Die komplette Diskografie der Eagles: Don Henley blickt zurück
Triumph, Herzschmerz und ein bisschen Peyote: Die Geschichten hinter jedem Studioalbum, in den Worten von Don Henley
Don Henley hatte schon immer ein Leben außerhalb der Eagles. In seiner Jugend in Texas trommelte und sang er in der Country-Rock-Band Shiloh. Während der Auszeit der Eagles von 1980 bis 1994 baute er seine eigene Karriere mit zukunftsweisenden Hits wie „The Boys of Summer“ und „The End of the Innocence“ auf.
Zu seinen Interessen außerhalb der Band gehört sein Engagement für das Walden Woods Project, das sich dem Erhalt des legendären Naturgebiets in Massachusetts widmet, das durch Henry David Thoreau berühmt wurde. Dennoch wird Don Henleys Arbeit mit den Eagles sein bekanntester Beitrag zur Popkultur bleiben. Die Songs, die er zusammen mit Glenn Frey schrieb, sind Teil des Rock’n’Roll-Kanon geworden. Und die Intensität von Henleys Stimme verlieh selbst den ruhigsten Momenten der Band Dramatik und Biss. Mehr als vielleicht jedes andere Mitglied der Eagles machte Henley deutlich, dass sie keine bloße „lässige“ Siebziger-Jahre-Band waren.
Von den ersten Proben der Band im Jahr 1971 bis zur „History of the Eagles Tour“ waren nur zwei Männer – Henley und Frey – die ganze Zeit dabei. Bei allen Höhen und Tiefen erwies sich die Mischung aus Freys Rock’n’Roll-Ausgelassenheit und Don Henleys kreativer Überlegung (und ihrem gemeinsamen Antrieb und ihrer Liebe zum R&B) als perfekte Balance. Anfang 2016 starb Frey im Alter von 67 Jahren an den Folgen von rheumatoider Arthritis, akuter Colitis ulcerosa und Lungenentzündung. Wodurch Henley, der jetzt 77 Jahre alt ist, der einzige Überlebende der Saga von Anfang bis wahrscheinlich Ende der Band ist.
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Vor dem Hintergrund von Freys Tod und dem wahrscheinlichen Ende der Band, die er und Henley jahrzehntelang gemeinsam geleitet hatten, tippte Henley im Jahr 2016 ausführliche Antworten auf Fragen zu jedem Studioalbum der Eagles. Es überrascht nicht, dass Henleys Antworten, der seit langem als einer der nachdenklichsten Frontmänner der Rockmusik gilt, wortgewandt, nachdenklich und kompromisslos waren.
„Eagles“, 1972
Nachdem sie sich 1971 zusammengetan hatten, mussten die Eagles eine Identität finden. Und sich als Songwriter beweisen. Beides gelang ihnen mit ihrem Debütalbum, das sie in London mit dem Rolling-Stones- und Led-Zeppelin-Produzenten Glyn Johns aufnahmen.
Ehrlich gesagt kann ich mich nicht daran erinnern, in diesem Bungalow geprobt zu haben. Ich erinnere mich vage an die kleine Bungalow-Enklave dort an der Ecke Highland Avenue und Camrose Drive. Und ich erinnere mich, dass J.D. und Linda sich einen Bungalow teilten. Und Jackson Browne in einem der anderen lebte. Aber ich erinnere mich nicht daran, in einem von ihnen geprobt zu haben.
Ich bestreite nicht, was J.D. gesagt hat. Sage nur, dass ich diese Erinnerung nicht habe. Ich erinnere mich daran, in einer kleinen Holzhütte namens Bud’s (nach ihrem Besitzer) geprobt zu haben, direkt am Ventura Boulevard, in der Nähe des Barham Boulevard. Bud’s Platz lag versteckt auf einem Parkplatz hinter einem Spirituosengeschäft namens Spirit Locker, das inzwischen umbenannt wurde. Ich erinnere mich auch daran, dass wir später in einem Gebäude in der Nähe der Kreuzung Ventura Boulevard und Vineland Avenue probten. An diesem Ort kam Glyn Johns und hörte uns zum zweiten Mal. Und beschloss schließlich, uns zu produzieren. Man könnte also sagen, dass die Eagles-Band im San Fernando Valley wirklich zusammenwuchs, wirklich begann.
Inwiefern sollten sich die Eagles von anderen Bands unterscheiden?
Wir hatten vier Sänger. Und obwohl wir nicht die erste Band mit einer solchen Besetzung waren, wollten wir sie auf einzigartige Weise nutzen. Wir wollten Material schaffen, das die Stärken jedes einzelnen Bandmitglieds hervorhebt. Bernie Leadon und Randy Meisner waren bereits Mitglieder zweier bahnbrechender Country-Rock-Gruppen gewesen.
Bernie war Mitglied der Flying Burrito Brothers und der Dillard and Clark. Randy war der ursprüngliche Bassist von Poco. Er schloss sich dann Rick Nelsons Stone Canyon Band an. In erster Linie ging es uns jedoch um das Material. Unser Hauptziel war es, zu Beginn und während unserer gesamten Karriere, gute, unvergessliche Songs zu schreiben. Und Alben zu produzieren, die wenig oder gar keine Füllstücke enthielten. Von Anfang bis Ende in Bezug auf Songwriting und Produktion konsistent waren. Wir wollten auch eine gute Live-Band sein. Wollten das Gesamtpaket sein. Wir haben unsere Ziele nicht immer erreicht, aber wir haben es versucht.
Ihr bekanntester Leadgesang auf dieser LP ist „Witchy Woman“. Können Sie uns etwas darüber erzählen, wie dieser Song geschrieben und aufgenommen wurde und was ihn inspiriert hat?
Dieser Song entstand aus einem Gitarrenstück, das Bernie der Band vorgelegt hatte. Ich nahm das Stück und begann, an Text und Melodie zu arbeiten. Die weibliche Figur im Song ist eine Mischung aus verschiedenen Personen. Ich hatte ein Buch über das Leben von F. Scott Fitzgeralds unruhiger Frau Zelda gelesen, die in ihren Dreißigern und Vierzigern aufgrund ihrer Schizophrenie (oder eher einer bipolaren Störung) in psychiatrischen Kliniken ein- und ausging. Während die Gesundheit und Karriere ihres Mannes aufgrund seines Alkoholmissbrauchs immer weiter bergab ging.
Eine weitere Inspiration für das Lied war die Mitbewohnerin eines Mädchens, mit dem ich Anfang der 1970er Jahre zusammen war. Damals waren alle okkulten Dinge beliebt. Ouija-Bretter, Séancen, Handlesen usw. Viele Mädchen waren von der sogenannten „weißen Hexerei“ fasziniert. Sie praktizierten Volksmagie für gute Zwecke. Im Gegensatz zur bösartigen Hexerei oder schwarzen Magie. Ich glaube, einige von ihnen praktizierten ein wenig von beidem. Ich fand das charmant und verführerisch. Aber ich habe das nie ernst genommen. Größtenteils war es nur eine Phase, die die Leute durchmachten. Teil der allgemeinen Jugendbewegung. Suche nach Spiritualität, die eine Wiederverzauberung mit den „alten Wegen“ beinhaltete. Es war harmloser Spaß.
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Eine weitere Inspiration für dieses Lied könnten die schamanistischen Aspekte der Bücher von Carlos Castaneda gewesen sein, die uns damals faszinierten. In den späten Sechzigern und frühen Siebzigern wurde der in Peru geborene Castaneda ein beliebter amerikanischer Autor, während er an der UCLA promovierte.
Was wissen Sie noch von dem ersten Mal, als Sie „Take It Easy“ hörten?
Ich kann mich nicht mehr daran erinnern, wann ich es zum ersten Mal in seiner Grundform gehört habe. Aber ich werde mich immer daran erinnern, wie ich zum ersten Mal diese schimmernden Gitarrenakkorde im Intro hörte, die durch die großen Wiedergabelautsprecher in den Olympic Studios in Barnes, einem Vorort im Londoner Bezirk Richmond upon Thames, pulsierten. Dort, wo das erste Eagles-Album aufgenommen wurde.
Der Hauptanreiz des Liedes liegt meiner Meinung nach darin, dass es sowohl musikalisch als auch lyrisch ein Gefühl von Bewegung hervorruft. Die Romantik der offenen Straße. Die Verlockung von Abenteuer und Möglichkeiten. Route 66, Blue Ridge Parkway, Pacific Coast Highway.
Große amerikanische Schriftsteller von Thomas Wolfe über Jack Kerouac bis hin zu Wallace Stegner haben sich mit diesem Thema der Rastlosigkeit des amerikanischen Geistes befasst. Mit unserem Bedürfnis, in Bewegung zu bleiben. Insbesondere von Ost nach West. Auf der Suche nach Freiheit, Identität, Glück. Und diesem illusorischen Ding, das wir „Zuhause“ nennen.
Es gibt ein Zitat aus Thomas Wolfes berühmtem Roman „You Can’t Go Home Again“, das zum Nachdenken anregt. „Vielleicht ist das unser seltsames und quälendes Paradox hier in Amerika – dass wir nur dann fest und sicher sind, wenn wir in Bewegung sind. Jedenfalls schien es dem jungen George Webber so, der sich seiner Bestimmung nie so sicher war, wie wenn er mit dem Zug irgendwohin fuhr. Und er hatte nie so sehr das Gefühl von Zuhause wie dann, wenn er spürte, dass er dorthin fuhr. Erst als er dort ankam, begann seine Heimatlosigkeit.“
Was haben Sie nach Fertigstellung des Albums über diese noch neue Band und die Art und Weise, wie sie im Studio arbeiten könnte, gelernt?
Ich wusste, dass nicht alles glatt laufen würde. Dass die verschiedenen Mitglieder bestimmte Stärken und Schwächen hatten. Und dass sie nicht immer objektiv waren, was diese Stärken und Schwächen betraf. Es gab einige Meinungsverschiedenheiten über die musikalische Richtung, die wir einschlagen würden. Vielfalt und Kontrast sind gut. Wenn sie zu einem kohärenten Ganzen zusammengeführt werden können. Ich konnte sehen, dass es echte Probleme mit der „Arbeitsteilung“ geben würde. Zu viele Chefs, zu wenige Indianer.
Was wissen Sie noch vom Fotoshooting in der Wüste?
Es wurde viel gelacht. Und es herrschte ein Gefühl der Kameradschaft. Das Joshua-Tree-Nationalmonument war 1971 wilder und unberührter als heute. Es war ein magischer Ort. Es herrschte das allgegenwärtige Gefühl, dass wir uns auf eine bedeutsame Reise begaben. Es lag eine Aura des Vorbotenhaften in positivem Sinne in der Luft. Es war gleichzeitig eine sinnliche und eine spirituelle Erfahrung.
Das ist die Wirkung, die der Peyote-Kaktus auf die meisten Menschen hat. Aber nicht auf alle. Unter der Wirkung von Peyote sahen wir in der glühenden Dämmerung die Josua-Bäume als fühlende Wesen. Die Mormonen, die ebenfalls zu Halluzinationen neigten, waren offensichtlich auf einer anderen Art von High, als sie Mitte des 19. Jahrhunderts in die Mojave-Wüste stolperten und sich den einheimischen Yucca brevifolia als den biblischen Krieger Josua vorstellten. Mit zum Gebet zum Himmel ausgestreckten Armen.
Der Verzehr von 10 bis 20 Gramm getrockneter Peyote-Knöpfe führt zu einer Vielzahl von Effekten
Peyote ist ein kleiner Kaktus, der wild in der Chihuahua-Wüste wächst und ein psychoaktives Alkaloid (Meskalin) enthält. Der Kaktus kommt in Gebieten von Texas und Mexiko vor. Und ist in Buschland mit Kalksteinsedimenten weit verbreitet. Diese Pflanze, insbesondere das in ihr enthaltene Meskalin, kann eine Vielzahl von Wirkungen hervorrufen. Darunter tiefe Einblicke in die eigene spirituelle Seite. Auch akustische und visuelle Halluzinationen sind bei der Einnahme von Peyote weit verbreitet.
Die übliche Verwendung von Peyote besteht darin, die Pflanze zu kauen oder sie zu kochen, um eine Reduktion zu erzeugen, die als Tee getrunken werden kann. Der Verzehr von 10 bis 20 Gramm getrockneter Peyote-Knöpfe führt zu einer Vielzahl von Effekten. Darunter Halluzinationen, metaphysische Einsichten oder spirituelle Selbstbeobachtung. Seit der Antike kauen Stämme in der Region Mexiko auf Peyote-Knöpfen, um eine betäubende Wirkung oder Schmerzlinderung zu erzielen. Stämme der amerikanischen Ureinwohner verwenden Peyote auch heute noch als Heilmittel für eine Vielzahl von Beschwerden. Allerdings können bei der Einnahme von Peyote verschiedene unvorhersehbare Effekte auftreten. Der größte Nachteil dieser Droge, wie auch anderer Halluzinogene, ist, dass es keine sichere Möglichkeit gibt, zu wissen, wie sich die Droge auf den Konsumenten auswirkt. Oder welche Arten von Nebenwirkungen auftreten können.
Man muss Studentenfutter essen, um Übelkeit zu vermeiden
Laut dem National Institute on Drug Abuse verspüren einige nur tiefe meditationsähnliche Symptome, während andere unter starken Angstzuständen oder Halluzinationen leiden, die ernsthafte Risiken in Bezug auf das Verhalten des Konsumenten darstellen können. Ich würde also nicht jedem empfehlen, das zu tun, was wir damals gemacht haben. Ein paar Jungs aus unserer Gruppe wurde zwar übel. Und sie mussten sich übergeben. Aber danach ging es ihnen wieder gut. Und das war das einzig Negative, was wir bei diesem Fotoshooting erlebt haben. Man muss Studentenfutter essen, um Übelkeit zu vermeiden. Und ich glaube, das hatten sie vielleicht vergessen.
Der Fotograf Henry Diltz und unser Art Director Gary Burden nahmen ebenfalls teil. Gary, ein preisgekrönter Designer von Albumcovern, ist ein ehemaliger Marine, der auf der Zitrusfarm seines Vaters in Laguna aufgewachsen ist. Henry, ein ehemaliges Mitglied des Modern Folk Quartet, ist ein bekannter, preisgekrönter Fotograf. Mit dabei auf diesen Reisen war auch unser ehemaliger Roadmanager/spiritueller/philosophischer Berater John Barrick, der einst als Barkeeper im Troubadour gearbeitet hatte.
Wir hatten eine bunte, abenteuerlustige Zirkustruppe zusammengestellt. Alle waren mit Begeisterung bei der Sache. Ich möchte noch einmal betonen, dass die Einnahme von Meskalin oder anderen psychoaktiven Alkaloiden nicht dazu führt, dass eine Person dauerhaft zu einem einsichtigeren, erleuchteten, spirituellen Wesen wird. Sondern dass sie vorübergehend eine andere Sichtweise auf die Welt ermöglicht. Zu Beginn fuhren wir zum Joshua Tree und führten ein paar Mal dieses Peyote-Ritual durch. Ich glaube, J.D. Souther und Ned Doheny waren bei einem der Ausflüge dabei. Auf einem dieser Ausflüge sah Glenn einen riesigen Adler in relativ geringer Höhe direkt über sich hinwegfliegen. Natürlich nahmen wir dies als Zeichen.
Trivia-Frage: Was sind diese pfeifenden Geräusche in „Earlybird“?
Das sind die Geräusche von echten Vögeln, die zwitschern. Sie stammen aus einer Geräuschbibliothek. Ich fand und finde das kitschig. Aber es war nicht mein Lied. Die Entscheidung, die Zwitschergeräusche hinzuzufügen, wurde sowohl vom Autor des Liedes als auch von unserem Produzenten getroffen. Vierundvierzig Jahre später ist das wirklich egal, oder?
„Desperado“, 1973
Das zweite Album der Eagles war thematisch anspruchsvoll. Ein imaginärer Western, der den Rock’n’Roll-Lebensstil im L.A. der Siebziger mit dem Wilden Westen verglich. Henley und Frey entpuppten sich als komplexe Songwriter. Und verliehen der Musik der Band einen Hauch von epischer Möglichkeit.
Wie entstand die Idee für ein Konzeptalbum über Outlaws?
Als Geburtstagsgeschenk zum 21. Geburtstag hatte unser Freund und Musikerkollege Ned Doheny Jackson Browne ein großes Fotobuch mit Bildern der berühmten Outlaws des Wilden Westens geschenkt. Jackson zeigte das Buch J.D. und Glenn. Und schlug vor, dass sie alle gemeinsam an einem Song über einige dieser Outlaws arbeiten sollten. Das erste Lied war „Doolin-Dalton“, über die berühmte Bande von Gesetzlosen, zu der Bill Doolin, Bill Dalton, Bob Dalton, Emmett Dalton, Bill Power, Dick Broadwell, George „Bittercreek“ Newcomb und andere gehörten. Ich glaube, die Idee dazu kam ursprünglich von Jackson.
Die Geschichte ist etwas kompliziert. Es gab verschiedene Banden. Die Mitglieder waren eine rotierende Besetzung von Charakteren.
Was war die Verbindung zwischen den Gesetzlosen des vorherigen Jahrhunderts und den Rockbands dieser Ära?
Glenn sagte immer, dass es eine Reihe von Verbindungen gab. Obwohl ich im Nachhinein denke, dass einige davon bestenfalls schwach waren. Die Grundprämisse war, dass Rock’n’Roll-Bands wie die Outlaws außerhalb der „Gesetze der Normalität“ lebten. Wir waren nicht Teil der „konventionellen Gesellschaft“. Wir zogen alle von Stadt zu Stadt, sammelten Geld und Frauen. Mit dem entscheidenden Unterschied, dass wir niemanden ausraubten oder töteten, um an das zu kommen, was wir bekamen. Wir arbeiteten dafür.
Wie die alten Gesetzlosen kämpften wir miteinander und gelegentlich auch mit dem Gesetz. Aber ich denke, die übergeordnete Prämisse war, dass Ruhm – oder Berühmtheit – eine flüchtige Sache ist. Wir kommentierten die Vergänglichkeit des Erfolgs im Musikgeschäft (und im Gesetzlosen-Geschäft). Wir versuchten, unseren eigenen Untergang vorherzusagen. Das Problem ist, dass wir – oder zumindest unser Werk – viel, viel länger Bestand hatten, als wir es je erwartet hätten.
J.D. Souther erzählte mir, dass Glenn angesichts der Tatsache, dass das erste Album drei Hits hervorbrachte, wollte, dass das zweite Album zeigt, dass die Eagles eine „ernstzunehmende“ Band sind. War das bei Ihnen auch so?
Drei Hit-Singles auf unserem allerersten Album zu haben, hat uns ein wenig Angst gemacht. Es ist nicht so, dass wir nicht dankbar oder begeistert davon waren. Wir waren tatsächlich erstaunt. Aber gleichzeitig wollten wir nicht zu einer weiteren Hitmaschine der Top 40 werden. Das zweite Album eines Künstlers ist immer eine heikle Angelegenheit. Es ist eine Zwickmühle. Das heißt, es entstand eine kritische Situation, wenn man auf seinem ersten Album Hits hatte.
Und es war auch kritisch, wenn man keine hatte. Zu diesem Zeitpunkt erlebten wir das, was manchmal als „Zweitlings-Ausraster“ bezeichnet wird. Also taten wir das Unlogische. Ein Konzeptalbum. Oder, wie Glenn es sah, ein „ernstes“ Album. Kunst, die gefährlich nah an Künstlichkeit grenzte. Andererseits brachte das Album „Desperado“ im Nachhinein betrachtet zwei unserer beliebtesten Hits hervor. „Tequila Sunrise“, das Glenns Baby war, und natürlich den Titelsong „Desperado“. Obwohl dieser Song erst viel Aufmerksamkeit erhielt, als Linda Ronstadt ihn aufnahm.
Wie viel des Albums war bereits skizziert, als die Band und Glyn Johns mit den Aufnahmen begannen? Waren die Songs bereits geschrieben und in der richtigen Reihenfolge, um die Geschichte zu erzählen?
Sehr wenig. Ich glaube, wir hatten den Titelsong fertig. Und wir hatten „Outlaw Man“, eine Komposition von David Blue. Aber wir haben einen Großteil des Albums im Laufe der Zeit erfunden. Wir standen unter enormem Druck. Aber ich glaube, wir haben das Ganze in etwa drei oder vier Wochen geschafft. Erschwerend kam hinzu, dass wir im Februar in London waren.
Ich erinnere mich, dass ich auf die Straße ging, um frische Luft zu schnappen und meine Nerven zu beruhigen. Aber es war eiskalt draußen. Ich sang die Hauptstimme zu „Desperado“ live in einem riesigen Studio (Island Studios). Mit dem London Philharmonic Orchestra, von denen einige mürrische alte Knacker waren, die sauer waren. Weil sie ganze Noten spielen mussten. Einige der Violinisten hatten tatsächlich Schachbretter mitgebracht, die sie zwischen ihren Stühlen aufstellten, und spielten zwischen den Aufnahmen Schach.
Sagen wir einfach, dass sie nicht gerade von der Überlieferung des amerikanischen Westens begeistert waren. Zumindest nicht in Form von Popballaden. Sie waren stinklangweilig. Und ich hatte eine Heidenangst. Ich hatte noch nie vor einem großen Orchester gesungen. Mir wurden nur vier oder fünf Versuche gegeben, um es richtig zu machen. Ich zucke immer noch zusammen, wenn ich diese Gesangsstimme von 1973 im Radio höre. Mein Freund und ehemaliger Bandkollege Jim Ed Norman, der die Streicherpartituren geschrieben hatte, dirigierte das Orchester. Ich glaube, er war auch nervös. Aber er ließ es sich nicht anmerken. Er strahlte irgendwie Autorität aus. Die Musiker hörten auf ihn. Schließlich wurden sie ja bezahlt.
Welche Anweisungen haben Sie Bernie und Randy in Bezug auf ihre Beiträge zum Album und zur Geschichte gegeben?
Ich kann mich nicht mehr genau daran erinnern. Aber ich glaube, Glenn hat ihnen das Buch mit den Outlaw-Fotos gezeigt. Und ihnen erklärt, was wir im Allgemeinen erreichen wollten. Wir hatten bereits einen Großteil von „Doolin-Dalton“ geschrieben und, glaube ich, auch den Song „Desperado“. Also waren das die Kernstücke. Die Anker, um die herum der Rest des Albums aufgebaut wurde. Jeder in der Band hat es verstanden und sich darauf eingelassen. Randy hatte die Idee zu „Certain Kind of Fool“, das die Langeweile, die Sehnsucht und die Rastlosigkeit junger Männer in den letzten Tagen der westlichen Grenze (und in späteren Zeiten) einfängt. Bernie hatte die Idee zu dem Lied „Twenty-One“, das das Alter von Emmett Dalton war, dem Jüngsten der Gruppe, als die Bande im Oktober 1892 die Stadt Coffeyville in Kansas überfiel.
Emmett wurde mit 23 Schussverletzungen getroffen. Und überlebte. Kugeln trafen seinen rechten Arm unterhalb der Schulter. Seinen linken Arm. In einigen Berichten auch rechts, Hüfte und Leiste. Und er erlitt 18 bis 23 Schrotkugeln in den Rücken. Er wurde zu einer lebenslangen Haftstrafe im Kansas-Gefängnis in Lansing, Kansas, verurteilt. Von der er 14 Jahre absaß, bevor er begnadigt wurde. Er zog nach Kalifornien und wurde Immobilienmakler, Autor und Schauspieler. Er starb 1937 im Alter von 66 Jahren.
Was ist der Ursprung des Liedes „Desperado“? Haben Sie noch Erinnerungen daran, wie Sie es zusammen mit Glenn geschrieben haben?
1973 war ich in ein kleines Haus ganz oben am Laurel Canyon gezogen. Man musste den ganzen Weg den Kirkwood Drive hinauf. Am Haus von John Boylan vorbei. Dann scharf links in den Grand View Drive. Und dann scharf rechts in den Cole Crest Drive abbiegen. Es war eines dieser kleinen Häuser, die an einem steilen Hang hingen und von Stelzen (vertikalen Pfosten) getragen wurden.
Wenn der Santa-Ana-Wind durch die Schlucht fegte, schwankte das Haus. Und das konnte sehr beunruhigend sein. Mir wurde gesagt, dass es dafür gebaut wurde. Aber selbst dann blieb es unheimlich. Der Besitzer des Hauses erzählte mir auch, dass Roger McGuinn, der Anführer der Byrds, früher dort gelebt hatte, sodass der Ort eine gute Ausstrahlung hatte. Auch wenn er mit einem scheußlichen orangefarbenen Shag-Teppich ausgelegt war. Irgendwie hatte ich ein altes Klavier gefunden und es in das Haus gebracht. Ich hatte das Klavier und ein Bett. Und das war so ziemlich alles, was ich dort hatte.
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Hier hatten Glenn und ich unsere erste richtige Schreibsitzung. Nur wir beide. Er kam eines Nachmittags vorbei. Und obwohl ich zögerte, zeigte ich ihm eine teilweise ausgearbeitete Akkordfolge und eine Melodie, die ich seit den späten 1960er Jahren mit mir herumgetragen hatte. Der Stil basierte größtenteils auf den alten Liedern von Stephen Foster, der manchmal auch als Vater der amerikanischen Musik bezeichnet wird. Er schrieb über 200 Lieder. Und war Gegenstand vieler Kontroversen.
Er war 37 Jahre alt. Und hatte 38 Cent in der Tasche
Foster, der am 4. Juli 1826 geboren wurde, gilt als „der berühmteste Songwriter des 19. Jahrhunderts“. Seine Kompositionen werden manchmal als „Kinderlieder“ bezeichnet, da sie im letzten Jahrhundert häufig in der Kindererziehung verwendet wurden. Ich lernte diese sentimentalen Lieder als kleiner Junge von meiner Großmutter kennen, die bei uns lebte. Sie wurde 1875 geboren. Und saß Tag für Tag in ihrem Schaukelstuhl und sang sie. Klassiker wie „Oh! Susanna“, „My Old Kentucky Home“ (das offizielle Lied des Bundesstaates Kentucky), „Old Folks at Home“ (auch bekannt als „Swanee River“, das offizielle Lied des US-Bundesstaates Florida) und ‚Jeanie With the Light Brown Hair‘.Kitschige Lieder, die von einem Mann geschrieben wurden, der letztendlich ein tragisches Leben führte. Stephen Foster starb am 13. Januar 1864 im Bellevue Hospital in New York City. Er war 37 Jahre alt. Und hatte 38 Cent in der Tasche.
Aber was mich wirklich umgehauen hat, war, dass Glenn wusste, wer Stephen Foster war. Er hatte es sofort verstanden. Verstand intuitiv, worauf ich hinauswollte. Und begann, einem Songfragment, das jahrelang in der Schublade gelegen hatte, Struktur zu verleihen, indem er einige zusätzliche Akkorde und Texte hinzufügte. Ähnlich wie bei Jackson und „Take It Easy“.
Er war natürlich ein Schüler der Musik von Motown
In den folgenden Jahren sollte ich erfahren, dass Glenn über ein enzyklopädisches Wissen über den Kanon der amerikanischen Popmusik verfügte. Alles vom Great American Songbook über die Delta-Bluesmusiker. Jazz, Folk und Rockabilly. Frühen Rhythm and Blues. Soul der 60er Jahre, Folk Rock. Country Rock bis hin zu modernem R&B. Er war natürlich ein Schüler der Musik von Motown. Aber auch der Klänge von Memphis, Philadelphia und Muscle Shoals, Alabama. Glenn machte dort einen Abstecher auf der Ronstadt-Tour, um Aufnahmen zu machen. Er kannte auch den Nashville Sound und den Bakersfield Sound. Ich habe viel von ihm gelernt und ich glaube, er auch von mir.
Hat die Geschichte des Albums in Ihren Augen eine Moral?
Wenn es überhaupt eine Moral gibt, dann die, dass die Zeit und das Gesetz des Durchschnitts – „die Wahrscheinlichkeit“ – jeden irgendwann einholen. Vor allem, wenn er sich zu viel zumutet. Was steigt, muss auch wieder fallen. Das Album war ein Kommentar zu den Konsequenzen, zu dem, was manche „Karma“ nennen. Es ist auch eine Meditation über die Auswirkungen eines isolierten Daseins, das die Idee von Gemeinschaft ablehnt. Ein Leben ohne Liebe und Mitgefühl. Daher die letzten Zeilen des Liedes „Desperado“.
Ihr Label war nicht gerade begeistert, als Sie ein sogenanntes „Cowboy-Album“ abgaben. Was wissen Sie noch von dieser Reaktion und wie hat die Band darauf reagiert?
Ein Mann namens Jerry Greenberg war zu dieser Zeit Präsident von Atlantic Records. Dem Vertrieb des Labels, bei dem wir unter Vertrag standen (Asylum). Als er das Album hörte, soll er den Kopf in die Hände gestützt haben und ausgerufen haben: „Meine Güte, die haben ein verdammtes Cowboy-Album gemacht!“ Das Unternehmen hatte erwartet, dass wir ihnen weitere „Hits“ wie „Take It Easy“, „Witchy Woman“ und „Peaceful Easy Feeling“ liefern würden.
Tatsächlich war das Album „Desperado“ kein kommerzieller oder auch nur kritischer Erfolg. Aber es erfüllte seinen Zweck. Indem es uns als eine Band etablierte, die bereit war, die Würfel zu werfen, künstlerische Risiken einzugehen. Und nicht nur auf Nummer sicher zu gehen und das Erwartete zu tun. Ich denke, dass Neil Young uns in dieser Hinsicht sehr beeinflusst hat. Bob Dylan auch. Weil sie immer das Gegenteil von dem taten, was man erwartete. Und den weniger befahrenen Weg einschlugen.
Was ist Ihre schönste Erinnerung an die Dreharbeiten zu diesem Kurzfilm, der mit dem Album zusammenhängt?
Einfach die Chance zu bekommen, sich in diese historischen Kostüme zu werfen und Cowboy zu spielen. Der Traum eines jeden Jungen der Babyboomer-Generation. Wir durften reiten, mit Pistolen schießen. Natürlich mit Platzpatronen. Und an einem historischen alten Filmset abhängen. Einer typischen kleinen Westernstadt in einem Canyon westlich von L.A., wo mehrere berühmte Western gedreht wurden. Aber wie das Album war auch der Film eine Metapher für die Vergänglichkeit von Ruhm (oder Berühmtheit). Die Vergänglichkeit von Erfolg, unreifer Jugend, Leben. Es war ein Kommentar zu unserem Verlust der Unschuld in Bezug darauf, wie das Musikgeschäft wirklich funktionierte. Die harte Realität des „Biz“ hatte uns bereits zynisch gemacht.
„On the Border“, 1974
1974 begannen die Eagles in London mit der Arbeit an ihrem dritten Album. Sie trennten sich jedoch bald vom Produzenten Glyn Johns und kehrten nach Los Angeles zurück, um einen kommerzielleren Sound zu finden, der harte Hits wie „Already Gone“ und die klassische Ballade „Best of My Love“ in Einklang brachte.
Wie hat sich die Tatsache, dass „Desperado“ kein großer Hit war, auf Ihren kreativen Prozess ausgewirkt, als es an der Zeit war, ein drittes Album aufzunehmen? Hatten Sie das Gefühl, dass Sie ein geradlinigeres Rock’n’Roll-Album machen mussten?
Ich weiß ehrlich gesagt nicht mehr genau, was wir dachten. Aber wir haben irgendwann beschlossen, dass wir etwas härter werden wollten. Daher gab es auf diesem Album ein paar mehr Uptempo-Songs und mehr E-Gitarre. „Already Gone“ und „James Dean“ wurden im Radio gespielt. Aber interessanterweise wurde die sanfte Ballade „Best of My Love“ ein Hit. Unser erster Nummer-eins-Hit. Das war sowohl gut als auch schlecht.
Welche Auswirkungen hatte es auf das Selbstbewusstsein der Band, als Sie von Glyn Johns zum Produzenten Bill Szymczyk wechselten und nach Los Angeles zogen? Wie hat sich die Arbeit in Ihrem sprichwörtlichen Hinterhof künstlerisch ausgewirkt?
Wir liebten London. und tun es immer noch. Aber in seinem eigenen Bett schlafen zu können, das Essen zu essen, das man liebt, und Menschen, die einem wichtig sind, an vertrauten Orten zu sehen, bringt einen Trost, der den kreativen Prozess unterstützt. Glyn Johns und unsere Manager hielten es für klug, uns aus L.A. herauszuholen. Und von dem zu entfernen, was sie als die inhärenten „Ablenkungen“ des Ortes betrachteten. Aber was sie nicht verstanden haben, ist, dass Los Angeles und seine Umgebung schon immer ein großer Teil unserer Inspiration, unserer fantasievollen Bezugspunkte waren. Das Meer, die Berge, die Wüste. Und um unseren alten Freund Randy Newman zu zitieren: „Schau dir diese Frauen an. Es gibt nichts Vergleichbares.“
Was ist die Geschichte hinter den Texten des Titelsongs? Und von „Good Day in Hell“?
Der Song „On the Border“ hatte etwas mit Politik zu tun. Genauer gesagt mit dem Watergate-Skandal. Aber es war ein ziemlich plumper, inkohärenter Versuch. Es sollte ein R&B-Song werden. Aber wir haben das Ziel verfehlt. Obwohl Glenn diesen großartigen, funkigen Gitarrenriff erfunden hat, der den Tag untermauert.
Wir waren noch dabei, uns in das Songwriting einzuarbeiten. Auch unser Produzent wusste nicht wirklich, was er damit anfangen sollte. Ich erinnere mich, dass es eines der letzten Dinge war, die aufgenommen werden sollten, und ich einen nicht verschiebbaren Abgabetermin hatte. Also besorgte ich mir irgendwie eine Trucker-Pille namens Black Molly. Aauch bekannt als Black Beauty. Und blieb die ganze Nacht auf, um den Song fertigzustellen. So sehr wollte ich nach Hause.
„Good Day in Hell“ war Glenns kleine Hommage an Danny Whitten und Gram Parsons. Es ist auch einer unserer fortlaufenden Kommentare zu den Gefahren des Musikgeschäfts und dem damit oft verbundenen Lebensstil.
Bei Songs wie ‚Already Gone‘, ‚James Dean‘ und ‚Good Day in Hell‘ hatten die Eagles einen schärferen Rock’n’Roll-Sound. Was deutete das auf die sich ändernde Richtung der Band hin?
Obwohl Glenn von der neuen Country-Rock-Bewegung fasziniert war und seine Motown-Wurzeln nie vergaß, galt seine erste Liebe dem Rock ’n‘ Roll. Möglicherweise durch den Einfluss seines Freundes und Mentors Bob Seger.
Glenn wurde ein begeisterter Schüler des Rhythmusgitarrenspiels von Chuck Berry. Er war, mit der möglichen Ausnahme von Keith Richards (ebenfalls ein Berry-Schüler) und einigen anderen, einer der besten Rhythmusgitarristen, die ich je gehört habe. Seine E-Gitarre war eine schwarze Gibson Les Paul Jr. aus dem Jahr 1957, die er „Old Black“ nannte.
Dieses ramponierte Instrument hatte er von Jackson Browne bekommen. Sie hatte zwei Tonabnehmer. Wobei der vordere defekt war. Aber Glenn, der den Klang der Gitarre genau so liebte, wie er war, ließ den Tonabnehmer nicht reparieren. Aus Angst, dass sich etwas ändern könnte. Als im Laufe der Jahrzehnte andere E-Gitarristen begannen, für fast jedes Lied eine andere Gitarre zu verwenden, zusammen mit ausgeklügelten Pedal-Baugruppen auf dem Boden, blieb Glenn bei Old Black. Und holte großartige Rhythmus- und Lead-Sounds aus dieser einen Gitarre, diesem einen funktionierenden Tonabnehmer und normalerweise einem kleinen Verstärker heraus. Sein Rhythmus-Spiel war klobig und funky. Seine Leads waren zwar nicht die technisch versiertesten. Aber immer einfallsreich und melodisch. Sie waren gefühlvoll und unvergesslich.
Er war so etwas wie eine Laune der Natur. Er spielte Gitarre mit der rechten Hand. Aber Golf mit der linken, zumindest wenn er den Ball schlug. Aber er puttete mit der rechten Hand. Wenn wir Baseball oder Softball spielten, schlug und warf er mit der linken Hand.
Was brachte Szymczyk sofort für die Band mit?
Freiheit und Spaß. Bill war viel weniger starr in seiner Herangehensweise an Aufnahmen und Produktion als Glyn Johns. Wir in der Band hatten viel mehr Mitspracherecht bei der Umsetzung.
„Best of My Love“ wurde ein Hit, nachdem ein DJ im Mittleren Westen anfing, es zu spielen. Der Song kam ins Rollen. Wie überrascht waren Sie, dass es diesen Weg zum Erfolg nahm?
Wir hatten die Hoffnung auf den Erfolg des Albums „On the Border“ mehr oder weniger aufgegeben. Und mit der Arbeit am nächsten Album begonnen. Als „The Best of My Love“ dann einschlug, war das wie eine Wiederauferstehung. Ein Wunder. Völlig unerwartet. Auf unserer letzten Tour – der History of the Eagles Tour – spürten wir diesen DJ auf, Jim Higgs (der den Song bei WKMI in Kalamazoo, Michigan, gespielt hatte). Wir luden ihn zu unserer Show in Grand Rapids ein. Seine Tochter brachte ihn mit. Wir hatten einen netten Besuch hinter der Bühne, bedankten uns für seine frühe Unterstützung. Und machten ein paar Fotos. Es war ein schöner Moment. Ich bin froh, dass wir die Gelegenheit hatten, ihn persönlich zu würdigen. Er hatte nicht damit gerechnet. Und ich glaube, es hat ihn sehr gefreut.
Hier ist eine weitere Quizfrage. Wer war „Guido“, dem in „Best of My Love“ gedankt wird? Und „TNTS“ in „On the Border“?
Guido war in den Siebzigern und einem Teil der Achtzigerjahre Maître d‘ im Restaurant Dan Tana’s. Einen Teil des Liedes haben wir in diesem Restaurant erfunden. TNTS bezieht sich auf das Lieblingsgetränk unseres Produzenten Bill Szymczyk zu dieser Zeit, Tanqueray ’n‘ Tonic. Er erinnert sich, dass wir diesen Drinks „gedankt“ haben. Weil sie beim Overdub des Händeklatschens und den Temptations-ähnlichen Hintergrundgesängen im Titeltrack „geholfen“ haben. Manchmal waren Schmiermittel von Vorteil. Sie sorgen für ein schönes Element der Spontaneität oder „Anti-Perfektion“.
„One of These Nights“, 1975
Nach ihrer ersten Nummer-eins-Single „Best of My Love“ landeten die Eagles ihr erstes Nummer-eins-Album mit einer oft üppig produzierten Sammlung, die alles zu bieten hatte. Country-Balladen. R&B-Grooves. Ein orchestriertes Instrumentalstück. Viele Falsettstimmen. Und ein sechsminütiger Story-Song von Frey und Henley, der die abgestumpfte Isolation, die die Band in Südkalifornien um sich herum vorfand, auf den Punkt zu bringen schien. Es sollte auch ihr letztes Album mit dem Gitarristen Bernie Leadon sein, der die Band kurz darauf verließ. Und durch Joe Walsh ersetzt wurde.
Vom Titelsong über „Journey of the Sorcerer“ bis hin zu den Gitarrenklängen in „Too Many Hands“ und anderen Titeln fühlte sich dieses Album damals wie die am reichhaltigsten produzierte Platte der Band an. Mit welchen Zielen sind Sie an das Album herangegangen. Insbesondere angesichts des Riesenerfolgs von „The Best of My Love“?
Nun, unser Selbstvertrauen war natürlich gewachsen. Glenn und ich begannen, uns als Songwriter zu entfalten. Allerdings gab es innerhalb der Band immer noch Meinungsverschiedenheiten in Bezug auf das Songwriting, die Richtung usw. Glenn und ich wollten nun den Schwung nutzen, den wir hatten. Wir wollten mehr Songs schreiben, die im Radio gespielt werden würden.
Wie ist der Titelsong entstanden, sowohl was den Text als auch das R&B-Feeling der Musik angeht?
Glenn und ich waren schon immer Fans der Platten, die in Memphis von Willie Mitchell produziert wurden. Insbesondere der Platten von Al Green, bei denen der Schlagzeuger Al Jackson Jr. die Snare und das Ride-Tomtom gleichzeitig im Backbeat schlug. Das hatte großen Einfluss auf den Titelsong. Aber es gab auch eine kleine Anspielung auf Disco (wir hatten uns in Miami ein Studio mit den Bee Gees geteilt) mit dem „Four-on-the-floor“-Bassdrum-Muster.
Stilistisch gesehen ist das Album One of These Nights sehr vielseitig. Aber irgendwie hat es als kohärentes Ganzes funktioniert. Damals konnte man so etwas machen. Man konnte verschiedene Stile auf demselben Album mischen. Die Beatles hatten es salonfähig gemacht.
Wir haben viele Geschichten über die Ursprünge des Ausdrucks „Lyin‘ Eyes“ gehört. Waren Sie dabei, als Glenn diesen Kommentar machte, nachdem er eine jüngere Frau mit einem älteren Mann in einer Bar oder einem Restaurant gesehen hatte?
Ich kann mich nicht daran erinnern, an dem Abend dabei gewesen zu sein, an dem Glenn diesen Satz oder Titel erfand. Aber ich weiß, dass er seine Beobachtungen in Dan Tana’s Restaurant machte. Es war ein großartiger Ort, um Leute zu beobachten. Besonders im Barbereich. Dort ging es immer irgendwie geheimnisvoll zu.
Ich hatte gelesen, dass „After the Thrill Is Gone“, zumindest im Titel, von B.B. Kings „The Thrill Is Gone“ inspiriert wurde. Stimmt das? Und worum ging es in den Liedtexten?
Uns war natürlich B.B. Kings Song „The Thrill Is Gone“ bekannt, der eine klare Aussage machte. Aber wir wollten die Nachwirkungen erforschen. Wir wissen, dass der Nervenkitzel weg ist. Und was nun?
Gibt es einen Moment – auf diesem Album oder den vorherigen – in dem Sie das Gefühl hatten, als Sänger zu sich selbst gefunden zu haben?
Das Titellied zu singen war ein ziemlich großer Moment für mich. Vor allem die Falsett-Passagen. Aber ich habe im Grunde genommen seit meinem 17. oder 18. Lebensjahr auf die gleiche Weise gesungen. Der große Unterschied war, dass ich Originalmaterial sang.
Wie sah zu diesem Zeitpunkt Ihr und Glenns Prozess beim Schreiben von Songs aus? Ich nehme an, dass Sie beide Musik und Texte beigesteuert haben. Aber hat einer von Ihnen in diesen Bereichen die Führung übernommen?
Ein ruhiger, privater Raum. Normalerweise ein Zimmer mit einem Couchtisch. Ein paar Akustikgitarren und ein Klavier. Vielleicht ein paar Bier oder vielleicht nur Softdrinks oder Wasser. Viele Notizblöcke und Stifte. Wir haben beide Musik und Texte beigesteuert. Manchmal war Glenn der Vorreiter. Manchmal ich. Je nachdem, wer eine Idee hatte. Eine Akkordfolge, einen Titel oder ein Thema. Aber Glenn hat den Prozess in der Dokumentation sehr schön beschrieben. Zeit, Gedanken, Ausdauer, Muskelschmalz; Überarbeitungen, Umschreiben.
„Hotel California“, 1976
„Hotel California“ war eine schonungslose Auseinandersetzung mit dem amerikanischen Traum, die es dennoch schaffte, einer der größten Erfolge der Siebziger zu werden und sich über 16 Millionen Mal zu verkaufen. Was vor allem dem traumhaften Titelsong zu verdanken war.
Auf welchen Song, den Sie mit den Eagles geschrieben haben, sind Sie besonders stolz und warum?
Ich denke, ich muss „Hotel California“ sagen. Obwohl ich es für wichtig halte, darauf hinzuweisen, dass Glenn einige sehr wichtige Zeilen zu diesem Text beigetragen hat. Diese Texte verwenden das, was Glenn als „die perfekte Mehrdeutigkeit“ bezeichnete. Sie sind offen für eine Vielzahl von Interpretationen. Und wir haben einige Knüller gesehen.
Aber das Lied hat irgendwie auf der ganzen Welt Anklang gefunden. Sogar bei Menschen, die in Ländern leben, zu denen unsere Regierung nicht die besten Beziehungen unterhält. Menschen, deren Muttersprache nicht Englisch ist. Am 1. April 2001 kollidierte ein US-amerikanisches Spionageflugzeug vom Typ EP-3 mit einem chinesischen F-8-Kampfflugzeug. Der Pilot und seine Besatzung überlebten eine Bruchlandung auf einem Militärstützpunkt in China und wurden in Gewahrsam genommen.
Während ihrer Gefangenschaft wurden einige der Besatzungsmitglieder Berichten zufolge zu „Hotel California“ befragt. Das Lied hat es mit Astronauten bis ins Weltall geschafft. Ich habe einmal ein abgelegenes Dorf in einem Bergdschungel in Honduras besucht. Und wenn ich sage abgelegen, dann meine ich, dass diese Menschen unter primitivsten Bedingungen lebten. Ohne Strom, ohne Wasserleitungen. In einfachen, provisorischen Unterkünften – als einer der Dorfbewohner in einer kleinen Hütte verschwand und mit einem abgenutzten alten Kassettenrekorder wieder herauskam. Er zeigte auf den Kassettenrekorder, dann auf mich und sagte: „Du.“ Später fand ich heraus, dass die Kassette in dem Rekorder „Hotel California“ war. Das Lied sprach sich herum.
Um die zeitliche Abfolge zu verdeutlichen: War der Titelsong der erste Titel, der für dieses Album geschrieben wurde, und dann folgte alles andere in Bezug auf das Thema?
Soweit ich mich erinnere, war das mehr oder weniger der Ablauf.
Wie haben Sie reagiert, als Sie diesen Musikschnipsel auf Felders Kassette hörten, der die Grundlage für die Melodie wurde? Was hat er bei Ihnen hervorgerufen, musikalisch oder textlich?
Felder hatte eine Kassette mit etwa einem halben Dutzend verschiedener Musikstücke eingereicht. Keines davon bewegte mich. Bis ich zu diesem kam. Es war ein einfaches Demo. Eine Abfolge von Arpeggio-Gitarrenakkorden, zusammen mit einigen hornartigen, anhaltenden Notenlinien. Alles über einem einfachen 4/4-Drumcomputer-Muster. Vielleicht war auch etwas lateinamerikanisch anmutende Percussion dabei. Ich glaube, ich fuhr nachts den Benedict Canyon Drive hinunter oder vielleicht sogar den North Crescent Drive (neben dem Beverly Hills Hotel), als ich das Stück zum ersten Mal hörte. Und ich erinnere mich, dass ich dachte: „Das hat Potenzial. Ich glaube, wir können daraus etwas Interessantes machen.“
Ich weiß, dass es unzählige Theorien über den Text von „Hotel California“ gibt. Aber eine, die ich gehört habe, besagt, dass er sich in gewisser Weise auf das Record Plant selbst bezieht. Mit Spiegeln an der Decke und so weiter. Können Sie dazu etwas sagen?
Das höre ich zum ersten Mal. Der Song hat absolut nichts mit dem Record Plant zu tun, außer dass Teile davon dort aufgenommen wurden.
In der Dokumentation „History of the Eagles“ sprach Glenn über die Autofahrt, die zu dem Satz „Life in the fast lane“ führte. Was weißt du noch darüber, wie Glenn dir von diesem Satz erzählte. Und wie schnell entstand danach der Song? Von wem stammt der Satz „Lines on the mirror/Lines on her face“?
Das Lied entstand eigentlich aus dem Eröffnungs-Gitarrenriff. Eines Tages, bei einer Probe, spielte Joe einfach dieses verrückte Riff. Und ich sagte: „Was zum Teufel ist das? Wir müssen einen Weg finden, daraus ein Lied zu machen!“ Aber wir konnten wirklich nicht über dieses Riff singen. Also kam Glenn auf die Idee, was ein traditionelles Blues- oder R&B-Grundnahrungsmittel ist. Der „One Chord“-Song. Obwohl es natürlich auch andere Akkorde gibt.
Aber hauptsächlich sangen wir die Vers-Parts über einem E-Akkord. Und dann gingen wir im „Vor-Refrain“ in die grundlegenden Blues-Wechsel, die in den Refrain übergingen. Joe spielte sein Riff unter den Refrain-Zeilen. Die Bassgitarre und das Fußpedal der Bassdrum sorgen zusammen mit der Rhythmusgitarre für die Synkopen, die Joes Riff in den Refrains zugrunde liegen. Es war echt schwierig für mich, diesen synkopierten Bassdrum-Part zu lernen und gleichzeitig die Melodie zu singen.
Ich weiß wirklich nicht mehr, wer die Textzeilen geschrieben hat, nach denen Sie gefragt haben. Aber ich glaube, dass Glenn die eine Hälfte und ich die andere Hälfte geschrieben habe. Ich kann mich nur nicht daran erinnern, wer welche Hälfte geschrieben hat. Damals haben wir uns immer gegenseitig die Sätze zu Ende geführt. Wir hatten eine Art Telepathie.
Inwiefern knüpfen die anderen Songs auf dem Album an die Themen von „Hotel California“ und „Life in the Fast Lane“ an?
Es sind dieselben Themen, die sich durch unser gesamtes Werk ziehen. Verlust der Unschuld, der Preis der Naivität, die Gefahren des Ruhms, des Exzesses. Die Erkundung der dunklen Schattenseiten des amerikanischen Traums. Verwirklichter und vereitelter Idealismus. Illusion versus Realität. Die Schwierigkeiten, liebevolle Beziehungen und Arbeit in Einklang zu bringen. Der Versuch, die widersprüchliche Beziehung zwischen Geschäft und Kunst in Einklang zu bringen. Die Korruption in der Politik, das Verblassen des Sixties-Traums von „Frieden, Liebe und Verständnis“.
Aber es ist auch wichtig, sich daran zu erinnern, dass wir während der Entstehung des Albums Hotel California die meiste Zeit über ekstatisch waren. Wir wussten, dass wir etwas Großes vorhatten. So entsteht die interessante Gegenüberstellung von dunklen Themen, die in einer Atmosphäre der Aufregung und Produktivität entwickelt und konstruiert werden. Und OK, ein wenig Ausschweifung hier und da. Sie wissen ja, was man über Arbeit und kein Vergnügen sagt.
Was hat dich zu „Wasted Time“ inspiriert, einer deiner schönsten Eagles-Balladen?
Gescheiterte Beziehungen. Nichts inspiriert oder katalysiert eine großartige Ballade so sehr wie eine gescheiterte Beziehung. Trotzdem ist es ein sehr einfühlsamer Song, finde ich.
Was sagt dieses Album über dich und die Band zu diesem Zeitpunkt eurer Karriere aus?
Ich glaube, wir waren auf dem Höhepunkt unserer Kräfte. Jede Band hat einen Höhepunkt. Und das war unserer. Und aufgrund verschiedener Faktoren – dem Druck, Höchstleistungen zu erbringen, dem Druck, mehr vom Gleichen zu liefern, der sich verändernden Dynamik der Band, dem sich ständig ändernden Publikumsgeschmack usw. – war es für uns unmöglich, uns die Zeit zu nehmen, die wir brauchten. Um unsere Köpfe zusammenzustecken. Und den verlorenen Sinn für Perspektive wiederzugewinnen.
Die Eagles waren dafür bekannt, im Studio Perfektionisten zu sein. Woran haben Sie gemerkt, dass ein Song fertig war?
Wir wurden mit diesem Perfektionisten-Etikett versehen, weil wir immer auf Details geachtet haben. Und immer versucht haben, uns zu verbessern. Im Rock ’n‘ Roll gibt es so etwas wie „Perfektion“ nicht. Obwohl wir uns bemüht haben, musikalisch präzise zu sein und sauber zu singen und zu spielen. Dafür muss man sich nicht entschuldigen. Es gab immer die gegensätzliche Denkrichtung. Vor allem nach dem Aufkommen des Punk. Aber ich habe das immer als Deckmantel für mangelndes Können gesehen.
Aber zwanghafter Perfektionismus kann bedrückend, erstickend und lähmend sein. Lass niemals zu, dass das Große der Feind des Guten ist. Das haben wir verstanden. Es sollte immer – und wird immer – hier und da eine Unebenheit oder ein wenig Durcheinander geben. Das Leben ist chaotisch. Und Rock ’n‘ Roll ist ein Teil des Lebens.
Wir wussten, dass ein Song fertig war, wenn wir unser Bestes gegeben hatten, unter den gegebenen Umständen und Rahmenbedingungen. Wenn man in einer Gruppe arbeitet, sind Kompromisse notwendig. Wir waren nicht immer bereit, einen Song aufzugeben. Aber nach einer Weile muss man einfach loslassen. Vor allem, wenn man innerhalb der Grenzen eines Budgets und eines Zeitrahmens arbeitet. Auf unseren Alben aus den frühen und mittleren Siebzigern gibt es einige wirklich mittelmäßige Stücke. Songs, die nicht gut geschrieben und produktionstechnisch nicht vollständig umgesetzt sind. Aber das ist der Preis der Demokratie und der zeitlichen Begrenzungen. Und wir waren alle noch am Lernen.
In der Doku „History“ sprechen Sie über Ihre anfängliche Besorgnis, dass Joe der Band beitreten könnte. Aber als Sie mit der Arbeit an diesem Album begannen, dem ersten mit ihm, wie haben sich diese Gefühle verändert. Und was hat er in das Studio/den Aufnahmeprozess eingebracht, das es vorher nicht gab?
Nun, Joe war und ist sein eigener Herr. Er war schon immer eine unabhängige Persönlichkeit. Selbst als Mitglied der Gruppe. Er hatte eine gute Solokarriere am Laufen, bevor unser Manager vorschlug, ihn zu den Eagles zu holen. Wir in der Band hatten etwas Angst. Denn obwohl wir ihn persönlich mochten und seine Musik mochten, waren wir uns nicht sicher, ob er in eine bereits etablierte Gruppe passen würde. Aber irgendwie hat es funktioniert. Joe war immer in der Lage, in beiden Welten zu leben. Im Studio brachte er seinen unverwechselbaren Gitarrensound und sein vielseitiges Können ein. Er ist ein verdammt guter Slide-Gitarrist. Er beherrscht viele verschiedene Gitarrenstile. Und kann auch Keyboard spielen. All das, und er hat dem Ganzen noch eine weitere Gesangsstimme hinzugefügt.
Was hat die Öffentlichkeit an diesem Album so fasziniert, wie es selbst die vorherigen Eagles-Alben nicht getan haben?
Ich habe im Laufe der Jahre gelernt, dass ein Wort, „Kalifornien“, alle möglichen Konnotationen, kraftvolle Bilder, Mystik usw. mit sich bringt, die die Fantasie der Menschen in allen Teilen der Welt beflügeln. Mit diesem Wort ist eine eingebaute Mythologie verbunden. Eine amerikanische Kulturmythologie, die sowohl von der Film- als auch von der Musikindustrie geschaffen wurde.
Aber ich denke, der Erfolg des Albums war auf eine Kombination von Dingen zurückzuführen, die zu diesem Zeitpunkt zusammenkamen. Hotel California war unser fünftes Studioalbum mit Originalmaterial, sodass sich die Dynamik seit 1972 langsam, aber stetig aufgebaut hatte. Und in diesen Jahren waren wir zu einer echten Tournee-Band geworden.
Dann kam der enorme und etwas unerwartete Erfolg des Albums Their Greatest Hits (1971-1975). Wir wollten dieses Album eigentlich gar nicht veröffentlichen. Wir hatten dem Label aber zugestimmt, um uns mehr Zeit für die Arbeit am Album „Hotel California“ zu verschaffen. Als das Album „Greatest Hits“ in den Charts förmlich explodierte, kam der Schwung erst richtig in Fahrt. Als „Hotel California“ im Dezember 1976 veröffentlicht wurde, hätten die Umstände nicht besser sein können. Die Welt war bereit und wartete.
„The Long Run“, 1979
Die Band arbeitete 18 Monate lang am Nachfolger von Hotel California und brachte ein düsteres Album heraus, das für fast 30 Jahre ihre letzte Studio-LP sein sollte. Trotz der Widerstandsfähigkeit des gefühlvollen Titeltracks war der beißende, funkige Sound des Albums der Klang einer Band, die sich auflöste.
Als Sie mit der Arbeit an diesem Album begannen, hatte die Band nur sehr wenige Songs. Wie ungewöhnlich war das und warum war das so – nach all den Tourneen hinter Hotel California?
Als wir mit den Aufnahmen für dieses Album begannen, waren wir völlig ausgebrannt. Wir waren körperlich, emotional, spirituell und kreativ erschöpft. Unser gemeinsamer Tank war leer. Wir waren unermüdlich auf Tour gewesen. Sogar zwischen den Aufnahmesessions. Wir hätten eine einjährige Pause einlegen sollen. Aber die Big Machine verlangte nach Futter. Der Schwung musste aufrechterhalten werden. Es stand viel Geld auf dem Spiel. Die Unternehmensaktionäre hatten Erwartungen. Arbeitsplätze standen auf dem Spiel.
Inwiefern hat sich der Druck, den Erfolg von Hotel California zu übertreffen, auf die Texte und die Musik dieses Albums ausgewirkt? Ich denke da an einige der düsteren Texte („King of Hollywood“, „The Disco Strangler“) und die oft schlichteren Arrangements.
Trotz des außergewöhnlichen Erfolgs von Hotel California waren wir während der Entstehung von The Long Run kollektiv an einem ziemlich dunklen Ort. Disco war explodiert. Punk war auf dem Vormarsch. Wir begannen, Presseartikel darüber zu lesen, dass wir passé seien. Diese Art von Sticheleien waren Teil der Inspiration für den Song „The Long Run“. „Wer wird es schaffen? Wir werden es auf lange Sicht herausfinden.“
In diesem Zusammenhang: Wie ist „The Greeks Don’t Want No Freaks“ entstanden? Es ist sehr Garage Rock für die Eagles.
Wir betrachteten es als eine Hommage an (oder vielleicht eine Persiflage auf) den „Frat Rock“ der Sechziger. In der Art von „96 Tears“ von einer Gruppe namens Question Mark and the Mysterians. Die, wie Glenn, zufällig aus Michigan stammten. „96 Tears“, 1966 veröffentlicht, war ein Riesenerfolg. Und ein großer Favorit auf den College-Bruderschaftspartys in Austin, wo meine Band Felicity (später Shiloh) fast jedes Wochenende spielte.
Es hatte die kitschige Farfisa-Orgel und einen verstümmelten, teilweise inkohärenten Text im Stil von ‚Louie Louie‘, dem Hit von 1963 von den Kingsmen, einem weiteren Favoriten der Bruderschaften. Auf diesen Verbindungspartys zu spielen, war eine weitere Erfahrung, für die man seine Beiträge zahlen musste. Wir haben von allem ein bisschen mitbekommen.
Wie würden Sie den Zustand der Eagles beschreiben, als Sie dieses Album aufnahmen?
Erschöpft, ausgebrannt, mental, physisch, spirituell. Heimweh. Wir waren keine glücklichen Camper. Aber das Biest musste gefüttert werden. Der Schwung musste aufrechterhalten werden. Oder so wurde uns zumindest vorgegaukelt.
Während der Aufnahmen zu diesem Album explodierten Punk und New Wave überall um die Band herum. Hat das zusätzlichen Druck auf die Band ausgeübt, weil sich die Musikwelt veränderte?
Es fühlte sich ein bisschen wie die Szene am Ende von Inside Llewyn Davis an. Rückblickend hätten wir uns keine Sorgen machen müssen.
Was hat Sie zu dem Text des Titelsongs inspiriert?
Ironie. Die Gruppe brach auseinander. Implodierte unter dem Druck, einen würdigen Nachfolger für Hotel California abzuliefern. Und doch schrieben wir über Langlebigkeit, Nachwelt. Wie sich herausstellte, hatten wir recht. Ironie über Ironie.
Wurde „The Sad Cafe“ vom Troubadour inspiriert? Was wolltet ihr zu diesem Zeitpunkt über den Club und/oder den Zustand des Rock (oder der Band) sagen? Es ist so elegisch.
„The Sad Cafe“ wurde vom Troubadour und Dan Tana’s Restaurant inspiriert. Wir konnten spüren, wie eine Ära zu Ende ging. Die Menschenmenge, die sich im Troubadour aufhielt, und die Bands, die dort auftraten, veränderten sich. Die Bahngleise, die mitten durch den Santa Monica Boulevard verliefen, waren herausgerissen worden. Der Zug fuhr nicht mehr. Derselbe Zug, mit dem Steve Martin einst das gesamte Troubadour-Publikum dazu gebracht hatte, einzusteigen und zum La Cienega Boulevard zu fahren, um dann zu Fuß zum Club zurückzukehren. Diese bemerkenswerten, unbeschwerten Zeiten rückten in weite Ferne.
Der Legende nach gibt es einen Song namens „You’re Really High, Aren’t You?“, der für dieses Album nie fertiggestellt wurde. Was wissen Sie noch darüber?
Das war nur einer von vielen Scherz-Titeln, die wir uns ausgedacht haben. Ich glaube nicht, dass daraus jemals ein echter Song wurde. Wenn doch, dann ist es nur ein Instrumentalstück.
Von allen Eagles-Studioalben, die bis zu diesem Zeitpunkt aufgenommen wurden, welches war Ihr Lieblingsalbum. Und welches war Ihr unbeliebtestes?
Die Aufnahmen für jedes unserer Alben hatten Momente der Ekstase und der Qual. So ist der Prozess nun einmal. Aber wenn ich mich für ein Lieblingsstudioerlebnis entscheiden müsste, wäre es das Album Hotel California. Die Aufnahme von The Long Run war aus den bereits erläuterten Gründen meine unbeliebteste Zeit.
„Long Road Out of Eden“, 2007
Nach ihrer erbitterten Trennung und den äußerst erfolgreichen Wiedervereinigungen in den Neunzigern machten sich die Eagles endlich an die Arbeit an ihrem lang erwarteten Comeback-Album. Mit vollständiger künstlerischer Kontrolle wurde es schließlich ein Doppelalbum voller Politik und Selbstbeobachtung.
Wie sahen Ihre Vorstellungen davon aus, wie die Eagles im neuen Jahrhundert klingen sollten? Was sollten die Menschen von einem Eagles-Album mitnehmen, was sie vorher nicht hatten?
Wir haben eine Weile darüber nachgedacht, ob wir uns bewusst bemühen sollten, unseren Sound zu „modernisieren“. Aber letztendlich beschlossen wir, dass wir einfach Musik machen sollten, die widerspiegelt, wer und wo wir zu diesem bestimmten Zeitpunkt waren. Das hatten wir immer so gemacht. Also gab es keinen Grund, etwas zu tun, das erzwungen oder gekünstelt wirken könnte. Wir waren sowohl als Musiker als auch als Menschen gereift. Wir hatten Soloalben aufgenommen und Familien gegründet. Anstatt also zu versuchen, in der Zeit zurückzugehen oder offensichtlich „progressiv“ zu sein, wollten wir einfach nur wir selbst sein. Ich denke, dass es auf diesem Album wirklich gutes Material gibt. Einige Songs und Stücke, die mit allem, was wir bisher gemacht haben, mithalten können.
Haben Sie sich vor Beginn mit Produzenten getroffen oder wollten Sie es von Anfang an selbst machen?
Wir haben die Aufnahmen für das Album Long Road Out of Eden tatsächlich mit unserem ehemaligen Produzenten Bill Szymczyk an der Spitze begonnen. Ich sah seine Funktion eher als Vermittler. Als consigliere, als Zirkusdirektor, wenn Sie so wollen. Glenn und ich hatten zu diesem Zeitpunkt bereits gelernt, wie man Platten produziert. Tatsächlich wusste jeder in der Band, was zu tun war. Und als wir erst einmal in den Prozess eingestiegen waren, stellte sich heraus, dass wir keinen Aufseher brauchten. Wir arbeiteten in wechselnden Teams. In zwei verschiedenen Studios. Meinem und Glenns. Dadurch konnten wir an mehr als einem Song gleichzeitig arbeiten. Und das beschleunigte den Prozess.
Als Sie und Glenn anfingen, Songs für dieses Album zu schreiben, was haben Sie entdeckt, das Sie immer noch teilten, in Bezug auf die Herangehensweise an Melodien oder Texte?
Wir waren beide geschickter im Prozess des Songwritings geworden. Wohler und selbstbewusster als Autoren. Melodien und Texte waren genauso wichtig – vielleicht sogar noch wichtiger – als je zuvor. Aber es gab nicht so viel Herumprobieren, um eine Richtung zu finden. Nicht so viele Zweifel. Wir hatten wieder einmal den Luxus, viel Zeit zu haben. Wir waren während der Entstehung dieses Albums viel auf Tour. Bis heute denke ich, dass es ein Einzelalbum hätte sein sollen. Aber um jedem Mitglied den nötigen Freiraum zu geben und gleichzeitig die Klangqualität (Fidelity) zu erhalten, wurde es notwendig, es als Doppelalbum zu veröffentlichen.
Was hat Sie zu einem bissigen Song wie „Business as Usual“ inspiriert?
Das kollektive Unbewusste der Bevölkerung. Wie wir wie Ameisen Tag für Tag in unseren kleinen Furchen herumwuseln. Völlig ahnungslos – oder gleichgültig – gegenüber dem Gesamtbild. Wie naiv wir sind, was die inneren Abläufe und die zerstörerischen Kräfte der Großunternehmen und der Politik angeht. Den irreversiblen Schaden, der dem Planeten und so vielen seiner stimmlosen Bewohner zugefügt wird. Die Mittelschicht verschwindet und mit ihr der „Mittelweg“. Die kleine Insel der Vernunft und Mäßigung, die zwischen den Monolithen extremistischer Ideologien schwankt, die in unserem Land heute weit verbreitet sind.
Ein Teil des Liedes ist auch eine Anspielung auf den Anwaltsberuf. Auf dessen völlige Skrupellosigkeit. Es scheint, dass einige der größten Arschlöcher in diesem Beruf, die verachtenswertesten, seelenlosesten Drecksäcke, die jemals als Anwälte „praktiziert“ haben, Büros in Century City haben. Ich bin mir sicher, dass sie das als Kompliment auffassen werden.
Inwiefern war der Aufnahmeprozess anders als in der Vergangenheit?
Es war sicherlich anders in Bezug auf die Technologie. Obwohl jedes Mitglied während der 14-jährigen Pause Soloalben aufgenommen hatte und wir alle mit der neuen Elektronik ziemlich vertraut waren. Der Unterschied bestand darin, dass wir diese Technologie noch nie im Zusammenhang mit den Eagles eingesetzt hatten. Aber es hat gut funktioniert. Andere Elemente des Prozesses, einschließlich einiger der negativen Aspekte, blieben genau wie immer.
Wenn man auf Long Road Out of Eden zurückblickt, fast ein Jahrzehnt später, was trägt es zum Vermächtnis der Gruppe bei, jetzt, da es leider das letzte Studioalbum der Gruppe ist?
Nun, es verleiht dem Ganzen eine gewisse Schärfe, nicht wahr? Wenn man jetzt darauf zurückblickt, enthält dieses Album mehrere Lieder, die Vorahnung und Abschied vermitteln. „No More Walks in the Wood“, „I Don’t Want to Hear Any More“, „You Are Not Alone“, „Long Road Out of Eden“, „Last Good Time in Town“, „Center of the Universe“ und das unheimlich vorausschauende ‚It’s Your World Now‘. Glenns wunderschöner philosophischer Abschied von seiner Frau und seinen Kindern.
Es ist fast so, als hätten wir gewusst, dass diese Platte unsere letzte sein würde. Aber unsere Fans waren wunderbar. Sie waren uns bis zum Schluss treu, und leider ist dies das Ende. Aber was für eine Reise. Was für eine verrückte, wunderbare Reise.
