Die 500 besten Songs aller Zeiten
Die 500 besten Songs aller Zeiten – die ultimative Liste von ROLLING STONE.
200 David Bowie, „Changes“
1971
Der Titelsong von Bowies Album Hunky Dory aus dem Jahr 1971, „Changes“, forderte das Rockpublikum auf, „sich umzudrehen und sich dem Fremden zu stellen“. Aber der Song blieb ursprünglich sowohl in Großbritannien als auch in den Vereinigten Staaten in den Charts stecken und kam erst nach dem internationalen Erfolg von Ziggy Stardust aus dem Jahr 1972 richtig in Schwung. Schließlich nahmen die Bowie-Fans den Song als Erkennungsmelodie für den Mann an, der ihnen bereits Hippie Bowie, Mod Bowie und Bluesy Bowie beschert hatte. Wie sich herausstellte, hatte er gerade erst begonnen, der Welt seine Garderobe an Verkleidungen zu zeigen. Das ergreifende Saxophon-Solo am Ende wird von Bowie selbst gespielt.
199 Aerosmith, „Dream On“
1973
Lustigerweise war Steven Tyler noch ein Teenager, als er den Text „Every time when I look in the mirror/All these lines on my face getting clearer/The past is gone“ schrieb. Obwohl er schon als Jugendlicher mit dem Schreiben der Musik zu dem Song begonnen hatte, der Aerosmiths Durchbruch werden sollte, hatte er sich nie viel davon versprochen. „Es war nur eine kleine Sache, die ich gespielt habe, und ich hätte mir nie träumen lassen, dass daraus ein richtiger Song werden würde“, sagte er später. Aber die inspirierende, kolossale Power-Ballade, die erste Aufnahme, bei der Tyler seine durchdringende Falsettstimme einsetzte, wurde zunächst ein lokaler Hit in Boston und dann 1976 landesweit.
198 Marvin Gaye, „Sexual Healing“
1982
Nicht viele Biographen inspirieren ihre Protagonisten zu Hitsingles. Nach Angaben des Gaye-Biographen David Ritz besuchte der Autor Gaye im April 1982 in Belgien, um die Geschichte seines Lebens weiterzuschreiben, aber er fand die R&B-Legende kreativ blockiert und von Pornographie besessen. „Ich schlug vor, dass Marvin sexuelle Heilung braucht“, schrieb Ritz später. Gaye nahm es von dort aus auf. Seine erste Single nach Motown basierte auf dem Beat einer Roland TR-808 Drum Machine (das erste Mal, dass dieses Gerät in einem Mainstream-Pop-Hit zu hören war), geschmeidigen Schichten von Synthesizern und Gayes unvergleichlicher Stimme, die sowohl verführerisch als auch spirituell war und das Körperliche mit dem Transzendenten verband.
197 Ann Peebles, „I Can’t Stand the Rain“
1973
Das Eröffnungsriff von „I Can’t Stand the Rain“ klingt auch fast 50 Jahre nach seiner Veröffentlichung immer noch unheimlich, wie das ausgefallene Sonarsystem eines U-Boots. Der Produzent Willie Mitchell war dafür verantwortlich, die elektrischen Timbales herauszuholen, die die Quelle dieser unheimlichen Eröffnungsmelodie waren. „Als ich sie hörte“, erinnert sich der Songschreiber Don Bryant, „hat es mich umgehauen.“ Der Titelsatz stammt von Peebles, der eines Nachts von einem plötzlichen Regenschauer überrascht wurde. Das dampfende, orgellastige Southern-Soul-Instrumental wurde von der bewährten Hi Records Band beigesteuert, die auch bei vielen Hits von Al Green mitwirkte. Peebles‘ dramatischer Gesang verwandelt eine einsame Nacht in einen epischen Kampf mit der Natur.
196 James Brown, „Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine“
1970
Der Godfather of Soul begann ein neues Jahrzehnt mit einer brandneuen Band: den J.B.’s, mit dem Schlagzeuger Jabo Starks und den Collins-Brüdern Bootsy und Catfish. Er hatte auch einen neuen, reduzierten Sound, der den Soul der Sechzigerjahre so weit entschlackte, dass nur noch ein ausgedehnter, funkiger Vamp übrig blieb, der Sie herausforderte, mitzuhalten, angefeuert von einem Call-and-Response zwischen Brown und seinem treuen Kumpel Bobby Byrd. Ingenieur Ron Lenhoff verdiente sich die Anerkennung als Co-Autor auf die harte Tour: Er verließ das Bett und fuhr auf Browns dringende Bitte hin fünf Stunden nach Nashville. Und wie dieser Titel beweist, konnte Brown sehr überzeugend sein.
195 Patsy Cline, „Crazy“
1961
Patsy Cline war nicht beeindruckt, als ihr Mann Charlie Dick ein Demo eines 28-jährigen Songwriter-Neulings aus Nashville namens Willie Nelson mit nach Hause brachte. Als sie erfuhr, dass der Titel des Liedes „Crazy“ lautete, antwortete sie: „Ja, das ist er.“ Aber der Produzent Owen Bradley half Cline, den Song mit einem üppigen Arrangement und dem dezenten Gesang des Gospelquartetts The Jordanaires zu ihrem eigenen zu machen. „Crazy“ sollte Jahre später dazu beitragen, die Bühne für eine raffinierte neue Phase des C&W-Sounds zu bereiten, die als „countrypolitan“ bekannt wurde, auch wenn Cline selbst nicht mehr da sein würde, um sie zu gestalten: Sie starb weniger als zwei Jahre später bei einem Flugzeugabsturz.
194 PJ Harvey, „Rid of Me“
1993
Polly Harvey begann mit dem Schreiben des Titelsongs ihres zweiten Albums in einer schäbigen Londoner Wohnung, die sie sich mit ihren Bandkollegen teilte, „auf meinem Bett sitzend in meinem feuchten Wohnzimmer neben der Gasheizung“, wie sie sich später erinnerte. Seine Kraft zeigte sich auf der anderen Seite der Welt, als das Trio das Pachyderm Recording Studio in Minnesota mit dem Produzenten Steve Albini betrat, dessen Mix den Kontrast zwischen Harveys brodelnden Strophen und dem Vorschlaghammer-Refrain hervorhob. Merkwürdigerweise fand zumindest ein junges Paar dieses Meisterwerk der besitzergreifenden Wut … romantisch? „Ich habe tatsächlich auf der Hochzeit meines Bruders gespielt“, sagte Harvey zu GQ. „Der Song, den sie sich von mir gewünscht haben, war ‚Rid of Me‘.“
193 The Rolling Stones, „Wild Horses“
1971
Keith Richards schrieb diese akustische Ballade ursprünglich über die Trennung von seiner Frau Anita und seinem neugeborenen Sohn Marlon, als die Stones sich auf ihre erste Amerika-Tournee seit drei Jahren vorbereiteten. Ian Stewart, der Partner der Stones, wollte die erforderlichen Moll-Akkorde nicht spielen, also sprang der Außenseiter Jim Dickinson aus Memphis bei den Aufnahmen in Muscle Shoals, Alabama, am Klavier ein. „Es war einer dieser magischen Momente, in denen die Dinge zusammenkommen“, schrieb Richards über den Song. „Wenn Sie erst einmal die Vision von wilden Pferden im Kopf haben, was ist dann die nächste Phrase, die Sie verwenden? Es muss ‚couldn’t drag me away‘ sein.“
192 Geto Boys, „Mind Playing Tricks on Me“
1991
Nachdem sie sich als wilde Schock-Rapper einen Namen gemacht hatten, schalteten die Geto Boys aus Houston einen Gang zurück und spielten mit etwas, das ebenso verdreht, aber realer war und die Paranoia zeigte, die hinter ihrem harten Äußeren lauerte. Der Autor und Produzent Scarface rappte darüber, wie er über seinen Rücken schaut und sein Telefon auf Abhörgeräte überprüft, während ein düsteres Isaac Hayes-Sample dem Grauen eine funkige Tiefe verlieh. „Sie verloren den Extremismus und spielten mehr in der Mitte, mit abschreckender, todernster Perfektion“, schrieb Questlove 2012 in seiner Liste der 50 größten Hip-Hop-Songs aller Zeiten. „Das Ergebnis ist eine großartige, komplexe Darstellung von Paranoia, die es irgendwie schafft, eine dritte Dimension hinzuzufügen – was sie am Ende natürlich menschlich macht.“
191 Bobbie Gentry, „Ode to Billie Joe“
1967
Bobbie Gentry war erst 24 Jahre alt, als sie Anfang 1967 ihr Demo von „Ode to Billie Joe“ an Capitol Records schickte, in der Hoffnung, ein etablierter Star wie Lou Rawls würde es aufnehmen. Im August desselben Jahres hatte die in Mississippi geborene Singer-Songwriterin jedoch bereits eine Nummer Eins mit der Delta-Noir-Ballade, die auf ihrer eigenen verführerisch zweideutigen Erzählung bestand. Seitdem hat Gentry über das Geheimnis des Songs geschwiegen. Was genau haben Billie Joe McAllister und der Erzähler des Songs von der Tallahatchie Bridge fallen lassen? „Ich habe es offen gelassen, damit der Hörer seine eigene Schlussfolgerung ziehen kann“, sagte sie.
190 N.W.A, „Fuck tha Police“
1988
Mit diesem Song wurde der seit langem andauernde Kampf zwischen jungen schwarzen Männern und der LAPD für das weiße Amerika sichtbar und hörbar gemacht. Das Label der konfrontativen L.A.-Crew, Priority Records, erhielt ein Bulletin des FBI, in dem der Song als Aufforderung zur „Gewalt gegen und Respektlosigkeit gegenüber Ordnungshütern“ angeprangert wurde. Der Veranstalter, der die nächste Tournee der Gruppe buchte, verpflichtete die Band vertraglich zu einer Geldstrafe von 25.000 Dollar, falls sie den Song jemals live spielen würde. Aber wie MC Ren gegenüber Arsenio Hall erklärte, ging es in dem Song eher darum, sich Luft zu machen als zu drohen: „Jeder wird einmal im Leben grundlos von der Polizei belästigt, und jeder will es sagen, aber er kann es nicht sofort sagen, weil ihm sonst etwas passiert.“
189 David Bowie, „Space Oddity“
1969
Wie der Name schon sagt, war Bowies ätherisches „Space Oddity“ stark von Stanley Kubricks bahnbrechendem Film 2001: Odyssee im Weltraum beeinflusst und nicht von der tatsächlichen Mondlandung 1969, die zeitlich mit seiner Veröffentlichung zusammenfiel. „Es wurde vom britischen Fernsehen aufgegriffen und als Hintergrundmusik für die Landung selbst verwendet“, sagte Bowie. „Ich bin mir sicher, dass sie den Text überhaupt nicht gehört haben. Es war keine angenehme Nebeneinanderstellung mit der Mondlandung. Entscheidend ist, dass es Bowies erster US-Hit wurde und nur einen kleinen Vorgeschmack auf den sich ständig weiterentwickelnden Star bot, der er werden sollte.
188 The Jimi Hendrix Experience, „Little Wing“
1967
Hendrix, der von seinem Auftritt beim Monterey International Pop Festival noch ganz aus dem Häuschen war, beschwor diese kurze Träumerei in einer Londoner Session herauf und sagte, die hauchzarte Ballade sei „wie eines dieser schönen Mädchen, die manchmal vorbeikommen“. Sein Gitarrensolo kommt aus einer Leslie-Lautsprecherbox, einem Gerät, das ursprünglich für Orgeln entwickelt wurde, was für den oszillierenden Klang sorgt, und ein Glockenspiel rundet die Stimmung ab. Es ist eine Performance, die Gitarristen immer noch verblüfft, wie Tom Morello von Rage Against the Machine bemerkte: „Er verwebt nahtlos Akkorde und Single-Note-Läufe miteinander und verwendet Akkord-Voicings, die in keinem Notenbuch stehen.“
187 Bob Dylan, „Subterranean Homesick Blues“
1965
„Die erste Rap-Platte“, so Tony Glover, ein Kumpel Dylans aus der Folkszene von Minneapolis in den frühen Sechzigern. „Es ist von Chuck Berry, ein bisschen ‚Too Much Monkey Business‘ und einige der Scat-Songs aus den vierziger Jahren“, sagte Dylan. Die ersten Zeilen sind eine Anspielung auf ein altes Woody-Guthrie-Lied, der erste Windstoß in einem Monsun von Bildern, der Dylans Folk-Rock-Klassiker Bringing It All Back Home eröffnete und einen völlig neuen Kurs für das, was ein Rock & Roll-Song sagen kann, vorgab. John Lennon sagte einmal über den Song, er sei so fesselnd, dass er sich frage, wie er jemals mithalten könne.
186 The Staple Singers, „I’ll Take You There“
1972
Die Muscle Shoals Rhythm Section kopierte die Einleitung zu diesem Pop-Funk-Hit der Staple Singers Note für Note von dem Reggae-Instrumental „Liquidator“ der Harry J. All Stars aus dem Jahr 1969. „Wir haben ‚The Liquidator‘ genommen und das Pattern ein wenig umarrangiert“, so der Bassist David Hood. Aber der Star des Songs, in dem es um sexuelle, göttliche und politische Erlösung ging, war die Sängerin Mavis Staples, die einige der Texte auf der Stelle improvisierte (eine Aufnahme des Songs dauerte angeblich ganze 30 Minuten). „Diese Musik tat mir so gut“, erinnerte sich Staples Jahre später. „Ich habe mich sofort darauf eingelassen.“
185 Michael Jackson, „Beat It“
1982
„Ich wollte die Art von Rocksong schreiben, die ich mir kaufen würde“, sagte Jackson, „aber auch etwas völlig anderes als die Rockmusik, die ich im Top-40-Radio hörte.“ Der Produzent Quincy Jones wollte, dass Jackson etwas wie „My Sharona“ von The Knack schreibt. Das Ergebnis war eine pulsierende Tanzsingle mit Bildern aus dem Bandenkrieg der West Side Story und einem fingerfliegenden Gitarrensolo von Eddie Van Halen. „Ich werde nicht hier sitzen und Ihnen sagen, was Sie spielen sollen“, wies Jones Van Halen an. „Der Grund, warum Sie hier sind, ist das, was Sie spielen.“
184 Sinéad O’Connor, „Nothing Compares 2 U“
1990
Ursprünglich von einem von Princes Nebenprojekten, The Family, aufgenommen, wurde das Lied 1990 zu einer beeindruckenden Nummer Eins, als O’Connor es in eine universelle Erklärung des Verlusts verwandelte. „Was mich betrifft“, so sagte O’Connor später, „ist es mein Lied“. Das Video konzentrierte sich drei Minuten lang auf ihr Gesicht, bis sie eine einzige Träne vergoss. Für O’Connor ist „Nothing Compares 2 U“ zu einer ewigen Hommage an ihre Mutter geworden, die sie als Teenager verlor: „Ich habe immer – und werde immer – für meine Mutter singen“, schrieb sie über den Song. „Jedes Mal, wenn ich es aufführe, habe ich das Gefühl, dass ich wieder mit ihr rede.“
183 Stevie Wonder, „You Are the Sunshine of My Life“
1972
Wonder schrieb und nahm „You Are the Sunshine of My Life“ ursprünglich auf, als er seine 1972er LP Music of My Mind fertigstellte, aber er beschloss, den Song bis zu seinem nächsten Album Talking Book beizubehalten, wo er nach „Superstition“ die zweite Nummer Eins des Albums wurde. Der Song entstand bei einer Bandprobe und wurde noch am selben Abend in den Electric Lady Studios aufgenommen. „Das Gefühl der Melodie ist glücklich, denn als ich es schrieb, war ich im späten Frühling, im frühen Sommer in New York“, sagte Wonder später. „Gute Dinge geschahen.“
182 Simon & Garfunkel, „The Sounds of Silence“
1964
Paul Simon war gerade 21 Jahre alt, als er wie so oft seine Gitarre mit ins Badezimmer seines Hauses in Queens, New York, nahm und das Licht ausschaltete. „Ich drehte den Wasserhahn auf, damit das Wasser läuft“, sagte er 1984. „Ich mag dieses Geräusch, es ist sehr beruhigend für mich. Und ich würde spielen. In der Dunkelheit. Hallo Dunkelheit, mein alter Freund, ich bin gekommen, um wieder mit dir zu sprechen. Die ursprüngliche akustische Version von „The Sound of Silence“ von Simon und Garfunkel war ein kommerzieller Flop, aber als der Produzent Tom Wilson (ohne das Wissen des Duos) elektrische Instrumente hinzufügte, wurde es ein Folk-Rock-Hit. Als „Sounds of Silence“ in The Graduate zu hören war, war es bereits ein Meilenstein der Sechziger.
181 The Byrds, „Eight Miles High“
1966
Diese seltene Zusammenarbeit zwischen Roger McGuinn, David Crosby und Gene Clark wurde zu dem, was oft als der erste psychedelische Rocksong angesehen wird. Er wurde zum Teil von John Coltrane und dem ersten gemeinsamen Flug der Band nach England im Jahr 1965 inspiriert. „Gene fragte: ‚Was glaubst du, wie hoch das Flugzeug geflogen ist?'“ erinnerte sich McGuinn Jahre später. „Ich dachte an sieben Meilen, aber die Beatles hatten einen Song namens ‚Eight Days a Week‘, also änderten wir ihn in ‚Eight Miles High‘, weil wir dachten, das wäre cooler.“ Mehrere Radiosender entdeckten die doppelte Bedeutung des Songs und verbannten ihn.
180 Lou Reed, „Walk on the Wild Side“
1972
Reed wurde gebeten, Songs für ein Musical zu schreiben, das auf dem Roman A Walk on the Wild Side basiert. Die Show wurde nie aufgeführt, aber Reed behielt den Titel. „Ich dachte, es würde Spaß machen, Leute vorzustellen, die man auf Partys sieht, aber nicht anzusprechen wagt“, sagte er. Das von Mick Ronson/David Bowie produzierte Ergebnis war ein unsentimentaler Rückblick auf die Figuren aus Andy Warhols Factory-Szene, komplett mit Anspielungen auf Transgender, Oralsex und Amphetamine – schockierendes Zeug für das Radio im Jahr 1972. „In Romanen würde man das als nichts ansehen“, sagte er Jahre später dem Rolling Stone. „Es ist kein gruseliges Lied – Die Brüder Karamasow sind gruseliger als dieses Lied.“
179 Pink Floyd, „Comfortably Numb“
1979
Roger Waters litt vor einem Auftritt in Philadelphia an Magenkrämpfen, als ein Arzt ihm Beruhigungsmittel spritzte. „Er gab mir eine Spritze, und bis heute weiß ich nicht, was es war“, erinnerte sich der Bassist im Jahr 2010. „Aber es ist nichts, was ich jemals empfehlen würde, einem Menschen zu geben. Es kam aus einem Pfeil, der sich anfühlte, als hätte man damit einen Elefanten betäubt.“ Aus dieser Erfahrung entstand das The Wall-Epos „Comfortably Numb“, einer der traurigsten Drogensongs aller Zeiten, der nicht nur ein, sondern gleich zwei umwerfende Soli von David Gilmour enthält. „Ich bin froh, wenn ich den Leuten Rätsel aufgeben kann, die versuchen, herauszufinden, wie das gemacht wurde“, sagte er.
178 Billie Eilish, „Bad Guy“
2019
Der rasende Beat, die flüsternden Harmonien, das knisternde Fingerschnippen und der bebende Bass von Billie Eilishs bisher größtem Hit sind sowohl bedrohlich als auch skurril (das Thema von ‚Die Zauberer vom Waverly Place‘ war eine Inspiration) und wurden zusammen mit ihrem Bruder, dem Produzenten Finneas, zu Hause aufgenommen. Eilishs Text reduziert einen prahlerischen Mann auf einen bloßen Einfaltspinsel, und sie trägt ihn mit IDGAF-Sorglosigkeit vor. „Ich bin eigentlich so schockiert und glücklich, dass die Leute es so mögen, wie es ist“, sagte Eilish dem Rolling Stone. „Das, worüber wir uns am meisten Sorgen gemacht haben, war der Refrain und die Tatsache, dass er keinen Hook hat.
177 Van Halen, „Jump“
1983
Eddie Van Halen, der damals vor allem für sein blitzschnelles Schreddern bekannt war, hatte das stechende, hymnische Synthie-Riff mindestens seit 1982 im Kopf, angeblich inspiriert von einem Riff aus Hall and Oates‘ „Kiss on My List“. Der Produzent Ted Templeman war von „Jump“ nicht begeistert. („Wenn Van Halen Keyboards verwendet“, sagte er, „sollten sie fies klingen.“) Sänger David Lee Roth war es auch nicht (Spannungen zwischen Roth und Eddie führten dazu, dass Roth die Band 1985 verließ), aber das hielt Diamond Dave nicht davon ab, den Song auf Platz eins der Charts zu schmettern, womit „Jump“ der einzige Chartstürmer der Band wurde.
176
1964
176 The Kinks, „You Really Got Me“
1964
In der Überzeugung, dass die beiden vorangegangenen Singles der Band gefloppt waren, weil sie zu makellos waren, gingen die Kinks im Sommer 1964 ins Studio, um diesen bewusst rohen Rave-Up aufzunehmen, den Ray Davies im Wohnzimmer seiner Eltern am Klavier geschrieben hatte. Aber die ursprüngliche Aufnahme fühlte sich immer noch zu glänzend an, und die Band musste sich 200 Pfund leihen, um die Kosten für eine weitere Session zu decken. Der siebzehnjährige Gitarrist Dave Davies nahm eine Rasierklinge in die Lautsprechermembran seines Verstärkers, um den gewünschten dreckigen Sound für dieses unsterbliche, rasende Riff zu erhalten. „Der Song entstand in einem Arbeitermilieu“, erinnert sich Dave. „Menschen, die für etwas kämpfen.“
175 The Flamingos, „I Only Have Eyes For You“
1959
Wie viele große Gesangsgruppen verfeinerte auch dieses sanfte Quartett seine ausgeprägten Harmonien in der schwarzen Kirche. Der Tenor Terry „Buzzy“ Johnson hatte Mühe, ein neues Arrangement zu finden, das den Hit des Schnulzensängers Ben Selvin aus dem Jahr 1934 für ein modernes Publikum ansprechend machen würde, bis ihm das überirdische Echo, das Klaviergeklimper und die einladenden Doo-Bop-Sh-Bops, die die Version der Flamingos auszeichnen würden, im Traum erschienen. Die anderen Mitglieder waren nicht gerade begeistert, als er sie um vier Uhr morgens anrief, um ihnen seine Offenbarung mitzuteilen, aber die klassische Aufnahme war es wert, ein wenig Schlaf darüber zu verlieren.
174 R.E.M., „Radio Free Europe“
1983
Die erste Single von R.E.M. war eine reine Bandkreation: „Ich schrieb die Strophe und den B-Teil spät in der Nacht, als ich allein unten in einem Athener Plattenladen saß, während oben eine Party im Gange war“, erinnert sich Bassist Mike Mills. „Peter schrieb den Refrain und die Bridge, und Michael steuerte die Melodie und den Text bei.“ Sie veröffentlichten 1981 eine rohe, schnelle Version auf einem lokalen Indie-Label und nahmen es für das epochale Murmur von 1983 neu auf, mit einer reicheren Melodie und einem strafferen Rhythmus – „wie Motown“, erinnert sich Buck. Stipe murmelte seinen Text, weil er ihn noch nicht fertig geschrieben hatte, als es Zeit für die Aufnahme war.
173 Television, „Marquee Moon“
1977
Das Herzstück und Titelstück des Debütalbums von Television ist ein Gitarrenepos voller gespenstischer Entrückung und urbaner Paranoia. Die Zwillingsgitarren von Tom Verlaine und Richard Lloyd dehnen sich 10 Minuten lang aus, im Stil näher an Grateful Dead als an den Ramones, aber mit einer glatten, straßentauglichen Kante, wobei ihre Gitarrenlinien wie der Verkehr in der Innenstadt ausweichen und sich schlängeln. „Ich würde spielen, bis etwas passiert“, sagte Verlaine über seinen Stil. „Das kommt vom Jazz oder sogar von den Doors oder dem Album Five Live Yardbirds – diese Art von Rave-Up-Dynamik.“
172 Nina Simone, „Mississippi Goddam“
1964
Bis 1963 war Nina Simone kein großer Fan von Protestsongs gewesen, da sie diese als „einfach und einfallslos“ bezeichnete. Als dann bei einem Bombenanschlag auf eine Kirche in Birmingham, Alabama, vier schwarze Kinder ums Leben kamen und der NAACP-Funktionär Medgar Evers ermordet wurde, „brach ein Lied schneller aus mir heraus, als ich es aufschreiben konnte“, sagte sie. Angetrieben von Simones sprudelndem Klavier und ihrer lebhaften Darbietung, fühlt sich „Mississippi Goddam“ flott an – „eine Show-Melodie … aber die Show ist noch nicht dafür geschrieben worden“, sang sie. Die rasante Lebendigkeit des Stücks wirkt bedrängt, als ob sie die Art und Weise kanalisieren wollte, in der so viele Menschen zu dieser Zeit von den Ereignissen schockiert waren und Veränderungen forderten.
171 Louis Armstrong, „What a Wonderful World“
1967
Die Jazzlegende nahm dieses zarte Lied des herbstlichen Optimismus eines Abends nach einem Auftritt in Vegas auf. In den USA kam es nicht gut an – der Präsident von ABC Records war so verärgert darüber, dass Pops nicht etwas Schwungvolles à la „Hello Dolly“ aufgenommen hatte, dass er sich weigerte, das Lied zu promoten. Den britischen Musikfans war das jedoch egal; sie machten „What a Wonderful World“ zu einem Überseehit, dem letzten zu Armstrongs Lebzeiten. Zwei Jahrzehnte später, als der Song in dem Robin-Williams-Film Good Morning Vietnam auftauchte, gelangte er endlich in die US-Charts – ein verspäteter Beweis dafür, wie beliebt er im Laufe der Jahre geworden war.
170 The Five Satins, „In the Still of the Night“
1956
Der Frontmann der Five Satins, Fred Parris, schrieb den Song, während er in der Armee Wache schob. Die Gruppe nahm ihn im Keller einer Kirche in Parris‘ Heimatstadt New Haven, Connecticut, auf. Die Rauheit ist offensichtlich: Das Schlagzeug und das Klavier sind gedämpft, das Altsaxophon knackt während des Solos und der Hintergrundgesang geht daneben. Aber der primitive Sound – und die Tatsache, dass nur vier der Five Satins bei der Session anwesend waren – kann nicht verhindern, dass „In the Still of the Night“, das ursprünglich als B-Seite veröffentlicht wurde, ein erhabenes, definitives Stück Doo-Wop ist.
169 Tom Petty & The Heartbreakers, „American Girl“
1976
Mike Campbell erinnert sich an den Moment, als er und seine Heartbreakers-Kollegen „American Girl“ im Radio hörten. „Wir waren wie Kinder an Weihnachten“, sagt der Gitarrist. Pettys unverkennbare Hymne wurde passenderweise am vierten Juli 1976 aufgenommen, als er den Byrds-Jangle für die Arena der Siebziger auflud. Später sagte er, der Song sei aus ihm herausgesprudelt, als er in seiner Wohnung in Encino, Kalifornien, saß und dem Verkehr auf der Autobahn unter seinem Fenster lauschte. Er landete bei einem Riff, das so kraftvoll war, dass es 25 Jahre später in einem anderen Hit auftauchte, nämlich in „Last Nite“ von den Strokes. „Ich habe ein Interview mit ihnen gesehen, in dem sie es tatsächlich zugegeben haben“, sagte Petty 2006 dem Rolling Stone. „Da musste ich laut lachen. Ich dachte mir: ‚OK, gut für Sie.‘ Es stört mich nicht.“
168 Dusty Springfield, „Son of a Preacher Man“
1968
Aretha Franklin lehnte den Song, der für immer mit der britischen weißen Soulsängerin Dusty Springfield in Verbindung gebracht werden sollte, zunächst ab. Sie nahm die Single für ihr Atlantic-Debüt Dusty in Memphis auf. Springfield behauptete immer, dass sie mit ihrer Gesangsaufnahme nicht zufrieden war. Sie bevorzugte die spätere Version von Franklin, die den Song ein Jahr später, 1970, aufnahm, nachdem Springfields Version ein Hit geworden war. Der Song, so sagte Springfield später, „war einfach nicht gut genug…. Bis heute höre ich mir ihre Phrasierung an und denke: ‚Verdammt noch mal. So hätte ich es auch machen sollen.'“
167 Eminem, „Lose Yourself“
2002
Nur wenige Rapper können sich so sehr in eine Figur hineinversetzen wie Eminem, aber für die unermüdlich strebende Hymne zu seinem nicht gerade autobiografischen Filmdebüt 8 Mile sagte der Rapper, er habe sich schwer getan, eine Stimme für sein Alter Ego Jimmy „B-Rabbit“ Smith zu finden. „Ich muss Parallelen zwischen meinem und seinem Leben herstellen“, schrieb er. „Das war der Trick, den ich herausfinden musste – wie man den Reim wie ihn klingen lässt und sich dann irgendwie in mich verwandelt, so dass man die Parallelen zwischen seinen Kämpfen und meinen sieht.“ Eminem verzichtete auf seine Persönlichkeitsveränderungen und Schock-Rap-Gags und lieferte einen Track ab, der so ernst ist wie ein Soundtrack aus den Achtzigern.
166 Mott the Hoople, „All the Young Dudes“
1972
Mott the Hoople waren kurz davor, sich aufzulösen, als David Bowie ihnen 1972 ein Demo von „All the Young Dudes“ vorspielte. Die Band hatte bereits „Suffragette City“ abgelehnt, also überlegten sie es sich dieses Mal zweimal. Bowie hatte den Song ursprünglich geschrieben, um ihn mit der apokalyptischen, futuristischen Stimmung seines klassischen Albums Ziggy Stardust zu verbinden; in den Händen von Mott the Hoople wurde er zu einer zu den Waffen rufenden Glam-Rock-Hymne, die die Band definierte und den Rest ihrer Karriere überschattete. „Man kann sagen, dass es sich negativ auf das Image der Band ausgewirkt hat“, sagte Ian Hunter. „Aber ohne ihn hätte es die Band nicht gegeben. So einfach ist das.“
165 Hank Williams, „I’m So Lonesome I Could Cry“
1949
Dieses Stück – eine Vision von einsamer Americana über einem gleichmäßigen Beat – war Williams‘ Lieblingslied von allen, die er schrieb. Aber er war besorgt, dass der Text über weinende Rotkehlchen und Sternschnuppen für sein ländliches Publikum zu künstlerisch war, was erklären könnte, warum der Titel auf der B-Seite von „My Bucket’s Got a Hole in It“ vergraben wurde. „Lonesome“ erregte nicht viel Aufmerksamkeit, aber nach Williams‘ Tod wurde es zum Symbol für sein whiskeygetränktes Leben, und Künstler wie Willie Nelson ließen es wieder aufleben und gaben damit die Stimmung für einen Großteil der nachfolgenden Countrymusik vor.
164 Bob Dylan, „Mr. Tambourine Man“
1965
Inspiriert von Bruce Langhorne – einem Session-Gitarristen, der auf mehreren Dylan-Platten mitspielte – ist „Mr. Tambourine Man“ das Lied, das Dylan vom Volkshelden zum echten Star machte. „[Bruce] war einer dieser Charaktere…. Er hatte dieses gigantische Tamburin, so groß wie ein Wagenrad“, sagte Dylan. „Die Vision, wie er spielte, blieb in meinem Kopf hängen. Der Song wurde teilweise während einer drogengetränkten Reise durch das Land im Jahr 1964 geschrieben und am 15. Januar 1965 aufgenommen. Fünf Tage später nahmen die Byrds auf der Grundlage eines Demos (das Dylan mit Ramblin‘ Jack Elliott aufgenommen hatte), das sie gehört hatten, ihre eigene elektrifizierte Version auf. „Wow, Mann“, sagte Dylan, „dazu kann man sogar tanzen!“
163 Fleetwood Mac, „Landslide“
1975
„Landslide“ ist nicht nur erstaunlich, weil es eine atemberaubende Reflexion über das Altern ist, sondern auch, weil Nicks noch nicht einmal 30 Jahre alt war, als sie es schrieb. „Ich war erst 27“, sagte sie 2014 dem Rolling Stone. „Ich habe das 1973 geschrieben, ein Jahr bevor ich zu Fleetwood Mac kam. Mit 27 kann man sich wirklich alt fühlen.“ Zu dieser Zeit arbeitete Nicks als Kellnerin und fragte sich, wie sie später sagte, ob der Umzug, den sie und Lindsey Buckingham von San Francisco nach Los Angeles gemacht hatten, eine gute Idee war. Jahrzehnte später konnte man immer noch einen Hauch von Zuneigung zwischen Buckingham und Nicks sehen, wenn sie das Lied live aufführten.
162 Nick Drake, „Pink Moon“
1972
Drake hatte zwei hervorragende Alben mit einem Produzenten und Arrangeur aufgenommen. Für seine letzte LP (er starb zwei Jahre nach den Aufnahmen im Alter von 26 Jahren an einer Überdosis Drogen) verzichtete das zurückgezogen lebende englische Folk-Genie auf jede unnötige Verschönerung, ließ den Tontechniker und Produzenten John Wood einfach das Band abrollen und nahm 28 Minuten stiller Meditationen über die flüchtige Schönheit und die bodenlose Verzweiflung des Lebens auf. Drei Jahrzehnte später tauchte der herzzerreißend zarte Titelsong von Pink Moon in einem Volkswagen-Werbespot auf und brachte einem Künstler, der bereits Generationen von Songwritern beeinflusst hatte, neue Aufmerksamkeit.
161 Madonna, „Into the Groove“
1985
Into the Groove“, die vielleicht größte Dance-Pop-Einladung der achtziger Jahre, wurde von Madonna und Steve Bray geschrieben, der Schlagzeuger in der Punkband war, die Madonna während ihrer frühen New Yorker Zeit kurzzeitig leitete. Der Song untermalte die Szene, in der sie in ihrem Film Desperately Seeking Susan den New Yorker Hotspot Danceteria aufsucht, und wurde bald ein Hit. „Die Tanzfläche war ein magischer Ort für mich“, sagte sie 1998. „Ich wollte ursprünglich Tänzerin werden, das hatte also viel damit zu tun. Die Freiheit, die ich immer spüre, wenn ich tanze, dieses Gefühl, den eigenen Körper zu bewohnen, sich gehen zu lassen und sich durch Musik auszudrücken.“
160 R.E.M., „Nightswimming“
1992
Diese majestätische Klavierträumerei wurde zum mega-emotionalen Höhepunkt des größten Albums von R.E.M., Automatic for the People. Es ist eine bittersüße Erinnerung an ein Nacktbaden in den Kiefern von Georgia, verfolgt von Sex und Trauer, wobei Stipe versucht, diese Bilder festzuhalten, bevor sie verblassen. Mills schrieb den Klavierpart in den Criteria Studios in Miami – das gleiche Klavier, das Sie am Ende von „Layla“ hören. Die Orchestrierung stammt von John Paul Jones von Led Zeppelin. „Nightswimming“ war nie ein Hit, aber im Laufe der Jahre hat es zu Recht seinen Platz als einer der am meisten geliebten Rockklassiker der neunziger Jahre eingenommen.
159 The Who, „Baba O’Riley“
1971
„Baba O’Riley“ ist nach Townshends Guru Meher Baba und dem Komponisten Terry Riley benannt, dessen experimenteller Minimalismus sich in der ersten Synthesizer-Linie widerspiegelt. Der Song wurde ursprünglich für Lifehouse geschrieben, die aufwendige Rockoper, die auf Tommy folgen sollte. „Baba O’Riley“ eröffnete stattdessen Who’s Next, wobei Townshend in seinem Text die zugedröhnten Massen beschrieb, die er auf den Festivalplätzen von Woodstock und der Isle of Wight gesehen hatte. „Der Zwiespalt war, dass es zu einer Feier wurde“, sagte Townshend Jahre später. „‚Teenage wasteland! Ja. Wir sind alle besoffen!‘ Die Leute rannten bereits auf die Kultur und ihr Versprechen auf Erlösung zu. Aber nicht jeder hat überlebt.“
158 The Meters, „Cissy Strut“
1969
In den späten Sechzigern eröffnete jede New Orleans Band – auch die Meters – ihr Set mit „Hold It“, einem Instrumental von Bill Doggett. Aber der Gitarrist der Meters, Leo Nocentelli, fand, dass es Zeit für eine Veränderung war. „Ich hatte es satt, das zu spielen, also schrieb ich ‚Cissy Strut'“, sagte er und steuerte ein dreifaches Gitarren-Lick bei, das in einen dicken Akkord-Flick mündet, während der schwere Stolz des Beats von Schlagzeuger Joseph Modeliste die NOLA-Tradition in die Zukunft des Funk trägt. Jahre später, als Rapper, die von James Brown ausgebrannt waren, neue Breaks brauchten, war das Erkennungszeichen der Meters eine Anlaufstelle für sie.
157 Sonic Youth, „Teenage Riot“
1988
1988, als George H.W. Bush und Michael Dukakis um die Präsidentschaft kämpften, dachten die New Yorker Visionäre von Sonic Youth an etwas anderes. „J Mascis von Dinosaur Jr. repräsentierte unser Slacker-Genie, also schrieben wir als Tribut einen Song mit dem Titel ‚Rock’N’Roll for President'“, erklärte Thurston Moore später, wobei der Underground-Rock-Held „de facto unser alternativer Traumpräsident“ war. Dieser Song entwickelte sich zu „Teenage Riot“, wobei der konfrontative Lärm von Sonic Youth plötzlich in den Dienst einer schockierend geradlinigen Melodie gestellt wurde. Das Video zeigte Bilder von Ikonen wie Mark E. Smith von The Fall, Sun Ra und Kiss, ein Katalog der Vorlieben und der Abstammung der Band.
156 The Kingsmen, „Louie Louie“
1963
Die für 52 Dollar aufgenommene Coverversion des R&B-Songs von Richard Berry durch die Kingsmen wurde 1963 ein Nummer-zwei-Hit – auch dank des angeblich pornografischen Textes, der die Aufmerksamkeit des FBI auf sich zog. Die Gruppe aus Portland, Oregon, machte versehentlich den ausgesprochen unumstrittenen Text (über einen Seemann, der versucht, nach Hause zu kommen, um seine Frau zu sehen) unentzifferbar, indem sie sich um ein einziges Mikrofon drängten. „Ich habe in ein weit entferntes Mikrofon geschrien“, sagte Sänger Jack Ely dem Rolling Stone. „Ich dachte immer, die Kontroverse sei ein Hype der Plattenfirma.“
155
2001
155 The Strokes, „Last Nite“
2001
Julian Casablancas, der Frontmann der Strokes, ließ sich zu „Last Nite“ inspirieren, nachdem er sich mit der Musik von Velvet Underground vollgestopft hatte. Damit hatte die Band eine Hymne, die sie von den Clubs in New York auf riesige Festivalgelände in der ganzen Welt brachte. Viele Kritiker wiesen darauf hin, dass der Song großzügig Anleihen bei Tom Pettys „American Girl“ machte, aber das spielte kaum eine Rolle. „Die Leute sagten: ‚Kennen Sie den Song ‚American Girl‘ von Tom Petty?'“ sagte Casablancas. „‚Meinst du nicht, dass es sich ein bisschen so anhört?‘ Und ich antwortete: ‚Ja, wir haben es geklaut. Wo waren Sie?'“
154 Howlin’ Wolf, „Spoonful“
1960
Obwohl dieser erdige Chicago-Blues-Klassiker schon oft gecovert wurde, hat sich niemand so tief und so hungrig in ihn verbissen wie Wolf im Jahr 1960. Während einige dachten, der Löffel könnte eine Anspielung auf Drogen sein, hat der Songwriter Willie Dixon, der Tausendsassa von Chess Records, diese Vorstellung zurückgewiesen: „Leute, die denken, dass es bei ‚Spoonful‘ um Heroin ging, sind meistens Leute mit Heroin-Ideen.“ Außerdem wedelte Wolf bei der Aufführung des Songs oft mit einem überdimensionalen Kochlöffel vor seinem Schritt herum, falls sich jemand fragen sollte, wovon er sich eine ordentliche Portion erhoffte.
153 Rick James, „Super Freak“
1981
James war fast fertig mit seiner 1981er LP, Street Songs, als er eines Tages im Studio anfing, am Bass herumzudoktern und zufällige Zeilen wie „She’s a very kinky girl“ zu singen. Er dachte nicht weiter darüber nach, bis ein Bandkollege ihm sagte, er solle weitermachen. „Ich habe mir das auf der Stelle ausgedacht“, erinnert sich James in seinen Memoiren Glow. „Es ist einfach aus mir herausgewachsen.“ Er holte die Temptations dazu, um ihm beim Singen der Harmonien zu helfen. „Es ist nicht so funky wie meine üblichen Sachen“, sagte er ihnen. „Aber vielleicht bedeutet das, dass die Weißen dazu tanzen werden.“ Es bedeutete auch den größten Hit seiner Karriere, einen Grammy-Gewinn für die beste männliche Rock-Gesangsdarbietung und einen großen Zahltag, als MC Hammer den Song für „U Can’t Touch This“ sampelte.
152 Creedence Clearwater Revival, „Proud Mary“
1969
„Proud Mary“ begann als eine Phrase in Fogertys Notizbuch mit drei Ringbüchern. Er wusste nicht, was er damit anfangen sollte, bis zu dem Tag im Jahr 1968, als er mit der Post seine ehrenhafte Entlassung aus der Armee erhielt, was bedeutete, dass er nicht in Vietnam dienen musste. Daraufhin rannte er in seine Wohnung, nahm seine Rickenbacker in die Hand und der Song sprudelte im Laufe einer Stunde wie eine Euphorie aus ihm heraus. „Ich wusste, dass ich das Land der Größe betreten hatte“, schrieb Fogerty in seinen Memoiren, Fortunate Son. „Weit über alles hinaus, woran ich auch nur gedacht hatte.“ Zwei Jahre später erfanden Ike und Tina Turner den Song als Funk-Epos völlig neu.
151 The Shirelles, „Will You Love Me Tomorrow“
1960
Nach einigen kleineren Shirelles-Hits bat die Gründerin von Scepter Records, Florence Greenberg, King und Goffin, einen Song für die Gruppe zu schreiben. Am Klavier in Greenbergs Büro beendete King ein Lied, an dem das Team gearbeitet hatte. „Ich erinnere mich, dass ich ihrem Baby ein Fläschchen gab, während Carole den Song schrieb“, sagte Greenberg. Leadsängerin Shirley Owens fand „Tomorrow“ anfangs zu countrylastig für die Gruppe, aber die Produktion von Luther Dixon änderte ihre Meinung. Kings Hingabe an den Song war so groß, dass sie einen minderwertigen Schlagzeuger ersetzte und selbst Pauke spielte. Mit seiner unverblümten Darstellung einer sexuellen Beziehung wurde der Song zum ersten Nummer-eins-Album einer Girl-Group.
