Die 500 besten Songs aller Zeiten
Die 500 besten Songs aller Zeiten – die ultimative Liste von ROLLING STONE.
150 Green Day, „Basket Case“
1994
Billie Joe Armstrong schrieb „Basket Case“, um die Panikstörung zu verarbeiten, die ihn in jungen Jahren geplagt hatte. „Der einzige Weg, den ich kannte, um damit umzugehen“, sagte er, „war, einen Song darüber zu schreiben.“ Der Song, der aus der Perspektive eines hibbeligen „melodramatischen Narren“ geschrieben ist, der nicht sagen kann, ob er paranoid oder bekifft ist, wurde Mitte der neunziger Jahre zu einem MTV-Favoriten und ist bis heute ein wichtiger Bestandteil der Live-Show von Green Day. „Es geht jetzt um andere Menschen“, sagte Armstrong 2014 dem Rolling Stone. „Wenn ich die Leute ansehe, während wir den Song spielen, haben sie ihren eigenen Moment. In diesem Moment bin ich das Publikum.“
149 Elton John, „Rocket Man“
1972
In der Zukunft, die Taupin sich vorstellte, als er 1971 begann, „Rocket Man“ für Elton John zu schreiben, sind Astronauten Arbeiter, die monatelang im Weltraum gefangen sind, ihre Familien verzweifelt vermissen und nicht einmal im Entferntesten verstehen, wie ihre Raumschiffe funktionieren. Inspiriert wurde er von einer Kurzgeschichte von Ray Bradbury aus dem Jahr 1951. Elton nahm seine Worte und verwandelte sie in eine mitreißende Hymne, die nach „Your Song“ sein zweiter Top-10-Hit wurde. „Es war ein Song mit einer Akustikgitarre, es war ein anderer Song für mich – es war ein einfacherer Sound“, sagte er dem Rolling Stone. „Ich war in ein Haus gezogen, ich war erfolgreich geworden, ich war so selbstbewusst, musikalisch.“
148 Led Zeppelin, „Kashmir“
1975
Während eines Urlaubs in Südmarokko schrieb Plant den Text für das ehrgeizigste Experiment von Led Zeppelin, das Herzstück von Physical Graffiti aus dem Jahr 1975. Während er durch die Wüste im Nordwesten Afrikas reiste, stellte sich Plant vor, dass er direkt nach Kaschmir an der indisch-chinesischen Grenze fahren würde. Währenddessen begannen Page und Bonham im Studio der Band im ländlichen England, an einem arabisch klingenden Akkordsatz zu riffen, der perfekt zu Plants Wüstenvision passen würde. „Der Song war größer als ich“, sagte Plant. „Ich war wie versteinert. Ich war den Tränen nahe.“ Das Streicherarrangement von John Paul Jones setzte dem Ganzen die Krone auf und steigerte die Grandezza des Songs auf Stadionrock-Ausmaße.
147 Fats Domino, „Blueberry Hill“
1956
„Blueberry Hill“ wurde erstmals 1940 von mehreren Künstlern aufgenommen, darunter Gene Autry und Glenn Miller. Aber Domino griff auf die Version von Louis Armstrong aus dem Jahr 1949 zurück, als ihm bei einer Session das Material ausging. Der Produzent Dave Bartholomew hielt das für eine schreckliche Idee, verlor aber den Streit. Das war auch gut so. Es wurde Dominos größter Hit und vergrößerte sein Publikum ein für alle Mal. Carl Perkins sagte später: „In den weißen Honky-Tonks, in denen ich gespielt habe, haben sie ‚Blueberry Hill‘ gespielt. Und die weißen Katzen tanzten zu Fats Domino.“
146 James Taylor, „Fire and Rain“
1970
Das Schreiben von „Fire and Rain“ war für Taylor wie eine Therapiesitzung. „Es ist wie drei Proben von dem, was ich durchgemacht habe“, erinnert er sich. Die erste Strophe schrieb er in seiner Londoner Wohnung, nachdem er vom Selbstmord seiner Freundin Suzanne Schnerr erfahren hatte. Die zweite Strophe handelt von seiner Drogensucht, während sich die letzte Strophe auf seinen Aufenthalt in einer psychiatrischen Einrichtung in Massachusetts bezieht. „Dieser Song hat eine Menge Spannungen abgebaut“, sagte er. „Es gab Dinge, die ich loswerden musste.“ In einer wichtigen Entscheidung wechselte der Schlagzeuger Russ Kunkel von den Sticks zu den Bürsten und trug so zu der sensiblen Stimmung bei.
145 Outkast, „Ms. Jackson“
2000
„Ms. Jackson“ ist eine Geschichte über eine gescheiterte Romanze, zerbrochene Träume und eine Familie, die in den chaotischen Folgen gefangen ist, umhüllt von einer der denkwürdigsten Hooks der Hip-Hop-Geschichte. Inspiriert von der Trennung von André 3000 und der Neo-Soul-Göttin Erykah Badu, ist der Song voller Unheil, aber im wirklichen Leben brachte er Outkast etwas Frieden. Darin appellieren Dré und Big Boi mit scharfen, verzweifelten Raps an die Mütter der Mütter ihrer Kinder. „Musik gibt Ihnen die Möglichkeit zu sagen, was Sie sagen wollen“, sagte André später. „Und [Badus] Mutter liebte es. Sie fragte: ‚Wo ist mein Verlagscheck?'“
144 The Rolling Stones, „Jumpin’ Jack Flash“
1968
Keith Richards hatte 1968 einen historischen Lauf. Er erforschte zum ersten Mal die offene D-Bluesgitarrenstimmung und entwickelte einige seiner dynamischsten Riffs. Er hörte zufällig ein Orgelstück, mit dem der Bassist Bill Wyman in einem Londoner Studio herumspielte, und verwandelte es in den unaufhaltsamen, aufgewühlten Puls von „Jumpin‘ Jack Flash“. Der Text wurde von Richards‘ Gärtner, Jack Dyer, inspiriert, der vorbeischlurfte, als der Gitarrist und Mick Jagger sich dem Ende einer nächtlichen Session näherten. „Wer ist das?“ fragte Jagger. „Jumpin‘ Jack“, antwortete Richards. Der Song entwickelte sich zu einem übernatürlichen Delta-Blues in Richtung Swinging London. Die Stones spielten ihn erstmals bei ihrer letzten Show mit Brian Jones.
143 The Clash, „London Calling“
1980
1979 erstickte Großbritannien in der Krise: steigende Arbeitslosigkeit, Rassenkonflikte, weit verbreiteter Drogenkonsum. „Wir hatten das Gefühl, dass wir uns abmühen mussten“, sagte Joe Strummer, „dass wir dabei waren, einen Abhang hinunterzurutschen, und uns mit den Fingernägeln festhielten. Und es war niemand da, der uns helfen konnte.“ Strummer und der Gitarrist Mick Jones kanalisierten diese Prüfungen und Sorgen in einen Song, der von Guy Stevens mit einer höllischen Atmosphäre produziert wurde und klang, als würden The Clash in die Schlacht ziehen: Strummer und Jones schlugen ihre Gitarren im metallischen Gleichklang mit Paul Simonons wummerndem Bass und Topper Headons gewehrknackendem Schlagzeugspiel. Der „nukleare Fehler“ bezog sich auf die Kernschmelze in einem Reaktor auf Three Mile Island in Pennsylvania im März 1979.
142 George Jones, „He Stopped Loving Her Today“
1980
Der Klassiker von George Jones aus dem Jahr 1980 ist einer der herzzerreißendsten Songs aller Zeiten. Er handelt von einem Mann, der jahrzehntelang hofft, dass seine wahre Liebe zu ihm zurückkehrt, aber das Wiedersehen findet erst auf seiner Beerdigung statt. Jones zögerte zunächst sehr, das Lied aufzunehmen, aber der Produzent Billy Sherrill bestand darauf. „Ich sah Billy direkt in die Augen“, schrieb Jones in seinen Memoiren, „und sagte: ‚Niemand wird diesen morbiden Mistkerl kaufen.'“ Jones freute sich, dass er eines Besseren belehrt wurde, als der Song auf Platz eins der Hot Country Song Charts landete. „Ich war zurück an der Spitze“, schrieb er. „Eine vier Jahrzehnte währende Karriere wurde durch einen dreiminütigen Song gerettet.“
141 Rod Stewart, „Maggie May“
1971
Stewart spielt in „Maggie May“ einen Schuljungen, der in eine ältere Verführerin verliebt ist – er behauptete, es sei „mehr oder weniger eine wahre Geschichte über die erste Frau, mit der ich Sex hatte.“ Der Song, eine Ergänzung in letzter Minute zu Every Picture Tells a Story, war ursprünglich die B-Seite von „Reason to Believe“. Stewart scherzte, wenn ein DJ die Single nicht umgedreht hätte, wäre er zu seinem alten Job zurückgekehrt: Gräber ausheben. Aber die rustikale Mandoline und die akustischen Gitarren des Songs – und Mickey Wallers unerbittliches Schlagzeugspiel – waren unüberhörbar. Der Song wurde Stewarts erster Top-40-Hit in den USA – und seine erste Nummer Eins.
140 Bob Marley & The Wailers, „No Woman No Cry“
1975
Vielleicht das beste Beispiel dafür, dass eine Live-Version die Studioaufnahme verdrängt und sich durchsetzt. Der Uptempo-Song „No Woman No Cry“ von Natty Dread aus dem Jahr 1975 ist zwar ganz nett, aber die schwungvolle, beschwörende Version von Live! aus dem Jahr 1975 – aufgenommen im Londoner Lyceum im Juli 1975 und eingefangen von der mobilen Aufnahmeeinheit der Rolling Stones – wurde sofort zu einem der beliebtesten Auftritte der Reggae-Legende. Der „Regierungshof in Trench Town“ bezieht sich auf das jamaikanische Sozialwohnungsprojekt, in dem Marley in den fünfziger Jahren lebte. Er gab seinem Freund aus Kindertagen, Vincent „Tata“ Ford, eine Gutschrift für das Songwriting, um Fords Suppenküche in Kingston am Laufen zu halten.
139 Madonna, „Vogue“
1990
Inspiriert von der Art und Weise, wie die Männer in den von ihr besuchten Schwulenclubs tanzten, schrieb Madonna einen Text, der den Akt des Posierens mit dem klassischen Hollywood-Glamour in Verbindung brachte. Der Produzent Shep Pettibone, der schon einige frühere Singles des Popstars neu abgemischt hatte, sorgte für einen wummernden Disco-Beat und einen Synthie-Bass. Später mischte er synkopische House-Piano-Einsätze hinzu, nachdem Madonna ihren Gesang in einem Keller in Manhattan aufgenommen hatte. Das Erstaunlichste daran? Sie haben das alles mit einem Budget von 5.000 Dollar gemacht, mit der Vorstellung, dass etwas so Gewagtes wahrscheinlich nur eine B-Seite sein könnte.
138 Blondie, „Heart of Glass“
1979
Blondie schrieben „Heart of Glass“ während ihrer Punk-Tage in der CBGB-Szene und nannten es sowohl „The Disco Song“ als auch „Once I Had a Love“, aber sie fanden erst bei den Sessions für Parallel Lines im Jahr 1979 einen Weg, den Song zum Laufen zu bringen, als sie sich von Donna Summer inspirieren ließen und ihn mit einer Roland-Drum-Maschine und einem Synthesizer ausprobierten. Es wurde ihr erster Nummer-Eins-Hit. „Viele Leute, mit denen wir in der Szene jahrelang eng befreundet waren, sagten, wir hätten uns mit einem Disco-Song verkauft“, erinnert sich Debbie Harry. „Es hat mich immer wütend gemacht, dass die Leute die Frechheit hatten, sich so dumm zu stellen.“
137 Ariana Grande, „Thank U, Next“
2019
Grande veröffentlichte „Thank U, Next“ etwas mehr als ein Jahr nach dem Anschlag auf ihr Konzert in Manchester, England, bei dem 22 Menschen ums Leben kamen. Im selben Jahr endete ihre Verlobung mit dem Komiker Pete Davidson und ihr Ex-Verlobter Mac Miller verstarb auf tragische Weise. „Sie hätte jeden beliebigen fluffigen Song veröffentlichen können“, sagte ihr Co-Autor Savan Kotecha dem Rolling Stone. „Aber sie war mutig genug zu sagen: ‚Ich werde darüber sprechen.'“ Das Ergebnis war „Thank U, Next“, ein Song, der mit Kraft und Anmut daherkommt und eine weise Perspektive auf die Arbeit des Weitermachens bietet, aus einem Ort tiefer Zentriertheit.
136 Otis Redding, „Try a Little Tenderness“
1966
Reddings Erkennungsmelodie hat einen unwahrscheinlichen Ursprung: ein sentimentaler Tin Pan Alley Standard aus den 1930er Jahren, der von Ray Nobles New Mayfair Dance Orchestra populär gemacht wurde. Redding verwandelte das Lied an der Seite von Booker T and the M.G.s in drei Aufnahmen von 1966, beginnend mit dem ewigen Bläser-Intro: „Dieses kleine Riff kam einfach aus dem Kopf von Otis und es ging in unsere Herzen und auf das Band“, sagte der Trompeter Wayne Jackson. Reddings Interpretation veränderte sowohl seine Karriere als auch den Kurs von Stax. Jim Stewart, der Chef des Labels, sagte: „Sie enthält alles, was Stax ausmacht oder ausmachte.“
135 The Beatles, „She Loves You“
1964
Lennon und McCartney begannen mit dem Schreiben dieses Songs in einem Tourbus, und George Harrison dachte sich die Harmonien aus, die George Martin „kitschig“ fand. Die Band überstimmte Martin bei den Harmonien, aber sie nahmen seinen Vorschlag an, den Song mit dem Jubelrefrain zu beginnen. Als McCartneys Vater den Song hörte, sagte er: „Sohn, es gibt genug Amerikanismen. Könntest du nicht einmal ‚Yes, yes, yes‘ singen?“ McCartney antwortete: „Du verstehst nicht, Dad. Es würde nicht funktionieren.“
134 Tina Turner, „What’s Love Got to Do With It“
1984
Der von dem britischen Duo Terry Britten und Graham Lyle geschriebene Song „What’s Love Got to Do With It“ wurde von Cliff Richard und Donna Summer abgelehnt, bevor Tina Turner ihn in die Hände bekam. Sie war 46 Jahre alt und wurde von vielen in der Branche als ein Jahrzehnt nach ihrer Blütezeit angesehen, aber sie erfüllte jedes Wort des Liedes mit Herzschmerz und Schmerz aus ihrem wahren Leben. Millionen Menschen fühlten sich angesprochen und der Song erreichte weltweit die Spitze der Charts und begründete eines der größten Comebacks der Rockgeschichte. „Es ist weder Rock’n’Roll noch R&B“, sagte Turner dem Rolling Stone gleich nach seinem Erscheinen. „Es ist ein bisschen von beidem.“
133 Journey, „Don’t Stop Believin“
1981
Als Jonathan Cain, der Keyboarder von Journey, ein kämpfender Musiker in der Szene von Los Angeles war, sagte sein Vater oft zu ihm: „Hör nicht auf zu glauben“. Er dachte an diesen Satz, als er sich hinsetzte, um mit Journey-Frontmann Steve Perry einen Song für deren 1981er LP Escape zu schreiben. Viele der Texte fielen ihnen nach einer Show in Detroit ein, als sie von ihrem Hotelzimmer aus auf Menschen blickten, die in der Nähe von hellen Straßenlaternen spazieren gingen. „Ich dachte: ‚Wow, Leute mit Straßenlaternen‘,“ sagte Perry dem Rolling Stone. „‚Das ist so cool.'“ Mit Hilfe des Gitarristen Neal Schon machten sie daraus einen der beständigsten Songs der achtziger Jahre.
132 Eric B. & Rakim, „Paid in Full“
1987
Der revolutionäre Kern dieses Tracks ist eine Strophe, in der Rakim mühelos die Vorlage für Gangsta-Rap knurrt, von der Überfallsprache („Don’t nothing move but the money“) bis hin zu düsteren Hoffnungen für die Zukunft („Search for a nine-to-five, if I strive/Then maybe I’ll stay alive“). Der von der Crew in Auftrag gegebene Dance-Remix von Coldcut, der ein Sample der israelischen Sängerin Ofra Haza über den klassischen Breakbeat legte (Soul Searchers‘ „Ashley’s Roachclip“), war ein weltweiter Hit, aber das Original ist die Seele des East Coast Hip-Hop. „Rap hat sich jetzt als Musik etabliert“, erklärte Rakim. „Früher dachten die Leute, es sei einfach nur Lärm.“
131 Ben E. King, „Stand by Me“
1961
King schrieb „Stand by Me“, als er noch der Leadsänger der Drifters war – aber die Gruppe wollte es nicht. Wie King sich erinnert, sagte der Manager der Drifters zu ihm: „Kein schlechter Song, aber wir brauchen ihn nicht.“ Aber nachdem King solo unterwegs war, nahm er „Stand by Me“ am Ende einer Session mit dem Produzenten Jerry Leiber wieder auf. „Ich habe ihm den Song gezeigt“, sagte King. „Ich habe ihn ein wenig am Klavier bearbeitet, er hat die Musiker ins Studio gerufen und wir haben ihn aufgenommen. Seitdem ist „Stand by Me“ ein Pop-Soul-Standard, der von John Lennon bis Green Day gecovert wurde.
130 Martha & The Vandellas, „Dancing in the Street“
1964
Gordy Stevenson, der Martha Reeves ihren ersten Job als Sekretärin gab, trat mit diesem Song an die Gruppe heran, nachdem er von der Motown-Labelkollegin (und zukünftigen Mrs. Stevenson) Kim Weston abgelehnt worden war. Das Trio stimmte zu, „Dancing in the Street“ als Demo aufzunehmen, wobei die Songwriter als Backgroundsänger fungierten. „Als Martha in den Song einstieg“, sagte Stevenson, „war das das Ende der Unterhaltung!“ Zu einem Backbeat, der wie ein Pistolenschuss kracht, erfindet Reeves die Welt als eine riesige Blockparty neu.
129 Drake feat. Majid Jordan, „Hold On, We’re Going Home“
2013
Dass Drake sein drittes Album Nothing Was the Same betitelt, ist selbst für ihn ungewöhnlich. Aber der Rapper, der die Charts anführt, ist in der Tat scharfsinnig. Mit diesem Album vollzog Drake den Wandel vom erfolgreichen Rap-Star zum globalen Kraftpaket. Auf der Single „Hold On, We’re Going Home“ kanalisiert er die zeitlosen Hits der Großen der vorherigen Generation – so etwas wie OVOs Interpretation des Quincy Jones der Thiller-Ära. Drake sagte damals sogar zu MTV, dass er dachte, der Song sei eher für Hochzeiten als für den Club geeignet. Er hat Recht. „Hold On, We’re Going Home“ hat den anhaltenden Reiz eines Hits aus den späten Achtzigern.
128 Led Zeppelin, „Whole Lotta Love“
1969
Die Mitglieder von Led Zeppelin entwickelten ihren Sound, indem sie mit Blues-Standards jammten und sie zu psychedelischen Orgien ausdehnten. „Whole Lotta Love“ war eine Hommage an den Chicago-Blues-Songwriter Willie Dixon, basierend auf dessen „You Need Love“, einer Single von Muddy Waters aus dem Jahr 1962 (obwohl Robert Plant auch Zitate aus Songs einfügte, die Dixon für Howlin‘ Wolf schrieb). Die Urheberrechtsfragen wurden erst 1985 geklärt, als Dixon rechtliche Schritte einleitete und seinen rechtmäßigen Anteil an den Credits für „Whole Lotta Love“ erhielt. „[Jimmy] Page’s Riff war Page’s Riff“, sagte Plant. „Ich dachte nur: ‚Was soll ich denn singen? Das war’s, ein Kniff. Jetzt ist er zum Glück bezahlt.“ Page sagte: „Normalerweise sind meine Riffs verdammt originell. Was soll ich sagen?“
127 TLC, „Waterfalls“
1995
Das R&B-Trio TLC musste darum kämpfen, dass dieser Hit die Unterstützung des Unternehmens bekam, die er verdiente. Clive Davis, der Präsident ihres Labels Arista, war kein Fan von „Waterfalls“, das ein Riesenhit aus ihrem Megaplatin-Album CrazySexyCool werden sollte. TLC baten um ein Videobudget, um die mahnenden Geschichten und die hoffnungsvolle Botschaft der Ballade besser vermitteln zu können. In einer gewagten Geste thematisierte „Waterfalls“ HIV/AIDS in einem Jahr, in dem mehr als 50.000 Amerikaner der Krankheit erlagen. Mit 1 Million Dollar und Regisseur F. Gary Gray drehten TLC schließlich ein beeindruckendes Video und gewannen als erste schwarze Band das Video des Jahres bei den MTV Video Music Awards.
126 George Michael, „Freedom! ’90“
1990
George Michael hatte genug von seinem Leben als Pin-up-Idol und schüttete seine Frustration in „Freedom! ’90“, das mit einem Sample von James Browns Klassiker „Funky Drummer“ von 1970 eine Anspielung auf den Hip-Hop enthielt. „Ich bin nach Hause gegangen und habe mir ein neues Gesicht für die Jungs auf MTV zugelegt“, sang er. „Aber heute muss sich die Art und Weise, wie ich das Spiel spiele, ändern / Jetzt werde ich mich selbst glücklich machen. Um das zu verdeutlichen, weigerte er sich, in dem Video aufzutreten (und engagierte die Supermodels Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Christy Turlington und Cindy Crawford für die Lippensynchronisation seiner Rolle) und fackelte buchstäblich die ikonische Lederjacke, die Jukebox und die Gitarre aus seiner Faith-Zeit ab.
125 Sex Pistols, „Anarchy in the U.K.“
1977
Die Sex Pistols wollten in Großbritannien einen nationalen Skandal auslösen, was ihnen mit ihrer ersten Single auch gelang. Steve Jones ließ seine Gitarre wie eine Kneipenschlägerei klingen, während Johnny Rotten knurrte, spuckte und kicherte, sich selbst zum Antichristen erklärte und den Song mit der Aufforderung an seine Fans beendete: „Get pissed/Destroy!“ EMI, die Plattenfirma der Sex Pistols, zog „Anarchy in the U.K.“ zurück und ließ sie fallen, was sie nur noch berüchtigter machte. „Ich verstehe das nicht“, sagte Rotten 1977. „Wir versuchen doch nur, alles zu zerstören.“
124 Buddy Holly, „That’ll Be the Day“
1957
Der Song wurde im Februar 1957 in Clovis, New Mexico, aufgenommen und erhielt seinen Titel von einer wiederkehrenden Zeile aus dem John Wayne-Film The Searchers. „Wir haben ‚That’ll Be the Day‘ nur als Demo aufgenommen, um es nach New York zu schicken, nur um zu sehen, ob ihnen der Sound der Gruppe gefällt – nicht für eine Master-Aufnahme“, erinnert sich Crickets-Schlagzeuger Jerry Allison. „Wir sind also einfach hingegangen, haben uns eingerichtet und den Song durchgespielt.“ Allison schreibt Hollys Gitarrenarbeit bei „That’ll Be the Day“ dem Einfluss des New Orleans-Bluesers Lonnie Johnson zu.
123 Talking Heads, „This Must Be The Place (Naive Melody)“
1983
Die Ursprünge dieses Talking Heads-Klassikers gehen auf ein grobes Instrumentalstück zurück, an dem die Band schon seit einiger Zeit gearbeitet hatte. „Das ursprüngliche Basisstück hieß ‚Naive Melody‘, weil die Melodie naiv klang“, erklärte Schlagzeuger Chris Frantz später. Der Text von David Byrne stellte für den Talking Heads-Frontmann eine neue Ebene emotionaler Ehrlichkeit und Direktheit dar. „Es ist ein wirklich ehrliches Liebeslied“, sagte Byrne. „Ich habe versucht, ein Lied zu schreiben, das nicht kitschig ist, das nicht dumm oder lahm klingt, wie es viele tun. Ich glaube, das ist mir gelungen.“
122 The Impressions, „People Get Ready“
1965
„Es war die Musik eines Kriegers“, sagte der Bürgerrechtler Gordon Sellers. „Es war Musik, die man hörte, während man sich auf den Kampf vorbereitete.“ Curtis Mayfield schrieb die gospelgetriebene R&B-Ballade, wie er sagte, „in einer tiefen Stimmung, einem spirituellen Zustand“, kurz vor dem Marsch von Martin Luther King Jr. auf die Heimatstadt der Impressions, Chicago. Kurz nach der Veröffentlichung von „People Get Ready“ begannen die Kirchen in Chicago, ihre eigene Version des Songs in die Liederbücher aufzunehmen. Mayfields Version des Liedes endete mit „You don’t need no ticket/You just thank the Lord“, aber die Wiedergabe der Kirchen machte den Text ironischerweise weniger christlich und universeller: „Everybody wants freedom/This I know.“
121 The Beatles, „Let It Be“
1970
Inspiriert vom kirchlich geprägten Soul von Aretha Franklin begann ein ängstlicher Paul McCartney 1968 mit dem Schreiben von „Let It Be“ und präsentierte den anderen Beatles während der katastrophalen Let It Be-Proben im Januar 1969 eine Rohfassung. John Lennon war brutal abweisend und verwechselte McCartneys säkularen Humanismus mit selbstgerechter Frömmigkeit. Dennoch gaben sich die Beatles besondere Mühe mit dem Song und nahmen ihn am 31. Januar – dem Tag nach ihrem letzten Live-Auftritt – auf dem Dach des Apple-Büros in London perfekt auf. Vier Monate später veröffentlicht, wurde „Let It Be“ tatsächlich zu einer Elegie für die Band, die die Sechziger Jahre definiert hatte.
120 X-Ray Spex, „Oh Bondage! Up Yours!“
1977
Mit ihrer eine Zahnspange tragenden, gemischtrassigen Sängerin Poly Styrene und der Saxophonschredderin Laura Logic, die gerade einmal 16 Jahre alt war, als sie der Band beitrat, sahen X-Ray Spex aus und klangen wie nichts anderes in der Londoner Punkszene. Und ihre legendäre Debütsingle ist nach wie vor das größte Statement des Punks zur antikonsumistischen Revolution. „Ich glaube, [Poly] hatte das Gefühl, dass jeder in einer Art von Knechtschaft lebte – eingeschränkt, erdrückt und entfremdet von der modernen materialistischen Gesellschaft“, erinnerte sich Logic später. „Das Ziel unserer Gesellschaft ist die Befriedigung der Sinne – das ist der einzige Preis, der angeboten wird. Aber man kann die Sinne niemals befriedigen; es ist ein unmögliches Ziel.“
119 Marvin Gaye, „I Heard It Through the Grapevine“
1968
Der Motown-Produzent Norman Whitfield hatte den Ruf, denselben Song mit mehreren Künstlern aufzunehmen und dabei jedes Mal das Arrangement zu ändern. Das verärgerte einige Künstler des Labels, aber hin und wieder hatte er eine gute Idee – so wie bei Gayes 1968er Version von „Grapevine“, die im Jahr zuvor ein Hit für Gladys Knight gewesen war. Whitfield und sein Co-Autor Barrett Strong legten das Stück in ein langsameres, geheimnisvolleres Tempo, und der Song – gegen dessen Aufnahme sich Gaye zunächst sträubte – wurde zur meistverkauften Motown-Single des Jahrzehnts.
118 Radiohead, „Creep“
1992
„Ich war nicht sehr glücklich mit dem Text; ich fand ihn ziemlich beschissen“, sagte Thom Yorke 1993 dem Rolling Stone. Er hatte den Song im College geschrieben, bevor es Radiohead gab. Aber „Creep“ hatte die richtige Note von Post-Nirvana-Miserabilismus und brachte die Band in die US-Charts. Der Gitarrist Jonny Greenwood gab später zu, dass er den Erfolg nach „Creep“ als „lähmend“ empfand, aber Radioheads Erfahrung mit dem Ruhm von der Stange spielte eine Rolle dabei, die Band zu anspruchsvollen Alben wie OK Computer und Kid A zu treiben, die zu den bahnbrechendsten Rockwerken der letzten 50 Jahre gehören.
117 Aretha Franklin, „I Say a Little Prayer“
1968
Franklins Übernahme dieses perfekt ausgearbeiteten Juwels von Burt Bacharach und Hal David ist einer der großen glücklichen Zufälle der Popgeschichte. Dionne Warwick war die erste, die den Song ausschnitt, in dem es um eine Frau geht, die sich nach ihrem Partner sehnt, der nach Vietnam verschifft wurde. Damit hätte die Geschichte eigentlich enden sollen, aber Franklin wollte den Song selbst aufnehmen (trotz der Proteste des Produzenten Jerry Wexler, der der Meinung war, dass Franklins Version zu früh nach Warwicks Version herauskommen würde). Selbst dann war es zunächst eine B-Seite. Aber die verschmitzte Freude in Franklins Vortrag, kombiniert mit dem geschmeidigen Arrangement des Songs, konnte nicht geleugnet werden – selbst Bacharach nannte Franklins Version „endgültig“.
116 Rob Base & DJ E-Z Rock, „It Takes Two“
1988
Rob Base und DJ E-Z Rock hatten bescheidene Hoffnungen für „It Takes Two“. Vielleicht würde es ein Hit im Nordosten der USA werden, dachten sie. Aber das fröhliche Pop-Rap-Opus wurde über Nacht zum Hit, dank seiner ansteckenden Positivität und dem energiegeladenen Sample von Lyn Collins‘ von James Brown produziertem Funk-Soul-Knaller „Think (About It)“ von 1972. „Eines Tages machten wir kleine Straßenfeste und rockten draußen umsonst, um dann in großen Clubs und Arenen und so weiter aufzutreten“, sagte Base dem Rolling Stone. „Sobald der Song gespielt wurde … wachten wir auf und waren einfach andere Menschen.“
115 Etta James, „At Last“
1960
Für James‘ erstes Album für ihr Chess-Label sahen die Brüder Leonard und Phil Chess sie als Crossover-Pop-Sängerin und nicht als die mutige R&B-Sängerin ihrer früheren Singles. Zu den Songs, die sie auswählten, gehörte dieser bescheidene Hit für den Big-Band-Führer Glenn Miller in den Vierzigern. Doch es war James‘ souveräne Version, die „At Last“ zu einem Pop-Standard machte. Auch die Sängerin selbst hat die Anziehungskraft des Songs nicht verloren: „Einige Leute in den vorderen Reihen sagen: ‚At last‘, oder jemand hat gerade geheiratet oder wird bald heiraten.“
114 Britney Spears, „Toxic“
2003
Nach Jahren maximalistischer Hits entschied sich die Pop-Prinzessin für etwas Subtileres mit den Produzenten Bloodshy und Avant, die James-Bond-Gitarren, Bollywood-Streicher und Robo-Funk-Vocoder einsetzten – so entstand eine andere Art von Song, der klebrig-süß, aber auch global und avantgardistisch wirkte. „Toxic“ definierte das Image und den Sound von Spears neu, aber es war fast nicht von ihr. „Der Song wurde in Schweden geschrieben“, erklärt Cathy Dennis, die Co-Autorin. „Ich ging dorthin, um mit Janet Jackson im Hinterkopf zu schreiben.“ Der Song schaffte es nicht bis zu Jackson und wurde dann von Kylie Minogue weitergereicht, bevor er in die Hände von Spears gelangte.
113 Stevie Wonder, „Higher Ground“
1973
Higher Ground“ wurde in nur drei Stunden aufgenommen und von einem Fußpedal angetrieben, das sein Keyboard besonders funky klingen ließ. Der Song hatte einen Drive und eine Intensität, die wirklich danach klangen, als würde Wonder nach neuen Höhen streben. Leider wurde es kurz vor seinem fast tödlichen Autounfall 1973 aufgenommen, der ihn ins Koma versetzte. Während Wonders Genesungsphase sang ihm sein Roadmanager die Melodie von „Higher Ground“ ins Ohr. „Für ein paar Tage [danach]“, sagte Wonder später, „war ich definitiv an einem viel besseren spirituellen Ort, der mir viele Dinge bewusst machte, die mein Leben und meine Zukunft betreffen, und was ich tun muss, um einen anderen höheren Boden zu erreichen.“
112 R.E.M., „Losing My Religion“
1991
Mit dieser größtenteils unplugged gespielten Ballade, die ihren Ursprung in Peter Buck hatte, der vor dem Fernseher mit einer Mandoline herumfuchtelte und untätig übte, gelang R.E.M. der Sprung in den Mainstream. „Ich hätte die Akkorde für ‚Losing My Religion‘ wahrscheinlich nicht so geschrieben, wenn ich sie nicht auf meiner Mandoline gespielt hätte“, sagte er dem Rolling Stone. Die Mandoline, die sich durch den ganzen Song zieht, ist einer der auffälligsten Aspekte von „Losing My Religion“, das nach einem Ausdruck aus den Südstaaten benannt wurde, der bedeutet, dass man am Ende seiner Kräfte ist. Nie zuvor hatte Michael Stipe so verletzlich, sehnsüchtig und artikuliert geklungen.
111 Bruce Springsteen, „Thunder Road“
1975
„Wir beschlossen, ein Gitarrenalbum zu machen, aber dann habe ich alle Songs auf dem Klavier geschrieben“, sagte Springsteen über seine dritte LP, Born to Run. „Thunder Road“, das Eröffnungsstück, ist eine filmische Erlösungsgeschichte mit einem Titel, der einem Hillbilly Noir von 1958 entlehnt ist, in dem Robert Mitchum einen Schmuggler mit einem unschlagbaren Auto spielt (obwohl Springsteen den Film nie gesehen hat). Jahrzehnte später wird er sich darüber wundern, dass er die Zeile „You’re scared, and you’re thinking that maybe we ain’t that young anymore“ geschrieben hat, als er gerade einmal 24 Jahre alt war.
110 The Beatles, „Something“
1969
1968 nahm James Taylor, ein neuer Vertragspartner der Beatles bei Apple Records, „Something in the Way She Moves“ auf, dessen Titel George Harrison dazu inspirierte, gegen Ende der Sessions zum Weißen Album „Something“ zu schreiben (ein Platzhalter-Text: „Something in the way she moves/Attracts me like a cauliflower“). Es war zu spät, um es auf die Platte zu pressen, also gab er es an Joe Cocker weiter. Die Beatles nahmen im nächsten Jahr eine neue Version mit einer Streichergruppe auf, Harrisons einzige A-Seiten-Single mit den Beatles, die schnell zu einem Standard wurde, den jeder von Frank Sinatra bis Ray Charles aufnahm.
109 Sly and the Family Stone, „Everyday People“
1968
„Everyday People“ erschien auf der vierten LP von Sly and the Family Stone, Stand!, die alles von heißem Funk bis zu coolem Pop erkundete. „Ich mochte die Platten von allen“, sagte Sly Stone über seine Zeit im Radio. „Ich habe Dylan, Hendrix und James Brown nacheinander gespielt, damit ich nicht in einem bestimmten Rhythmus stecken blieb.“ Als der Song auf Nummer Eins ging, sagte Stone drei Monate lang Termine ab, darunter einen Auftritt in der Ed Sullivan Show, als die Trompeterin Cynthia Robinson an der Gallenblase operiert werden musste. Hits waren schön, aber die Familie kam zuerst.
108 The Cure, „Just Like Heaven“
1987
Robert Smith schrieb die 1987er Single „Just Like Heaven“ von The Cure nach einem romantischen Ausflug nach Beachy Head in East Sussex, England, mit seiner zukünftigen Frau Mary Poole. „Der Song handelt vom Hyperventilieren – vom Küssen und der Ohnmacht auf dem Boden“, sagte Smith 2003. „Mary tanzt mit mir in dem Video, weil sie das Mädchen war, also musste sie es sein. Die Idee ist, dass eine Nacht wie diese 1.000 Stunden Plackerei wert ist.“ Millionen von Menschen konnten sich diesem Gefühl anschließen, und „Just Like Heaven“ wurde der erste Top-40-Hit von The Cure in Amerika.
107 Wu-Tang Clan, „C.R.E.A.M.“
1994
Ursprünglich „Lifestyles of the Mega-Rich“ betitelt, bietet die dritte Single von Enter the Wu-Tang (36 Chambers) eine düstere Antwort von der Ostküste auf den glatten Gangsta-Rap der Westküste. Inspectah Deck erinnerte sich später daran, dass er seine Verse Jahre zuvor geschrieben hatte, „als ich mit Crack in der Socke vor dem Gebäude stand“. Produzent RZA reduzierte das, was anfangs eine ausufernde Kriminalgeschichte war, und Method Man lieferte einen der größten Hooks der Hip-Hop-Geschichte, ein Akronym für „Cash rules everything around me“, das er von seinem Kumpel Rader Rukus bekam, und „dolla dolla bill“, eine Anspielung auf Jimmy Spicer’s frühe Rap-Single „Money (Dolla Bill Y’all)“.
106 The Rolling Stones, „Sympathy for the Devil“
1968
Die Inspiration für diesen höllischen Abstecher stammt aus dem Roman Der Meister und Margarita des sowjetischen Schriftstellers Michail Bulgakow, in dem der Satan im Moskau der 1930er Jahre sein Unwesen treibt. Keith Richards kämpfte um die richtige Untermalung für Mick Jaggers bedrohlichen, an Dylan erinnernden Text und war sich nicht sicher, „ob es ein Samba oder ein verdammter Folksong sein sollte“, wie er sich erinnert. Am Ende gaben die Stones dem Teufel einen ihrer besten Grooves, der auf Rocky Dijons Congas und Bill Wymans Bo Diddley-artigen Maracas aufbaute. „Früher, als wir noch unschuldige Kinder waren, die sich amüsieren wollten, sagten [die Medien]: ‚Sie sind böse, sie sind böse'“, sagte Richards. „Das bringt Sie dazu, über das Böse nachzudenken…. Jeder ist Luzifer.“
105 David Bowie, „Life on Mars?“
1971
„Inspiriert von Frankie“, hieß es in Bowies Begleitschreiben zu diesem Stück von Hunky Dory, als es 1971 veröffentlicht wurde. Der Frankie, um den es ging, war Sinatra: Sein „My Way“ basierte auf dem Lied „Comme d’habitude“ des französischen Künstlers Claude François aus dem Jahr 1967, für das Bowie einen (abgelehnten) englischen Text geschrieben hatte. „Das hat mich wirklich so lange wütend gemacht – etwa ein Jahr lang“, scherzte Bowie später. Das ähnlich klingende „Life on Mars?“ schrieb er als „einen Rachetrip auf ‚My Way‘.“ Begleitet von Rick Wakeman von Yes am Klavier, erzählt Bowie eine surrealistische Geschichte über die Grenzen des Eskapismus, mit Verweisen auf John Lennons „Working Class Hero“ und „Alley Oop“ von den Hollywood Argyles, einem Doo-Wop-Song von 1960 über einen Höhlenmenschen.
104 The Jackson 5, „I Want You Back“
1969
„I Want You Back“ war der Song, der Motown mit dem futuristischen Funk-Beat von Sly Stone und James Brown bekannt machte. Er machte die Welt auch mit einem 11-jährigen Jungen aus Indiana namens Michael Jackson bekannt. Die fünf tanzenden Jackson-Brüder wurden über Nacht zu Stars; „ABC“, „The Love You Save“ und „I’ll Be There“ folgten in rascher Folge in den Charts, aber keiner kam an die jungenhafte Inbrunst von „Back“ heran. Es bleibt einer der beliebtesten Hip-Hop-Beats, der überall gesampelt wurde, von Kris Kross‘ „Jump“ bis zu Jay-Zs „Izzo (H.O.V.A.)“.
103 Alanis Morissette, „You Oughta Know“
1995
Lange Zeit wurde gemunkelt, dass es um den Full House-Schauspieler Dave Coulier geht, mit dem sie einmal zusammen war. Morissettes Durchbruch ist eine einmalige Gesangsdarbietung und enthält außerdem instrumentale Beiträge von Dave Navarro und Flea von den Red Hot Chili Peppers sowie dem langjährigen Tom Petty-Sideman Benmont Tench. „Ich habe es nicht geschrieben, um zurück zu kommen“, sagte Morissette. „Es ist ein Lied über die Verzweiflung, und um aus dieser Verzweiflung herauszukommen, ist es schön, wütend zu sein. Ich glaube, die Bewegung der Wut kann uns aus den Dingen herausziehen.“ Der Verkaufsschlager ihres Albums Jagged Little Pill zeigte, dass sie nicht die Einzige war, die wütend war.
102 Chuck Berry, „Maybelline“
1955
Die Mischung aus Hillbilly Country, urbanem Blues und heißem Jazz in Berrys elektrischem Twang ist die ursprüngliche Sprache der Popmusikgitarre. Der Groove für „Maybelline“ stammt aus „Ida Red“, einer Aufnahme von Bob Wills and His Texas Playboys aus dem Jahr 1938 (eines Songs, der auf das 19. Jahrhundert zurückgeht). Als die Session am 21. Mai 1955 stattfand, hatte Berry bereits seit einigen Jahren Country-Musik für ein schwarzes Publikum gespielt: „Nachdem sie mich ein paar Mal ausgelacht hatten, begannen sie, die Hillbilly-Sachen zu verlangen.“ Leonard Chess hatte die Idee für den Titel, inspiriert von einer Maybelline-Mascara-Schachtel, die im Chess-Studio auf dem Boden lag.
101 Yeah Yeah Yeahs, „Maps“
2003
Das Trio von der Lower East Side war eine der coolsten Bands, die aus dem New Yorker Indie-Rock-Boom der frühen 2000er Jahre hervorgingen, angeführt von der Naturgewalt-Sängerin Karen O. „Maps“ ist sowohl eine Soul-Ballade als auch ein Art-Punk-Klassiker, mit Sturzbächen aus zerklüftetem Gitarrenlärm und donnernden Drums, die Karen O’s Liebeskummer unterstützen. Der Durchbruchshit der YYY wurde durch eine Rock & Roll-Romanze aus dem wahren Leben inspiriert: Karen O schrieb den Song, weil sie auf Tournee war und ihren damaligen Freund Angus Andrew, Sänger der New Yorker Band Liars, vermisste. Jahre später erhielt „Maps“ die ultimative Bestätigung, als Beyoncé ihn für den Lemonade-Track „Hold Up“ interpolierte.
