Die Liste dürfte auch viele Musikenthusiasten an der einen oder anderen Stelle überraschen, taucht doch Meg White von den White Stripes noch vor Larry Mullen Jr. von U2 auf. Phil Collins sicherte sich den 43. Rang bei den Kritikern – während Dave Grohl als Nirvana-Schlagzeuger auf Position 27 vertreten ist.
Über Dave Grohl schrieben wir:
Grohls ausdauerndes, muskulöses Drumming – herausgearbeitet in der Punkszene Washington DCs der 1980er – war auch der perfekte Schlag, um aus der Indie-Alternativeband Nirvana einen Multi-Platin-Act zu machen.
„Kurt rief mich an“, erinnert sich „Nevermind“-Produzent Butch Vig. „’Ich habe jetzt den besten Schlagzeuger der Welt. Er spielt lauter und härter als jeder, den ich je getroffen habe.‘ Ich sagte nur: „Na klar. Aber Kurt hatte Recht. Die Drums hatten nicht mal ein eigenes Mikro. Und sie waren im Studio so laut, als wären sie verstärkt worden.“
Grohl schliff in den Vororten von Washington DC an seinem Stil, er schlug auf Kissen mit Snare-Sticks ein, die er von einer Marching Band hatte. „Deshalb“, sagte Grohl zu „Spin“, „schlug ich später auch so hart auf das Schlagzeug ein. Das kommt von den Kissen, ich hörte dazu ‚Violent Pacification‘ von D.R.I.. So lange draufhauen, bis das Kondenswasser vom Schweiß von den Fenstern meines Schlafzimmers tropfte. Das war wie Sport.“
Über Ringo Starr:
„Ich erinnere mich noch an den Moment, wo ich einfach nur da stand und zuerst John und dann George anschaute. Die Blicke auf unseren Gesichtern sagten soviel wie: ‘Oh mein Gott. Was ist hier gerade passiert?‘“, erinnerte sich Paul McCartney an das erste Mal, als The Beatles mit Ringo Starr am Schlagzeug spielten.
„Und das war der Moment, das war der Anfang, der richtige, der Beatles.“ Und obwohl er in den extravaganten und farbenfrohen späten Sechzigern, die vor allem Schlagzeuger wie Keith Moon und Mitch Mitchell hervorbrachten, nicht ausreichend gewürdigt wurde, war es Ringo, der der größten Band aller Zeiten nicht nur ihr Fundament sondern auch ihrer Musik Gestalt und Fokus gab.
Alle wollten spielen wie Ringo Starr
Man beachte allein die wahnsinnigen Wirbel zu Anfang von „She Loves You“, die knackige Lebhaftigkeit in „Ticket To Ride“, die aalglatte Becken Einlage und lässige Prägnanz auf „Rain“ oder achte darauf, wie er immer wieder pfiffige und einprägsame „Rhythmic Hooks“ in viele der geliebten Beatles Songs warf. Persönlich war er durch seine gutmütige Herzlichkeit in der Band der am meisten Zugängliche.
„Mit John war es manchmal ein einziges Auf und Ab und so weiter, aber Ringo war einfach nur liebenswürdig. Außerdem glaubte er fest an Frieden und Liebe“, sagte Yoko Ono . Als Linkshänder mit einem Rechtshänderset entwickelte Ringo Starr einen eigenen einzigartigen Stil und erfüllte jeden Song mit Gefühl und Swing. Seine stetige und unerschütterliche Zuverlässigkeit wurde zum goldenen Standard für Rockmusiker mit No-Nonsense-Haltung. „Ringo war der König des Gefühls“, stellte Dave Grohl fest. Jim Keltner gab zu, „Wir alle wollten im Studio so spielen, wie er es tat.“
100. Christian Vander: Man könnte sagen, dass der französische Bandleader Christian Vander zu den Top-Schlagzeugern gehört, die nicht in erster Linie für ihr Schlagzeugspiel bekannt sind. Das kommt wahrscheinlich daher, wenn man der Gründer einer extravaganten, kosmischen Prog-Band ist, die seit 1969 immer wieder aktiv ist und in einem Zappa-artigen Jazz-Rock-Idiom namens „zeuhl“ spielt – was auf Kobaïan, der erfundenen Sprache, in der Magma auftritt, „himmlisch“ bedeutet. Aber in Vanders heftiger Energie, seinem rollenden Beat und seinem lockeren, aber klaren Tempo kann man deutlich hören, dass er ein Gefolgsmann des Jazz-Titanen Elvin Jones ist – und damit auch von Jones berühmtestem Arbeitgeber: „Magmas Musik entstand an einem Frühlingstag aus meiner Liebe zu John Coltrane und meiner tiefen Traurigkeit über die menschliche Unfähigkeit, einander zu verstehen“, sagte Vander in einem Interview im Jahr 2015.
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99. Travis Barker: Travis Barker von Blink-182 ist einer der berühmtesten Schlagzeuger des neuen Jahrtausends, dank seiner Hardcore-Sensibilität, seiner Skater-Ästhetik, seiner Hip-Hop-Energie, seines Pop-Appeals und seines Reality-TV-tauglichen Babyface – ganz zu schweigen von seiner Leichtigkeit, mit EDM-Superstars oder Rappern zu arbeiten und in seiner Freizeit als DJ aufzulegen. Es ist eine abgerundete Einstellung zum Rhythmus, die alles, was er macht, aufwertet. „Ich kann den ganzen Tag lang Beats machen, und das ist etwas, das mich bewegt hat.“, sagte Barker zu Drum! Magazin. Er ist ein animalischer Künstler, der heftig auftritt und keine Angst hat, theatralisch zu werden.
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98. Steven Adler: Das bahnbrechende Debüt von Guns N‘ Roses, „Appetite for Destruction“, erhält viel von seiner Prahlerei durch die angespannten, aber dennoch swingenden Beats von Steven Adler, dem energisch verrückten Schlagzeuger der Band. „Das Gefühl und die Energie von Appetite waren größtenteils Steven zu verdanken“, schrieb Slash in seiner Autobiographie. „Er hatte einen unnachahmlichen Schlagzeugstil, der nicht wirklich zu ersetzen war, eine fast jugendliche Leichtfertigkeit, die der Band ihren Funken verlieh. Bassist Duff McKagan stimmte zu: „Ohne seinen Groove hätten wir nicht viele dieser Riffs erfunden“, sagte er 2011 gegenüber The Onion A.V. Club. Adler, der 1990 aus der Band gefeuert wurde, wurde durch technisch fortgeschrittene Schlagzeuger wie Matt Sorum und Frank Ferrer ersetzt, aber niemand kann seinen überschwänglichen, whiskygetränkten, jugendlich-wilden Puls richtig einfangen.
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97. Cindy Blackman: 1993 änderte Blackman den Verlauf ihrer Karriere, indem sie als Mitglied der Live-Band von Lenny Kravitz von einem Jazz-Ass im Stil von Tony Williams zu einem Rockstar wurde, der in der Arena spielt. Nachdem der Singer-Songwriter sie mit einem Vorspiel überrascht hatte, wurde sie plötzlich in seine Sphäre katapultiert, trat im Video „Are You Gonna Go My Way“ auf und tourt seitdem mit ihm immer wieder. „Meine Aufgabe [mit Lenny] ist es, einen Beat stundenlang zu spielen und dafür zu sorgen, dass er sich gut anfühlt, und einige aufregende Fills und aufregende Farben hinzuzufügen, wenn es geschmackvoll passt“, sagte sie The Villager. „Mein Job in meiner Band oder in einer kreativen Situation ist eine ganz andere Sache. Wir können mit einem Groove beginnen, der sich großartig anfühlt – ich spiele ihn vielleicht auch stundenlang, aber ich werde ihn erforschen und erweitern und verändern, mit dem Rhythmus spielen und mit den Solisten interagieren. Blackmans ausgeprägter Improvisationstrieb und ihr beeindruckendes Genre-übergreifendes Können sollte ihr bei Mega Nova, einem neuen Projekt mit Ehemann Carlos Santana und den Jazz-Größen Herbie Hancock und Wayne Shorter, zugute kommen.
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96. Larry Mullen Jr: Mullen begann Ende der siebziger Jahre als Post-Punk-Amateur mit geringer Arbeitsplatzsicherheit: Irgendwann überlegten seine Bandkollegen bei U2, ihn rauszuschmeißen. Ein Schritt, der bei der Aufnahme des ersten Demos von U2 durch einen Plattenmanager, der über Mullens fragwürdiges Timing entsetzt war, ermutigt wurde. Er entzog sich dem jedoch und wurde zu einem der einflussreichsten Drummer des Rock. Technisch versiert und überraschend funky, hält Mullen die Grooves von U2 in Richtung Zukunft vorwärts. Er argumentierte gegenüber dem Produzenten Brian Eno, dass der Click-Track bei einer Aufnahme nur ein Bruchteil eines Taktes neben dem Beat der Band läge. Nachdem der Schlagzeuger das Studio verlassen hatte, stellte Eno fest, dass das Metronom um sechs Millisekunden verrutscht war. „Die Sache ist die“, so Eno gegenüber The New Yorker, „als wir ihn anpassten, hatte ich ihn einmal zwei Millisekunden auf der falschen Seite des Beats, und er sagte: ‚Nein, du musst ein Stück zurückkommen‘. Was ich absolut umwerfend finde.“
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95. Chris Dave: „Mein schlimmster Alptraum, Chris Dave, ist sein Schlagzeuger“, sagte Questlove einem Interviewer im Vorfeld von D’Angelos Live-Comeback 2012. „Sie brauchen den gefährlichsten Drummer auf dieser Tournee.“ Der 42-jährige R&B-Spezialist, der als Daddy bekannt ist, ist zwar kein großer Name, aber unter Kennern legendär. Ähnlich wie ein Cadillac-Haubenschmuck oder ein Tiffany-Logo ist ein Credit von Chris Dave auf einer Session ein Zeichen reiner Klasse; er erscheint auf einigen der bekanntesten Alben des zeitgenössischen Pop, darunter Adele’s „21“ und D’Angelos „Black Messiah“. Obwohl er mit der Vergötterung von Jazz-Größen wie Tony Williams aufwuchs – und später diese Inspirationen in seiner erstaunlichen Arbeit neben Improvisations-Assen wie Robert Glasper kanalisierte – hat er seinen tiefsten Eindruck als Schlagzeuger hinterlassen, der auf das Stottern und den Schluckauf von Sample-basiertem Hip-Hop eingestellt ist. Daves große Gabe ist es, ohrenbetäubende Beats zu kreieren, die oft auf einem ausgetüftelten Kit mit bis zu fünf Snare Drums realisiert werden, die sich dennoch wunderbar in die Ensemblestruktur einfügen.
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94. Meg White: Meg Whites eigenwillige, urtümliche Auffassung des Schlagzeugspiels war grundlegend für die Anziehungskraft der White Stripes, die mit ihren bonbonfarbenen Outfits und dem nackten Blues zu den Stars der Rockmusik in den 2000ern zählten. Titel wie „Dead Leaves and the Dirty Ground“ und „Blue Orchid“ wurden durch ihr scheinbar einfaches Backbeat-Bashing zum Leben erweckt, was dazu beitrug, den Puls der White Stripes zu definieren. „Ich sah sie oft auf der Bühne an und sagte: ‚Ich kann nicht glauben, dass sie hier oben ist. Ich glaube, sie hat nicht verstanden, wie wichtig sie für die Band, für mich und für die Musik war“, sagte Jack White 2014 zu Rolling Stone. „Sie war das Gegenstück zu einer modernen Schlagzeugerin. So kindlich und unglaublich und inspirierend. […] Nichts, was ich tue, kann das übertreffen.“
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93. Tomas Haake: Tomas Haake, die raffinierte Grundlage des rumpelnden, experimentellen Sounds der schwedischen Metal-Band Meshuggah, erzeugt ein Off-Kilter-Feeling, indem er mit seiner rechten Hand einen Standard-4/4-Takt spielt und mit allem anderen in Polyrhythmen taumelt. Seit Meshuggahs erstem Album „Contradictions Collapse“ von 1991 hat Haake seine Herangehensweise modifiziert, indem er elektronische Beats und immer ausgefeiltere Schlagzeugmuster hinzufügte, die von den Gitarristen Fredrik Thordendal und Mårten Hagström stammen. „Die Jungs schreiben alle am Computer, und ich emuliere das, was sie geschrieben haben“, sagte Haake. „Das macht das Trommeln manchmal schwierig, aber gleichzeitig ist es eine große Herausforderung und ein Hindernis, das es zu überwinden gilt. Es hält mich wirklich auf Trab.“
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92. Ralph Molina: Neil Young hat in den letzten 50 Jahren mit vielen Schlagzeugern gespielt, aber er kommt immer wieder auf Ralph Molina zurück, den er zum ersten Mal während der Buffalo-Springfield-Tage traf, als Molina Mitglied der Rockets war. „Ich kann anfangen, Gitarre zu spielen, und Ralph kann sie im falschen Takt aufgreifen und rückwärts spielen“, sagte Young dem Biographen Jimmy McDonough. „Das passiert immer wieder. Bei professionellen Gruppen passiert das nie.“ Er meint es nicht als Beleidigung. Es ist diese Art von rohem, Aus-Dem-Gefühl-Spielen – ein Händchen für erdige Backbeats, das Molina dabei half, den Grundstein für „Down by the River“, „Cinnamon Girl“ und andere zeitlose Klassiker zu legen. „Wir kennen die Lieder nicht, wir haben keine Charts“, sagte Molina 2011 über seine Arbeit mit Young. „Wir fangen einfach an zu spielen. Die Magie scheint einfach zu geschehen … “ Der Beweis ist auf jeder Crazy-Horse-Aufnahme von 1969er „Everybody Knows This Is Nowhere“ bis zur 2012er „Psychedelic Pill“ eindeutig.
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91. Brian Chippendale: „All unser Zeug ist eine Möglichkeit, uns zu etwas zu bringen, das vielleicht ein neuer Teil von etwas Musikalischem ist“, sagte der Drummer Brian Chippendale. „Oder einfach dieses Gefühl von ‚Ich werde nicht aufhören. Ich werde so lange trommeln, wie ich kann.'“ Chippendales langjähriges Duo Lightning Bolt spielt Noise-Rock der besonderen Art. Er selbst trommelt dabei absolut ohrenbetäubend auf einem einfachen vierteiligen Set, völlig eingeschlossen, wenn die Fans über sein Kit fallen. Er ist er eine Studie der Extreme, zu der man tanzen kann – und der inoffizielle Botschafter einer Generation bahnbrechender Avant-Rock-Perkussionisten des 21. Jahrhunderts, zu der Zach Hill (Death Grips, Hella) und Greg Saunier (Deerhoof) gehören. „Lightning Bolt sind vor einigen Jahren in England [beim] All Tomorrow’s Parties aufgetreten, und es gab diesen kleinen Clip, den mir, glaube ich, alle meine Freunde geschickt haben“, sagte Björk zu Pitchfork. „Ich habe es so oft gesehen, und ich hätte nie gedacht, dass ich mit so jemandem zusammenarbeiten würde.“
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90. Janet Weiss: „Janet schüttelte einen Schlagzeugpart aus dem Ärmel, heftig und solide, wir konnten praktisch mit dem Kopf dagegen schlagen“, sagte Corin Tucker gegenüber Drum! darüber, wie Janet Weiss zu Sleater-Kinney kam. „Dann waren wir zu dritt.“ Seit ihrer Zusammenarbeit mit Tucker und Carrie Brownstein im Jahr 1996 ist Janet Weiss die wilde Grundlage der Alt-Rock-Institution und hat ihre bissigen Talente zu den Bright Eyes, The Jicks, The Shins und anderen beigetragen. Aber ihre Arbeit mit Sleater-Kinney hat sich als die einflussreichste erwiesen, da sie ein konstantes Gleichgewicht zwischen Song-Pflege und ursprünglicher Aggression bietet. „Musik ist für mich die unmittelbarste aller Kunstformen. Vielleicht, weil ich körperlich bin. … Ich haue auf Dinge ein. Es gibt eine Körperlichkeit in unserer Musik. Wir benutzen jeden Teil unseres Körpers“, sagte sie in einem Interview über ihre Supergruppe Wild Flag. „Frauen dürfen nicht oft Tiere sein. Und wir sind es.“
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89. Bill Stevenson: Bill Stevenson lieferte den wütenden Backbeat für zwei Bands des bahnbrechenden SoCal-Punk. Als pickeliger 14-Jähriger war Stevenson 1977 Mitbegründer der Descendents, deren herzzerreißende Proto-Emo-Hymnen die Grundlage für Bands wie Green Day, Blink-182, Fall Out Boy und Weezer bildeten. Ab den frühen 80ern diente er als Schlagzeuger für die L.A.-Punk-Brutalisten Black Flag; wie auf Alben wie „My War“ und „Slip It In“ zu hören ist, treibt sein stetiger, aber wandelbarer Puls Gitarrist Greg Ginn dazu an, alles von monolithischem Art Metal bis hin zu Punk-Gone-Jazz zu erforschen. Stevenson, der mit Descendents, ihrer Ablegerband All und dem Black-Flag-Tribute-Projekt Flag fleißig tourt, führt den hyperaktiven Charakter seines Spiels auf einen alltäglichen Einfluss zurück: Koffein. „In unserer Band trinken wir einen Haufen Kaffee, bevor wir spielen“, sagte er 2014.
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88. John Theodore: Jon Theodore ist einer der sichtbarsten Superdrummer der zeitgenössischen Rockwelt. Er aktualisierte die Ansätze von Billy Cobham und John Bonham, um den Anforderungen einer modernen Arena-Show gerecht zu werden. Theodore erschien erstmals in den frühen 2000er Jahren, als er mit The Mars Volta einen schillernden Prog mit Latin-Einschlag spielte. „Ich habe einige seiner ersten Auftritte als Mitglied von The Mars Volta gesehen“, sagte Rage Against the Machines Zack de la Rocha, der später mit Theodore in der Guerilla-Funk-Band One Day as a Lion spielen sollte. „Es war klar, dass die Musik in L.A. nie mehr dieselbe sein würde, jetzt wo er hier war.“ Aber es war eine Empfehlung von Dave Grohl, die zu Theodores bisher bekanntester Rolle führte. „Dave sagte ‚Der Typ, der mich wirklich umhaut, ist Jon Theodore'“, erinnerte sich Queens-of-the-Stonge-Age-Frontmann Josh Homme, der Theodore 2013 in den QOTSA-Verbund brachte.
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87. George Hurley: Hardcore-Punk gab es kaum, als die Minutemen 1980 ihr Debüt-Album veröffentlichten. Zu diesem Zeitpunkt hatten sie ihn fast schon wieder überschritten, indem sie Funk, Rock und Folk zu wunderbar verkürzten, knorrigen Offenbarungswellen verschmolzen. Die frenetische und kontraintuitive – und doch seltsam natürlich klingende – Musik der Band hätte ohne George Hurley, einen Jazzfan, dessen unmögliche Geschwindigkeit, Vielseitigkeit und Nuancen ihn zum erfindungsreichsten Schlagzeuger der amerikanischen Indie-Rock-Szene der 1980er-Jahre machten, zu einem Chaos verkommen können. „Ich mag R&B-Musik“, sagte er. „Ich mag den Raum und die Entspannung, die er bietet. Gleichzeitig mag ich aber auch ruckartige Sachen, also versuche ich, beides zusammenzubringen.“
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86. Phil Rudd: Der langjährige AC/DC-Schlagzeuger Phil Rudd hat in letzter Zeit mehr Aufmerksamkeit für die Androhung des Mordes an einem ehemaligen Mitarbeiter und für den Besitz von Meth und Gras erhalten als in all den Jahren, in denen er einfache, felsenfeste Beats spielte und dabei ein makelloses Timing hatte. Das ist eine Schande, denn Rudds Stil und sein Groove haben den Weg für den Ruhm der ikonischen Band geebnet. Als einer der konsequentesten Minimalisten im Hardrock beeinflusste Rudd eine Welle internationaler Drummer von Rammsteins Christoph Schnieider bis zu Eric Singer von Kiss. „Er spielt auf sparsamste, aber effektivste Weise“, sagte Singer. „Sein Gefühl ist wirklich das Herz und die Seele der Band.“ Rudd kam 1975 zu AC/DC, ersetzte Peter Clark und spielte auf sieben Studioalben, bevor Sänger Bon Scott starb. Nach einem Anfall von Drogenmissbrauch und einer körperlichen Auseinandersetzung mit dem Rhythmusgitarristen Malcolm Young wurde Rudd 1983 gefeuert. Ende 1993 kehrte er zu AC/DC zurück und spielte auf vier weiteren Alben bevor er in seine jüngsten Skandale entgleiste.
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85. Tommy Lee: Tommy Lees Schlagzeugsoli, die der Schwerkraft trotzten, und seine Vorliebe, so wenig Kleidung wie möglich zu tragen, machten ihn zu einem der wirklich großen Showmaster des Metal. Aber sein Spiel bei Mötley Crüe war genauso wichtig wie seine Show-Einlagen. Lees frenetischer Stil trug dazu bei, den Glam-Punk-Appeal von Mötleys Crües Debüt „Too Fast for Love“ zu definieren. Sein „Traum-Schlagzeug“, das er auf der letzten Tournee von Mötley Crüe im Jahr 2015 mitnahm, entspricht seiner schlichten Ästhetik: „Ich habe jetzt ein komplett durchsichtiges Set, damit die Leute genau sehen können, was ich mache“, sagte er. „Die meisten Schlagzeuger sind mit einer Million Trommeln bedeckt, und jeder fragt sich: ‚Was machst du da hinten?'“.
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84. John Stainer: „Wenn man mit Loops spielt, ist der Loop wirklich der Schlagzeuger“, sagte John Stanier 2011 in einem Interview, in dem er auf den von seiner Band Battles favorisierten Hightech-Ansatz einging. Dennoch steht es außer Frage, dass Stanier immer dann, wenn er auf der Bühne steht, das Sagen hat und die Performance mit schlanken, pulverisierenden, wütend tanzbaren Beats vorantreibt. Als die Alt-Metal-Bigpins Helmet 1992 mit ihrem millionenfach verkauften Album „Meantime“ in den Mainstream einbrachen, definierten sie den Sound des Heavy Rock neu – und ihren Aufstieg verdanken sie zu einem großen Teil Stanier, dessen gehaltvoller und doch mathematischer Ansatz für das Kit die skulpturalen Riffs von Page Hamilton in eine neue Sphäre präziser Schläge trieb. Er destillierte das Rock-Schlagzeug auf das Notwendigste, ein Trend, der in Battles den Höhepunkt erreichen sollte. „Es war eine Reaktion auf die Multi-Instrumentalität und Komplexität der anderen Jungs“, sagte er über sein zerlegtes Kit, das mit einem hoch aufragenden Crash-Becken ausgestattet war, „aber auch auf das, was ich vorher gemacht hatte und was die Schlagzeuger jener Zeit taten“. Staniers Gabe ist es, das Minimale monolithisch wirken zu lassen.
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83. Ronald Shannon Jackson: Hätte Ronald Shannon Jackson in den 12 Jahren zwischen 1966 und 1978 nur mit den Avantgarde-Jazz-Ikonen Albert Ayler, Ornette Coleman und Cecil Taylor gespielt, wäre sein Ansehen ohnehin gesichert. Doch Jackson, der Parade-Trommelmuster, afrikanische Rhythmen und Funk in einen einzigartigen, sofort erkennbaren Stil einbaute, gründete seine von der Kritik gefeierte Decoding Society, aus der der Living-Color-Gitarrist Vernon Reid und der Bassist der Rollins Band, Melvin Gibbs, hervorgingen. „Er synthetisierte Blues-Mischungen mit afrikanischen Synkopen durch die Linse von jemandem, der allen möglichen Emotionen freien Lauf ließ“, sagte Reid über den verstorbenen Schlagzeuger und Komponisten in einem Artikel der Zeitschrift Fort Worth Weekly 2003. „Ich habe das Gefühl, dass die Kollision der Werte in seiner Musik wirklich die amerikanische Kultur repräsentiert. Jacksons seismisches Rumpeln trieb auch Sessions unter der Leitung von John Zorn und Bill Laswell an und erreichte seinen Höhepunkt in Last Exit, einem Punk-Jazz Quartett, das keine Gefangenen nahm.
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82. Glenn Kotche: Umgeben von dem, was Bandleader Jeff Tweedy seine „in-Glenn-tions“ nennt, bringt Glenn Kotche auf der Bühne Wilco die Sensibilität eines Orchester-Schlagzeugers und den Experimentierdrang eines Indie-Rockers. Kotche, der der Band rechtzeitig zu ihrem Album „Yankee Hotel Foxtrot“ beigetreten ist, hat seine Ausrüstung mit einem Vibraphon, MIDI-Effekten, Gongs, einer Radkappe, antiken Becken, mit Pellets gefüllten Tischtennisbällen und einem Luftschlauch, der mit seiner Floor-Tom verbunden ist, ausgestattet. Manchmal präpariert er seine Trommeln, indem er Ketten auf sie legt oder Perlen und Reis über die Trommelfelle streut. In seinen eigenen Kompositionen erforscht Kotche zufällige Rhythmen (d.h. unbeabsichtigte Polyrhythmen) in Zusammenarbeit mit So Percussion und anderen abenteuerlichen Ensembles für zeitgenössische Musik. „Ich glaube, er ist einer der größten Schlagzeuger der Welt“, sagte Tweedy, „und wir haben ein unglaubliches musikalisches Vertrauen“. Worauf er selbst antwortete: „Ich bin da, um die Songs zu servieren“.
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81. JR Robinson: John „JR“ Robinson bezeichnet sich selbst als den „meist aufgenommenen Schlagzeuger der Geschichte“, was einen Eindruck von der umfangreichen Diskographie eines der beliebtesten Drummer des Pop geben sollte: „I’m So Excited“ der Pointer Sisters, „Higher Love“ von Steve Winwood, „Ain’t Nobody“ von Rufus und Chaka Khan, ein Großteil von Daft Punks „Random Access Memories“ und kein geringerer Song als „We Are the World“ zählen zu seinen Credits. Vor allem aber legte Robinson das Fundament von Michael Jacksons „Off the Wall“. Robinson hat eine herausragende Wahrnehmung von Schlagzeugern als Timekeeper. „Er ist der einzige Schlagzeuger, den ich jemals in meinem Leben darum bitten konnte, eine Einführung in Michael Jacksons „Rock With You“ zu geben“, sagte Quincy Jones auf dem Montreux Jazz Festival anlässlich seines 75. Geburtstages. „Ich sagte: ‚Ich will ein Drum-Lick, das die ganze Welt singen kann‘ … und sie sangen es.“
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80. Steve Jordan: Aufgewachsen in einer starken Tradition aus R&B und Soul, war Steve Jordan bereits in seinen Teenagerjahren der Drummer von Stevie Wonder. Ein vielseitiger Interpret, der gleichermaßen im Jazz-Fusion und im spärlichen, geradlinigen, gefühlvollen Rock bewandert ist. Ein Jahrzehnt jünger als die meisten Rock-Legenden der 60er-Jahre, war er der Mann, der für einen zweiten Akt sorgte – er ist Mitglied von Keith Richards and the X-Pensive Winos, spielte für Neil Young in den 80ern, tourte ausgiebig mit Eric Clapton und war sogar Teil der fiktiven Reunion-Band The Blues Brothers. (Er hat ebenso starke Verbindungen zu einer jüngeren Generation aufgebaut und damit John Mayers Trio verankert). Locker und selbstbewusst wurde Jordan zu einem Meister, der alles, was er spielte, mit seinem typischen Swing durchdrang. „Wenn man ein starrer Mensch ist, glaube ich nicht, dass man swingen oder andere Menschen zum Swingen bringen kann“, sagte er über seine Technik. „Ich würde einen Schlagzeuger, der keine Technik hat, an jedem Tag der Woche einem effizienteren Schlagzeuger vorziehen, wenn er besser swingt.“
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79. Mick Avory: „Wenn es nie über das harte Spielen hinausgekommen wäre, wäre ich nicht sehr geeignet gewesen“, sagte Kinks-Schlagzeuger Mick Avory. Das könnte ein Grund dafür sein, dass die Kinks einen Session-Drummer auf „You Really Got Me“ eingesetzt haben (obwohl Avory das Tamburin beisteuerte). Doch als Kinks-Frontmann Ray Davies als Songschreiber reifte, wurde Avory zu einem der ruhigeren, innovativeren Schlagzeuger. „Ich weiß nicht, ob Rays Schreiben in meine Spielweise passte oder ob ich in seine Schreibweise passte. Mit seiner vom Jazz geschulten Vielseitigkeit und seinen geistreichen Trommelkadenzen war Avory, der 1962 von den Rolling Stones umworben worden war, in der Tat die ideale rhythmische Lösung für Ray Davies Stil. Während Avorys Spiel raffiniert und unaufdringlich war, waren seine Kämpfe auf der Bühne mit dem Gitarristen Dave Davies legendär. Als Dave 1965 zum Abschluss eines Gigs in Cardiff das Schlagzeug von Avory zertrümmerte, bekam er dafür ein Schlagzeugpedal an den Kopf geworfen. Dennoch schaffte es Avory irgendwie, erst 1984 aus der Band rausgeworfen zu werden.
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78. Micky Waller: Waller, der in der Londoner Szene als Jazzmusiker ausgebildet wurde, kletterte die Karriereleiter hinauf, als er 1967 der Jeff Beck Group beitrat. Sein unverwechselbarer „Waller Wallop“ befeuerte einen Großteil von Becks „Truth“, dem fehlenden Bindeglied zwischen hartem Blues und Heavy Metal. Waller trommelte auch auf Rod Stewarts frühesten Soloalben. Sein bester Moment entstand 1971 bei einer Session, bei der er ohne Becken auftauchte. Stewart konnte es sich nicht leisten, die Zeit im Studio zu vergeuden, also nahm er „Maggie May“ trotzdem auf, wobei Wallers Schläge so heftig und beständig waren, dass der Kritiker Greil Marcus witzelte, er verdiene den Nobelpreis für Physik. „Wir haben die Becken später eingespielt, damit man sie etwas leiser hört“, erinnerte sich Stewart. „Micky vergaß, seine Becken mitzubringen, was ‚Maggie May‘ einen schärferen Beat verlieh.“
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77. Moe Tucker: Maureen „Moe“ Tucker bereicherte das das klassische Lineup von Velvet Underground und beeinflusste Künstler von Patti Smith über R.E.M. bis hin zu Galaxie 500 und Nirvana. Tatsächlich behauptete sich Tucker zusammen mit den Velvets-Anführern Lou Reed und John Cale, als es um die Klang-Avantgarde der 60er-Jahre ging – sie stand, anstatt hinter dem Schlagzeug zu sitzen, sie spielte mit Schlägeln statt mit Stöcken und vermied Becken, wenn es nicht absolut notwendig oder unerwartet war. Bei VU-Klassikern wie „Heroin“ scheint Tucker ganz auf das Einhalten des Taktes zu verzichten, indem sie ihn mit der emotionalen Ebbe und Flut des Songs anschwillen und stottern lässt. „Ich glaube, Maureen Tucker ist eine geniale Schlagzeugerin“, sagte Lou Reed 2003. „Ihr Schlagzeugstil, den sie erfunden hat, ist erstaunlich.“
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76. Earl Young: 1973 erfand Earl Young bei Harold Melvin and the Blue Notes mit ihrem Hit „The Love I Lost“ den Disco-Beat – alle vier Schläge eines Taktes auf der Kick-Drum gespielt. Dieses endlos anpassbare rhythmische Muster war der Puls eines Jahrzehnts und ist immer noch allgegenwärtig, wo immer Tänzerinnen und Tänzer ihrer Beschäftigung nachgehen. Als Teil der Session-Crew MFSB legte Young auch den musikalischen Rahmen für den Philly Soul, indem er zu Aufnahmen der O’Jays, der Spinners und seiner eigenen Band, den Trammps, seinen Teil beisteuerte – aber sein einzigartiger Beitrag zur Disco-Musik lebt am lebendigsten fort und sorgt dafür, dass nach mehr als 30 Jahren House-Musik immer noch Festivals damit gefüllt werden. „Ich habe keinen Drumcomputer“, sagte er. „Damals war ich die Drum-Maschine.“
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75. Earl Hudson: Die wilde D.C.-Hardcore-Band Bad Brains begann ihr Leben als Jazz-Fusion-Crew, und Earl Hudson behielt seine hervorragende Arbeit bei, als die Tempi auf Lichtgeschwindigkeit hochgekurbelt und gegen eine Wand geschleudert wurden. Dave Grohl gab zu, dass er seine Moves für das Intro von „Smells Like Teen Spirit“ von ihm abgeschaut hat und sagte dem Modern Drummer: „Ich lernte alle seine Licks wörtlich“. Als der Hard-Rock-Schlagzeuger Chad Smith sich den Red Hot Chili Peppers anschloss, sagte Frontmann Anthony Kiedis, er solle sich mit Hudson vertraut machen. Schließlich verlangsamten sich die Bad Brains, streckten sich in Metal, Reggae und Funk aus und gaben Hudson mehr Raum, seine geschmeidige Vielseitigkeit zu zeigen. Aber er wird immer am besten als der Chefarchitekt des amerikanischen Hardcore bekannt sein.
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74. Michael Shrieve: Als Carlos Santana mit seiner Band am zweiten Tag des Woodstock-Festivals die Bühne betrat, zwischen Country Joe McDonald und John Sebastian, sahen sie sich einem Meer von Zuhörern gegenüber, die noch nie eine Note ihrer Musik gehört hatten, da die Debüt-LP der Gruppe noch nicht in den Regalen stand. Aber schon beim Eröffnungsgesang von „Waiting“ war das Publikum von der einzigartigen Fusion der Band aus ansteckenden Latin-Rhythmen und explosivem psychedelischen Rock fasziniert. Der 20-jährige Schlagzeuger Michael Shrieve, der jüngste Künstler des gesamten Festivals, hielt das Ganze zusammen. Mit dem Conga-Spieler Michael Carabello auf der einen Seite und dem Paukenschläger Jose „Chepito“ Areas auf der anderen legte Shrieve ein taumelndes, jazz-inspiriertes Solo mitten in „Soul Sacrifice“ hin, das auch nach fast 50 Jahren noch absolut atemberaubend ist. Nur zwei Jahre später sollte Santana fast alle seine ursprünglichen Bandkollegen entlassen, als er sich anderen nicht-kommerziellen Stilen zuwandte, aber Shrieve blieb an seiner Seite und co-produzierte sogar „Welcome“ von 1973 und „Borboletta“ von 1974. Der Schlagzeuger arbeitete dann mit allen zusammen, von der Pat Travers Band bis zu den Rolling Stones. Dabei stellte er seine beeindruckende Bandbreite unter Beweis. „Michael Shrieve hat mich auf Miles Davis und John Coltrane gebracht“, sagte Carlos Santana 2013. „Er hat meinem Herzen eine ganz neue Dimension eröffnet.“
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73. Pete Thomas: In weniger als einem Jahr wechselte Elvis Costello vom drahtigen Pub-Rock von „My Aim Is True“ zur galligen Punk-Raserei von „This Year’s Model“, und ohne Mitch-Mitchell-Fan Pete Thomas hinter dem Schlagzeug hätte er den großen Sprung nach vorne nicht schaffen können. Auf diesen frühesten Attractions-Platten spielte Thomas, wie Elvis sang, mit aufgestauter Wut, einem zögerlichen Stottern von Kick oder Snare, das auf einen gescheiterten Versuch hindeutet, eine unvermeidliche Explosion zu verhindern. (Hinweis auf das mitreißende Intro von „(I Don’t Want to Go to) Chelsea“). Als Costellos Songwriting nach mehr Nuancen verlangte, blieb Thomas sein idealer rhythmischer Komplize und spielte mit einem intuitiven Gespür, das sich aus der langjährigen Zusammenarbeit ergab. „Pete Thomas ist mit einigem Abstand der beste Rock’n’Roll-Schlagzeuger seiner Generation“, twitterte Costello.
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72. James “Diamond” Williams: James Williams, der im Jazz ausgebildet und beidhändig ist, spielte in seinen frühen Teenagerjahren in Dayton-Bar-Bands. Als er 1974 zu den Ohio Players kam, war die Gruppe bereits seit anderthalb Jahrzehnten am Ball, aber ihre Serie von Tanzhits für Mercury Records begann gerade erst. Williams schnörkelloses, aber zeitweise explosives Trommeln war der Motor dieser Stücke – sein stetiges Funk-Fundament konnte unerwartet in wilde Fills ausbrechen, sogar bei Balladen wie „I Want to Be Free“. Auch wenn er sich seinen Anteil an kniffligen Rhythmen zusammengebastelt hatte, landete Williams, wenn der Refrain eines bestimmten Liedes kam, auf der Snare mit einem tanzbefehlenden Rhythmus, der selten verhandelbar war.
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71. Butch Trucks and Jaimoe: Die Schlagzeuger der Allman Brothers Band, Butch Trucks und Jai Johanny „Jaimoe“ Johanson, sind seit der Gründung der Gruppe unzertrennlich und treiben alles an, von den komplizierten Rhythmen des ikonischen „Whipping Post“ bis hin zu subtilen Songs wie ihre Interpretation von Muddy Waters „Trouble No More“. Jaimoes Hintergrund als Sixties-Soul-Schlagzeuger, angelehnt an Otis Redding, vermischt sich mit Trucks bluesigem, rockigem Puls zu einer synkopierten Beat-Logik, die ganz eigene Akzente setzt. Wie Jaimoe gegenüber Relix erzählte, versuchten er und Trucks 1974, Schlagzeugunterricht bei Elvin Jones zu nehmen, nur um von der Jazz-Legende zu erfahren: „Was wollt ihr Jungs? Ich weiß, wer ihr seid. Was soll ich euch beibringen?“
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70. Tommy Ramone: „Er gab dem Punk-Rock den Puls“: so lautete die Schlagzeile des Nachrufs der New York Times, in dem der Tod eines Tamás Erdélyi – besser bekannt unter seinem Künstlernamen Tommy Ramone – im Jahr 2014 behandelt wurde. Mit seinen wütenden metronomischen Achtelnoten und Floor-Tom-Bomben sorgte er auf den ersten drei Alben der Ramones für den Speed-Freak-Beat, der zum Tempo von Johnny Ramones Gitarre passte. Er trug auch maßgeblich zum unsterblichen Kanon der Band bei, indem er sogar „Blitzkrieg Bop“ schrieb, das Joey Ramone als „Aufruf an jeden, seine eigene Band zu gründen“ bezeichnete. Dazu gehörten Künstler von Clash und Metallica bis hin zu so ziemlich jeder Band, die jemals auf der Warped Tour gespielt hat.
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69. Dale Crover: „Man erkennt, wenn Dale bei Nirvana spielt, weil er der beste Schlagzeuger der Welt ist“, sagte kein Geringerer als der berühmteste Nirvana-Schlagzeuger Dave Grohl. „Ich habe immer gedacht, wenn es nicht klappt [mit mir], könnten sie Dale immer noch kriegen.“ Obwohl man ihn auf neun offiziell veröffentlichten Bleach-Titeln und B-Seiten knüppeln hört, ist Crovers Hauptbeschäftigung seine über 30-jährige Tätigkeit bei den unaufhaltsamen Melvins – zu gleichen Teilen eine Erdbebenmaschine, ein hartnäckiger Showman und ein Ad-hoc-Mathematiker, der dem Auf und Ab von Buzz Osbornes Beefheart-Riffs folgt.
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68. Jerome “Bigfoot” Brailey: Als George Clinton 1975 zum ersten Mal David Bowies „Fame“ im Radio hörte, wandte er sich an seinen neuen Schlagzeuger und sagte: „Erinnere dich an diesen Groove für mich“. Jerome Brailey, der neue Rekrut bei Parliament-Funkadelic, filterte den Stil von Jabo Starks durch Bowies verschwommenen kosmischen Jive auf „Give Up the Funk (Tear the Roof Off the Sucker)“. Brailey blieb bis 1978 an Bord des Mutterschiffs und trieb viele der größten Hits des P-Funk mit seiner stetigen Kick-Drum, seiner verschlagenen Hi-Hat-Action und seinen komplizierten, unberechenbaren Snare-Mustern an, bevor das Misstrauen gegenüber Clintons Buchführungstechniken ihn dazu brachte, Mutiny zu gründen. „Funk zu machen ist wirklich einfach“, sagte Brailey 2010 einem Interviewer. „Es geht um den Nervenkitzel der Zeit. Funk kommt von innen. … Ich habe Shows mit Parliament gespielt, bei denen ich so funky war, dass ich es in meinen Knochen spüren konnte, und dann kann das Publikum es auch spüren.“
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67. Greg Errico: Greg Errico war ganze 17 Jahre alt, als Sylvester Stewart den Kalifornier einlud, sich seiner neuen Gruppe Sly and the Family Stone anzuschließen. Errico half, eine der wichtigsten Rhythmusgruppen der Funkmusik zu steuern, von ihren ersten Aufnahmen bis hin zum legendären „There’s a Riot Goin‘ On“. 2015 sagte Errico zu Rolling Stone, dass das Spielen mit Family Stone auf ihrer Höhe „mir die Haare zu Berge stehen ließ, wie diese Bühne wie eine 747 abhob und flog“. 1971, als Sly and the Family Stone in Unordnung geriet, war Errico der erste, der sich von der Band löste und schließlich mit Lee Oskar, Betty Davis und Funkadelic nicht nur als Schlagzeuger, sondern auch als Produzent und Arrangeur arbeitete.
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66. Kenny Aronoff: Am besten bekannt als John Mellencamps hartgesottener Schlagzeuger von 1980 bis 1996, ist Kenny Aronoff voll und ganz in der Lage, auffällige Fills zu spielen. Aber er ist ebenso in ruhigen Gefilden zu Hause. „[Als der Schlagzeuger] bin ich der Angestellte“, sagte er zu Esquire. „Meine Aufgabe ist es, zuzuhören, zu lernen und zu führen. Und ich verstehe, dass ich nicht der Chef bin.“ Mit einem sechsten Sinn für das, was Musik populär macht, und der Geduld, die Richtung vorzugeben, ist er als Studio-Drummer für die Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Neil Diamond, Eric Clapton, John Fogerty, Sting, die Smashing Pumpkins, Lady Gaga und viele andere geschätzt.
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65. Sly Dunbar: Dunbar, der wegen seiner Hingabe an Sly Stone einen Spitznamen erhielt, nahm seinen ersten Titel „Night Doctor“ mit den Upsetters im Alter von 15 Jahren auf. Seine Bekanntschaft mit dem Bassisten Robbie Shakespeare 1972 führte zu einer lebenslangen Arbeitsbeziehung, insbesondere in den Bands von Peter Tosh und Black Uhuru sowie auf der 1978 von den Rolling Stones veranstalteten Some-Girls-Tournee. Sly und Robbie brachten den Dub-Reggae besser als jeder andere auf die Bühne. Das Verhältnis zwischen Carlton Barretts entspanntem Swing und Dunbars heftigem metronomischen Spiel markiert den Zeitpunkt, an dem sich der Roots-Reggae zu seinem Dancehall-Nachfolger entwickelte.
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64. Chad Smith: Seit seinem Debüt mit den Red Hot Chili Peppers im Jahr 1989 hat Chad Smith konsequent die Leichtfüßigkeit des klassischen Funk mit der Kraft und dem Volumen eines Arena-Rockers vermischt. „Er spielt hart, Mann“, sagte Sammy Hagar, der Smith für seine Band Chickenfoot rekrutierte. „Der Kerl ist aus Detroit, um Himmels willen!“ Nachdem er zunächst mit RHCP gearbeitet hatte, war Rick Rubin so beeindruckt von Smiths Vielseitigkeit, dass er die „mächtige Kraft und die großartigen Vibes“ des Schlagzeugers auch bei seinen anderen Produktionen einsetzte. Der ehemalige Chili-Peppers-Schlagzeuger Cliff Martinez nennt ihn „einen Monster-Virtuosen … mit einem ausgeklügelten, gut ausgeprägten Sinn für das, was angemessen ist“. Und Anthony Kiedis schreibt Smith zu, dass er seine eigenen Ganzkörper-Kreiselbewegungen inspiriert hat: „Alles was ich tun muss, ist meine Augen zu schließen und Chad zuzuhören. Es wäre Schauspielerei, wenn ich es nicht täte.“
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63. Dennis Chambers: Dennis Chambers, der aus derselben Parliament-Funkadelic-Schule stammt, aus der Ramon „Tiki“ Fulwood und Jerome Eugene „Bigfoot“ Brailey hervorgegangen sind, kombinierte den Funk-Scharfsinn dieser Spieler mit der Fusion von Tony Williams und inspirierte damit wiederum unzählige Gospel- und Hip-Hop-Schlagzeuger. Er arbeitete als Hausdrummer für das Label Sugar Hill (Chambers spielte bei „Rapper’s Delight“) und an der Seite des funkigen Jazzgitarristen John Scofield und entwickelte einen Stil, der auf bombastischen Grooves und Buddy Rich-esque Fills aufbaut, die der Zeit zu trotzen schienen. Seit den 90er-Jahren hat Chambers ausgiebig mit Carlos Santana, Steely Dan und John McLaughlin gespielt. Chambers Solo-Alben wie „Big City“, „Getting Even“ und „Outbreak“ sind leider ignorierte Beispiele für sein Mächtiges Spiel und seinen geschickten kompositorischen Sinn.
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62. Tony Thompson: Tony Thompson spielte die gnadenlosen Four-on-the-floor-Grooves für Chic, die legendärste Band der Disco-Ära. Sein Ruf wuchs in den 70ern, aber sein Einfluss erweiterte sich bis in die 80er-Jahre, als er auf Pop-Hits wie Robert Palmers „Addicted to Love“ und Madonnas „Like a Virgin“ spielte. Thompson wurde sogar als Ersatz für den verstorbenen John Bonham angesehen, als es Gespräche über die Wiederbelebung von Led Zeppelin gab. Und natürlich spielte er den Groove für das Original von Chics „Good Times“. Der Song, der von mehreren Schlagzeugern als Grundlage für die erste Welle von Rap-Platten angesehen und in „The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel“ gesamplet wurde. „All die Jahre wollten die Leute mich samplen. Jeder nahm immer an, dass es eine Art von speziellen Knöpfen gab, die gedreht wurden“, sagte Thompson zum Modern Drummer. „Im Grunde war es nur ein nagelneues Yamaha-Kit in einem sehr lebendigen, gemauerten Aufnahmestudio. Ich spielte das Schlagzeug sehr kräftig. Das war’s!“, sagte Thompson.
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61. Clem Burke: Blondies Clem Burke brachte unerwarteten Rhythmus in den rohen Punk und New Wave, der aus den New Yorker Clubs der 70er-Jahre wie dem CBGB brüllte. Die Band nannte ihr bahnbrechendes Album schließlich „Eat to the Beat“ – und Burkes knackiger Backbeat, der maßgeblich von Keith Moon beeinflusst war, trug dazu bei, Blondie von der Masse abzuheben. Mit Burke hinter dem Kit setzte Blondie alles von Disco-Grooves und Reggae bis hin zu Hip-Hop-Beats in den Hits der Gruppe ein. Und er hatte eine Präsenz und ein Charisma, das weit über das hinausging, was man von einem typischen Drummer erwartet. „Er sprang ziemlich regelmäßig über sein Schlagzeug“, sagte die Sängerin Deborah Harry der Chicago Tribune. „Clem tauchte auf, und er war ein echter Star. Er konnte spielen, und man konnte sehen, dass es sein Leben war.“
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60. Mick Fleetwood: Zusammen mit seinem Kollegen der Rhythmusgruppe John McVie ist Mick Fleetwood durch die vielen stilistischen Veränderungen seiner Namensvetter-Band eine Konstante geblieben, vom Blues-Rock der späten 60er-Jahre von Peter Green bis zum erwachsenen Pop der aktuellen Stevie Nicks-Lindsey Buckingham-Besetzung. Fleetwoods rhythmische Persönlichkeit kommt bei jedem Ausschnitt aus dem klassischen Bestseller „Rumours „der Band zum Vorschein: Der Fill, der „Dreams“ einleitet, ist so catchy wie ein Refrain, und der Tom-Tom-Kontrapunkt, den er zu Buckinghams Rhythmusgitarre liefert, ist ein wesentlicher Bestandteil von „Go Your Own Way“. Buckingham hat Fleetwoods „instinktiven“ Stil gelobt und erzählt eine Geschichte über den markanten Break mit einer Kuhglocke, den der Schlagzeuger der ersten Single der Band, „Oh Well“, hinzugefügt hat. „Mick hat das wirklich aus dem Stand heraus gemacht, und als er versuchte, es zu wiederholen, konnte er es nicht tun! Er hat eine Woche lang geprobt, um zu lernen, was er in einem Augenblick getan hat.“
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59. Jim Gordon: Hal Blaines Schützling gehörte zu den Top-Session-Musikern der 60er-Jahre und trommelte auf allem von „Pet Sounds“ bis zu „Classical Gas“. Während einer Tournee mit Delaney & Bonnie traf Gordon Eric Clapton, der den Schlagzeuger (und einige seiner Bandkollegen) für Derek and the Dominoes engagierte. Gordons Kombination aus bluesigem Feeling und professioneller Finesse trieb die Doppel-LP „Layla und Other Assorted Love Songs“ an. Gordon nahm mit Leuten wie Randy Newman und Steely Dan auf und wurde zu einer entscheidenden Figur im Aufstieg des Hip-Hop, als DJ Kool Herc begann, die Tänzer der Bronx mit Gordons Schlagzeugbreak von der „Apache“ der Incredible Bongo Band zu inspirieren. „Alle begannen nach dem perfekten Beat zu suchen und versuchten, diese Platte zu überbieten“, erinnert sich Herc. „Bis heute können sie es nicht.“
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58. Sheila E: Sheila Escovedo wurde als Tochter des Perkussionisten Pete Escovedo geboren. Sheila E. war ein Schlagzeug-Wunderkind, das schon in jungen Jahren mit Marvin Gaye und Herbie Hancock spielte. In den späten 80er-Jahren wurde sie berühmt, indem sie ihren knackigen, unverfälschten, polyrhythmischen Stil in die Prince Post-Revolution-Band einbrachte und damit die Rock-, Pop- und R&B-Szene des Jahrzehnts mitprägte. Sicher, sie sang auch ihre eigenen Solo-Hits wie „The Glamorous Life“ von 1984, aber es ist ihre Eminenz als immer noch gefragte Schlagzeugerin, die ihr musikalisches Vermächtnis gesichert hat. „Es ist ziemlich interessant, dass jeder sagt, wie [Prince] mich beeinflusst hat, aber eigentlich habe ich ihn zuerst beeinflusst“, sagte sie gegenüber Fox News. „Als ich mich vorstellte, wusste er bereits, wer ich war, was mich schockierte, und er sagte: ‚Ich weiß schon, wer du bist. Ich verfolge deine Karriere schon seit langem, und du bist erstaunlich und ich würde mich freuen, wenn du in meiner Band spielen würdest“.
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57. Manu Katché: Künstler wie Peter Gabriel und Sting weigerten sich Ende der 80er und Anfang der 90er-Jahre, rhythmisch still zu sitzen; und sie riefen den wilden dynamischen French-via-Ivory-Coast-Schlagzeuger Manu Katché auf, ihre expansiven Worldbeat-Visionen zu übersetzen. Dank seiner nuancierten Splash-Beckenarbeit und stotternden Beats ist er sofort erkennbar und liefert den westafrikanischen Puls von Gabriels „In Your Eyes“ und den Trip-Hop-Groove von „Digging in the Dirt“. Für Stings schizophrenen „Englishman in New York“ schwankt er zwischen Reggae Lite, einem Jazz-Break und einem Hip-Hop-Boom ’n‘ Pound mit der Geschmeidigkeit eines DJs. „Als wir die Amnesty-Tournee [1986] machten, fragte ich Manu Katché, ob ich mich hinter ihn setzen und zuschauen dürfe“, sagte Larry Mullen Jr. von U2. „Er war total erschrocken und wusste nicht, was ich tat, aber ich wollte einfach sehen, was echte Schlagzeuger so machen!“
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56. Richie Hayward: Als Schlagzeuger der surrealistischen Boogie-Band Little Feat neigte Richie Hayward dazu, über, unter und um den Beat herum zu spielen. Als Hauptmotor der Band machte er Little Feat zur farbenfrohen, swingenden und lustigen Version ihrer selbst. Laut dem Phish-Schlagzeuger Jon Fishman „war der einfachste Weg, um vorherzusagen, was er am Set zu einem bestimmten Zeitpunkt spielen würde, die Phrasierung der Texte zu hören“. Hayward navigierte den verworrenen Prog-Boogie und die unorthodoxen Songstrukturen von Little Feat auf seinem Schlagzeug und fügte gleichzeitig hohe Vokalharmonien hinzu. Er brachte einen sumpfigen Louisiana-Slide zu ihrem Sound und leitete den Second-Line-Funk ein, der zukünftiger Arbeitgeber wie Robert Plant und Bob Dylan zu Fans machte.
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55. Max Weinberg: Im Frühjahr 1974 sah Max Weinberg in der Village Voice eine Mitteilung, dass Bruce Springsteen und die E Street Band nach einem neuen Schlagzeuger suchten, versehen mit der Warnung, dass sie keine „Junior Ginger Bakers“ wollten. Weinberg war ein Profi mit ruhigen Händen, der in den Gruben der Broadway-Shows geschult wurde: mit anderen Worten, das komplette Gegenteil von Creams wildem Schlagzeuger. Er hat Springsteen bei einem Vorspiel umgehauen und wurde eingestellt, als die Arbeit an „Born to Run“ begann. Es ist unmöglich, sich vorzustellen, wie dieses Album ohne Weinbergs angespannten Puls geklungen hätte – im Geiste näher an den Studiokönigen der 60er als an den Arenagiganten der 70er-Jahre. Danach arbeitete er mit jedem von Meat Loaf bis Bonnie Tyler zusammen. Als sich die E Street Band 1989 auflöste, fand er Arbeit als Bandleader von Conan O’Brien, doch als sich die Band 1999 reformierte, gelang es ihm, beide Jobs in seinen vollen Terminkalender zu integrieren. „Max fand einen Ort, an dem sich Bernard Purdie, Buddy Rich und Keith Moon trafen, und er machte ihn sich zu eigen“, sagte Bruce Springsteen während seiner Dankesrede in der Rock and Roll Hall of Fame 1999. „Ich frage, und er liefert mir Nacht für Nacht.“
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54. Ahmir „Questlove“ Thompson: Ahmir Thompson hat viele Rollen übernommen – Neo-Soul-Superproduzent, polymathischer Autor/Raconteur, Talkshow-Bandleader, musikalischer Berater am Broadway, prominenter Superfan – aber diese Möglichkeiten ergaben sich, weil er vor allem ein sündhaft vielseitiger Schlagzeuger ist, dessen Spiel die Erwartungen stets übertroffen hat. Die „Tonight Show With Jimmy Fallon“ könnte ein Easy-Money-Gig sein, aber er nimmt es als nächtliche Herausforderung an, neue Seiten zu seiner ständig wachsenden Rhythmus-Enzyklopädie hinzuzufügen, die sich nahtlos in den Stil jedes Gastes einfügt, der auftaucht. „Das ist das Coole an Ahmir“, sagte Gitarrist Charlie Hunter, der mit Thompson an D’Angelos klassischer „Voodoo“-LP gearbeitet hat, gegenüber The New Yorker.
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53. Jimmy Chamberlin: Laut Smashing Pumpkins-Kopf Billy Corgan erschien Jimmy Chamberlin zu seiner ersten Probe „mit einem rosa T-Shirt, stonewashed Jeans und einem Vokuhila-Haarschnitt. Wir dachten: ‚Das ist nicht der Typ‘. Aber er hatte alle unsere Lieder gelernt, und nach nur einer Probe waren wir bereit, zu spielen. So gut ist er.“ Anders als die Verteter der Grunge-Ära, wie Dave Grohl von Nirvana oder Matt Cameron von Soundgarden, spielte Chamberlin wie ein todernster, jazzverschuldeter Muso, was eine tiefe Vertrautheit mit Dennis Chambers und Return to Forevers Lenny White nahelegt. „Man kann nicht einfach jemanden packen und sagen: ‚Spiel Schlagzeug bei diesem Smashing-Pumpkins-Song'“, sagte Corgan gegenüber USA Today. „Jimmys Schlagzeugparts sind so unglaublich technisch und nuanciert, dass es eine sehr seltene Klasse von Leuten ist, die einspringen und spielen können.
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52. Matt Cameron: Mehr als jeder andere Schlagzeuger legte Matt Cameron die rhythmische Grundlage für die Rockrevolution der neunziger Jahre und versöhnte dabei proggy-technische Aspekte mit überwältigender Kraft. Er bezeichnete seine Rhythmen auf dem Soundgarden-Song „Jesus Christ Pose“ von 1991 treffend als „einen reinen Angriff der Sinne“, aber diese effiziente Brutalität war nicht unbedingt charakteristisch für Camerons Arbeit mit der Band – sein Schlagzeugspiel auf „Superunknown“ ist ebenso durchdacht wie schwer, von der flüssigen Asymmetrie von „Spoonman“ bis zum unerschütterlichen Backbeat von „Fell on Black Days“. Zwanzig Jahre nach der Veröffentlichung schwärmte Dave Grohl noch immer: „Niemand spielte Schlagzeug wie Matt“. Als sich Soundgarden 1997 plötzlich auflösten, war Cameron nicht lange arbeitslos: Pearl Jam luden ihn im folgenden Jahr auf Tournee ein. „Sie haben überhaupt nicht versucht, mich abzuschwächen“, sagte er zu Beginn seiner laufenden Tätigkeit in der Band zu einem Interviewer. „Ich bin irgendwie dafür bekannt, dass ich seltsame, verrückte Fills spiele und manchmal Dinge spiele, die ich nicht spielen sollte, aber sie liebten es – zumindest haben sie mir das gesagt.
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51. Alex Van Halen: Millionen junger Schlagzeuger trieben sich in den 80er-Jahren selbst in den Wahnsinn, als sie versuchten, die Tom-Tom-Arbeit und den galoppierenden Swing, die Alex Van Halen zu „Hot for Teacher“ beisteuerte, oder den trickreichen Eröffnungsgroove von „Finish What You Start“ zu replizieren. Auch seine Hingabe und Zähigkeit waren ziemlich beeindruckend: Ein Rolling-Stone-Feature von 1984 beschrieb eine Showeröffnung für die Rolling Stones, bei der Alex die gesamte Show mit gebrochenen Händen spielte. „Er konnte nicht einmal einen Trommelstock halten“, schrieb die Journalistin Debby Miller. „Also band er den Stock mit einem Schnürsenkel an sein Handgelenk und machte mit der Show weiter.“ Van Halen schrieb seine Berufswahl seiner Kindheit zu: „[Mein Vater] war Musiker, und es ist schwer, das in Worte zu fassen, aber Musiker sind anders als die 9-to-5-Jobber“, sagte er 1991 zu Kurt Loder von MTV. „Es ist eine andere Mentalität … der ganze Planet ist dein Zuhause.“
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50. Cozy Powell: Seit er 1970 als Teil der Jeff-Beck-Band auf die Bühne kam, erwarb sich Colin Trevor „Cozy“ Powell einen Ruf als Tour- und Session-Drummer, den man als erstes anrief, wenn jemand gebraucht wurde. Ein Energiebündel, das für die Entwicklung des englischen Hard Rock und Heavy Metal von entscheidender Bedeutung war. Obwohl er regelmäßig seine eigenen Projekte vertiefte, ist Powell am besten in Erinnerung geblieben als eine Bereicherung für Gruppen wie Rainbow und Whitesnake; als ein Drittel der kurzlebigen Emerson, Lake & Powell; und als eine führende Kraft in den kritisch verleumdeten, aber unbestreitbar straighten Black Sabbath der letzten Tage. In einem Interview aus dem Jahr 1999 teilte Emerson Erinnerungen an eine Probe mit, für die Powell seine gewaltige Ausrüstung zusammenstellte, dann aber feststellte, dass er seine Stöcke vergessen hatte: „Er überlegte, ob er nicht ein paar umgefallene Äste aus meinem Obstgarten verwenden sollte, bis ein lokaler Bauer in die Stadt fuhr, um ein paar richtige zu holen. Sie hatten nicht das richtige Gewicht, aber sie reichten aus, wenn er sie mit dem dicken Ende kopfüber hielt. Dann machte er sein Trommelsolo, und es war, als wäre der Dritte Weltkrieg ausgebrochen“.
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49. Vinnie Colaiuta: „Bevor ich ihn sah, konnte ich mir schon einiges ausrechnen“, sagte Devo-Drummer Josh Freese zu Drum! „Er war der erste Typ, den ich aus nächster Nähe sah, und ich habe einfach nicht verstanden, was er da tat.“ Laut dem unendlich fordernden Frank Zappa nahm Vinnie Colaiuta „den ersten Preis“ entgegen, als es darum ging, seinen Gitarrensolos „im Moment“ ergänzende Polyrhythmen zu liefern. Aber Colaiuta ist auch ein Meister der zurückhaltenden Finesse, die von allen gefragt ist. Von Herbie Hancock über Joni Mitchell bis Sting. „Du bist nicht dazu da, einen Haufen Mist zu zeigen oder im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit zu stehen“, sagt er über seinen Job. „Du bist da, um dich einzufügen und ein Teil davon zu sein.“
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48. Captain Beefheart: John „Drumbo“ French schloss sich 1966 Captain Beefheart’s Magic Band an und brachte einen tomslastigen, polyrhythmischen Stil mit, der für die Gruppe so wichtig werden sollte wie Don Van Vliets Modernist-Blues-Krächzen. French diente als musikalischer Leiter für das avantgardistische Meisterwerk „Trout Mask Replica“ der Magic Band, obwohl er hinterher verbittert war. „Noch nie haben so viele so hart für so wenig [Geld] gearbeitet“, sagte French über die Sessions und fügte hinzu: „Ich habe noch nie einen Cent dafür bekommen“. Während der Aufnahme von Replica änderte ein Gruppenbesuch in einer Ausstellung von Salvador Dali „sein Konzept des Schlagzeugs“ und inspirierte French zu seinem Talent für rhythmische Überlagerungen. Der Stil von Drumbo entwickelte sich erst im Nachfolgewerk „Lick My Decals Off, Baby“ von 1970, dem vielleicht besten Beispiel für seine klappernde und chaotische, aber dennoch absolut kontrollierte Herangehensweise auf einer Platte.
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47. Dave Lombardo: Der in Kuba geborene Dave Lombardo erhielt von seinen Slayer-Bandkollegen den Spitznamen „A.D.Dave“, nachdem er mühelos das Tempo bei halsbrecherischen Songs wie „Angel of Death“ – der mit 210 v.p.m. den Höhepunkt erreicht und einen der beeindruckendsten Drumbreaks im Metal beinhaltet – und „War Ensemble“ gehalten hatte. Die Spannungen innerhalb der Band haben ihn einige Male in die Band hinein- und wieder herausgedrängt (derzeit spielt er mit Dead Cross), aber diese Schwankungen haben es ihm ermöglicht, seinen Mut mit den Kunst-Metal-Experimentatoren Fantômas, dem renommierten Komponisten/Provokateur John Zorn, dem Trip-Hop-Leader DJ Spooky und dem bildenden Künstler Matthew Barney zu testen. „Er ist ein Koffein-Kopf“, sagte Lombardos ehemalige Slayer-Bandkollegin Kerry King einmal. „Er ist immer am Ball. Er kann nicht still sitzen.“
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46. Dave Garibaldi: Bei Tower of Power trug David Garibaldis geschmeidiges Spiel dazu bei, das Publikum für James Browns rhythmische Experimente der 70er zu erweitern, und seine rhythmische Intelligenz war ein Schlüsselelement bei der Schaffung des Hits „What Is Hip?“ der Soul-Funk-Band der Bay Area. „Es war seine Idee, Rocko Prestia dazu zu bringen, diese Sechzehntelnoten am Bass zu spielen“, sagte Emilio Castillo, Bandleader von Tower of Power. „Das war es, was den Song zum Laufen brachte.“ Die Bestätigung dafür, dass Garibaldis Schlagzeugparts genauso eingängig waren wie Tower of Powers jazzige Bläserstile und der R&B-Gesang, kam, als der Hip-Hop in den achtziger Jahren seine Breaks präsentierte. Garibaldi war auch ein prägender Einfluss auf den Red-Hot-Chili-Peppers-Schlagzeuger Chad Smith, der sagte, „sein Schlagzeugspiel … hat mich auf ein anderes Niveau gebracht“. „Der „Funky Drummer“ Clyde Stubblefield selbst nannte Garibaldi einmal „meinen Favoriten“ und rief aus: „Der Typ war funky!
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45. Billy Cobham: In den frühen siebziger Jahren setzte Billy Cobham einen neuen Maßstab für das Fusion-Schlagzeugspiel, indem er eine atemberaubende jazzige Geschicklichkeit mit einer pulverisierenden Rock-Power verband. Der in Panama geborene Schlagzeuger trat bei Miles Davis bahnbrechendem Album „Bitches Brew“ und, was noch auffälliger ist, bei „A Tribute to Jack Johnson“ auf, wo sein Zusammenspiel mit dem Gitarristen John McLaughlin den Ton angab. Cobhams Einfluss reichte weit über den Jazz hinaus: Prog-Zeitgenossen wie Bill Bruford von King Crimson hörten genau zu, was er vorhatte, jüngere Schlagzeuger wie Danny Carey von Tool lernten von ihm, und sogar Prince spielte eine Version von Cobhams „Stratus“ live. Es gibt vielleicht keinen größeren Fan als Phil Collins, der Mahavishnus „Inner Mounting Flame“ als einen wesentlichen Einfluss auf seinen frühen Stil bezeichnet hat. „Billy Cobham spielte einige der besten Sachen, die ich je gehört habe“, sagte er.
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44. Jerry Allison: Jerry Allison war Buddy Hollys erster Mitstreiter, eines der dauerhaftesten Vermächtnisse des Rock, das als Gitarren- und Schlagzeugduo begann. Er schrieb nicht nur „That’ll Be The Day“ mit, sondern überzeugte seinen Freund, den Titel „Cindy Lou“ in „Peggy Sue“ zu ändern, den Namen einer Frau, die Allison damals beeindrucken wollte. Der wichtigste Beitrag des Schlagzeugers zu letzterem war jedoch der Rhythmus: Der ursprüngliche Cha-Cha-Cha-Beat funktionierte nicht, aber zwischen den Aufnahmen hörte Produzent Norman Petty, wie Allison das klassische „Paradiddle“ genannte Stick-Rudiment trommelte, und sagte dem Schlagzeuger, er solle stattdessen das spielen. Buddy Holly and the Crickets waren die erste Rock-’n‘-Roll-Band, die das Aufnahmestudio „als Kombinationslabor und Spielplatz“ benutzte, wie es Fan Marshall Crenshaw formulierte, und Allison war bereit, alles zu versuchen: Bei „Everyday“ klatscht er einfach die Hände in den Schoß. Als Hommage an diesen subtilen Einfallsreichtum trommelte Ringo Starr auf einen Koffer, als die Beatles Hollys „Words of Love“ aufnahmen.
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43. Phil Collins: Bevor Phil Collins zu einem der erfolgreichsten Popsänger der 1980er-Jahre wurde, war er einer der abenteuerlustigsten Schlagzeuger der 1970er. Er arbeitete mit bahnbrechenden Acts wie Brian Eno, dem Jazz-Fusion-Kollektiv Brand X und natürlich mit der virtuosen, von Peter Gabriel geführten Besetzung von Genesis. Es war während einer Gabriel-Solositzung Ende 1979, als Collins seinen charakteristischen „Gated Snare“-Schlagzeugsound etablierte, der schnell im gesamten Pop-Universum nachgeahmt und zu einem wichtigen Bestandteil zahlloser 80er-Jahre-Platten wurde. Er benutzte ihn erneut bei „In the Air Tonight“, einem Song, der mit dem vielleicht berühmtesten Drum-Fill des Jahrzehnts seinen Höhepunkt erreicht. Nach diesem Song holten Robert Plant, Eric Clapton und viele andere Superstars ihn ins Studio, damit er auf ihren Alben zu trommelte. Nach der Reunion-Tour von Genesis 2007 erlitt er schwere Nervenschäden an seinen Händen, die es ihm fast unmöglich machten, die Trommelstöcke zu greifen, geschweige denn das Instrument zu spielen – ein grausames Schicksal für einen innovativen und einflussreichen Musiker. „Ich liebe sein Schlagzeugspiel und ich habe keine Angst, es zuzugeben“, sagte Mastodon-Schlagzeuger Brann Dailor. „Als Schlagzeuger von Genesis finde ich ihn phänomenal und habe nicht wirklich genug darüber gesprochen. Er ist einfach so ein großartiger, vielseitiger Schlagzeuger.“
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42. Bill Ward: Angesichts seines Status als Schlagzeuger in der Band, die den Heavy Metal so gut wie erfunden hat, ist es überraschend, darüber nachzudenken, was für ein flinker Spieler Bill Ward schon immer gewesen ist. Geschult an Jazz-Größen wie Joe Morello und Gene Krupa, brachte der Mitbegründer von Black Sabbath ein Gefühl von stilistischer Elastizität in die ominöse Plackerei, die die frühe Arbeit der Band („Black Sabbath“, „Iron Man“) definierte. Anstatt die ikonischen Riffs des Gitarristen Tony Iommi nachzuahmen, tanzte er um sie herum – man sehe den Bebop-beeinflusste Tanz, den er mitten in „Electric Funeral“ ausführt, oder seine stotternden Tom-Tom-Breaks in „Rat salad“. Und wenn er es sein wollte – wie bei dem schwungvollen Vers-Groove in „Hand of Doom“ -, war Ward so funky wie jeder R&B-Drummer. „Bill Ward konnte tagelang auf Hip-Hop-Platten gesampelt werden“, bemerkte Rage-Against-the-Machine-Schlagzeuger Brad Wilk, ein Bewunderer von Ward, der ihn auf der 2013er Comeback-CD der Band, 13, nur ungern vertreten hat. Spätere Sabbath-Schlagzeuger, wie der bombastischere Vinny Appice und die auffälligere Cozy Powell, brachten eine arena-taugliche Professionalität in den Gig, konnten aber nie Wards erdiges Ballett hinter dem Kit reproduzieren. Einer von vielen Gründen, warum seine andauernden Streitereien mit den anderen Originalmitgliedern von Sabbath eine solche Enttäuschung waren.
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41. Carter Beauford: Carter Beauford, Gründungsmitglied der Dave Matthews Band, ist ein kraftvoller Jazz-Schlagzeuger und Tony-Williams-Fan mit Pop-Sensibilität. Obwohl seine Band auf den Groove angewiesen ist, füllt er selbst ihre beliebtesten Stücke mit wahnsinnig komplizierten, unglaublich geschäftigen Licks aus – zum Beispiel gibt er „Ants Marching“ ein unwahrscheinliches Hi-Hat-Muster, bevor er Matthews Gesangseinlagen orchestral akzentuiert, fügt „So Much to Say“ knifflige Bassdrum-Arbeit hinzu, oder verwendet zwei Snares bei „Two Step“. Und natürlich gibt es die Liveshows, bei denen seine Monster-Trommelsoli in Double-Kick-Raserei explodieren und die Songs sich von Nacht zu Nacht weiterentwickeln. „Jedes Publikum ist anders, deshalb wollen wir versuchen, direkt mit diesem Publikum zu sprechen oder jedes Mal eine andere Botschaft zu vermitteln“, sagte Beauford gegenüber dem Guitar Center. „Wenn du jedes Mal dasselbe spielst, wird sich das herumsprechen.“
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40. Jack DeJohnette: Jack DeJohnette, der mit vier Jahre das Klavierspielen lernte, begann mit dem Schlagzeug erst mit 18 Jahren. Dieser relativ späte Beginn hielt ihn nicht auf: Ein frühes Engagement bei der Chicagoer Avantgarde-Institution „Association for Advancement of Creative Musicians“ führte zu einer Live-Arbeit mit John Coltrane, einer Position im Quartett von Charles Lloyd, das die Charts anführte, und schließlich zu einem Auftritt mit Miles Davis, als der Trompeter sich für das Fusion-Wahrzeichen „Bitches Brew“ von 1970 vorbereitete. „Es war großartig, mit Miles zu spielen, denn Miles liebte das Schlagzeug“, erklärte DeJohnette 2009 gegenüber Jazz.com. „Alles kam vom Schlagzeug. Er mochte das Boxen, er war ein großer Box-Fan und er sah das Schlagzeug im Jazz als einen ähnlichen Aspekt.“
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39. Ramon „Tiki“ Fulwood: „Mann, das war der härteste Trommler, den ich je gehört habe“, sagte Grady Thomas, Sänger in George Clintons Doo-Wop-Crew The Parliaments, über Ramon „Tiki“ Fulwood. Die Legende besagt, dass sich Fulwood mit zarten 17 Jahren in Clubs schleichen musste, um aufzutreten, und Clinton schließlich seine Mutter anflehen musste, ihn auf Tournee zu nehmen. Sein schwerer Stil – neben Eddie Hazels freilaufender Gitarre – signalisierte das Ende der Band, die Anzüge trug. Sie wandten sich einem psychedelischen Potpourri zu, das die Welt verändern würde. Was man bei drogenbeeinflussten Hymnen wie „Maggot Brain“ hört, sind seine einzigartigen, kraftvollen Aufnahmen – eine schwärmerische, extrovertierte Ausführung, die später zu Sample-Futter für Hip-Hop-Produzenten werden sollte.
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38. Jim Keltner: Jim Keltner ist einer der am meisten verehrten Session-Schlagzeuger aller Zeiten und hat tausende von Platten veröffentlicht, darunter John Lennons Imagine, Ringo Starrs „Photograph“, einen Großteil von George Harrisons Soloaufnahmen, beide Traveling Wilburys LPs, Tom Pettys Full Moon Fever, Bob Dylans „Knockin‘ on Heaven’s Door“ und Steely Dans „Josie“; ganz zu schweigen von der Arbeit mit Harry Nilsson, den Bee Gees, Pink Floyd, Randy Newman, Carly Simon, Joni Mitchell, den Pretenders, Fiona Apple und Oasis. Er wurde in Oklahoma geboren, wuchs in Pasadena, Kalifornien, auf und begann in den sechziger Jahren mit der Session-Arbeit und startete eine Karriere, die so ziemlich jede Pop- und Rock-Ecke gesehen. Keltner ist bekannt für seinen soliden Rückhalt, sein lockeres Gefühl, seine jazzgeschulte Subtilität und seine Vielseitigkeit. „Er reagiert auf alles, was in der Musik vor sich geht“, sagte Leon Russell, der im Laufe der Jahrzehnte häufig mit Keltner zusammengearbeitet hat. Ein Markenzeichen von Keltners Stil ist die unverschämte Lässigkeit. „Im Laufe der Jahre haben mir viele Leute gesagt: ‚Du siehst nicht aus, als würdest du spielen, wenn du spielst‘, sagte er einmal und fügte hinzu: „Es gibt so viele verschiedene Arten, Schlagzeug zu spielen, genau wie die Gitarre.“
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37. Jeff Porcaro: Der Toto-Schlagzeuger Jeff Porcaro war in den siebziger, achtziger und neunziger Jahren eine ständige Pop-Präsenz. Seine Arbeit gab Michael Jacksons „Beat It“ viel von seinem Biss, half Michael McDonald’s „I Keep Forgettin'“ wehmütig zu köcheln und legte den „Rosanna Shuffle“ auf den gleichnamigen Megahit seiner eigenen Band. „Jeff hatte immer einen großen Anteil daran, einen Song zu einer Platte zu machen“, sagte Porcaros Bruder und Bandkollege Steve 2013 zu Rhythm. „Man hatte das Gefühl, im Studio Blitze einzufangen. Es war nie langweilig. … Er kam immer sofort mit den besten Stellen, als hätte er den Song schon seit Jahren gespielt.“ Porcaro starb 1992, kurz nachdem Toto’s achtes Album „Kingdom of Desire“ fertiggestellt worden war; er hatte ebenso auf Bruce Springsteen’s Human Touch gespielt und angeblich ein Millionen-Dollar-Tournee- Angebot des Bosses abgelehnt, um mit Toto zu arbeiten.
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36. Steve Smith: Obwohl er die meisten der letzten 30 Jahre damit verbracht hat, mit Jazz-Fusion-Bands zu touren und Drum Clinics zu leiten, hielten Steve Smiths übermenschliche Rhythmen von 1978 bis 1985 die Arenarocker Journey in ihren besten Jahren zusammen. Sein Part für den Klassiker „Don’t Stop Believin'“ ist ein kompliziertes Muster, bei dem er die Hi-Hat mit der linken Hand spielt, während die rechte sich um das Kit herum bewegt. Das ist so außergewöhnlich wie Perrys himmelschreiender Gesang. „Ich erinnere mich an die letzte Episode von The Sopranos, als sie ‚Don’t Stop Believin‘ von Journey spielten“, sagte Schlagzeuger Peter Erskine zu Drum! „Smith ist Teil dieses wichtigen Punkts in den amerikanischen Medien…“
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35. Fred Below: Vor Motown’s Funk Brothers oder Stax’s M.G.’s prägten lockere Sammlungen von Labels zusammengestellten Session-Musikern den Sound des R&B in der Mitte des 20. Jahrhunderts – darunter Musiker wie Fred Below von den Aces, dessen geschmackvolle, feinfühlige und eindringliche Arbeit für Chess Records in Chicago entscheidend dazu beitrug, die Musik von Little Walter, Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry und Howlin‘ Wolf zu neuen Höhenflügen zu treiben. Below begann als Jazz-Schlagzeuger und musste seinen eigenen Weg in den Blues finden. „Was den Blues bei mir faszinierend machte, war, dass es eine Musik war, die ich nicht kannte – und die man mir in der Schule nicht beibrachte“, erinnert er sich. „Also musste ich ihn so spielen, dass er für mich einen Sinn ergab.“ Wenn man sich Muddy Waters „I’m Ready“ oder Chuck Berrys „School Days“ anhört, ist die Reichweite und der virtuose Anschlag von Below kristallklar; ohne Aufhebens oder Schnörkel trieb er den Motor von Chess an.
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34. Mickey Hart und Bill Kreutzman: Mickey Hart schloss sich 1967 dem Gründungsmitglied von Grateful Dead, Bill Kreutzmann, an und machte die die Gruppe zu einer der ersten Doppel-Schlagzeuger-Bands des Rock. Keine andere Rockband hat die perkussive Symbiose so weit geführt. „Die Sprache, die Bill und ich teilen, wird nicht gesprochen“, sagte Hart. „Es ist Körpersprache, Zwinkern und Bewegung … eine Geheimsprache, die wir nicht beschreiben können.“ Oder wie Kreutzmann sagte: „Mickey hört eher in einem geraden 16. Stakkato, und ich habe etwas mehr Punktiertheit hineingelegt.“
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33. Tony Allen: Als radikal polyrhythmische Groove-Maschine fügte der nigerianisch-ghanaische Innovator Tony Allen den lokalen westafrikanischen Genres wie Highlife, Apala und nigerianischem Mambo Jazz und Funk hinzu. Allen spielte Jazz in Lagos, als er Fela Kuti kennenlernte, der ihn als Schlagzeuger und Bandleader anheuerte – zuerst in Koola Lobitos und dann in Africa 70 – von 1965 bis 1979, als Allen Fela wegen dessen „Diktator-Ideologie“ verließ. Fela gab zu, dass es ohne Allen keinen Afrobeat gäbe, dessen Einfluss sich auf Talking Heads, Gorillaz und unzählige Afro-Fusion-Bands erstreckte. Nachdem er Fela verlassen hatte, fuhr Allen fort, die Grenzen der Zusammenarbeit und der hybriden Solo-Synthesen, die er Afrofunk nennt, zu überschreiten. „Ich bin ein cooler Mensch“, gibt er zu. „Ich spiele mein Schlagzeug so, wie… ich mich im Leben verhalte.“
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32. James Gadson: Obwohl er ursprünglich aus Kansas City stammte, kann man sich kaum einen wichtigeren Schlagzeuger in der Musikgeschichte von Los Angeles vorstellen als James Gadson. In den späten 1960er-Jahren wurde er zunächst als Kernmitglied der Watts 103rd St. Rhythm Band („Express Yourself“) und dann der Band von Bill Withers bekannt, während er die ganze Zeit als einer der produktivsten Session-Drummer der Stadt beschäftigt blieb. Seine ruhige Hand hielt alles fest, von der „Dancing Machine“ der Jackson 5 über „Happy People“ der Temptations bis hin zu Marvin Gayes „I Want You“. „Ich meine, er spielte auf ‚Let’s Get It On‘. … Gadson ist dieser Sound“, sagte Jamie Lidell zu Pitchfork. „Immer wenn ich mit ihm spiele, geht so eine verrückte Verbindung los, die ich noch nie mit einem anderen Musiker erlebt habe. Er schaut einfach rüber und lächelt und nagelt diesen verdammten Beat fest. Und wenn er das Stück beendet hat, sagt er: „Ich habe es von dir! Er hat kein verdammtes Ego.“
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31. Roger Hawkins: Jerry Wexler, der Produzent, der den Begriff „Rhythm & Blues“ geprägt hat, nannte Roger Hawkins „den größten Schlagzeuger der Welt“. Wie alle Swampers, wie er und seine Kollegen von der Muscle Shoals Rhythm Section liebevoll genannt wurden, war Hawkins hervorragend darin, seinen persönlichen Stil an die Bedürfnisse einer Session anzupassen. Wilson Pickett klatschte sich den gewünschten Beat für „Land of 1000 Dances“ auf sein Bein, und Hawkins übernahm ihn; Paul Simon suchte einen bestimmten Loop für „Kodachrome“, und der Trommler hielt ihn durch Klopfen auf eine Tape-Schachtel fest. Das komplizierte Beckenmuster, das Hawkins auf Aretha Franklins „Chain of Fools“ aufbaut, die schrägen Funkmuster, die er unter „I’ll Take You There“ der Staple Singers laufen lässt, das subtile Drama, das er auf Percy Sledge’s „When a Man Loves a Woman“ auslegt – all das macht es schwer, gegen Wexler zu argumentieren.
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30. Clifton James: „Als ich 1955 die Platte „Bo Diddley“ machte, hat das die ganze Musikszene umgekrempelt“, sagte der gleichnamige Gitarrist. „Weiße Kinder warfen Beethoven in den Mülleimer.“ Während das tomlastige Muster, das den Song verankert, als „Bo Diddley-Beat“ bezeichnet wurde, verdient Schlagzeuger Clifton James eigentlich ebenso viel Anerkennung für die Geburt dieses ikonischen Grooves. James wurde mit 13 Geschwistern in Chicago geboren und lernte auf Stühlen und Blechdosen zu spielen. Er spielte auf Platten für ein Who-is-Who der Chicagoer Blues-Legenden – Muddy Waters, Howlin‘ Wolf, Koko Taylor, Buddy Guy, Willie Dixon, Sonny Boy Williamson – aber sein größter Beitrag war seine Rolle als Diddleys Schlagzeuger von 1954 bis 1970. „Das war eigentlich Clifton James Idee für den Beat“, behauptete Dixon. „Von all den verschiedenen Schlagzeugern, die Bo Diddley je hatte, hatte er nie einen, der ihm mehr gefiel als Clifton James…. Durch die Vermischung der beiden hatten sie eine so schöne Sache, dass der eine ohne den anderen eigentlich nicht gut war.“
29. Carlton Bennett: Nichts klingt so eindeutig nach Raggae wie Carlton „Carlie“ Barretts taumelnde Tom-Toms, gefolgt von der hohen, peitschenknallenden Snare, die tausend Tracks einleitete. Barrett, der wohl einflussreichste Musiker in der Geschichte des Reggae, machte den für diese Musik typischen „One-Drop“-Rhythmus bei den Wailers und der Soloband von Bob Marley populär. Der „Field Marshall“ und sein Bassisten-Bruder Aston „Family Man“ Barrett verlangsamten den Rhythmus von Rocksteady in die eingeschlossenen, langsamen Grooves, die den klassischen Roots-Reggae definieren sollten. Sein trockener Trommelsound – zu hören in Stücken wie „Duppy Conqueror“, „Soul Rebel“ und „Small Axe“ – und seine trippelnde Hi-Hat dienten als Inspiration für die Fans, die ihn bis zu seiner Ermordung 1987 im Alter von 36 Jahren verfolgten. „Weil das Trommeln aus der Zeit der Sklaverei und aus Afrika stammt, haben sie eine Menge Geschichte“, sagte er dem Magazin Modern Drummer. „Die guten Reggae-Trommler machen das Spielen zu einer spirituellen Erfahrung.“
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28. Carmine Appice: Appice machte sich in den späten Sechzigern mit dem exzentrischen Vanilla Fudge einen Namen – er beeinflusste einen jungen John Bonham mit seinen tobend-aggressiven, funkigen Grooves – bevor er mit Cactus und Beck, Bogert & Appice zu einem härteren Blues-Rock-Stil überging. Er demonstrierte seine Bandbreite in der Rod-Stewart-Band der späten siebziger Jahre, indem er freche Backbeats und wichtige Songwriting-Unterstützung bei Hits wie „Da Ya Think I’m Sexy“ beisteuerte. (Stewart nannte Appice Berichten zufolge „The Dentist“, weil er „zu viele Fills“ einsetzte). Laut Appice stammen einige seiner wichtigsten Neuerungen aus den Zwängen, die das Spielen von Live-Rockmusik während seiner prägenden Jahre mit sich brachte: „All das, was wir alle gemacht haben – das, was ich [mit] angefangen habe, war nur etwas, das ich aus der Not heraus gemacht habe“, sagte Appice dem Drum Magazine 2011. „Ich habe Pionierarbeit bei der Verwendung von großen Schlagzeug-Sets geleistet und schon früh mit dem Hintern der Sticks gespielt. Das habe ich getan, weil es keine PAs gab.“
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27. Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters): Grohls ausdauerndes, muskulöses Drumming –herausgearbeitet in der Punkszene Washington DCs der 1980er – war auch der perfekte Schlag, um aus der Indie-Alternativeband Nirvana einen Multi-Platin-Act zu machen. „Kurt rief mich an“, erinnert sich „Nevermind“-Produzent Butch Vig. „’Ich habe jetzt den besten Schlagzeuger der Welt. Er spielt lauter und härter als jeder, den ich je getroffen habe.‘ Ich sagte nur: „Na klar. Aber Kurt hatte Recht. Die Drums hatten nicht mal ein eigenes Mikro. Und sie waren im Studio so laut, als wären sie verstärkt worden.“ Grohl schliff in den Vororten von Washington DC an seinem Stil, er schlug auf Kissen mit Snare-Sticks ein, die er von einer Marching Band hatte. „Deshalb“, sagte Grohl zu „Spin“, „schlug ich später auch so hart auf das Schlagzeug ein. Das kommt von den Kissen, ich hörte dazu ‚Violent Pacification‘ von D.R.I.. So lange draufhauen, bis das Kondenswasser vom Schweiß von den Fenstern meines Schlafzimmers tropfte. Das war wie Sport.“
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26. Danny Carey (Tool): Bekannt wurde Carey – unter dem Pseudonym Danny Longlegs bei der 80er-Novelty-Band Green Jellÿ, 1990 schloss er sich dann den Alternative-Helden Tool an. Seitdem hat sich der 1,95 Meter-Mann als natürlicher Erbe von Siebziger-Progrock-Giganten wie Neil Peart und Bill Bruford etabliert. Heute ist Carey einer der meistverehrten Rockdrummer seiner Generation. Sein Stil kombiniert verkopfte Ambition und Polyrhythmen mit bedingungsloser Härte und einem flüssigen, natürlichen Gefühl. Sein Talent besteht darin, das Experimentelle natürlich klingen zu lassen. „Es bedeutet nichts, wenn man die Drums nur verrückte Sachen machen hört“, sagte Carey. „Ich will gar nicht, dass die Leute sagen: ‚Der Typ brennt’. Ich möchte lieber, dass sie sagen: „Das klingt so, als würden die hitzköpfigen Schotte angreifen, nackt und mitten im Winter.“
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25. Earl Palmer – Als einer der am häufigsten aufgenommenen Schlagzeuger in der Geschichte war Earl Palmer ein Künstler-Handwerker, der die Rolle des Sideman definiert hat. Der in New Orleans lebende Palmer war ein ausgezeichneter Improvisator, Pocket-Player und Begleiter und spielte auf stilprägenden Songs wie Little Richards „Good Golly, Miss Molly“, Fats Dominos „I’m Walking“ und Professor Longhairs „Tipitina“. Nachdem er nach Kalifornien zog, wurde er kurzerhand zu einem der begehrtesten Session-Musiker in der Gegend. Einer seiner Wecking-Crew Kollegen, Carol Kaye, sagte einmal: „Earl übernahm einfach…. er war der beste Schlagzeuger, den ich je gehört habe.“ Allein schon die Menge seiner Aufnahmen bedeutete, dass seine Rhythmen den Beat von Amerika definierten: Richie Valens „La Bamba“, Eddie Cochrans „Summertime Blues“, The Righteous Brothers „You’ve Lost That Lovin‘ Feeling“ und Sam Cookes „You Send Me“, sind nur die Spitze eines Eisbergs, der sogar das Thema der Familie Feuerstein enthält. „Wenn der Puls vom Rock & Roll dich packt und nicht mehr loslässt, dann ist es der Big Beat“, sagte Max Weinberg. „So war es, als Earl Palmer auf Little Richards „Lucille“ anfing zu spielen, als ob er mit Baseballschlägern und einer 10-Meter-hohen Bass-Drum trommeln würde.“
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24. Steve Gadd – Der britische Jazz-Schlagzeuger Pete Fairclough hat einmal gesagt, dass Steve Gadd „keinen Groove spiele, sondern einen Graben ausheben würde.“ Auf dem Höhepunkt seiner Arbeit in der Session-Szene New Yorks in den 1970er Jahren hatte er, seiner Behauptung nach, drei Sessions pro Tag. Zehn Jahren Rockmusik gab er Tiefe und einen sanften Funk. Zu seinen bekanntesten Werken zählen die schwierigen Synkopierungen in Paul Simons „50 Ways to Leave Your Lover“ und die schlurfenden Hi-Hats in Steely Dan’s „Aja“. Gleichwohl erfüllte Gadd hunderte Aufnahmen mit einem schwindelerregenden Groove, darunter Van McCoys Nummer-Eins-Disco-Sensation „The Hustle“. „Jeder Schlagzeuger will so spielen wie Gadd, denn er spielt einfach perfekt“, so Chick Corea. „Er hat Orchester- und kompositorisches Denken zum Schlagzeug geführt, während er zur selben Zeit eine großartige Phantasie sowie Fähigkeit zu swingen hatte.“
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23. Elvin Jones wurde 1927 in einer Musikerfamilie in Pontiac, Michigan, geboren und gehörte zu einer Handvoll Spieler, die in seinen fünf Jahren im John-Coltrane-Quartett die Definition der Funktionsweise eines Schlagzeugers änderten. Als tadelloser Timekeeper mit enormer Feinfühligkeit ist Jones am besten dafür bekannt, dass er Coltrane mit seiner Urkraft in die Stratosphäre drängte, indem er den Schlag auf alle vier Gliedmaßen verteilte und verlagerte. „Die Zeitmessung ist nichts Neues, es ist nur so, dass einige Leute eine bessere Zeit halten können als andere“, sagte Jones 1977 zu Down Beat. „Manche Menschen sind empfindlicher für rhythmische Impulse, und je empfindlicher man ist, desto mehr kann man die Feinheiten der Zeitmessung nutzen. Die frühen Hardrock-Schlagzeuger, die er beeinflusst hat – Ginger Baker, Mitch Mitchell, John Bonham – würden sicher zustimmen.
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21. Ian Paice (Deep Purple) – Ohne Ian Paice, dem einzigen durchgehend dazu gehörenden Mitglied von Deep Purple, gäbe es kein Heavy-Metal-Drumming. Paice ist eine epische Rock-Legende, die „kein einziges Mal mit Earplugs spielte“, ein old-school-Profi, der schnell, wild und schonungslos Schlagzeug spielte. Mit Frank Sinatra, Ringo Starr und Count Basie Schlagzeuger Sonny Payne als seinen Vorbildern erfüllte Paice Hits wie „Hush“ und „Smoke On The Water“ mit einem ausgefeilten, ansteckenden Swing. Steve Morse, Gitarrist von Deep Purple, sagte einmal dem „Drum!“-Magazin: „Sein Swing fühlt sich einfach genau richtig an. Und seine Dynamik ist der Hammer. Van Romaine, der Schlagzeuger in meinem Trio, nennt ihn den „Steve Gadd des Rocks.“ … Er ist fast so wie eine gigantische Lokomotive, die die Schienen abwärts donnert und alles gleichzeitig passiert.“
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20. Bernard Purdie (James Brown & Aretha Franklin) – Obwohl Bernard „Pretty“ Purdie den Spitznamen „Mississippi Bigfoot“ hatte, kam der erfolgreiche Studiomusiker eigentlich aus Maryland, bevor er dann in den frühen 1960er Jahren nach New York zog, um dort mit Jazzkünstlern wie Nina Simone und Gabor Szabo zusammen Studio Sessions zu veranstalten. Purdie, der bekannt war für seine komplizierten Hi-Hat-„Ghost Notes“, wurde schon bald zu einem der gefragtesten Schlagzeuger der Branche. Wenn er nicht gerade beschäftigt war mit verschiedenen bekannten Musikern Songs aufzunehmen, angefangen von Steely Dan, über Mongo Santamaria, bis hin zu Bob Marley, diente er für mehrere Jahre als Aretha Franklins Musikdirektor. Die Frage ist also nicht, mit wem Pretty Purdie gespielt hat, sondern mit wem nicht. „Bernard hat immer irgendetwas stilistisch Einzigartiges getan, wovon sich niemand im Voraus vorstellen konnte, dass das irgendjemand machen würde“, erinnerte sich Walter Becker von Steely Dan.
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19. Tony Williams (Miles Davis) – Als eines der aufregendsten Ereignisse in der gesamten Musik des 20. Jahrhunderts war das Debüt des 17 Jahre alten Tony Williams 1963 mit Miles Davis. „Alter Schwede, nur dem kleinen Mistkerl zuzuhören begeistert mich immer wieder aufs Neue“,schrieb der Trompeter in seiner Autobiografie „Miles“. „Ich konnte definitiv von Anfang an hören, dass dieser einmal der krasseste Mistkerl von allen sein wird, die jemals das Schlagzeug spielen würden.“ Schon bevor er anfing bei Miles mitzuspielen, hatte er bereits einen erheblichen Beitrag zur Jazz-Avantgarde geleistet und spielte mit Saxophonist Jackie McLean und anderen. Doch seine Rolle in Davis sogenanntem Second Great Quintet war es, was ihm zu einer Legende machte. Davis liebte es mit Menschen zusammenzuarbeiten, die keine Angst davor hatten ihn umzuhauen und Williams war mit seinen schwindelerregenden Ride-Becken-Patterns, erschütternden Akzentuierungen und einschneidenden Tempo-Distortions gern zur Stelle. Daher scheint es nur allzu passend, dass er, nachdem er Miles 1969 verlassen hatte, dem Trompeter im Jazzrock zuvorkam und zusammen mit dem zukünftigen Mahavishnu Orchestra Gitarristen John McLaughlin und Organist Larry Young die großartig schräge Band Lifetime gründete. In den letzten 10 Jahren vor seinem viel zu frühen Tod 1997, verpflichtete sich William wieder dem Acoustic Jazz und spielte wie eh und je in seiner hundertprozentigen Intensität.
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18. Joseph „Zigaboo“ Modeliste (The Meters) – Joe McEwen, ein Reporter des amerikanischen ROLLING STONE, hat einmal die Schlagzeugtechnik von Zigaboo Modeliste als eine umwerfende „wie mit dem Wind gehende Standard-Technik… in der er ausgelassene Rhythmen raushaute… mit einem festen Schlag.“, bezeichnet. Dieser faustkampfartige Stil, sein kraftvolles Markenzeichen in den Arbeiten mit The Meters in den frühen 1970er Jahren, festigte den Status von Modeliste als einer der lyrischsten Schlagzeuger aller Zeiten. Sein Stil war außerdem geprägt durch die Second-Line-Tradition seiner Heimat New Orleans. Generationen von Schlagzeugern entwarfen einen linearen, nahezu melodischen Stil von Synkopierungen. Auf den Songs wie „Cissy Strut“ und „Just Kissed My Baby“ von The Meters lässt Modelistes Spiel das Schlagzeug praktisch singen. Nachdem er The Meters in der Mitte der siebziger Jahre verließ, setzte er sein Talent den Sound seiner Heimat einem breiten Publikum nahezubringen weiterhin unter Beweis, indem er mit Rockstars wie Keith Richards und Ron Wood zusammenarbeitete.
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17. Terry Bozzio (Frank Zappa) – Ich bin nicht wirklich an dem Zirkusteil des Ganzen interessiert“ sagte Terry Bozzio mal dem amerikanischen Rolling Stone inmitten einer Solo-Tournee mit seinen Worten nach „dem größten getunten Trommel – und Percussion-Set der Welt“. Dass diese Aussage ausgerechnet von Bozzio kommt, verwundert, war er doch derjenige, der Mitte bis Ende der siebziger Jahre sich vor allem durch die Zusammenarbeit mit Frank Zappa einen Namen machte und sogar das teuflisch-schwere Percussion-Arrangement für „The Black Page“ gemastert hat. Dieser alterfahrener Schlagzeuger war trotzdem stets mehr als der technikaffine Virtuose. Nach der Zeit mit Zappa wurde Bozzio zu einem wichtigen Bestandteil der Post-Prog Superband U.K.. Außerdem gründete er etwas später mit seiner derzeitigen Frau, Dale, zusammen die bahnbrechende achtziger Jahre New-Wave-Band Missing Persons. Hier passte er auch sein mitreißendes Spielen dem Mainstream-Pop an. Besonders in den letzten Jahren hört man ihn überwiegend als Solo Performer oder mit einer ausgewählten Anzahl an Supergroups. Sein großes Pensum an unterschiedlichen Bands, mit denen er zusammen arbeitete, angefangen von Korn, über zu der unkonventionellen Band Fantômas, ist der Beweis für seine überraschende Vielfalt.
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16. Bill Bruford (Yes & King Crimson) – Bill Bruford war ein voll ausgebildeter Schlagzeugkünstler. Er hatte die technische Handfertigkeit eines klassischen Musikers, jenen Scharfsinn und die Spontanität eines Jazzkünstlers und den emphatischen Drive eines Rock-Drummers. Das erste Mal, dass die Öffentlichkeit Bruford zu hören bekam, war auf den ersten fünf Alben von Yes. 1972, kurz vor dem Durchbruch der Band, wechselte er das Schiff, um nächtelang für zwei Jahre mit King Crimson zu spielen. So demonstrierte er, wie ein Rock-Schlagzeuger es schaffte, sich frischen Wind einzufangen und weiterhin Musik aus dem Nichts entstehen zu lassen. Bruford konnte sich dabei neu erfinden und war zum einen der polymetrische Funk-Savant (1981-84) und zum anderen der Vertreter des Chaos in einem Drummer-Zweiergespann (1994-96). Die Zeit mit King Crimson beschrieb er in seiner 2009 veröffentlichen Autobiografie, als „mein spirituelles Zuhause, wenn auch mit einem Bett aus Nägeln, für ein Viertel eines Jahrhunderts“. Nebenbei machte er immer wieder ausreichend Platz für sein Herzensprojekt Earthworks. Er setzte sich 2009 zur Ruhe und absolvierte im Februar 2016 seinen Ph.D: so heißt er jetzt Doktor Bruford.
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15. Buddy Rich (The Buddy Rich Big Band) – Rich war ein autodidaktischer Kinder-Varieté-Star. Mithilfe seiner konkurrenzlosen Technik sowie der unübertroffenen Schnelle seiner Hände gelang es ihm den amtierenden Big-Band-Schlagzeuger Gene Krupa zu überholen. Dieser gab ihm den Titel „des größten Schlagzeugers, den er jemals getroffen hat“. Auf einem für seine Karriere entscheidenden Auftritt mit Tommy Dorsey traf er seinen ewigen Rivalen, Freund und Gönner Frank Sinatra. Jahrzehnte später war es Sinatra, der seine Grabrede hielt. Und dennoch, Richs Einfluss reichte weit über die Big-Band-Ära und den Jazz-Genre hinaus: Er war einer der ersten Schlagzeuger Amerikas, der in Übersee und von den frühen Britischen Rockern gehört wurde. Fans wie John Bonham und Bill Ward brachte er somit bei, wie man knapp an einem einfachen Backbeat vorbeischlug, um zu jenen schlagkräftigen Improvisationsmustern zu gelangen. Er ermutigte Phil Collins dazu, sein Two-Bass-Drum Schlagzeug aufzugeben, um sich auf die Hi-Hats zu konzentrieren und hinterließ Roger Taylor schlichtweg sprachlos. „Einfach nur auf seine Technik bezogen, würde ich sagen, dass er der Beste ist, den ich je gesehen habe“, erinnert sich Queens Schlagzeuger. „Einmal machte er eine Art gepressten Wirbel, der um die fünf Minuten anhielt. Er fing harmlos wie ein Flüstern an, fast unhörbar, und wurde so groß, dass es sich in dem Raum mit rund 3.500 Menschen wie ein Donner anhörte.“
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14. Ringo Starr (The Beatles) – „Ich erinnere mich noch an den Moment, wo ich einfach nur da stand und zuerst John und dann George anschaute. Die Blicke auf unseren Gesichtern sagten soviel wie: ‘Oh mein Gott. Was ist hier gerade passiert?‘“, erinnerte sich Paul McCartney an das erste Mal, als The Beatles mit Ringo Starr am Schlagzeug spielten. „Und das war der Moment, das war der Anfang, der richtige, der Beatles.“ Und obwohl er in den extravaganten und farbenfrohen späten Sechzigern, die vor allem Schlagzeuger wie Keith Moon und Mitch Mitchell hervorbrachten, nicht ausreichend gewürdigt wurde, war es Ringo, der der größten Band aller Zeiten nicht nur ihr Fundament sondern auch ihrer Musik Gestalt und Fokus gab. Man beachte allein die wahnsinnigen Wirbel zu Anfang von „She Loves You“ , die knackige Lebhaftigkeit in „Ticket To Ride“, die aalglatte Becken Einlage und lässige Prägnanz auf „Rain“ oder achte darauf, wie er immer wieder pfiffige und einprägsame „Rhythmic Hooks“ in viele der geliebten Beatles Songs warf. Persönlich war er durch seine gutmütige Herzlichkeit in der Band der am meisten Zugängliche. „Mit John war es manchmal ein einziges Auf und Ab und so weiter, aber Ringo war einfach nur liebenswürdig. Außerdem glaubte er fest an Frieden und Liebe.“, sagte Yoko Ono. Als Linkshänder mit einem Rechtshänderset entwickelte Ringo Starr einen eigenen einzigartigen Stil und erfüllte jeden Song mit Gefühl und Swing. Seine stetige und unerschütterliche Zuverlässigkeit wurde zum goldenen Standard für Rockmusiker mit No-Nonsense-Haltung. „Ringo war der König des Gefühls“, stellte Dave Grohl fest. Jim Keltner gab zu, „Wir alle wollten im Studio so spielen, wie er es tat.“
13. D.J. Fontana (Elvis Presley) – Auf Hunderten von Elvis Presleys ersten Aufnahmen war es Dominic Joseph „D.J.“ Fontana, der mit seinem messerscharfen Rock&Roll-Schlagzeugspiel in einer Zeit in der Country- und Bluegrass-Bands versuchte das Schlagzeug zu meiden, der dafür sorgte, dass Countrymusic swingte. Viele versuchten zu imitieren, worin er der erste war, angefangen mit den tanzenden Schlägen auf die Snare-Drums bei „Blue Suede Shoes“ bis hin zu der Welle von Knalleffekten, die „Hound Dog“ zum heulen brachten. „Er hatte eine Wahnsinnstechnik und schnelle Hände, weshalb er die Buddy-Rich-Trommelwirbel wann immer er wollte kurzerhand spielen konnte. Er spielte wie ein Drummer in einer Big Band – mit Vollgas“, sagte eins Levon Helm. „Mit ihm hatte Elvis ein wahres Fundament, die richtige Architektur, und er machte das Beste daraus. D.J. nahm Elvis alle Fesseln.“
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12. Charlie Watts (Blues Incorporated & The Rolling Stones) – Keith Richards hat einmal gesagt, dass sich die Rolling Stones, als sie gegründet wurden, keinen Drummer wie Charlie Watts leisten konnten, da dieser bereits der Schlagzeuger für Alexis Korners etabliertere Band Blues Incorporated war. Schließlich schafften es die Stones ihn für sich zu gewinnen und er fragte, ob er nicht beitreten könnte. „Ihr seid schon ganz gut“, Watts zu Richards, „aber ihr braucht einen richtig guten Drummer.“ Watts ergänzte Jagger, Richards und den Rest der Gang mit seinen swingenden Grooves („Brown Sugar“), den strammen „Four-On-The-Floor“-Rhythmen („Satisfaction“) und subtilem Impressionismus („Sympathy For The Devil“) ohne groß anzugeben, schlichtweg auf perfekte Art und Weise für mehr als 50 Jahre. „Als wir dann endlich Charlie hatten, war das für uns der Durchbruch“, so Richards. „Charlie kann wie verrückt hetzen und es fühlt sich dennoch lässig und gut an. Das ist sein Stil“, erinnert sich Jim Keltner in einem Interview mit „Drum!“ „Er selbst kann es nicht erklären und ich will auch gar nicht zu sehr mit ihm dazu ins Detail gehen. Ich bewundere es nur.“
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11. Benny Benjamin (The Funk Brothers) –
Jahrelang weigerte sich Berry Gordy aufzunehmen, es sein denn der kraftvoll swingende Benny Benjamin war mit im Studio. „Er hatte ein ganz besonderes Talent dafür, die verschiedensten Rhythmen gleichzeitig zu spielen“, so der Motown-Gründer über seinen Haupt-Session-Schlagzeuger. „Er hatte den Rhythmus im Blut mit einer solchen Zuverlässigkeit, was ihn das Tempo besser halten ließ als jedes Metronom.“ Benjamin spielte auf vielen Motown-Hits, angefangen von Barrett Strongs „Money (That’s What I Want)“ bis hin zu The Temptations „My Girl“. Seine Abhängigkeit hielt ihn oftmals vom Studio fern, bis er dann ’69 an einem Herzinfarkt erlag. Dennoch war es Benjamin, der dem jungen Steve Wonder ein Mentor war, welcher sein Schlagzeugspiel dem älteren Musiker zuschreibt. „Ich lernte von ihm einfach indem ich ihm zuhörte“, so Wonder im Jahre ’73. „Er war einer der treibenden Kräfte des Motown-Sounds. Gut möglich, dass Benny auch der am außergewöhnlichsten war.“
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10. Stewart Copeland (The Police) – Auch wenn es wohlmöglich Stings Melodien sind, die am eingängigsten erscheinen, ist es vor allem Stewart Copelands Einsatz von Raum, Raffinesse und Aggressivität, der dazu führte, dass The Police so klingen wie sie klingen. Sicher, er ist der Schlagzeuger mit dem geringsten Interesse die Snare zu spielen (was übrigens nach wie vor ungewöhnlich intelligent und schnittig erscheint) und auch jene Parts, die charakteristisch sind für ihn, beinhalteten meistens Hi-Hat-Strukturen (das ist übrigens sein Hat-Verdienst auf Peter Gabrieles Song „Red Rain“). Da sein Vater Miles Diplomat war, lebte seine Familie in den unterschiedlichsten Orten im Nahen Osten. Diese Besonderheit gab The Police jenen rhythmischen Akzent, der klanglich weit entfernt von der englischen Heimat war. Trotz der dauerhaften Diskrepanz zwischen beiden räumte Sting dennoch ein, dass das erste Album der Band „ganz und gar Stewarts Energie und Fokus zu verdanken ist“. „All die Jahre habe ich versucht, Stewart Copelands Snare-Drum-Sound oder Hi-Hat-Sound hinzubekommen“, so Les Claypool von der Band Primus, der 2000 anfing mit ihm zu jamen, „und als er sich dann an dieses alte Schlagzeug setzte, was einfach so rum stand, war er plötzlich da, der typische Stewart-Copeland-Snare-Drum-Sound. Und da wurde mir klar, es lag einzig und allein an der Art und Weise, wie er auf die Trommel schlug, die Art wie er spielte.“
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08. Mitch Mitchell (Jimi Hendrix Experience) – „Er spielte das Schlagzeug als wäre es ein Lied, es war einfach wunderschön“, schwärmt Roger Taylor für Mitch Mitchells „Verschmelzung von Jazz-Techniken und grandiosen Riffs, aber mit jenen heftigen und wälzenden Hieben auf das gesamten Schlagzeug…. Die vollständige Symbiose mit dem Song.“ Zudem gab Stewart Copeland von The Police zu: „All das, was ich tat, worauf ich stolz war, dachte ich, käme von mir selbst. Aber nein, es kam von Mitch.“ Als es 1966 darum ging einen neuen Schlagzeuger für The Jimi Hendrix Experience zu finden, war es ein Münzwurf, der zwischen Mitch Mitchell und Aynsley Dunbar entschied. Mit ihm hatte das Power-Trio von Hendrix ein starkes Improvisationstalent gewonnen. Mitch Mitchell sorgte für einen festen und starken Groove, bevor er zu einem fließenden und dennoch strukturierten Gegengewicht zu Jimis Gitarre wurde.
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07. Gene Krupa (Benny Goodman) – „In so vielem war er der erste Rock-Drummer“, so Neil Peart über Gene Krupa in einem Interview mit NPR 2015. „Er war der erste, der nach dem Spotlight-Scheinwerfer verlangt hat und der erste, der für seine Soli gefeiert wurde… Es waren im Wesentlichen ganz einfache Dinge, die er tat, aber bei ihm wirkte es immer spektakulär.“ Inspiriert von dem New Orleans Schlagzeugspiel von Baby Dodds und Zutty Singleton, waren es Krupas Dresch-Attacken, sein „Four-On-The-Floor“- Bassdrumeinsatz und die aufregend funkigen Cowbells, die Benny Goodmanns innovative Big Band in den 30ern antrieben. Er inspirierte Generationen von zukünftigen Rock-Giganten, darunter Keith Moon und John Bonham. Zusammen mit Buddy Rich, ewiger Gegner in nahezu epischen Drum-Battles, ist Gene Krupa der Pate der Schlagzeugkunst als Sport und Spektakel. Bonhams „Moby Dick“ wie auch Pearts „The Rhythm Method“ wären ohne ihn undenkbar.
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05. Hal Blaine (The Wrecking Crew) – „Auch wenn Hal Blaine nur auf Ronettes Song „Be My baby“ das Schlagzeug gespielt hätte, selbst dann würde sein Name nur mit Ehrfurcht ausgesprochen werden“, sagte Max Weinberg einmal. Und doch, unter den Namen Harold Simon Belsky geboren, brachte er so viel mehr hervor, nahm mit unter anderem Frank Sinatra, The Beach Boys, Elvis und The Supremes auf. In den sechziger und siebziger Jahren beherrschte die Wrecking Crew, ein Zusammenschluss aus Sessionmusikern, die Studio Szene. Als dessen Leiter ist Blaine der am häufigsten aufgenommene Schlagzeuger aller Zeiten. (Er hat aufgehört mitzuzählen, nachdem es um die 35.000 Titel waren, darunter mindestens 150 Top-10-Hits und 40 Nummer-Eins-Singles.) Blaine ist verantwortlich für Phil Spectors „Wall Of Sound“ und damit für den bekanntesten Beat in der populären Musik. Doch Blaines wahres Vermächtnis ist seine chamäleonartige Anpassungsfähigkeit bei jeder einzelnen Session und das nicht nur mit einem herkömmlichen Schlagzeug. Für den Song „Caroline, No“ der Beach Boys trommelte er auf Wasserkanistern und bei Simon & Garfunkels „Bridge Over Troubled Water“ zog er Reifenketten über den Betonfußboden. „Ich bin kein protziger Schlagzeuger“, so Hal Blaine über sich. „Mir ging es immer darum, die beste Begleitung zu sein.“ Mission erfüllt.
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04. Neil Peart (Rush) – Als Neil Peart 1974 zum ersten Mal für Rush vorspielte, hörten seine zukünftigen Bandkollegen in ihm die Chance endlich ihrem unsterblichen Fan-Sein für The Who Folge zu leisten. „Wir waren alle mächtig beeindruckt von Neils Schlagzeugspiel“, erinnert sich Gitarrist Alex Lifeson in einem Interview mit dem amerikanischen Rolling Stone Anfang dieses Jahres. „Es war ziemlich „Keith-Moon-artig, sehr lebendig, wie er so mit voller Wucht auf seine Trommeln einschlug.“ Ironischerweise entpuppte sich aber Pearts Hinterlassenschaft, wie im Rock Schlagzeug gespielt wird, als das komplette Gegenteil von Moons Beitrag: Das Genre hatte nie ein präziseres und geradezu akribisch geformtes Percussion-Spiel zu sehen bekommen. Mitte bis Ende der Siebzigerjahre, im Höhepunkt seiner High-Prog-Bestrebungen, offenbarte sich Neil Pearts nicht nur als ein begeisterter Handwerker sondern auch als ungemein ambitionierter Künstler – Vorzüge, die sich auch in seinem sagenhaften Songwriting bemerkbar machten – und nutzte esoterische Elemente wie ein Glockenspiel, Klangholz oder Timpano, um besonders seinem Barockstil in Songs wie „Xanadu“ und „The Trees“ mehr Fülle zu verleihen. In den Achtziger Jahren entwickelte sich der Sound der Band weiter und orientierte sich eher am Pop. Auch Pearts Schlagzeugspiel passte sich der sich wandelnden Zeit an: Er begann auf sehr geschmackvolle Art und Weise elektronische Percussion mit einzubinden und suchte weiter nach Inspiration bei Mainstream-Pionieren wie Stewart Copeland. In den letzten Veröffentlichung von Rush, darunter auch das Album „Clockwork Angels“ von 2012, wurde von Pearts besten Aufnahmen Gebrauch gemacht: Eine überwältigende Einheit aus Intelligenz und Muskelkraft. In der Zwischenzeit ist Pearts selbst, abgesehen von der Tatsache, dass er sich kürzlich erst zu Ruhe gesetzt hat, der wohlmöglich am meisten verehrte Schlagzeuger aller Zeiten, gefeiert und berühmt als Erfinder der großartigen Set-Piece-Soli.
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03. Ginger Baker (Cream) – Gesegnet mit immensem Talent und zugleich bestraft mit einem fast bösen Gemüt, ist es Ginger Baker, der sein klassisches Jazz-Training mit einem so kraftvollen polyrhythmischen Stil kombinierte und das im ersten und besten Trio der Welt. Während er sich ständig mit Bandkollegen Jack Bruce und Eric Clapton in die Haare bekam, eröffnete der gebürtige Londoner mit seiner „Double-Kick“- Virtuosität und ausgedehnten Soli der Rockwelt das Showmanship. Nach der schnellen Trennung von „Blind Faith“ verschlug es Baker in den Siebzigerjahren für einige Zeit nach Nigeria. „Er begreift den African Beat besser als jeder andere Schlagzeuger der westlichen Welt“, so Mitgründer des Afrobeat Tony Allen. In den folgenden Jahren beschäftigte sich Baker mit einer Ansammlung von eindrucksvollen Projekten, glänzte mit seiner unverkennbaren Bravour, seine komplex gesponnen Grooves gipfelten in den wenig gewürdigten Projekten „Baker Gurvitz Army“ aus der Mitte der Siebzigerjahre, einer Jazz-Combo mit Star-Solisten wie Bill Frisell sowie in großartigen Kollaborationen mit Public Image Ltd und Masters of Reality.
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02. Keith Moon (The Who) – Sich selbst beschrieb er einst als der „beste Keith-Moon-artige Schlagzeuger der Welt“ und verabscheute die sich wiederholende und routineartig gelernte Art Rockschlagzeug zu spielen genauso wie er triste Routine im täglichen Leben allgemein verabscheute. Moon diente als maßgebliche Inspiration für das zottelige rote Wesen aus der Muppet Show, Tier, welches an ein Schlagzeug gekettet ist. Die Härte, mit der er Schlagzeug und Hotelzimmer regelrecht zerschmetterte, machte ihn eher zu einem Performancekünstler als ein bloßes Rock-„Stick“-Männchen zu sein. Berühmt dafür, dass er sich schlichtweg weigerte Schlagzeugsoli zu spielen, war für Moon das Hauptinstrument von The Who das Schlagzeug . „Seine Pausen waren atmosphärisch“, so Bassist John Entwistle in einem Interview mit dem amerikanischen Rolling Stone, „weil er stets bestrebt war mit allen anderen zusammen zu spielen.“ Nur „Moon the Loon“ schaffte es Trommelwirbel dort perfekt einzubinden, wo sie eigentlich nicht hingehörten. Einzig und allein die Synth-Spur auf „Who’s Next“ hielt ihn mit seinem stetig ausreißenden Taktgefühl im Zaum. Moons Lieblingsbeschäftigung war es aber, vor allem heftige Sprengstoffkörper in Hotels die Toiletten runter zu spülen. Einen Streich, den er bis 1978 immer wieder spielte, bis er mit 31 an einer Überdosis starb.
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01. John Bonham (Led Zeppelin) – Direkt mit dem ersten Song auf Led Zeppelins allererster LP veränderte John Bonham das klassische Rockschlagzeug für immer. Noch Jahre später amüsierte sich Jimmy Page darüber, wie der Song „Good Times Bad Times“ und dessen atemberaubenden Bass-Drumm-Einsatz für Verwirrung bei den Zuhörern sorgte: „Alle waren sich sicher, dass Bonzo zwei Bass-Drumms benutzt, während er in Wirklichkeit nur eines hatte.“ Dieses Darbieten, so gewichtig, so lebendig, so virtuos und bedacht, legte den Grundstein für Bonhams finessenreiche Karriere bis zu seinem viel zu frühen Tod 1980. „Ich habe Jahre, wirklich Jahre, damit verbracht, in meinem Kinderzimmer ständig Bonhams Schlagzeugspielen zuzuhören und versucht, es ihm in seinem Schwung, seinem „behind-the-beat“ Swagger, seiner Geschwindigkeit oder seiner Power gleich zu tun“, so Dave Grohl in einem Interview mit der US-Ausgabe des Rolling Stone, „Ich habe nicht einfach das auswendig gelernt, was er gemacht hat auf den einzelnen Alben. Mir ging es vor allem darum, mich in dieselbe Position zu bringen und nach demselben instinktiven, rhythmischen Kompass zu gehen wie er.“ So oder ähnlich versuchte jeder Rock-Schlagzeuger, der nach Bonham geboren wurde, früher oder später diesen zu imitieren. Eine Herausforderung, die nur den Größten schließlich hilft, ihren eigenen individuellen Groove zu finden.
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