Die 500 besten Songs aller Zeiten
Die 500 besten Songs aller Zeiten – die ultimative Liste von ROLLING STONE.
250 The Jimi Hendrix Experience, „Purple Haze“
1967
„Purple Haze“ leitete nicht nur eine, sondern gleich zwei Revolutionen ein: die Psychedelik der späten sechziger Jahre und das beispiellose Genie von Hendrix. Der erste Akkord des Hauptriffs ist unter Gitarristen als der „Hendrix-Akkord“ bekannt geworden. The Experience nahmen „Purple Haze“ in mehreren Sessions im Januar und Februar 1967 auf. Dabei experimentierten sie mit Aufnahmetechniken wie der blitzartigen Verzerrung von Hendrix‘ Gitarre – als das Masterband an ihre amerikanische Plattenfirma geschickt wurde, wies eine beigefügte Notiz gewissenhaft darauf hin, dass der verzerrte Klang des Songs beabsichtigt war.
249 Joan Jett, „Bad Reputation“
1980
Die heilige Joan brachte diesen Drei-Akkord-Song nach dem Zusammenbruch der Runaways heraus, zu einer Zeit, als das Musikgeschäft versuchte, sie als abgehalftert abzuschreiben (Jetts Debütalbum wurde von 23 Labels abgelehnt, bevor sie sich entschloss, es selbst herauszubringen). Man kann hören, wie sie jedes Mal vor Wut explodiert, wenn sie schreit: „Ich pfeife auf meinen schlechten Ruf!“ Sie wurde dem Geist des Songs gerecht – sie weigerte sich nicht nur, ihre Musik oder ihr Image zu zähmen, sie wurde auch zum Megastar, indem sie einfach sie selbst war. Jett hat immer noch ihren schlechten Ruf, und es ist ihr immer noch egal.
248 N.W.A, „Straight Outta Compton“
1988
N.W.A kamen mit einem Paukenschlag und begannen ihr Debütalbum mit dieser Westküsten-Gangsta-Attacke, die den Hip-Hop für immer veränderte. „Straight Outta Compton“ steigerte die Gewalt auf ein bis dahin unbekanntes Niveau, mit der explosiven Produktion von DJ Yella und Dr. Dre und Ice Cube, der damit prahlt: „Here’s a murder rap to keep you dancin’/With a crime record like Charles Manson!“ Es dauert nur drei Zeilen, bis die erste Waffe abgefeuert wird. „Straight Outta Compton“ war eine sofortige Sensation und machte L.A. zur neuen Hauptstadt des Rap. Wie Chris Rock sagte: „Es war so etwas wie die britische Invasion für Schwarze.
247 Joni Mitchell, „River“
Mitchell scherzte darüber, ein Lied mit dem Titel „Have Yourself a Morbid Little Christmas“ zu schreiben. Aber es gibt keine Weihnachtsmelodie, die sich so kalt anfühlt wie „River“ aus ihrem Klassiker Blue von 1971. Hier sitzt Mitchell allein an ihrem Klavier und spielt eine Variation von „Jingle Bells“. Sie betrauert das Ende einer Liebesbeziehung und singt: „I’m hard to handle, I’m selfish, and I’m sad/Now I’ve gone and lost the best baby that I ever had.“ „River“ beschwört den Winterblues herauf – wie sie sagte: „Es ist ein Weihnachtslied für Menschen, die an Weihnachten einsam sind.“
246 Faces, „Ooh La La“
1973
Diese rüpelhaften Londoner Jungs waren mit Rod Stewart an der Spitze und Ronnie Wood an der Gitarre die besten Kumpels auf einer Sauftour. Aber trotz ihres verrückten Grinsens und ihrer Saufgelage machten die Faces den freundlichsten Rock & Roll der siebziger Jahre. Ronnie Lane war Mitkomponist von „Ooh La La“, das vielleicht am besten aus der Schlussszene von Rushmore bekannt ist. Es ist das Klagelied eines alten Mannes in einer Kneipe, aber man kann ein Lächeln darin hören – ein Lied, das Ihnen auf den Rücken klopft und Sie im Raum willkommen heißt. Als Lane ein Kind war, sagte sein Vater: „Sohn, lerne Gitarre zu spielen. Du wirst immer einen Freund haben.“ Das ist der Geist von „Ooh La La“.
245 Beastie Boys, „Sabotage“
1994
Die Beasties begannen als New Yorker Hardcore-Punk-Band, bevor sie sich zu Königen des Hip-Hop entwickelten. „Sabotage“ zeigt ihre Meisterschaft in beiden Bereichen, ein Rap-Rock-Kracher aus ihrem Hit Ill Communication von 1994. Die drei MCs jammen auf Yauchs verwaschenem Bass-Riff, während Horovitz am Mikrofon krank wird. Wie er sagte: „Dieser Song erforderte etwas altmodisches Geschrei, das ist sicher. „Sabotage“ inspirierte auch zu einem der coolsten Videos aller Zeiten, einem Siebziger-Jahre-Trip voller schlechter Perücken und billiger Anzüge – ein ebenso großer Einfluss auf die Comedy wie auf die Musik.
244 Pavement, „Summer Babe (Winter Version)“
1992
Pavement brachten 1991 das letzte heraus, was man von Indie-Rock erwartet hätte – eine wehmütige Ballade über eine Sommerliebe. Malkmus und Kannberg, zwei Gitarristen aus Nordkalifornien, nahmen „Summer Babe“ in dem Garagenstudio ihres Hippie-Schlagzeugers Gary Young auf. „Wir wussten nicht, wie man aufnimmt“, gestand Malkmus. „Wir benutzten Hall für das Schlagzeug – den billigsten und schlechtesten Hall, den es je gab.“ (Sie veröffentlichten „Summer Babe“ 1991 als Single auf dem winzigen Label Drag City, und ein Jahr später eröffneten sie damit ihr klassisches Matador-Debüt, Slanted and Enchanted). Laut Malkmus hat er versucht, Lou Reed zu imitieren, indem er über „traurigen Jungenkram“ sang. Es erinnert an die Dämme und Hausboote ihrer Jugend – wie Malkmus sagte: „Das ist definitiv der kalifornische Vorstadtsommer.“
243 The Beatles, „Eleanor Rigby“
1966
„Eleanor Rigby“ war eine der radikalsten Veränderungen der Beatles, sowohl in musikalischer als auch in emotionaler Hinsicht. McCartney war gerade einmal 23 Jahre alt, als er dieses einfühlsame Porträt des Alterns schrieb. Er tüftelte an der Geschichte herum, bis er auf das Bild „hebt den Reis in einer Kirche auf, in der eine Hochzeit stattgefunden hat“ stieß. Wie er sagte: „So wurde dies ein Lied über einsame Menschen.“ Keiner der Beatles hat darauf gespielt – George Martin dirigierte eine achtköpfige klassische Streichergruppe. „Father McKenzie“ war ursprünglich „Father McCartney“; Lennon und McCartney blätterten in einem Telefonbuch, bis sie den gewünschten Namen fanden.
242 Jerry Lee Lewis, „Great Balls of Fire“
1957
In „Great Balls of Fire“, in dem Lewis auf dem Klavier herumhämmert und lüstern lächelt, wird das baptistische Höllenfeuer der Südstaaten zu einer fast blasphemischen Ode an die pure Lust. Lewis, ein Bibelschulabbrecher und Cousin von Jimmy Swaggart, weigerte sich zunächst, den Song zu singen und geriet in einen theologischen Streit mit dem Produzenten Sam Phillips, der damit endete, dass Lewis fragte: „Wie kann der Teufel Seelen retten?“ Aber im Laufe der Session änderte sich Lewis‘ Stimmung beträchtlich – auf Raubkopien ist zu hören, wie er sagt: „Ich würde gerne eine kleine Muschi essen, wenn ich welche hätte.“
241 Digital Underground, „The Humpty Dance“
1990
Humpty Hump brachte der Welt 1990 bei, wie man den „Humpty Dance“ tanzt und brachte die Partygänger dazu, „I get stupid! Ich schieße einen Pfeil wie Amor! Ich benutze ein Wort, das nichts bedeutet, wie ‚loopid!'“ Die Bay Area-Crew Digital Underground brachte den Hip-Hop mit dem verrückten Geist von George Clinton und Prince in Verbindung, lüstern und ohne die üblichen sexistischen Klischees der Ära. Wie der verstorbene Shock G sagte: „Ich habe den perversen Ton mitgebracht“. „The Humpty Dance“ hat immer noch genug Bass, um jeden in einer Burger King-Toilette zu beschäftigen.
240 Backstreet Boys, „I Want It That Way“
1999
Die Backstreet Boys haben mit ihrem 1999er Hit „I Want It That Way“ einen Boyband-Standard gesungen. Der Song definierte die MTV Total Request Live-Ära, in der BSB und ‚NSync um die Herzen des jungen Amerikas kämpften. Er stammt von den schwedischen Songwritern Carlsson und Martin, die gerade erst Englisch lernten. „Der Text bedeutet nicht wirklich etwas“, gab Carlsson zu. „Die Plattenfirma meinte: ‚Wir brauchen vielleicht einen anderen Texter, der uns bei der Arbeit daran hilft.'“ Aber Brian, Howie, A.J., Nick und Kevin lassen jede Zeile wie reine Poesie erklingen.
239 Big Star, „September Gurls“
1974
Chilton und seine Band Big Star wurden in den frühen Siebzigern völlig ignoriert, aber „September Gurls“ bleibt der Stoff, aus dem Legenden sind. Es ist der Sound von Jungs aus Memphis, die im Stax-Soul geschult sind, aber mit Gitarrenklängen und Chiltons sehnsüchtiger Stimme nach Byrds-Beatles-Songwriting greifen. „Ich glaube, ich war damals einer dieser rührseligen, jungen Menschen Anfang zwanzig“, erinnerte sich Chilton später. „Ich hatte eine Menge jugendlicher Fragen im Kopf, die ich beantworten wollte.“ Big Star wurde sehr einflussreich und inspirierte Gleichgesinnte wie R.E.M., die Replacements und Elliott Smith.
238 Aaliyah, „Are You That Somebody?“
1998
Die Welt hätte viel mehr von Aaliyah verdient, und „Are You That Somebody“ ist das Juwel ihrer tragisch kurzen, aber erstaunlichen Karriere. Timbaland lieferte eine seiner klanglich kühnsten Produktionen, mit einem Stop-and-Start-Stottern von Dirty South Future-Shock Funk. Er entstand in nur einer Nacht, als um 11 Uhr morgens die Deadline für den Dr. Dolittle-Soundtrack erreicht war – „Der Geist des Augenblicks“, erinnerte sich Timbaland später. Je größer dieser Song im Radio wurde, desto bizarrer klang er. Doch Aaliyah hielt alles mit ihrer verführerischen, geglätteten Stimme zusammen. Sie starb 2001 viel zu jung, aber sie wird immer dieser Jemand sein, und dies wird immer ihr Song sein.
237 Hank Williams, „Your Cheatin’ Heart“
1953
Kein Country-Sänger konnte ein so einsam-verlassenes Klagelied schreiben wie Williams. Er nahm „Your Cheatin‘ Heart“ bei seiner letzten Session am 23. September 1952 auf. Einem Freund sagte er: „Es ist der beste Herzenssong, den ich je geschrieben habe“. Aber Williams erlebte nicht mehr, wie es zu einem der größten Country-Standards aller Zeiten wurde. Wenige Wochen vor seiner Veröffentlichung starb er am Neujahrstag 1953 auf dem Rücksitz seines Autos, während einer nächtlichen Fahrt von einem Auftritt zum nächsten. Er war erst 29 Jahre alt, aber man kann in „Your Cheatin‘ Heart“ ein einsames Leben hören.
236 Bill Withers, „Lean on Me“
1972
Withers war ein Soulsänger, der mit seiner Akustikgitarre Lieder in klarer Sprache schrieb. Aber weil er ein Schwarzer war, dessen Karriere in der R&B-Ära begann, wollten die Plattenfirmen „nicht, dass ich etwas Leises mache“. Er behielt seinen Tagesjob in einer Fabrik, wo er Toiletten für 747-Flugzeuge herstellte, auch nach dem Erscheinen seines ersten Albums, um seine Unabhängigkeit zu bewahren. Withers war ein Mann, der tat, was ihm gefiel, mischte Folk mit R&B, sang ein Liebeslied über seine Großmutter, zog sich spießig an und schrieb „Lean on Me“, ein stilles Bekenntnis zu Freundschaft und Stärke und sein einziger Nummer-Eins-Hit.
235 New Order, „Blue Monday“
1983
New Order-Sänger Bernard Sumner schuf mit Hilfe einer Vielzahl von Technologien der neuesten Generation, darunter eine Drum-Maschine, Samples und ein Sequenzer, den er aus einem Bausatz baute und in Binärcode programmierte, diesen sofortigen Club-Klassiker – offiziell die meistverkaufte 12-Inch-Single aller Zeiten. „Blue Monday“ wurde von der frenetischen Disco-Freude von Donna Summer inspiriert: Der Beat ist aus ihrem Song „Our Love“ entnommen. „Als wir den Sequenzer starteten, kam er leicht aus dem Takt, was zwar unbeabsichtigt war, aber wirklich schön und funky klang“, schrieb Sumner.
234 The Supremes, „You Keep Me Hangin’ On“
1966
„Get out my life, why don’t ya, baby?“ ist eine der nettesten und fiesesten Arten in der Musik, einem Ex-Geliebten zu sagen, dass er verschwinden soll. Holland-Dozier-Holland wollten, dass „You Keep Me Hangin‘ On“ ein Rocksong wird (sehen Sie sich das brennende S.O.S.-Gitarrenintro an), aber es wurde so viel mehr daraus: Die Angst des Rock vermischt sich mit den engelsgleichen Trillern des Pop, dem Rhythmus des Soul und der Dringlichkeit von Disco 10 Jahre bevor es Disco gab. Als „You Keep Me Hangin‘ On“ veröffentlicht wurde, hatten sieben Supremes-Songs die Spitze der Pop-Charts erreicht. Dies wurde ihr achter und einer ihrer denkwürdigsten.
233 Deee-Lite, „Groove Is in the Heart“
1990
Deee-Lite, ein multiethnisches New Yorker Trio, entstand aus der pansexuellen Clubkultur New Yorks und verbreitete das ekstatische Ethos von Hot Spots wie Paradise Garage und dem Saint auf MTV und ins internationale Bewusstsein. Der Song greift Ron Carters elastische Basslinie aus Herbie Hancocks Jazz-Funk-Track „Bring Down the Birds“ von 1967 auf, Bootsy Collins fügt Hintergrundgesang hinzu, Fred Wesley und Maceo Parker aus James Browns Band spielen die Hörner und Q-Tip von A Tribe Called Quest schaut vorbei, um eine Strophe zu rappen. Das alles ergibt eine Collage aus verschiedenen Generationen von Funkateers.
232 The Who, „My Generation“
1965
„My Generation“ war zunächst nicht als Hymne für die Jugend gedacht. Es war ein Blues im Stil von Jimmy Reed, der die Ängste von Pete Townshend vor den bevorstehenden Zwängen des Erwachsenenlebens widerspiegelte. „In ‚My Generation‘ ging es um den Versuch, einen Platz in der Gesellschaft zu finden“, sagte er 1987 dem Rolling Stone. „Ich war sehr, sehr verloren. Die Band war damals noch jung. Man glaubte, dass ihre Karriere unglaublich kurz sein würde.“ Stattdessen wurde „My Generation“ die Eintrittskarte der Who zur Legende. Die Aufnahmesession im Oktober 1965 war so intensiv, dass Bassist John Entwistle drei neue Bässe kaufen musste, um die Aufnahme zu beenden, weil ihm ständig Saiten rissen und er keinen Ersatz finden konnte.
231 Whitney Houston, „I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)“
1987
Die Songschreiber George Merrill und Shannon Rubicam, die Whitney Houston mit dem spritzigen „How Will I Know?“ zu ihrem erfolgreichen Debüt verholfen hatten, dachten, sie hätten einen sicheren Song für ihren Nachfolger. Aber Houstons Produzent, Narada Michael Walden, war nicht so überzeugt. „Der Song erinnerte mich an einen Rodeo-Song mit Olivia Newton-John als Sängerin“, erinnert er sich. Der funkige Pop-Groove, den er kreierte, änderte all das, und als Houston in der Coda aus dem Stegreif „Don’t you wanna dance, say you wanna dance“ sang, war der Überschwang unüberhörbar.
230 The Byrds, „Mr. Tambourine Man“
1965
Der einzige Byrd, der auf dem ersten Hit der Band mitspielte, war Roger McGuinn, dessen klingende 12-saitige Rickenbacker-Gitarre zum bestimmenden Sound des Folk-Rock wurde. Alles andere kam von Session-Spielern aus L.A., darunter Schlagzeuger Hal Blaine und Bassist Larry Knechtel von Phil Spectors Wrecking Crew. Aber der Rest der Byrds holte bald auf, und als der Song sich ankündigte, schaute sich ein neugieriger Bob Dylan die Band im Ciro’s, einem Club in Los Angeles, an. Berichten zufolge erkannte er einige seiner eigenen Songs in ihren elektrifizierten Versionen nicht wieder.
229 Woody Guthrie, „This Land Is Your Land“
1951
1940 war die Folk-Ikone von der Pompösität von Kate Smiths unausweichlicher Aufnahme von „God Bless America“ so beunruhigt, dass er als Antwort eine Reihe von bodenständigen, radikalen Texten verfasste. „Gott hat Amerika für mich gesegnet“, betitelte Guthrie zunächst seinen Antwortsong, wobei er sich die Melodie von „When the World’s on Fire“ von der Carter Family auslieh. Vier Jahre später bearbeitete er diesen Text und nahm „This Land Is Your Land“ auf, das zu einer Art populistischer Nationalhymne wurde, die von allen gesungen wurde, von Kindergartenklassen bis zu Jennifer Lopez bei der Amtseinführung des Präsidenten im Jahr 2021.
228 Beyoncé, „Single Ladies (Put a Ring On It)“
2008
Beyoncés Generationenhymne zur Ermächtigung der Ehe wurde in „etwa 17 Minuten“ von Tricky „the Dream“ Stewart geschrieben, der einen Weg finden wollte, ihre Beziehung mit Jay-Z zu universalisieren. „Sie wollen, dass er sich bindet“, erinnert er sich. „Wie kann ich das zu einem Gespräch am Kaffeetisch machen?“ Beyoncés Plattenlabel war nicht gerade begeistert davon, den Song mit Schwarz-Weiß-Bildern zu bewerben. „Sie sagten mir, ich würde mich nicht verkaufen, wenn es nicht in Farbe wäre“, erinnerte sie sich Jahre später. „Das war lächerlich.“ Natürlich wurde auch das Schwarz-Weiß-Video ikonisch und gewann bei den VMAs 2009 den Preis für das Video des Jahres.
227 Creedence Clearwater Revival, „Fortunate Son“
1969
Vielleicht ließen sich einige Leute vorübergehend durch die schicken Hochzeitspläne von Richard Nixons Tochter Julie von der Hässlichkeit des Vietnamkriegs ablenken, aber nicht John Fogerty. „Man hatte einfach das Gefühl, dass keiner dieser Leute etwas mit dem Krieg zu tun haben wollte“, erinnert sich der CCR-Frontmann, als er Zeuge des Prunks wurde. Aber Fogerty verwandelte seine Abscheu in Inspiration und schrieb diese beißende, rechtschaffene Verteidigung der Armen gegen die Privilegierten. Wie Fogerty zu Recht anmerkt, „spricht der Song mehr über die Ungerechtigkeit der Klassenverhältnisse als über den Krieg selbst.“
226 The Smiths, „There Is a Light That Never Goes Out“
1986
„Jemand hat mir gesagt, dass man, wenn man den Ton richtig laut aufdreht, am Ende hören kann, wie ich rufe: ‚Das war unglaublich'“, erinnert sich Gitarrist Johnny Marr an die Aufnahme dieses unheimlich schönen Songs – Morrisseys bewegendste Aussage über den geplagten romantischen Hunger, unterlegt mit einem Riff, das Marr von der Rolling Stones-Coverversion von Marvin Gayes „Hitch Hiker“ geklaut hat. Erstaunlicherweise war Moz von dem Song nicht überzeugt und fragte sich, ob er veröffentlicht werden sollte. In seinen Memoiren schrieb er: „Es ist oft eine Erleichterung, sich zu irren“.
225 Joni Mitchell, „Both Sides Now“
1969
Die späten Sechzigerjahre waren eine bittersüße Zeit für Joni Mitchell. Während ihre erste Ehe in die Brüche ging, blühte ihre Karriere als Songwriterin auf: Judy Collins‘ Version von „Both Sides Now“ war ein Top-10-Hit. Im folgenden Jahr nahm Mitchell für die LP Clouds ihre eigene, weniger versüßte Version des Songs auf, den sie in einem Flugzeug geschrieben hatte, während sie auf die Wolken blickte und Saul Bellows Henderson the Rain King las. Sie beschrieb das Lied als „eine Meditation über Realität und Fantasie…. Die Idee war so groß, dass es mir schien, als hätte ich nur an der Oberfläche gekratzt.“
224 Derek and the Dominos, „Layla“
1970
Clapton, der in eine Dreiecksbeziehung mit George und Pattie Boyd Harrison verwickelt war, entnahm den Titel für seinen größten Song der persischen Liebesgeschichte „Layla und Majnun“. Aufgenommen von dem kurzlebigen Ensemble Derek and the Dominos, stürmt „Layla“ mit schmerzhaftem Gesang und überschneidenden Riffs von Clapton und dem mitwirkenden Gitarristen Duane Allman los, um sich dann in einer ruhigen, klavierbasierten Coda aufzulösen. „Das war das Schwerste, was es zu dieser Zeit gab“, sagte Clapton 1974 dem Rolling Stone. „Darüber wollte ich am liebsten schreiben.“
223 Eminem feat. Dido, „Stan“
2000
Eminems gruseligster Song basiert auf einem schrecklichen Alptraum: Was wäre, wenn die gewalttätigen, selbstzerstörerischen Texte des Rappers einen besessenen Fan zum Mord treiben könnten? „Er ist wirklich verrückt und hält mich für verrückt, aber am Ende des Liedes versuche ich, ihm zu helfen“, sagte Eminem über seine Figur. „Es zeigt die wahre Seite von mir.“ Unterstützt von einem Sample aus Didos „Thank You“ (das dadurch selbst zu einem Hit wurde) und angereichert mit Soundeffekten aus einem Spukhaus, bewies „Stan“, dass Eminem die dunkle Seite seiner Musik besser verstand als seine schlimmsten Kritiker.
222 Crosby, Stills, and Nash, „Suite: Judy Blue Eyes“
1969
„Als Stephen Stills mir diesen Song zum ersten Mal vorspielte, fragte ich mich, von welchem Planeten er stammte“, erinnert sich Graham Nash. Kein Wunder: Was Stills für seine Ex-Freundin Judy Collins geschrieben hatte, war weniger ein Lied als eine Reihe von einprägsamen Fragmenten auf der Suche nach einer Struktur. Wie Stills es ausdrückt: „Es waren die Anfänge von drei verschiedenen Songs, die plötzlich zu einem zusammenfielen.“ Gemeinsam fügte das neue Trio diese Teile so reibungslos zusammen, wie ihre drei Stimmen harmonierten, und als Titelstück ihres selbstbetitelten Debüts war diese Suite ein Bekenntnis zu ihrem Wunsch, über einfache Popformen hinauszugehen.
221 Ike & Tina Turner, „River Deep, Mountain High“
1966
Phil Spector hörte die Ike und Tina Turner Revue in einem Hollywood-Club zu einer Zeit, als ihre Plattenkarriere nach einer Handvoll R&B-Hits in den frühen 1960er Jahren ins Stocken geraten war. Spector hatte einen Song namens „River Deep, Mountain High“, von dem er überzeugt war, dass er ein großer Hit werden würde (tatsächlich schaffte es „River Deep“ gerade so in die Top 100), und er wollte, dass Tina ihn singt, obwohl er Ike verbot, überhaupt zu den Aufnahmen zu kommen. „Ich muss das 500.000 Mal gesungen haben“, sagte Tina später. „Ich war völlig durchgeschwitzt. Ich musste mein Hemd ausziehen und in meinem BH dastehen, um zu singen.“
220 New Order, „Bizarre Love Triangle“
1986
Nach dem Tod von Ian Curtis von Joy Division wurde seine Band zu New Order. „Es gibt das Leben und es gibt den Tod“, sagte Schlagzeuger Stephen Morris 1983 dem Rolling Stone. „Wir waren noch am Leben, also dachten wir, wir machen einfach weiter.“ „Bizarre Love Triangle“ war ein Höhepunkt in der Verbindung von stimmungsvollem Dance-Rock und elektronischem Bounce, bei dem Bernard Sumner inmitten der Synthies und sequenzierten Grooves in kryptischer, wehmütiger Ekstase schwelgte. Bemerkenswerterweise war der Song in den USA nie ein großer Hit und schaffte es kaum in die Hot 100 – die Coverversion der australischen Band Frente aus dem Jahr 1994 war sogar deutlich höher in den Charts.
219 Tom Petty, „Free Fallin“
1989
Petty schrieb „Free Fallin'“ mit Jeff Lynne, der sein Solodebüt Full Moon Fever produzierte. „Ich kam zum Refrain des Songs, und er lehnte sich zu mir und sagte das Wort ‚free-falling'“, erinnert sich Petty. „Ich bekam das ganze Wort nicht rein. Also sang ich ‚Freeee‘ und dann ‚free-falling‘. Und in diesem Moment wussten wir beide, dass ich etwas ziemlich Gutes gefunden hatte.“ Das Lied wurde in nur zwei Tagen fertiggestellt und aufgenommen, der erste Song für das Album. Das Label lehnte Full Moon Fever zunächst ab, weil es an Hits mangelte. „Also wartete ich sechs Monate und brachte die gleiche Platte zurück“, sagte Petty. „Und sie liebten es.“
218 Wilson Pickett, „In the Midnight Hour“
1965
Die ersten beiden Singles von Pickett für Atlantic wurden in New York aufgenommen und floppten. „Ich sagte Jerry Wexler, dass ich nicht mehr auf diese Weise aufgenommen werden wollte“, sagte Pickett. „Ich sagte, ich hätte einen Song von Otis Redding aus Memphis gehört und das sei die Richtung, in die ich gehen wollte.“ Pickett zog es bald in den Süden. Er und Steve Cropper schrieben „In the Midnight Hour“ im Lorraine Hotel (wo Martin Luther King Jr. später ermordet werden sollte), und während sie den Song ausschnitten, schoss Wexler eine Idee aus dem Sitz. „Ich wackelte mit dem Hintern zu einem Groove, der durch ‚The Jerk‘ von den Larks, einem Hit aus der Mitte der sechziger Jahre, populär wurde“, schrieb Wexler. „Die Idee war, den zweiten Beat voranzutreiben und den vierten zurückzuhalten. Und ein Soul-Klassiker war geboren.
217 Stevie Nicks, „Edge of Seventeen“
1981
Stevie Nicks fragte Tom Pettys Frau Jane einmal beiläufig, wann sich die beiden kennengelernt hätten. „Im Alter von 17 Jahren“, antwortete Jane, aber wegen ihres Südstaaten-Akzents dachte Nicks, sie hätte „the edge of seventeen“ gesagt, und nahm es als Songtitel für ihr erstes Soloalbum. Zu Waddy Wachtels unverwechselbarem 16tel-Gitarrenriff, das später von Destiny’s Child gesampelt wurde, sang Nicks über Unschuld und Verlust, bewegt durch den kürzlichen Tod eines Onkels und John Lennons. Die Zeile „He seemed brokenhearted,“ bezog sich allerdings auf Petty, sagte sie. „Das war Jane, die über Tom sprach. Ich habe ihre Beziehung aufgezeichnet, so wie sie sie mir erzählt hat.“
216 Elvis Presley, „Jailhouse Rock“
1957
Die Songschreiber Jerry Leiber und Mike Stoller hatten bereits einige Presley-Hits geschrieben – vor allem „Hound Dog“, das sie von der Blues-Sängerin Big Mama Thornton übernommen hatten -, aber der Titelsong für Presleys dritten Film war die erste Studiozusammenarbeit des Duos mit dem jungen Superstar. „Jailhouse Rock“ war ausgesprochen albern, die Art von augenzwinkerndem erzählerischem Blödsinn, den sie sich für die Coasters ausgedacht hatten. Der King hingegen sang es als reinen Rock ’n‘ Roll und leitete das Gitarrensolo von Scotty Moore mit einem so intensiven Schrei ein, dass die Aufnahme fast zusammenbrach.
215 Mobb Deep, „Shook Ones, Pt. II“
1995
Mobb Deep wurden zwar nach ihrem Debüt Juvenile Hell aus dem Jahr 1993 von ihrem ersten Label fallen gelassen, aber es war lehrreich, Top-Produzenten wie Large Professor und DJ Premier beim Hacken von Samples während der Sessions zuzusehen. Als sie von Loud Records aufgenommen wurden, fanden die beiden Teenager Inspiration in „Jessica“, einem Deep Cut von Herbie Hancock. „Ich hatte einfach die Idee, das Stück zu sampeln und neu zu arrangieren“, erinnert sich Havoc und fügt hinzu, dass er auf „dunklere Musik“ aus war. Das Ergebnis war einer der zermürbendsten Beats aller Zeiten und eine Vorlage für die kaltherzigen Verse, die Mobb Deep einen Platz in der Geschichte sicherten.
214 Steely Dan, „Deacon Blues“
1977
„Deacon Blues‘ ist so nah an der Autobiographie, wie unsere Lieder nur sein können“, sagte Donald Fagen. Der Song ist ein Traum von der Flucht in eine Bohème-Existenz, der auch eine Fantasie des Hipster-Vergessens ist. Er ist das elegante, elegische Herzstück von Steely Dans Album Aja aus dem Jahr 1977. Zu dem charakteristisch kryptischen Titel sagte Fagen später: „Wenn eine College-Football-Mannschaft wie die University of Alabama einen so grandiosen Namen wie Crimson Tide haben kann, sollten auch die Nerds und Verlierer das Recht auf einen grandiosen Namen haben.“
213 The Rolling Stones, „Paint it, Black“
1966
Die experimentelle Periode der Stones Mitte der sechziger Jahre wurde zum Teil von Brian Jones‘ Rastlosigkeit angetrieben. „Brian hatte die Gitarre zu diesem Zeitpunkt so gut wie aufgegeben“, sagte Keith Richards. „Wenn es ein anderes Instrument gab, musste er in der Lage sein, etwas damit anzufangen. Bei einer Session in L.A. zupfte Jones eine eindringliche Melodie auf einer Sitar, zu der Bill Wyman eine Orgel mit Klezmer-Aromen beisteuerte und Studiolegende Jack Nitzsche ein Klavier im Zigeunerstil. Es hätte alles ein Witz sein können, aber das dröhnende Schlagzeug von Charlie Watts und der aus voller Kehle gesungene Gesang von Mick Jagger machten „Paint It, Black“ eher zu einem Blick in den Abgrund.
212 Boston, „More Than a Feeling“
1976
Jeden Abend kam Tom Scholz von seinem Tagesjob bei Polaroid nach Hause, um in seinem Kellerstudio in Watertown, Massachusetts, zu arbeiten. Hier konstruierte er, inspiriert von der lieblichen Psych-Pop-Ballade „Walk Away Renee“ von The Left Banke, in mühevoller Kleinarbeit die majestätische Studio-Rock-Symphonie, die zu Bostons Karrierehit werden sollte und in deren Mittelpunkt eine Vision von Marianne stand – die tatsächlich existierte. „Sie war meine ältere Cousine ersten Grades, in die ich verknallt war, als ich 10 war“, sagte Scholz. Viele beschuldigten Nirvana, die Akkorde des Refrains von „Smells Like Teen Spirit“ von „More Than a Feeling“ geklaut zu haben, aber nicht Scholz, der einfach sagte: „Ich kann es nicht hören.“
211 U2, „With or Without You“
1987
The Joshua Tree war U2s Ode an Amerika: Die Songs wurden von Folk, Gospel und Roots-Musik inspiriert, und die Texte wurden, wie The Edge bemerkte, von den Helden der Bürgerrechte und dem New Journalism der 1960er Jahre inspiriert. Dennoch war „With or Without You“ – mit seinem einfachen Bassgroove und dem ätherischen Gitarrensummen, das Bonos sehnsüchtigen Gesang umrahmt – einer der bisher universellsten Songs von U2, eine Meditation über die schmerzhafte Ambivalenz einer Beziehung. Bono betonte, es gehe darum, „wie ich mich bei U2 manchmal fühle: ausgeliefert“. Es sollte der erste Nummer-Eins-Hit von U2 in den USA werden.
210 Funkadelic, „One Nation Under a Groove“
1978
„Wir wollten wirklich, dass es ein Hit wird, also haben wir es kommerzieller und geradliniger gemacht, als ich es gerne tue.“ So beschrieb Funkadelic-Frontmann George Clinton 1978 diese funkige Hymne für den Dancefloor. „Die Band sang sogar ‚Corny or not, here we come!'“ Clintons Vorstellung von Pop war es, einen Track mit genügend Ideen, Slogans und Melodien für ein ganzes Album zu überfrachten und ihn trotzdem wie eine Mutter zu stampfen. Wie Bassist Bootsy Collins es ausdrückt: „Georges Ding war: ‚Es ist egal, wie viele Hooks man einbaut. Es spielt keine Rolle! Mach sie alle rein.'“
209 Don Henley, „Boys of Summer“
1984
Während er mit seiner neuen LinnDrum-Maschine herumspielte, bastelte der Gitarrist der Heartbreakers, Mike Campbell, eine hypnotische Gitarrenfigur über einen elektronischen Beat und brachte das Ergebnis seinem Freund und Chef Tom Petty. Petty konnte mit dem Stück nicht viel anfangen, aber der ehemalige Eagle Don Henley erkannte in der Looping-Produktion etwas Ergreifendes und schrieb sofort einen Text, der den ultimativen Abschied vom Idealismus der Sechziger Jahre zum Ausdruck brachte und durch den Sound des Songs aus den Achtzigern noch ergreifender wurde. Das nüchterne Schwarz-Weiß-Video gewann bei den MTV Video Music Awards 1985 den Preis für das Video des Jahres.
208 Hole, „Doll Parts“
1994
Courtney Love sagte, sie habe „Doll Parts“ in 20 Minuten in einem Badezimmer in Boston geschrieben. „Es ging um einen Jungen, dessen Band gerade die Stadt verlassen hatte, mit dem ich geschlafen hatte und von dem ich hörte, dass er mit zwei anderen Mädchen schlief“, erklärte sie Jahre später. „Es war meine Art zu sagen: ‚Du bist ein verdammter Idiot, wenn du dich nicht für mich entscheidest, und hier ist all das Verlangen und die Wut und die Liebe, die ich für dich empfinde.'“ Die Gitarren taumeln vorwärts, verlieren aber nie den Halt; die Besessenheit von Love baut sich langsam auf und bricht dann in erotischen Drohungen aus. Oh, und das Ergebnis von Loves Geschichte: „Ich habe den Kerl geheiratet.“
207 Rage Against the Machine, „Killing in the Name“
1992
Ein Killer-Riff kann jederzeit auftauchen – sogar während einer Gitarrenstunde. So kam Tom Morello, der nebenbei unterrichtete, auf den Anfang des Songs, der zu RATMs Durchbruchshymne werden sollte. „Ich unterbrach den Unterricht, holte meinen kleinen Radio Shack Kassettenrekorder, nahm den kleinen Schnipsel auf und machte dann mit dem Unterricht weiter“, sagte er. Die knüppelharte Rhythmusgruppe von Rage unterstützte das Riff und Zack de la Rocha steuerte scharfe Kritik an der Polizei („Some of those that work forces/Are the same who burn crosses“) sowie das allgemein antiautoritäre Mantra „Fuck you, I won’t do what you tell me“ bei.
206 Glen Campbell, „Wichita Lineman“
1968
Inspiriert von der Isolation eines Telefonmastenarbeiters, den er an der Grenze zwischen Kansas und Oklahoma gesehen hatte, schrieb Jimmy Webb dieses Lied 1968 für Campbell, der Webb gebeten hatte, ein weiteres „By the Time I Get to Phoenix“ zu schreiben. „Ich habe einfach versucht, einen gewöhnlichen Mann zu nehmen und ihn zu öffnen und zu sagen: ‚Schauen Sie, da ist diese große Seele, und da ist dieser große Schmerz und diese große Einsamkeit in dieser Person, und wir sind alle so‘,“ sagte Webb der BBC. Campbell fügte einen Gitarrenpart hinzu und behielt die Orgel aus Webbs Demo bei. Der läutende Ton am Ende, der an Telefonsignale erinnert, wurde auf einer massiven Kirchenorgel aufgenommen.
205 Britney Spears, „...Baby One More Time“
1998
Der Song, der die Welt mit der einflussreichsten weiblichen Popkünstlerin seit Madonna bekannt machte, war ursprünglich für TLC gedacht, aber die R&B-Gruppe lehnte ihn ab. Als der schwedische Songwriter Max Martin Spears, eine neue 15-jährige Sängerin bei Jive Records, kennenlernte, dachte er, er hätte die richtige Person für den Song. Spears stimmte zu. „Ich wollte, dass meine Stimme ein wenig rostig ist“, sagte sie Jahre später dem Rolling Stone. „Ich wollte, dass meine Stimme einfach mit dem Song grooven kann. Also bin ich in der Nacht davor sehr, sehr lange aufgeblieben, und als ich ins Studio ging, war ich nicht ausgeruht.“
204 David Bowie, „Young Americans“
1975
„Es geht um ein frisch verheiratetes Paar, das nicht weiß, ob es den anderen wirklich mag“, sagte Bowie über „Young Americans“. Er hatte den Glam-Look, der ihn zum Star gemacht hatte, abgelegt und sich dem, was er „Plastik-Soul“ nannte, zugewandt. Er hatte sich in den Sigma Sound Studios in Philadelphia niedergelassen, die kunstvoll orchestrierte Soul-Hits von Leuten wie den O’Jays und Harold Melvin and the Blue Notes produziert hatten. Hören Sie sich diese R&B-Hommage genau an und Sie werden feststellen, dass hier zwei Stars am Werk sind: Luther Vandross am Backgroundgesang und David Sanborn am Saxophon.
203 Stevie Wonder, „Signed, Sealed, Delivered I’m Yours“
1970
Wonder experimentierte mit der Produktion dieses 1970er R&B-Chartstürmers mit seinem unverwechselbaren Sitar-Intro und dem ausgedehnten Soul-Pop-Arrangement, das von den Funk Brothers gespielt wurde. Den ikonischen Refrain des Liedes schrieb er seiner Mutter zu, die als Co-Autorin an diesem Klassiker beteiligt war. Der Song läutete eine neue Ära der kreativen Renaissance für den 20-jährigen Sänger ein und wurde später von Elton John bis Ariana Grande gecovert und war ein Lieblingssong von Barack Obama im Wahlkampf 2008.
202 Elton John, „Your Song“
1970
Bernie Taupin hat oft behauptet, dass es nie länger als eine Stunde dauern sollte, einen Song zu schreiben. Für seinen ersten Klassiker brauchte er gerade mal 20 Minuten. Im Jahr 1969 teilten sich Taupin und Elton ein Etagenbett im Haus von Eltons Mutter, als Taupin eines Morgens am Frühstückstisch den Text zu „Your Song“ schrieb. Elton nahm an, dass die hochfliegende Klavierballade von einer alten Freundin Taupins inspiriert wurde, aber der Texter behauptet, dass sie an niemanden speziell gerichtet war. „Die frühen Lieder entstammen nicht der Erfahrung, sondern der Fantasie“, sagte Taupin. „‚Your Song‘ könnte nur von einem 17-Jährigen geschrieben worden sein, der noch nie in seinem Leben Sex hatte.“
201 Johnny Cash, „Ring of Fire“
1963
June Carter kam auf diesen Song, als sie eines Nachts ziellos durch die Gegend fuhr. Sie war besorgt über Cashs wilde Art – und wusste, dass sie ihm nicht widerstehen konnte. „Es gibt keine Möglichkeit, in dieser Art von Hölle zu sein, keine Möglichkeit, eine Flamme zu löschen, die brennt, brennt, brennt“, schrieb sie. Nicht lange nachdem er die Version von Junes Schwester Anita gehört hatte, träumte Cash, dass er das Lied mit Mariachi-Hörnern sang. Cashs Version wurde zu einem seiner größten Hits (und inspirierte Coverversionen von Frank Zappa bis Adam Lambert), und seine Ehe mit June vier Jahre später rettete ihm das Leben.
