Die 500 besten Songs aller Zeiten
Die 500 besten Songs aller Zeiten – die ultimative Liste von ROLLING STONE.
100 Bob Dylan, „Blowin’ in the Wind“
1963
„Blowin‘ in the Wind“ war Dylans erste wichtige Komposition. Es ist auch das berühmteste Protestlied, das je geschrieben wurde. Die Melodie des Liedes lehnt sich an den Folksong „No More Auction Block for Me“ aus der Zeit der Sklaverei an, und seine Sprache ist sowohl in Woody Guthries erdigem Dialekt als auch in der biblischen Rhetorik verwurzelt. Aber in einem entscheidenden Bruch mit den Konventionen aktueller Folksongs formulierte Dylan die Krisen um ihn herum in einer Reihe von heftigen, poetischen Fragen, die sich mit der seiner Meinung nach größten Unmenschlichkeit des Menschen befassten: der Gleichgültigkeit. „Einige der größten Verbrecher sind diejenigen, die den Kopf wegdrehen, wenn sie Unrecht sehen“, erklärte er in den Begleitpapieren zu Freewheelin‘.
99 Bee Gees, „Stayin’ Alive“
1977
Dieser Disco-Klassiker wurde geschrieben, als der Regisseur Robert Stigwood die Bee Gees um Musik für einen Film bat, der in der Brooklyner Clubszene spielt. Er brauchte einen Groove für eine achtminütige Tanzsequenz mit John Travolta und bat um einen Song namens „Saturday Night“, aber da die Bay City Rollers bereits einen Hit mit diesem Titel hatten, schlug die Band klugerweise eine andere Richtung ein. „Ob Sie den Song nun mögen oder nicht, John konnte nicht zu ‚Stayin‘ Alive‘ tanzen. Alive.‘ Es war keine Tanzplatte, wenn Sie darüber nachdenken“, sagte Barry Gibb später. Travolta brauchte sowieso nicht dazu zu tanzen – er musste nur in der Eröffnungsszene des Films zu seiner Berühmtheit stolzieren.
98 The Beatles, „In My Life“
1965
„In My Life‘ war, glaube ich, mein erstes richtiges, großes Werk“, sagte John Lennon. „Bis dahin war alles oberflächlich und wegwerfbar gewesen.“ Die Ballade spiegelt die ernsthafte Wendung wider, die die Beatles mit Rubber Soul einschlugen, aber sie entstand vor allem aus der Herausforderung eines Journalisten: Warum schreiben Sie keine Songs über Ihr Leben? Im ursprünglichen Text saß Lennon in einem Bus in Liverpool, „und es war die langweiligste Art von ‚What I Did on My Holidays Bus Trip‘ Song“, sagte er. Also schrieb Lennon den Text um und verwandelte das Lied in eine großartige Reminiszenz an sein Leben vor den Beatles. Das markante „Cembalo“-Solo am Ende des Songs ist in Wirklichkeit ein elektrisches Klavier, das von George Martin gespielt und auf Band beschleunigt wurde.
97 Patti Smith, „Gloria“
1975
Die legendäre erste Zeile von Smiths galvanischem Akt des Rock’n’Roll-Vandalismus – „Jesus starb für die Sünden von jemandem, aber nicht für meine“ – begann als Teil eines Gedichts namens „Oath“, das sie in den frühen Siebzigern im East Village vortrug. Als sie anfing, mit dem Gitarristen Lenny Kaye und dem Pianisten Richard Sohl zu üben, jammten sie oft zu Thems Garagenrocksong „Gloria“ von 1964 und schwelgten in dessen kathartischer Einfachheit. Smith kam auf die Idee, die beiden zu verschmelzen und etwas Ehrfurchtgebietendes und Revolutionäres zu schaffen, mit dem sie 1975 ihr bahnbrechendes Debütalbum Horses eröffnete, den ersten Bogenschuss in Albumlänge aus der CBGBs-Punkszene.
96 Jay-Z, „99 Problems“
2003
Das ursprüngliche „99 Problems“ war ein Song von 1993 von der Gangsta-Rap-Größe Ice-T. Die Idee, ihn wieder aufzugreifen, kam von Chris Rock. Der Produzent Rick Rubin erinnerte sich: „[Chris] sagte: ‚Ice-T hat diesen Song, und vielleicht gibt es eine Möglichkeit, ihn umzudrehen und eine neue Version davon zu machen.'“ Jay-Z wünschte sich einen Beat wie bei den Klassikern aus den Achtzigern, die Rubin für die Beastie Boys, LL Cool J und Run-DMC produziert hatte, und er lieferte den idealen, knallharten Hintergrund, vor dem Jay auf alles eindreschen konnte, von Kritikern bis hin zu rassistischen Polizisten. „An keiner Stelle des Songs spreche ich über ein Mädchen“, sagte er.
95 Oasis, „Wonderwall“
1995
Angeblich von seiner damaligen Freundin inspiriert, schrieb Noel Gallagher diese unverschämt ernste und gefühlvolle Ballade, die zu einem der größten Rockstandards der letzten 20 Jahre geworden ist. Sie bringt mindestens 1 Million Dollar pro Jahr ein und hat 2020 die Marke von 1 Milliarde Spotify-Streams überschritten. Ironischerweise war Liam Gallagher anfangs etwas skeptisch. „Ich sagte: ‚Das gefällt mir nicht – es ist ein bisschen zu fade'“, sagte er letztes Jahr dem Rolling Stone. „Ich hatte Police-Vibes. Es war ein bisschen wie Sting. Ich mag die härteren Sachen.“ Aber er beschloss schließlich, es zu versuchen, und der ganze Song war in etwa zwei Tagen fertig, wobei Noel alle Gitarren und sogar den Bass spielte und Liam seinen Gesang in ein paar Stunden einspielte. „Ich wollte unbedingt in den Pub“, sagte er.
94 Whitney Houston, „I Will Always Love You“
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Dolly Parton schrieb „I Will Always Love You“ über die schwierige Entscheidung, sich von ihrem Mentor Porter Wagoner zu trennen, und erreichte mit zwei verschiedenen Aufnahmen des Songs Platz eins der Country-Charts. Kevin Costner schlug den Song seiner Bodyguard-Kollegin Houston vor, die ihn mit Hilfe des Produzenten David Foster zu einer mächtigen R&B-Ballade umgestaltete, die ein noch größerer Hit wurde. Houston und Costner bestanden darauf, das A-cappella-Intro des Songs gegen den Willen des Labels beizubehalten. „Es war mir egal, ob es jemals im Radio zu hören war“, sagte Costner später. „Ich sagte: ‚Wir werden das auch am Anfang a cappella machen. Ich will, dass es a cappella ist, weil es zeigt, wie sehr sie auf diesen Typen steht – dass sie ohne Musik singt.'“
93 Kelly Clarkson, „Since U Been Gone“
2004
Die schwedischen Popwissenschaftler Max Martin und Lukasz „Dr. Luke“ Gottwald schrieben diesen empörten Song für Pink, aber Clarksons A&R-Vertreter schnappte ihn sich für die allererste Ausgabe von American Idol. Das Ergebnis war ein karrierefördernder Hit, der dem Teenie-Pop eine neue, kämpferische Vorlage gab. Als sie zum ersten Mal ein grobes Demo des Songs hörte, war Clarkson nicht sicher, ob es das Richtige für sie war. „Wir haben den Track verstärkt und ihn etwas rockiger gemacht“, erzählte sie dem Rolling Stone über die Sessions in Schweden mit Martin und Dr. Luke. „Aber sie wussten nicht, dass ich im Refrain eine Oktave höher singen würde.“
92 Little Richard, „Good Golly, Miss Molly“
1958
Little Richard hörte die Phrase „Good golly, Miss Molly“ zum ersten Mal von einem Südstaaten-DJ namens Jimmy Pennick. Er verwandelte die Worte in seinen vielleicht krassesten Angriff auf den amerikanischen Anstand: „Good golly, Miss Molly/You sure like to ball.“ Er klaute die Musik von Ike Turners Klavierintro zu Jackie Brenstons „Rocket 88“, das Sam Phillips sieben Jahre zuvor in Memphis aufgenommen hatte. „Ich mochte diese Platte schon immer“, erinnerte sich Richard, „und ich habe das Riff immer in meiner Show verwendet. Als wir also nach einem Lead-In für ‚Good Golly, Miss Molly‘ suchten, habe ich das genommen und es passte.“ Richard hatte im Jahr zuvor dem Rock’n’Roll abgeschworen, aber Specialty Records konnte diesen Klassiker nicht in den Tresoren lassen.
91 UGK feat. Outkast, „Int’l Players Anthem (I Choose You)“
2007
Der Einfluss von UGK aus Houston ist überall im Hip-Hop zu spüren, von Jay-Z bis Megan Thee Stallion, aber es dauerte 20 Jahre, bis die Gruppe den Song aufnahm, der ihren Platz im Kanon wirklich festigte. Der Song basiert auf Willie Hutchs „I Choose You“, einer der schönsten Liebesgeschichten, die je erzählt wurden, und wird von André 3000’s ikonischer Strophe eröffnet. Der Song ist so lustig wie die wilde Hochzeit im Musikvideo. „Die Leute erzählen mir immer, dass sie zu diesem Song vor den Altar treten“, sagte Big Boi von Outkast dem Rolling Stone. „Wenn Leute zu Musik heiraten, ist das ein mächtiger Scheiß.“ Der Song trug dazu bei, dass UGKs Album Underground Kingz aus dem Jahr 2007 auf Platz eins landete – eine Premiere für das Duo. Leider starb UGKs Pimp C nur sechs Monate nach der Veröffentlichung des Videos und hinterließ mit „Int’l Players Anthem“ eine glorreiche Grabinschrift.
90 Aretha Franklin, „(You Make Me Feel Like) A Natural Woman“
1967
Carole King und ihr Ehemann und Songwriting-Partner Gerry Goffin schrieben „Natural Woman“ 1967 auf Wunsch des Produzenten Jerry Wexler speziell für Aretha Franklin, kurz nachdem „Respect“ und „I Never Loved a Man (The Way I Love You)“ sie zum Superstar gemacht hatten. Der Song entstand in ihrem Haus in einem Vorort von New Jersey in nur wenigen Stunden, nachdem die Kinder zu Bett gegangen waren. „Als ich [Aretha] das Lied zum ersten Mal hörte, war ich in einem seltenen Moment sprachlos“, schrieb King 2012 in ihren Memoiren Natural Woman. „Bis heute kann ich nicht in Worte fassen, was ich fühlte…. Es berührte mich mehr als jede Aufnahme eines Songs, den ich je geschrieben hatte.“
89 The Beatles, „Hey Jude“
1968
Die größte US-Single der Beatles – neun Wochen auf Platz eins – war mit sieben Minuten und 11 Sekunden auch ihre längste. Während der Aufnahmesitzungen erhob der Produzent George Martin Einwände gegen die Länge und behauptete, DJs würden den Song nicht spielen. „Das werden sie, wenn wir es sind“, schoss John Lennon zurück. Paul McCartney schrieb „Hey Jude“ im Juni 1968, als er auf dem Weg zu Lennons baldiger Ex-Frau Cynthia und ihrem Sohn Julian zu sich selbst sang. Die Anfangszeilen waren, wie McCartney einmal sagte, „eine hoffnungsvolle Botschaft für Julian: ‚Komm schon, Mann, deine Eltern haben sich scheiden lassen. Ich weiß, dass du nicht glücklich bist, aber du wirst es schaffen.'“ McCartney änderte „Jules“ in „Jude“ – ein Name, der von Jud aus dem Musical Oklahoma!
88 Guns N’ Roses, „Sweet Child O’ Mine“
1987
Rose schrieb diesen Liebesbrief an seine damalige Freundin Erin Everly (Tochter von Don). Slash sagte, er habe nur „mit dem Intro-Riff herumgealbert und einen Scherz gemacht“. Der Gitarrist dachte sich nicht viel dabei, aber Rose wusste es besser. Der stählerne und doch gefühlvolle Gitarrenteil sollte ein wenig inspiriertes Southern-Rock-Cosplay von Rose begleiten. „Ich besorgte mir ein paar alte Lynyrd Skynyrd-Kassetten, um sicherzugehen, dass wir dieses bodenständige, tief empfundene Gefühl hatten“, sagte er damals. Obwohl die Ehe von Rose und Everly nicht lange hielt, wurde der Song zu einem entscheidenden Durchbruch für die Band und bleibt ihr einziger Nummer-Eins-Hit in den USA.
87 LCD Soundsystem, „All My Friends“
2007
James Murphy und seine New Yorker Punk-Funk-Krieger haben mit „All My Friends“ eine sardonische Generationenhymne geschrieben – eine Hymne auf die Tanzfläche bis zum Morgengrauen, selbst wenn man alt genug ist, um es besser zu wissen. Zu den drängenden Elektroklängen blickt Murphy auf seine vergeudeten Nächte und zerstörten Träume zurück. „Ich war in meinen Dreißigern“, gibt er zu. „Ich war ein völlig gescheiterter Teenager und Twentysomething, zutiefst gescheitert, zutiefst gescheitert. Wie ‚lebe mit deiner reichen Freundin, damit du keine Miete zahlen musst‘ gescheitert, ’sei obdachlos in deinem Büro auf einem aufblasbaren Bett‘ gescheitert.“ Und doch sprüht die Musik vor Freude und fängt den späten Moment ein, in dem Sie erkennen, dass all Ihre jahrelangen dummen Entscheidungen zufällig zu einem Leben geführt haben.
86 The Rolling Stones, „Tumbling Dice“
1972
In einer seiner ersten Versionen, die damals „Good Time Women“ hieß, war dieses Exile on Main St. Juwel frischer, schneller und unzüchtiger. Als es während der berüchtigten Exile-Sessions in Südfrankreich in „Tumbling Dice“ umgewandelt wurde, war der Song verlangsamt worden. „Ich erinnere mich, dass ich das Riff oben im eleganten Wohnzimmer geschrieben habe“, sagte Keith Richards, „und wir haben es noch am selben Abend nach unten gebracht und geschnitten.“ Mick Jaggers Text passte zu dem verlangsamten Groove und enthüllte ein neues Gefühl von düsterer Müdigkeit. Da Bill Wyman nicht anwesend war, spielte Mick Taylor den Bass und die Slide-Gitarren-Parts.
85 Prince, „Kiss“
1986
Als Mazarati, eine der Bands aus Prince‘ Umfeld in Paisley Park, ihn um einen Song bat, schmetterte Prince ein bluesiges Akustik-Demo für sie ab. Mazarati fügte einen Funk-Groove hinzu, und Prince war klug genug, den Song zurückzunehmen und einige der Arrangements des Produzenten David Z und den Hintergrundgesang der Band beizubehalten, aber keine Basslinie zu verwenden, sehr zur Enttäuschung seines Labels. „Zu dieser Zeit hatte Prince jedoch genug Macht, um zu sagen: ‚Das ist die Single und ihr bekommt keine weitere, bis ihr sie veröffentlicht habt. Der Rest ist Geschichte“, erinnerte sich Z in einem Interview. „Dieser Song hat seine Karriere völlig neu belebt und ein Jahr später versuchte Warner Bros. Leute unter Vertrag zu nehmen, die so klangen.“
84 Al Green, „Let’s Stay Together“
1971
Nachdem Produzent Willie Mitchell Green eine grobe Abmischung einer Melodie gegeben hatte, die er und Schlagzeuger Al Jackson ausgearbeitet hatten, schrieb Green den Text in fünf Minuten. Trotzdem wollte Green den Song nicht aufnehmen und stritt zwei Tage lang mit Mitchell, bevor er schließlich zustimmte, ihn zu schneiden. Die Aufnahmen wurden an einem späten Freitagabend im Herbst 1971 fertiggestellt; Mitchell presste die Single am Montag und am Donnerstag erfuhr Green, dass „Let’s Stay Together“ auf Platz acht in die Charts einsteigen würde. Innerhalb von zwei Wochen erreichte es Platz eins der R&B-Charts und im Februar 1972 bescherte das warme, beschwingte Liebeslied Green seinen einzigen Nummer-eins-Pop-Hit.
83 Bob Dylan, „Desolation Row“
1965
Dylan war in voller poetischer Raserei, als er diesen surrealen Festzug schrieb, die 11-minütige Tour de Force, die seinen Klassiker Highway 61 Revisited von 1965 abschließt. „Ich saß auf dem Rücksitz eines Taxis“, sagte Dylan 1969 dem Rolling Stone auf die Frage, wo er den Song geschrieben habe. „Die Zeit von ‚Desolation Row‘, diese Art von New Yorker Zeit, als alle Songs ‚Stadtlieder‘ waren.“ (Wenn man bedenkt, dass „Desolation Row“ nur 11 Minuten dauert, ist das eine lange Taxifahrt.) Zu seinen Außenseitern gehören Aschenputtel, Romeo, Ophelia, Casanova, Kain und Abel, Einstein als Robin Hood verkleidet. Und Dylan selbst, der ewige Außenseiter. „Ich betrachte mich nicht als Außenseiter“, sagte er damals. „Ich betrachte mich einfach als nicht da.“
82 Adele, „Rolling in the Deep“
2011
„Der Beat des Songs war mein Herzschlag … er baute sich einfach immer weiter auf“, sagte Adele über das wogende Soul-Rumpeln, das sie bei dem Song, der ihr Markenzeichen wurde, begleitete. Die Sängerin, die von einer schlimmen Trennung geplagt war und darum kämpfte, den richtigen künstlerischen Ansatz für ihr zweites Album zu finden, traf sich mit dem Produzenten Paul Epworth, der sie ermutigte, ihre tiefsten Emotionen zu nutzen. Um den passenden dröhnenden Effekt zu erzielen, setzte Epworth eine Marschkapelle als Kick-Drum ein, um den Groove zu verstärken. Aber die Kraft des Songs war ganz allein Adele zu verdanken, deren Demo-Stimme es in den fertigen Track schaffte. Epworth sagte dem Rolling Stone über die „Rolling in the Deep“-Session: „Sie war offensichtlich ziemlich zerbrechlich und sprach sehr offen über das, was passiert war. Aber sie hatte Feuer in ihrem Bauch“.
81 The Velvet Underground, „I’m Waiting for the Man“
1967
Mit dieser Explosion des New Yorker Straßenlebens waren die Velvets ihrer Zeit voraus. Im Sommer der Liebe, als die Hippie-Köpfe noch voller Kristallvisionen waren, erzählte Lou Reed, wie er sich in Harlem Heroin im Wert von 26 Dollar besorgte. „Alles an diesem Song ist wahr“, sagte Reed, „außer dem Preis.“ Reed und Sterling Morrison verprügeln das böse Riff mit gezackten R&B-Gitarren, die zu einer Proto-Punk-Bedrohung verzerrt werden. John Cale bringt es mit seinem eintönigen Klavierspiel auf den Punkt. Innerhalb weniger Jahre war die Welt voll von Bands, die versuchten, so fies zu klingen.
80 Ray Charles, „What’d I Say“
1957
„Die Leute drehten einfach durch und liebten dieses kleine ‚ummmmh, unnnnh'“, sagte Ray Charles 1978 dem Rolling Stone und beschrieb damit die unmittelbare Entstehung von „What’d I Say“, seiner ersten Top-10-Popsingle. Er schrieb „What’d I Say“ buchstäblich vor einem Publikum. Er und sein erstklassiges R&B-Orchester, das kürzlich durch eine weibliche Gesangsgruppe, die Raelettes, ergänzt wurde, spielten eine Marathon-Tanzshow in einer kleinen Stadt in der Nähe von Pittsburgh. Als Charles gegen Ende des zweiten Sets das Repertoire ausging, begann er mit einem aufsteigenden Bass-Arpeggio auf dem Klavier, sagte der Band, sie solle ihm folgen, und wies die Raelettes an: „Was immer ich sage, macht es mir nach.“ Danach, so Charles, stürmten die Tänzer auf ihn zu und fragten: „Wo kann ich diese Platte kaufen?“
79 Amy Winehouse, „Back to Black“
2006
„Es ist eine ständige Sache für mich, mich zu verbessern“, sagte Winehouse, bevor sie sich an die Arbeit an „Back to Black“ machte. „Ich habe jetzt ein klares Ziel, eine Platte mit dem zu machen, was ich in meinem Kopf höre … und ich will keine Streicher.“ Die großartigen, melodramatischen Girlgroup-Platten der frühen Sechzigerjahre wurden zur perfekten Kulisse für ihre aktualisierten Geschichten von On-Again, Off-Again-Romanzen und Verrat, während das bewusst retro gehaltene Arrangement dem Song eine filmische Gravitas verlieh (die sie durch die Verwendung einer Bienenstockfrisur noch verstärkte). Winehouse‘ Stimme passt zu dem schwermütigen Klavier und den Pauken, stoisch und schmerzhaft, hart und scharf. „Das, was mich immer angetrieben hat“, sagte sie, „[sind] Beziehungen und wie beschissen sie werden können“.
78
1967
Bevor sie „Reach Out (I’ll Be There)“ schrieben, führte das Songwriter-Team Holland-Dozier-Holland lange Diskussionen darüber, was Frauen wollen. „Wir waren uns alle drei einig, dass sie sich jemanden wünschen, der für sie da ist, durch dick und dünn geht und auf Abruf zur Verfügung steht“, sagte Lamont Dozier einmal. Die wirklich brillante Wendung war jedoch der Kontrast zwischen den apokalyptischen Strophen und dem engelsgleichen Refrain, der von Levi Stubbs gesungen wurde, der sich anhörte, als würde er sich für die Frau, die er liebt, über Glasscherben schleppen. „Eddie [Holland] erkannte, dass es sich anhörte, als würde jemand leiden, wenn Levi den oberen Teil seines Stimmumfangs erreichte, also ließ er ihn genau dort singen“, sagte Duke Fakir von den Tops einmal. „Man konnte die Tränen in seiner Stimme hören.“
77 The Modern Lovers, „Roadrunner“
1976
Jonathan Richman war ein gewöhnlicher Streber aus einem Bostoner Vorort, aber er machte „Roadrunner“ zum ultimativen Garagenrock-Roadtrip. Es ist eine ekstatische Zwei-Akkord-Hommage an die Fahrt auf dem Highway, nur ein einsamer Junge in einem Auto mit laufendem Radio. „Die High School und ich haben uns nicht verstanden“, sagte Richman 1976. „Also hörte ich Velvet Underground, ließ mich inspirieren, nahm die Gitarre in die Hand und terrorisierte das Publikum mit meiner Vier-und-ein-Drittel-Noten-Stimmlage.“ Er wurde zu einem wichtigen Einfluss des Punk, auch wenn er über gesunde Ernährung sang, seine Eltern mochte und keine Drogen nahm. Dieses Demo von 1972 (mit späteren Mitgliedern der Talking Heads und der Cars) wurde erst vier Jahre später veröffentlicht. Aber „Roadrunner“ hat seither die Geschwindigkeitsbegrenzungen überschritten.
76 Johnny Cash, „I Walk the Line“
1956
Cash begann mit der Arbeit an diesem Stück, als er mit der Air Force in Deutschland war, Jahre bevor er jemals ein Studio betreten würde. Er kehrte zu dem Stück zurück, nachdem er mit „Folsom Prison Blues“ einen Hit gelandet hatte, nur um festzustellen, dass das ursprüngliche Band verstümmelt worden war. Aber Cash gefiel der seltsame Klang und er fügte einen Klick-Klack-Rhythmus hinzu, indem er ein Stück Wachspapier durch seine Gitarrensaiten wickelte. Sam Phillips ließ ihn dann den Song, der ursprünglich eine Ballade war, zu einem treibenden Rumpeln beschleunigen. „Es war anders als alles andere, was man je gehört hatte“, sagte Bob Dylan dem Rolling Stone. „Eine Stimme aus der Mitte der Erde.“
75 Pulp, „Common People“
1996
Die britische Pop-Legende Jarvis Cocker hat mehr Seele und Schwung beim Ausatmen einer Rauchwolke als die meisten Sänger in ihrer gesamten Karriere. Seine Band Pulp trieb sich jahrelang in der britischen Indie-Szene herum, bis sie in den Neunzigern mit „Common People“ aufflog. Cocker singt über eine vornehme Kunststudentin, die ihm sagt: „Ich möchte mit gewöhnlichen Leuten wie dir schlafen.“ (Seine Antwort? „Ich werde sehen, was ich tun kann.“) Es ist eine witzige Satire auf den Klassentourismus, aber auch eine trotzige Geschichte darüber, dass man sich sein ganzes Leben lang wie ein Ausgestoßener fühlt. „Common People“ war 1995 ein großer britischer Hit – und wird im Laufe der Jahre immer beliebter.
74 Leonard Cohen, „Hallelujah“
1984
Leonard Cohens „Hallelujah“ beginnt mit einer Bibelstelle und endet mit dem Bekenntnis eines gebrochenen Mannes, der sich an das einzige Wort klammert, in dem noch Hoffnung für ihn steckt. „Ich wollte zeigen, dass das Halleluja auch aus Dingen kommen kann, die nichts mit Religion zu tun haben“, sagte er einmal. Das Lied selbst schlug eine geheime Saite bei den Zuhörern an und wurde über die Lippen von John Cale, Jeff Buckley und Bob Dylan wiedergeboren. „Der einzige Moment, in dem man in diesen absolut unversöhnlichen Konflikten bequem leben kann, ist der Moment, in dem man alles umarmt und sagt: ‚Seht, ich verstehe überhaupt nichts – Halleluja!'“ sagte Cohen. „Das ist der einzige Moment, in dem wir hier voll und ganz als menschliche Wesen leben.“
73 Beyoncé, „Formation“
2016
Als Beyoncé 2016 „Formation“ veröffentlichte, war das Beben unmittelbar und unüberhörbar. Sie stellte den Song am Vorabend ihres Auftritts beim Super Bowl 50 vor, bei dem sie das Publikum mit Dutzenden von Tänzern, die wie Black Panther gekleidet waren, begeisterte (und erschreckte). Damit war der Weg frei für das Video, das gegen die Brutalität der Polizei protestierte und den Zorn der Polizeigewerkschaften auf sich zog. Und dann kam der Song selbst, in dem Beyoncé auf ihre Südstaatenwurzeln anspielte und erklärte: „My daddy Alabama/My ma Louisiana/You mix that Negro with that Creole/Make a Texas bama“ zum federleichten Synthesizer von Hip-Hop-Superproduzent Mike WiLL Made-It. Es war ein komplettes Paket schwarzer radikal-feministischer Selbstbehauptung.
72 The Beatles, „Yesterday“
1965
Paul McCartneys größte Ballade hält den Guinness-Weltrekord als meist aufgenommener Song aller Zeiten. Sieben Jahre nach seiner Veröffentlichung gab es bereits 1.186 Versionen von so unterschiedlichen Künstlern wie Frank Sinatra, Otis Redding und Willie Nelson. McCartney sprach den Song mit dem Arbeitstitel „Scrambled Eggs“ im Januar 1964 in einem Hotelzimmer in Paris – noch bevor die Beatles in Amerika gelandet waren – für George Martin vor, nahm ihn aber erst anderthalb Jahre später auf. „Es war uns ein wenig peinlich“, gestand McCartney. „Wir waren eine Rock’n’Roll-Band.“ Yesterday“ wurde eine Nummer Eins Single in Amerika und war, in seinen eigenen Worten, „der vollständigste Song, den ich je geschrieben habe.“
71 Tracy Chapman, „Fast Car“
1988
Chapman wurde mit „Fast Car“, einer eindringlichen Betrachtung von Armut und Flucht, zu einem unwahrscheinlichen Star, der einen Nerv berührte und ihre nüchterne akustische Folkmusik auf MTV brachte. Als Veteranin der Bostoner Kaffeehauskonzerte (sie erhielt einmal einen Ablehnungsbescheid für ein Demoband, in dem sie aufgefordert wurde, ihre Gitarre zu stimmen) fand sich Chapman plötzlich in den Top 10 und mit einem Grammy wieder. „So viele Leute kamen zu mir und sagten, dass sie das Gefühl hatten, es sei ihr Song, und irgendwann sagte mir jemand, dass er dachte, ich hätte seine Post gelesen“, sagte sie einmal. „Sie sagten: ‚Sie scheinen meine Geschichte zu kennen.'“
70 Elvis Presley, „Suspicious Minds“
1969
Als der Produzent Chips Moman Presley 1969 diesen Song vorstellte, war der Sänger, wie es im Text heißt, „in einer Falle gefangen“ – eine Geldkuh, die von seinem Label und seinen Anhängern trocken gemolken wurde. Vielleicht war Presley deshalb davon überzeugt, dass er den Song in einen großen Soul-Hit verwandeln konnte, obwohl er 1968 für den Singer-Songwriter Mark James ein Flop war. Suspicious Minds“ – die letzte Nummer-Eins-Single seines Lebens – wurde zwischen vier und sieben Uhr morgens während der bahnbrechenden Memphis-Session aufgenommen, die den King auf den Thron zurückbrachte, und ist Presleys Meisterwerk: Er singt so intensiv durch die Ausblendung, dass seine Band für eine weitere Minute des tränenreichen Refrains zurückkehrt.
69 Taylor Swift, „All Too Well“
2012
„Es war ein Tag, an dem ich wie ein gebrochener Mensch zur Probe ging und mich einfach nur schrecklich fühlte, was in meinem Privatleben vor sich ging“, sagte Swift dem Rolling Stone und erinnerte sich an die Entstehung von „All Too Well“. Sie improvisierte den Text über die Akkorde, die sie geschrieben hatte, während ihre Begleitband sich hinter sie stellte. „Sie konnten sehen, dass ich das wirklich durchmachte.“ Das ursprünglich 10 Minuten lange „All Too Well“ wurde von Swift und ihrer Co-Autorin Liz Rose zu einer fein geschliffenen Reflexion über eine vergangene Liebe, voller unvergesslicher Bilder und Details, zusammengefügt. „Ich dachte, es sei zu dunkel, zu traurig, zu intensiv, einfach zu viel“, sagte Swift. Aber es wurde zu einem Höhepunkt des Songwritings und zu einem der größten Trennungslieder aller Zeiten.
68 Chic, „Good Times“
1979
Für Chic war Disco mehr als nur ein Beat – es war ein „neuer Geisteszustand“. Gitarrenmeister Nile Rodgers und Bassist Bernard Edwards ließen sich vom Glam Art Rock von Roxy Music sowie von Jazz und R&B inspirieren. Rodgers sagte: „Wir teilten afrobromantische Träume davon, wie es wäre, echte künstlerische Freiheit zu haben.“ „Good Times“ verwandelte diese Träume in ein utopisches Disco-Fest. Es ist ein hedonistischer Seventies-Roller-Boogie-Hit mit einer ironischen Note, während Edwards eine der einflussreichsten Basslinien der Geschichte spielt. Es ist der Bass, der die Hip-Hop-Ära einleitete – die Sugarhill Gang rappte darüber für „Rapper’s Delight“, während Grandmaster Flash ihn in „Wheels of Steel“ verwendete.
67 Bob Dylan, „Tangled Up in Blue“
1975
Als Dylan 1978 „Tangled Up in Blue“ auf der Bühne vorstellte, beschrieb er es als einen Song, für den er „10 Jahre zum Leben und zwei Jahre zum Schreiben“ gebraucht hatte. Es ist immer noch eines seiner am häufigsten gespielten Live-Stücke. Es war der sechsminütige Opener von Blood on the Tracks, den er schrieb, als seine erste Ehe in die Brüche ging. Dylan lässt sich von klassischen Country-Sängern wie Hank Williams und Lefty Frizzell inspirieren und erzählt die Geschichte eines treibenden Herzens, das in den sechziger und siebziger Jahren unterwegs war. Dylan hat den Song im Laufe der Jahre immer wieder überarbeitet; auf Real Live von 1984 spielt er mit den Akkorden und dem Text, um eine ganz neue Geschichte zu erzählen.
66 Simon & Garfunkel, „Bridge Over Troubled Water“
1970
Als Simon diese Hommage an die Freundschaft schrieb, stritten er und Garfunkel über alles, sogar darüber, wer sie singen sollte. „Er meinte, ich hätte es machen sollen“, sagte Simon. „Es tut mir oft leid, dass ich es nicht getan habe.“ Die Strophe „Sail on, silver girl“ war Garfunkels Idee; Simon hat sie nie gemocht. Die Melodie stammt von einem Bach-Choral und die Titelphrase von einem Lied der Swan Silvertones, einer Gospelgruppe aus West Virginia, aus den sechziger Jahren. „Ich glaube, ich habe es tatsächlich gestohlen“, sagte Simon zu Dick Cavett, als „Bridge Over Troubled Water“ die Nummer Eins in Amerika war und diese Position sechs Wochen lang hielt. Später zahlte er dem Sänger der Silvertones, Claude Jeter, 1.000 Dollar, um sich zu bedanken.
65 Earth, Wind, and Fire, „September“
1978
Earth, Wind, and Fire waren auf ihrem kommerziellen Höhepunkt, als sie im Herbst 1978 ins Studio gingen, um „September“ als Bonustrack für The Best of Earth, Wind & Fire, Vol. 1 aufzunehmen. Der nostalgische Song über eine perfekte September-Romanze wurde von EWF-Gitarrist Al McKay, Bandleader Maurice White und Songwriter Allee Willis geschrieben, der Whites Hinzufügungen von „Ba-du-da“ und „Ba-dee-ya“ im Song hasste. „Ich brauchte etwa einen Monat, um Allee zu beruhigen“, schrieb White in seinen Memoiren. „Sie empfand es als eine Beleidigung ihrer Fähigkeiten als Texterin….. So sehr ich mich auch bemühte, ich konnte ihr nicht begreiflich machen, dass es bei guter Musik vor allem auf die Stimmung ankommt.“ Wahrscheinlich beruhigte sie sich, als der Song Platz eins der R&B-Charts und Platz acht der Hot 100 erreichte.
64 Ramones, „Blitzkrieg Bop“
1976
In weniger als drei Minuten hat dieser Song die Blaupause für den Punkrock geschaffen. Im ersten Stück des Debüts der Ramones ist alles enthalten: die Akkorde, die Johnny auf seiner 50-Dollar-Mosrite-Gitarre spielte, die rotzigen Worte von Schlagzeuger Tommy (Bassist Dee Dee fügte die brillante Zeile „Shoot ‚em in the back now“ hinzu) und der Gesang, den Joey mit einem falschen britischen Akzent vortrug, der einem die Haare zu Berge stehen ließ. Ausgerechnet in der New Yorker Radio City Music Hall billig aufgenommen, schaffte es „Blitzkrieg Bop“ nie in die Charts; stattdessen schuf es fast im Alleingang eine Welt jenseits der Charts. Der Anpfiffgesang – „Hey! Ho! Los geht’s!“ – ist inzwischen eine eigene Hymne bei Sportveranstaltungen im ganzen Land.
63 Dolly Parton, „Jolene“
1974
Als Parton 1974 „Jolene“ aufnahm, war sie vor allem als Fernsehpartnerin von Porter Wagoner bekannt, obwohl sie bereits den Hit „Coat of Many Colors“ geschrieben hatte. „Jolene“ zeigte, wie sie dem traditionellen Country ihren Stempel aufdrücken konnte. Die Jolene, die den Song inspirierte, war eigentlich eine junge Autogrammjägerin: „Ich sagte: ‚Sie sind das hübscheste kleine Ding, das ich je gesehen habe. Wie heißt du denn?‘ Und sie sagte: ‚Jolene.'“ Die Idee zum Text des Liedes kam Parton nach zu vielen Begegnungen mit einer flirtenden Bankangestellten: „Sie war schrecklich in meinen Mann verknallt. Und er liebte es, zur Bank zu gehen, weil sie ihm so viel Aufmerksamkeit schenkte. Es war so etwas wie ein Running Gag zwischen uns.“
62 U2, „One“
1992
Achtung Baby war das Album, auf dem U2 ein Jahrzehnt der Ernsthaftigkeit gegen Ironie eintauschten, aber der neue Ansatz führte zu ihrer bisher bewegendsten Single. „One“ wurde aus einem anderen Song, „Mysterious Ways“, ausgegliedert, als The Edge zwei Ideen für die Bridge hatte und Bono eine davon so gut gefiel, dass er einen neuen Text schrieb. Auch wenn manche es als Liebeslied verstehen, sind die Worte voller Schmerz und Zweideutigkeit. „Die Leute haben mir erzählt, dass sie es auf ihrer Hochzeit spielen“, sagte The Edge. „Und ich denke: ‚Haben Sie sich den Text angehört? Es ist nicht diese Art von Lied.'“
61 Led Zeppelin, „Stairway to Heaven“
1971
Alle epischen Hymnen müssen sich an „Stairway to Heaven“, dem Eckpfeiler von Led Zeppelin IV, messen lassen. Das akustische Intro klingt geradezu elisabethanisch, dank des Blockflötensolos von John Paul Jones und des fantasievollen Textes von Robert Plant, der teilweise von Lewis Spence‘ historischem Werk Magic Arts in Celtic Britain inspiriert wurde. Über acht Minuten geht der Song in ein wütendes Jimmy Page-Solo über, das das Himmelstor stürmt. Page sagte, der Song „kristallisierte die Essenz der Band heraus. Er enthielt alles und zeigte uns von unserer besten Seite. Es war ein Meilenstein. Jeder Musiker möchte etwas von bleibender Qualität machen, etwas, das lange Zeit Bestand hat. Das haben wir mit ‚Stairway‘ geschafft.“
60 Kate Bush, „Running Up That Hill“
1985
Der Song hieß ursprünglich „A Deal With God“. Bush änderte den Titel, nachdem sein Label befürchtete, dass er umstritten sein könnte. Der betreffende Deal: „Wenn der Mann die Frau sein könnte und die Frau der Mann … würden sie verstehen, wie es ist, die andere Person zu sein, und vielleicht würde das Missverständnisse ausräumen“, erklärte Bush einmal. Der Song, bei dem sie ihren futuristischen neuen Fairlight CMI-Synthesizer über einem rumpelnden LinnDrum-Beat einsetzte, während ihre ekstatische Stimme über einen Track hüpfte, der sich über den Horizont hinaus zu erstrecken schien, bildete den Auftakt zu ihrem enorm ehrgeizigen Album Hounds of Love aus dem Jahr 1985, einer der eindringlichsten Platten der Achtzigerjahre.
59 Grandmaster Flash & the Furious Five, „The Message“
1982
„The Message“ war ein Durchbruch im Hip-Hop, der die Musik von der Partyhymne zum Ghetto-Blues auf der Straße machte. Es begann als Gedicht des Schullehrers Duke Bootee; Sugar Hill-Chefin Sylvia Robinson beschloss, daraus eine Rap-Platte mit Melle Mel von den Furious Five zu machen. Flash sagte 1997: „Ich hasste die Tatsache, dass es als Grandmaster Flash and the Furious Five beworben wurde, denn die einzigen Leute auf der Platte waren Mel und Duke Bootee.“ Aber der Song mit seinem charakteristischen Future-Shock-Synthie-Riff und dem düsteren Text über den städtischen Verfall wurde im New Yorker Hip-Hop-Radio sofort eine Sensation. „Er wurde den ganzen Tag lang gespielt, jeden Tag“, sagte Flash. „Es brachte uns auf eine ganz neue Ebene.“
58 The Band, „The Weight“
1968
The Band war vor allem als Tourneegruppe von Bob Dylan bekannt, als sie sich in ein rosa Haus in Woodstock, New York, zurückzog, um ihr Debütalbum Music From Big Pink aufzunehmen. Im Mittelpunkt des Albums stand „The Weight“, eine kauzige Fabel über Schulden und Lasten, die von einem unauslöschlichen Refrain getragen wird. Robbie Robertson sagte, er sei zu dem Song inspiriert worden, nachdem er die Filme des Regisseurs Luis Buñuel über „die Unmöglichkeit der Heiligkeit“ gesehen hatte, aber Charaktere wie Crazy Chester hätten auch direkt aus einem alten Volkslied stammen können. Die biblisch klingende Zeile „pulled into Nazareth“ bezieht sich auf Nazareth, Pennsylvania, die Heimat der Martin Guitar Factory.
57 Sly and the Family Stone, „Family Affair“
1971
Als There’s a Riot Goin‘ On 1971 herauskam, erwähnte ein Reporter des Rolling Stone das Gerücht, dass Stone alle Instrumente selbst gespielt hatte, und er fragte Sly, wie viel er denn gespielt habe. „Das habe ich vergessen, Mann“, sagte Stone. „Was auch immer übrig war.“ Die Vorabsingle, die aquatische Funk-Nummer „Family Affair“, wurde weithin als ein Stück über seine Beziehungen zu seiner Band, seiner Familie und den Black Panthers angesehen. „Nun“, sagte Stone, „sie versuchen vielleicht, mich zu zerreißen; ich spüre das nicht. Darum geht es in dem Song nicht. In den Liedern geht es um eine Familienangelegenheit, ob sie nun das Ergebnis genetischer Prozesse oder einer Situation in der Umwelt ist.“
56 Missy Elliott, „Work It“
2000
Elliott und Timbaland waren auf dem Höhepunkt ihrer Karriere, als sie mit „Work It“ ihren größten Hit landeten. Dennoch blieben sie so hungrig und experimentierfreudig wie eh und je. Als sie den Song zum ersten Mal aufnahmen, sagte Tim etwas, was er ihr nie zuvor gesagt hatte: „Das ist es nicht.“ Also gingen sie zurück ins Studio. Dem Rolling Stone erzählte er: „Bei ‚Work It‘ habe ich sie viermal zurückgehen lassen. Denn ich sagte ihr: ‚Das ist es nicht. Das ist es nicht. Das ist es nicht.'“ Aber es hat sich ausgezahlt, als Elliott die Hook für die Rückwärtsstimme einfiel. „Als sie zu diesem Rückwärts-Teil kam, dachte ich: ‚Oh, wir sind hier raus. Wir sind fertig.‘ Wenn Sie einen tollen Kuchen backen, brauchen Sie den richtigen Zuckerguss darauf.
55 Madonna, „Like a Prayer“
1989
Nur Madonna konnte Liebe, Religion und Oralsex in einem sechsminütigen Gospel-Pop-Kraftpaket vereinen. Für sie ist „Like a Prayer“ „das Lied eines leidenschaftlichen jungen Mädchens, das so sehr in Gott verliebt ist, dass es fast so ist, als wäre er die männliche Figur in ihrem Leben.“ Der Song wurde als Teil einer Werbekampagne für Softdrinks veröffentlicht, die nach der Veröffentlichung des ostentativ blasphemischen Videos auf MTV zurückgezogen wurde. Pünktlich dazu verurteilte der Vatikan den Song, als ob er absichtlich seine Rolle bei der Vermarktung des Liedes spielen wollte. „Im Katholizismus wird man als Sünder geboren und ist es sein ganzes Leben lang“, sagte Madonna 1989. „Egal, wie Sie versuchen, davon wegzukommen, die Sünde ist die ganze Zeit in Ihnen.“
54 Smokey Robinson & the Miracles, „The Tracks of My Tears“
1965
Die Legende besagt, dass das Publikum in Tränen ausbrach, wenn Robinson und die Miracles „The Tracks of My Tears“ sangen. „Es hat ihre Emotionen angezapft“, sagte Warren „Pete“ Moore von den Miracles. Pete Townshend war besessen von der Art und Weise, wie Robinson das Wort „substitute“ ausdrückte („Although she may be cute/She’s just a substitute“). So besessen, sagte er, „dass ich beschloss, das Wort mit einem eigenen Song zu feiern“ – so kam er dazu, den Hit „Substitute“ von The Who aus dem Jahr 1966 zu schreiben. Als Robinson „Tears“ aufnahm, war es ein so klarer Gewinner, dass sogar der schwer zu befriedigende Motown-Gründer Berry Gordy es als Meisterwerk bezeichnete.
53 The Beach Boys, „Good Vibrations“
1966
„Dies ist ein sehr spiritueller Song“, sagte Brian Wilson nach der Veröffentlichung, „und ich wollte, dass er gute Schwingungen ausstrahlt.“ Wilson arbeitete noch immer an seinem Magnum Opus Pet Sounds, als er in der Nacht des 17. Februar 1966 bei Gold Star Recorders in Los Angeles mit Good Vibrations“ begann. Während der nächsten sieben Monate, in vier Studios und für mehr als 50.000 Dollar (zu diesem Zeitpunkt die größte Summe, die je für eine Single ausgegeben wurde), baute Wilson „Good Vibrations“ in Abschnitten auf und färbte die Stimmungsschwankungen mit einem Lokomotiv-Cello, einem Saloon-Piano und dem gespenstischen Heulen eines Theremins. „Wir dachten zunächst nicht daran, es in Stücken zu machen“, sagte Wilson Jahre später, „aber nach den ersten paar Takten der ersten Strophe wurde uns klar, dass dies eine andere Art von Platte werden würde.“
52 Donna Summer, „I Feel Love“
1977
Summer war nicht sonderlich beeindruckt, als ihr Co-Autor Giorgio Moroder „I Feel Love“ präsentierte. „Giorgio brachte mir diese Popcorn-Tracks, die er aufgenommen hatte, und ich sagte: ‚Was zum Teufel ist das, Giorgio?‘ Ich habe es sozusagen als Scherz fertiggestellt“, sagte sie 1978 dem Rolling Stone. Aber der Einfluss des Songs auf die Tanzmusik ist unermesslich. Moroders Entscheidung, die schwülstigen Orchestrierungen der Disco zugunsten eines pulsierenden Stroboskoplicht-Synth-Minimalismus aufzugeben (unterstützt von seinem erstklassigen Team von Münchner Studiomusikern), bereitete den Boden für Euro-Disco, Synth-Pop und eine ganze Welle elektronischer Musik, die folgen sollte. Als Brian Eno es zum ersten Mal hörte, sagte er zu David Bowie: „Ich habe den Klang der Zukunft gehört.“
51 Dionne Warwick, „Walk on By“
1964
Zu Beginn ihrer Karriere war Warwick eine Backgroundsängerin, die auch Demos für die Brill Building Songwriter Burt Bacharach und Hal David aufnahm. Dieser verzweifelte Klassiker festigte ihren Ruhm und krönte eine Reihe von Singles, in denen sie die flehende Geliebte spielte. Die niedergeschlagene Ballade zu einem Bossa Nova-Beat wurde ursprünglich auf die B-Seite von „Any Old Time of the Day“ gelegt, bis der New Yorker DJ Murray the K die Hörer aufforderte, über die beiden Seiten der Single abzustimmen. Der siegreiche Titel erklomm die Charts während der berauschenden Ausgelassenheit der Beatlemania, die eine ungewollte Folie für die unaufdringliche Beharrlichkeit von „Walk on By“ bot. „Ich habe den Kerl damals nicht sehr oft erwischt“, sagte Warwick.
