, Musik zu machen.
Sie haben die Tour zum letzten Album ein paar Monate vor Covid beendet. Was haben Sie während des Lockdowns gemacht?
VanWyngarden: Ich bin ab 2019 viel nach L.A. gefahren und habe dort mehr Zeit verbracht. Und dann habe ich jemanden kennengelernt und bin noch mehr hingefahren. Ich war in L.A., als Covid anfing, wild zu werden, und verbrachte schließlich die gesamte Sperrzeit in New Mexico. Das war ein schöner Ort, weil ich immer noch nach draußen gehen konnte, obwohl alles geschlossen war. Wir konnten wandern gehen, und ich hatte den Hund meiner Mutter. Ben und ich kommunizierten ein bisschen miteinander, aber wir haben nicht wirklich etwas Neues gemacht.
Goldwasser: Während der Schließung arbeitete ich an dem Soundtrack für einen Animationsfilm [Wo ist Anne Frank] mit Karen O. Das hat mich viel Zeit gekostet. Ich war tief in diese Welt eingetaucht, und der Film wurde nie wirklich breit veröffentlicht. Aber das war nicht so sehr eine bewusste Pause von MGMT oder so etwas, sondern einfach etwas, das eine Herausforderung war, und auch etwas, worüber ich nachdenken konnte, anstatt über Covid.
Wann haben Sie angefangen, ernsthaft über ein neues Album nachzudenken?
VanWyngarden: Wir gingen im Mai oder Anfang Juni 2021 in das Studio von Dave Fridmann.
Goldwasser: Es war das erste Mal, dass er Leute wieder im Studio hatte, seit die Abriegelung begann. Er war sehr vorsichtig, und ich glaube, das waren wir auch. Es fühlte sich sehr seltsam an, tatsächlich Dinge in der Welt zu tun, und wir versuchten herauszufinden, ob es Sinn machte, dies eine Platte zu nennen. Wir fragten uns: „Machen wir nur Spaß? Wir wissen es nicht wirklich.“ Und es hat eine Weile gedauert, bis wir merkten: „OK, das passiert jetzt. Das ist eine Gruppe von Songs, die zusammen funktionieren.“
Fangen Sie die Songs getrennt voneinander an und bringen die Ideen dann später zusammen?
Goldwasser: Ich schätze, bei dieser Platte haben wir meistens getrennt angefangen und die Sachen dann zusammengebracht. In gewisser Weise war es ähnlich wie bei „Little Dark Age“, denn da haben wir mit Patrick Wimberly zusammengearbeitet und auch bei dieser Platte. Er war wirklich gut darin, viele verschiedene Sessions unter einen Hut zu bringen und das Zweiküsten-Ding in den Griff zu bekommen. Aber auch bei dieser Platte haben wir einen wirklich guten Arbeitsablauf gefunden, bei dem wir Sessions hin und her schicken und die Zusammenarbeit über große Entfernungen ein wenig besser entwickeln konnten, so dass wir produktiv sein konnten, wenn wir getrennt waren. Und dann kamen wir für ein paar wirklich konzentrierte Wochen harter Arbeit zusammen und brachten die Dinge zusammen.
VanWyngarden: Ich glaube, bei fast jedem Album, das wir als MGMT gemacht haben, haben wir dasselbe gesagt: „Lasst uns einfach sein und nie zu viele Dinge machen.“ Und dann endet es immer damit, dass wir zu viel Zeug draufpacken. Ich glaube, dieses Mal haben wir endlich diesen guten Bereich der Zurückhaltung gefunden, in dem wir das Gefühl hatten, dass die Dinge in gewisser Weise ausgeglichener und selbstbewusster sind.
Goldwasser: Wir haben uns lange Zeit ein bisschen darüber aufgeregt, dass wir nicht als Leute anerkannt werden, die im Studio alles selbst machen. Ich glaube, wir wollten schon immer, dass die Leute wissen, dass wir so etwas können. Und vielleicht haben wir in der Vergangenheit ein bisschen zu sehr versucht, es den Leuten zu beweisen und zu sagen: „Seht her, wir wissen wirklich, was wir tun. Wir hatten das Gefühl, dass wir bei dieser Platte nicht dagegen ankämpfen mussten. Die Studioarbeit fühlte sich einfach mühelos an. Wir wissen, wie wir die Sounds bekommen, die wir wollen. Das war eine schöne Erkenntnis, dass wir zusammenkommen konnten, besonders nachdem wir einige Zeit getrennt waren, und einfach sagen konnten: „Ja, wir wissen, was wir tun.“ Wir haben ein Selbstvertrauen, das wir vorher vielleicht nicht hatten.
Sie sind jetzt zum ersten Mal nicht mehr bei einem Major-Label unter Vertrag. War das in irgendeiner Weise befreiend? Hatte es irgendwelche Auswirkungen auf die Musik?
Goldwasser: Ich denke, die größte Auswirkung ist wahrscheinlich die psychologische Auswirkung. Wir hatten kein schlechtes Verhältnis zu Columbia. Sie haben uns relativ freie Hand gelassen, wir durften Risiken eingehen und Dinge herausbringen, von denen wir vielleicht alle wussten, dass sie keine großen Platten werden würden, aber es war die Musik, die wir herausbringen wollten. Und sie waren damit einverstanden, wofür wir sehr dankbar sind. Aber ich glaube, es gab immer etwas in unserem Hinterkopf, das sich anfühlte, als gäbe es diese …. Ich will nicht sagen, dass eine Wolke über allem lag, was wir taten – das klingt gemein -, aber es waren nie 100 Prozent wir. Es gab immer jemanden, dem wir Rechenschaft ablegen mussten, oder unangenehme Gespräche, in denen wir jemandem etwas erklären mussten, der keine Musikperson war.
VanWyngarden: Aufgrund dieser Beziehung ist es einfacher, in eine selbstbewusste Phase zu kommen, in der man Dinge anzweifelt, weil es eine andere Ebene durchlaufen muss. Auch wenn es bei Columbia nie strafend oder unangenehm war, musste es trotzdem durch alle hindurchgehen und sie mussten ihre Kommentare abgeben und ihre Gedanken äußern. „Was wäre, wenn der Refrain früher käme?“ Wenn man das nicht hat, ist es viel befreiender.
Goldwasser: Nachdem wir uns von einem Label getrennt hatten, sagten wir uns: „Das lassen wir nie wieder zu.“ Wir wollen eine Platte machen, und wenn wir mit der Platte fertig sind, wollen wir immer noch mögen, was wir gemacht haben, und wir wollen begeistert sein, es mit den Leuten zu teilen.
VanWyngarden: Paradoxerweise wurden wir dadurch auch weniger wertvoll und klammerten uns weniger an unser eigenes Ding. Ich glaube, es hat uns ermöglicht, mit anderen Produzenten und Kollaborateuren auf eine Art und Weise zusammenzuarbeiten, bei der wir ihren Input und ihre Sicht der Dinge wirklich zu schätzen wussten. Vorher, denke ich, macht einen die Label-Dynamik fast besitzergreifend und man will sichergehen, dass es das eigene ist, weil sie einem so viel davon wegnehmen.
Goldwasser: Ich weiß nicht mehr genau, was in unserem Vertrag stand, aber eine Major-Label-Veröffentlichung muss so viele Songs oder so viele Minuten enthalten, und man muss für einen bestimmten Prozentsatz der Musik verantwortlich sein. Am Ende des ganzen Prozesses kommt es darauf an: „Haben wir den Test bestanden? Haben wir alles richtig gemacht?“ Und auf diese Art und Weise über eine kreative Arbeit nachzudenken, ist ziemlich nervtötend.
Lassen Sie uns über die erste Single „Mother Nature“ sprechen. Sie erwähnen, dass der Song kurz nach Oasis klingt.
VanWyngarden: Ich hätte nie gedacht, dass das mal auf einem MGMT-Album vorkommen würde, aber so ist es nun mal. Ich finde es lustig, dass das buchstäblich das einzige Mal ist. Für 10 Sekunden auf diesem Album klingt es wie Oasis, und den Rest des Albums gibt es keinen Oasis.
Goldwasser: Unser Tontechniker Miles ist ein großer Oasis-Fan. Ich erinnere mich an die Aufnahmen der Bridge zu diesem Song, bei dem ich Gitarre gespielt habe. Ich bin überhaupt kein Gitarrist und habe diesen beschissenen Gitarrenstil, der manchmal in bestimmten Situationen funktioniert, aber ich fragte: „Miles, kannst du jetzt einen grungigen Oasis-Gitarrensound hinbekommen?“ Und er meinte nur: „Ich habe darauf gewartet, dass mir jemand diese Frage stellt.“
VanWyngarden: Und dann ist es unglaublich, dass Sie als amateurhafter Gitarrist bei diesem Song gegen einen der besten Gitarristen der Welt, Nels Cline, antreten müssen.
Goldwasser: Meine größte Angst ist, dass ich nicht möchte, dass jemand denkt, dass Nels Cline derjenige ist, der meine Gitarre spielt. Ich glaube, damit würde ich ihm einen Bärendienst erweisen.
Lassen Sie uns über „Dancing in Babylon“ sprechen und über die Entscheidung, Christine and the Queens dafür zu engagieren.
VanWyngarden: Dieser Song begann als ein wirklich alberner, witziger Song über ein Paar in Rockaway Beach, das ich nicht so gut kannte, namens Catherine und Bobby, und es war fast wie dieser Magnetic Fields, fröhliche, süße kleine Song. Fast wie Belle und Sebastian oder so. Wir schickten ihn an andere Leute, weil wir das Gefühl hatten, dass es ein Duett werden sollte. Als wir dann Christine and the Queens hinzugezogen haben, ging es in einen ganz anderen Bereich, in dem es sich anfühlte wie „Total Eclipse of the Heart“ oder eine Ballade von Roxy Music. Es ist alles durcheinander.
Auf „I Wish I Was Joking“ singen Sie „Nobody calls me the Gangster of Love“. Woher kommt die Anspielung auf Steve Miller?
VanWyngarden: Auf „The Joker“ singt er: „Some people call me the Space Cowboy/Some people call me the Ganger of Love“. Das ist einfach so bombastisch. Ich mochte die Idee, dass jemand sagt: „Niemand nennt mich den Gangster der Liebe“.
„Little Dark Age“ hat manchmal einen ziemlich düsteren Ausblick. Was ist der Grundton von diesem Lied?
VanWyngarden: Indem wir es „Loss of Life“ nennen, hoffen wir vielleicht, dass die Leute das sehen, ohne die Musik zu hören, und erwarten, dass wir düsterer und hoffnungsloser geworden sind. Meiner Meinung nach ist es aber genau das Gegenteil. Es fühlt sich an wie eine existenzielle Erleichterung wegen der Liebe.
Es scheint auf jeden Fall so, als seien Sie an einem guten Ort, da die letzte Platte so gut aufgenommen wurde.
VanWyngarden: Ich denke schon. Wir machen uns nicht mehr so viele Gedanken darüber, wie andere Leute es wahrnehmen werden. Und wir versuchen auch nicht, bewusst schräg zu sein. Wir sind einfach wir selbst. Wir haben keine Angst, dass die Leute es hassen. Wir machen einfach nur Musik.
Goldwasser: Abgesehen davon, dass es einfach nur ein Trip war, das Album in diesem Kontext noch einmal zu hören, waren wir uns auch in gewisser Weise bewusst, warum wir ausgewählt wurden, auf diesem Festival zu spielen. Denn als „kulturell wichtige“ Band einer bestimmten Generation von Leuten bezeichnet zu werden, die das Festival offensichtlich ansprechen will, das ist demographisch…. Es fühlte sich so an, als müssten wir darauf in gewisser Weise antworten oder uns damit abfinden. Aber am Ende war es eine wirklich coole Erfahrung, alte Demotracks zu finden, die wir für die erste Platte aufgenommen hatten. Dieser Teil der Arbeit war wirklich cool. Andrew und ich haben bei der Show unglaublich intensiv zusammengearbeitet. Aus welchem Grund auch immer, wir hatten das Gefühl, dass wir außergewöhnlich viel Arbeit in diese eine Show stecken mussten. Wir haben uns das selbst zugemutet, und ich glaube, es war die härteste Arbeit, die ich je in meinem Leben geleistet habe. Es war eine Menge Arbeit, und es war eine coole Erfahrung. Und wir haben gesehen, dass nicht nur unsere Generation die Musik genossen hat, sondern dass alle Altersgruppen da waren. Das war ein unglaubliches Gefühl.
Sie haben es nur dieses eine Mal getan. Sind Sie versucht, das irgendwo wieder zu tun?
Goldwasser: Wir haben über die Möglichkeit gesprochen, es wieder zu tun, aber ich denke, dass es zeitlich gesehen eine Menge Arbeit war, diese Platte herauszubringen. Ich glaube, wir wollen uns vor allem auf neue Musik konzentrieren, weil wir schon so lange keine neue Musik mehr herausgebracht haben. Wir werden sehen. Es würde super viel Spaß machen, das wieder zu tun.
Sie sind beide letztes Jahr 40 geworden. Hat sich das komisch angefühlt oder ist es einfach an Ihnen abgeprallt?
Goldwasser: Es ist ziemlich an mir abgeprallt. Ich bin mit meiner Frau für ein paar Tage in den Wald gefahren und habe in einer Hütte übernachtet und einen sehr friedlichen Geburtstag gefeiert. Ich habe das Gefühl, dass ich schon seit einiger Zeit versuche, mich zu entschleunigen. Wenn man 40 wird, hat man vielleicht die Erlaubnis von der Welt, das zu tun. Ich kann einfach der alte Mann sein, der ich schon immer war.
Wie haben Sie sich dabei gefühlt, Andrew?
VanWyngarden: Ich weiß es nicht. Ich fühle mich gut. Ich glaube, ich habe vielleicht ein paar alte Billabong-Board-Shorts gekauft. Ich habe auf jeden Fall ein paar Alben auf Vinyl von 2006. Ich glaube, ich hatte einen kleinen Flirt mit einer frühen Midlife-Crisis, aber ansonsten geht es mir gut.
Steht jetzt eine Tour an?
Goldwasser: Das wissen wir noch nicht genau. Was wir hauptsächlich vermeiden wollen, ist … Ich glaube, wir fühlen uns auf der Straße nicht besonders wohl. Es hat sich für uns nie wie die natürlichste Umgebung angefühlt. Wir haben uns immer mehr wie eine Studioband gefühlt. Ich meine, wir spielen wirklich gerne Shows, aber es gibt eine Menge Dinge, die mit dem Touren einhergehen, die wir einfach nicht mögen. Das Problem, das wir bei so gut wie allen unseren bisherigen Platten hatten, ist, dass wir eine Platte herausbringen, hart touren, überall hinfahren, und am Ende sind wir so ausgebrannt und erschöpft, dass wir danach für eine lange Zeit nicht mehr ans Musikmachen denken können. Ich glaube, das ist das Wichtigste, was wir jetzt versuchen, nämlich herauszufinden, wie wir Musik herausbringen und sie unterstützen und in der Welt promoten können, aber auch geerdet und glücklich bleiben und nicht den Funken verlieren, der uns dazu bringt, weiterhin Musik zu machen. Niemand zwingt dich, irgendetwas zu tun. Du könntest 10 Konzerte spielen und dann Feierabend machen.
Goldwasser: Ja, und vielleicht werden wir genau das tun. Wir stellen keine Ultimaten oder so etwas. Wir konzentrieren uns darauf, glücklich zu sein und die guten Gefühle zu genießen, die wir beim Musikmachen haben. Ich denke, das ist im Moment der Kern des Ganzen für uns.
VanWyngarden: Ich bevorzuge das Häusliche … kochen, zu Hause sein, nach draußen gehen und solche Sachen. Wir sagen nicht, dass wir nicht wieder auf Tour gehen werden, aber wir haben nichts gebucht.
Sie sind eines der wenigen Duos in der Musikgeschichte, die sich über mehrere Jahrzehnte hinweg anscheinend immer noch aufrichtig mögen. Wie haben Sie das geschafft?
Goldwasser: Es war von Anfang an eine gleichberechtigte Partnerschaft. Es ist wichtiger, dass wir Freunde bleiben und nicht über geschäftliche Dinge miteinander streiten. Ich glaube, das bringt die Leute immer auseinander, besonders Bands, die ein Songwriter-Duo sind. Es reißt die Leute immer auseinander, wenn die geschäftlichen Dinge wichtiger werden. Jemand braucht ein zweites Schloss oder was auch immer.
Was sind Ihre Pläne für die nächsten paar Jahre? Haben Sie das im Kopf schon skizziert?
VanWyngarden: Wir haben uns wirklich nur auf die nahe Zukunft konzentriert. Ben und ich machen wirklich lustige Videos. Wir sind wirklich in alle kreativen Entscheidungen involviert, vom Artwork bis zur Videobearbeitung. Es macht wieder Spaß, es fühlt sich nicht so an, als läge eine Schicht von Düsternis über allem, wir wissen also nicht wirklich, wie die nächsten zwei Jahre aussehen werden. Aber ich hoffe, dass wir eine Residency im Sphere machen werden.
Das wäre großartig. Ich habe dort gerade U2 gesehen und es war unglaublich.
Goldwasser: Das hört sich nach einer Menge Spaß an. Das ist eine Sache, die cool daran ist, diese Just Like Heaven-Show gemacht zu haben und all diese Anstrengungen in die Produktion einer Show zu stecken. Ich glaube, es hat uns etwas eröffnet, von dem ich nicht weiß, ob wir uns jemals als die Art von Band gesehen haben, die so etwas tun könnte. Und wir haben es auf unsere eigene, unkonventionelle Art gemacht. Vielleicht wäre es damals einfacher gewesen, einen Haufen weiterer Songs zu schreiben, die so ähnlich klingen wie „Kids“ und „Electric Feel“. Aber wenn ihr diesen einfachen Weg gegangen wärt, dann wärt ihr heute wohl nicht hier.
Goldwasser: Ich glaube, wir hatten einfach unglaubliches Glück, dass wir diese Sache für unseren Lebensunterhalt machen konnten, die wir tatsächlich gerne machen. Für uns ging es nie um Erfolg im Sinne von Anerkennung oder finanziellem Erfolg oder so etwas. Es ist einfach die Tatsache, dass wir unsere ganze Zeit damit verbringen können, wenn wir es wollen. Wir sind sehr glücklich, dass wir das haben. Und ich würde das nicht dadurch verderben wollen, dass wir jemals etwas tun müssten, was wir nicht gerne tun, weil es bedeutet, dass wir dadurch mehr Geld bekommen oder unsere Karriere in irgendeiner Weise voranbringen. Wenn wir an diesem Punkt wären, warum sollten wir das für unseren Job tun? Es gibt stabilere Jobs, bei denen man Dinge tut, die man hasst, und zumindest einen regelmäßigeren Gehaltsscheck erhält.
VanWyngarden: Es war manchmal schwieriger als manchmal, aber wir müssen einfach versuchen, so viel wie möglich wir selbst zu sein.
