Die 500 besten Songs aller Zeiten
Die 500 besten Songs aller Zeiten – die ultimative Liste von ROLLING STONE.
300 Die B-52’s, „Rock Lobster“
1978
Normalerweise funktioniert der Wahnsinn am besten in kurzen Dosen, aber „Rock Lobster“ hält eine jenseitige Energie fast sieben Minuten lang aufrecht und führt dabei jedes Element ein, das diese selbst bezeichnete „schrullige kleine Tanzband“ aus Athens, Georgia, einzigartig machte: Fred Schneiders dadaistische Rufe („Here comes a bikini whale!“), Cindy Wilsons und Kate Piersons exzentrische Harmonien, Keith Stricklands druckvolles, reduziertes Schlagzeug und Ricky Wilsons stechende Aneignung der Funk-Rhythmusgitarre. „Ich war in einer Disco, in der Bilder von Hummern und ballspielenden Kindern hingen“, erinnert sich Schneider. „‚Rock Lobster‘ klang wie ein guter Titel für einen Song.
299 Screamin’ Jay Hawkins, „I Put a Spell on You“
1956
Lange vor den Doors oder Black Sabbath verband der in Cleveland geborene Screamin‘ Jay Hawkins den Rock ’n‘ Roll mit der Unterwelt, dank seiner charakteristischen, makabren Bühnenshow. „Ich verlor die Hälfte des Publikums, als ich in Rauch- und Nebelwolken aus meinem Sarg sprang“, erinnerte er sich. „Sie stürmten alle die Gänge hinauf und schrien vor Angst. Um die jenseitige Stimmung von „I Put a Spell on You“ zu erzeugen, betrank sich Hawkins so sehr, dass er sich hinterher nicht mehr an die Sitzung erinnern konnte.
298 Bruce Springsteen, „Jungleland“
1975
Springsteens klassische LP Born to Run gipfelte in „Jungleland“, einer neuneinhalbminütigen Achterbahnfahrt aus nächtlichem Ärger und Saxophon-Ruhm. Wie der Großteil von Born to Run war auch die Entstehung des Songs eine Tortur. Berühmt ist eine 16-stündige Sitzung, in der Springsteen Clarence Clemons Note für Note durch sein Saxophonsolo führte, bis es perfekt war. Später nannte Springsteen das fertige Produkt Clemons‘ „größten aufgenommenen Moment“ und sagte, der Song gipfelt in seinem eigenen wortlosen Gebrüll, damit er „in blutiger Opernherrlichkeit“ enden kann.
297 Beach Boys, „Wouldn’t It Be Nice“
1966
Die Beach Boys eröffneten ihren Klassiker Pet Sounds aus dem Jahr 1966 mit „Wouldn’t It Be Nice“, in dem Brian Wilson davon fantasiert, seine Freundin „die ganze Nacht hindurch zu umarmen“, sobald sie alt genug sind, um zusammen zu leben. „Die Idee ist, je mehr wir darüber reden, desto mehr wollen wir es“, sagte Wilson, „aber lass uns trotzdem darüber reden.“ Wilson arbeitete intensiv an dem Stück und stellte eine Band zusammen, die aus zwei Klavieren, drei Bässen und zwei Akkordeons bestand. „Ich wollte etwas, das ich hören und fühlen wollte“, erinnert sich Wilson. „Ein großartiges Gefühl von großer Freude.“
296 Bikini Kill, „Rebel Girl“
1993
„Wenn sie spricht, höre ich die Revolution / In ihren Hüften ist Revolution“, verkündete Kathleen Hanna in „Rebel Girl“, dem Schlachtruf der Neunziger, der heute als die vielleicht größte feministische Punk-Hymne aller Zeiten verehrt wird. Der Song ist so stark, dass die Band ihn dreimal aufnahm und veröffentlichte, jedes Mal mit einem fröhlicheren Schwerpunkt. Die berühmteste Version ist die B-Seite der erstaunlichen Single „New Radio“, auf der die Produzentin und Gitarristin Joan Jett den Hintergrundgesang übernahm und die Gitarre beisteuerte.
295 The Who, „Won’t Get Fooled Again“
1971
Pete Townshend schrieb diesen Song für ein gescheitertes Konzeptalbum und einen Film namens Lifehouse. Aber viele der Songs aus diesem Projekt wurden für Who’s Next wiederbelebt, das mit einer Woche Demo-Sessions in Mick Jaggers Landhaus Stargroves begann. Der Synthesizer auf „Won’t Get Fooled Again“ stammt aus diesen Demos. „Pete hatte Sounds, Synthesizer-Grundlagen, für Tracks, die einfach unglaublich waren“, sagte Produzent Glyn Johns. „Niemand hatte das zuvor auf diese Weise gemacht.“ „Es ist interessant, dass der Song hymnisch aufgenommen wurde“, sagte Townshend über den Song, „obwohl er in Wirklichkeit ein mahnendes Stück ist.“
294 The Velvet Underground, „Sweet Jane“
1970
Auf ihren ersten drei Alben waren The Velvet Underground eine ausgefallene Kultband, die sich nicht scheute, über Drogensucht, Gewalt und Orgien zu singen. Auf Loaded näherten sie sich dem Mainstream an, insbesondere mit Lou Reeds „Sweet Jane“. Nachdem Reed die Band verlassen hatte, wurde aus diesem Song eine wehmütige Coda herausgeschnitten. „Wie kann man nur so dumm sein?“ fragte Reed 1987 den Rolling Stone. „Wenn ich es hätte aushalten können, wäre ich bei ihnen geblieben und hätte ihnen gezeigt, was zu tun ist.“ Jahrelang war die einzige verfügbare Version der Coda auf der Live-LP von 1969 zu finden.
293 Alice Cooper, „School’s Out“
1972
Als Johnny Lydon bei den Sex Pistols vorsprach, um Sänger zu werden, sang er in einem Londoner Pub „School’s Out“ aus der Jukebox mit. Mit seinem eindringlichen Refrain, seiner kruden Einfachheit und seiner antiautoritären Freude war der Sommerhit von Alice Cooper aus dem Jahr 1972 ein Vorläufer des Punkrocks und der Jock Jams, die mit einem Kinderrefrain einen perversen Children of the Corn-Effekt erzielten. Und das Riff ist so sehr Teil der Rockgeschichte, dass nach dem Tod des Gitarristen Glen Buxton im Jahr 1997 seine Freunde und Fans einen Grabstein mit der musikalischen Notation seines viertaktigen „School’s Out“-Riffs anlegten.
292 A Tribe Called Quest, „Can I Kick It?“
1990
Zusammen mit De La Soul und den Jungle Brothers war das Trio aus Queens, New York, Teil einer kühnen Bewegung, die zu dieser Zeit eine positive Einstellung zum Rap vertrat. Auf „Can I Kick It“ wechseln Q-Tip und Phife Dawg mühelos zwischen lässiger Coolness und Uptempo-Spontaneität, während der Produzent Ali Shaheed Muhammad eine Meisterklasse im freien Sampling abliefert, insbesondere mit der Verwendung der Basslinie von Lou Reeds „Walk on the Wild Side“. Nachdem das Sample zunächst nicht genehmigt worden war, erhielt Reed am Ende eine Solokomposition für den Song und den gesamten Erlös.
291 Phil Collins, „In the Air Tonight“
1981
1979, nach einer langen Tournee mit Genesis, die zum Scheitern seiner Ehe führte, kam Phil Collins nach Hause und fand ein leeres Haus vor. „Ich war wütend, ich war unglücklich, ich war traurig“, sagte er später über diese Zeit. Er richtete sich in seinem Schlafzimmer ein provisorisches Studio ein und kanalisierte all seinen Schmerz in einem der beängstigendsten und fesselndsten Songs der Achtziger Jahre – eine unheimliche Synthesizer- und Drum-Machine-Stimmungslandschaft, gekrönt von einer elliptischen, anklagenden Schimpftirade und der Mona Lisa aller Drum-Fills, einem absteigenden Tom-Tom-Break, den Collins einmal mit dem Klang „bellender Robben“ verglich.
290 Usher feat. Lil Jon und Ludacris, „Yeah!“
2004
2004 war „Yeah!“ unausweichlich, wie Juicy Couture Trainingsanzüge und Von Dutch Trucker Hüte. Ludacris‘ cartoonhafter Rap und Ushers sanfter R&B prallten mit voller Wucht aufeinander, angestachelt von Lil Jons unvergesslichen Improvisationen. „Yeah!“ wurde Monate vor Ushers bahnbrechender LP Confessions veröffentlicht, die sich in der ersten Woche 1 Million Mal verkaufte. Der Song hielt sich drei Monate lang an der Spitze der Charts.
289 Bruce Springsteen, „Atlantic City“
1982
Am 15. März 1981 wurde der Mafiaboss von Philadelphia, Philip „The Chicken Man“ Testa, durch eine Nagelbombe ermordet, die unter seiner Veranda versteckt worden war. Springsteen nahm diesen Ausschnitt aus dem wahren Leben als Ausgangspunkt für diese traurige Geschichte eines verzweifelten Mannes, der sich dem Verbrechen zuwendet, um „Schulden zu begleichen, die kein ehrlicher Mann bezahlen kann“. Der Song wurde zu einem Konzertfavoriten, und es gab großartige Interpretationen durch die E Street Band und die Sessions Band, aber sie konnten die tragische Schönheit des akustischen Originals aus Nebraska nie ganz übertreffen.
288 The Funky 4 + 1, „That’s the Joint“
1980
Einige bahnbrechende Acts haben es nie geschafft, ein Album aufzunehmen. The Funky 4 + 1, eine überschäumende, explosive O.G. Bronx Rap-Crew mit dem bahnbrechenden weiblichen MC Sha-Rock, war eine davon. Aber die Gruppe löste sich auf, kurz nachdem sie diese, ihre zweite Single, 1981 in Saturday Night Live aufgeführt hatte – die erste Hip-Hop-Gruppe, die jemals in der Show auftrat. „Wir haben es der nächsten Generation leichter gemacht, einfach zu explodieren“, sagte Sha-Rock, „denn zu diesem Zeitpunkt war die Welt bereit dafür.“
287 AC/DC, „You Shook Me All Night Long“
1980
AC/DC-Sänger Bon Scott starb im Februar 1980 an Erstickung, als er nach einer durchzechten Nacht an seinem Erbrochenen erstickte, gerade als ihre LP Highway to Hell die australischen Hardrocker zu Stars machte. Zwei Tage später probten die Brüder Malcolm und Angus Young wieder („Bon hätte das Gleiche getan“, sagte Angus), und innerhalb von zwei Wochen hatten sie einen neuen Sänger, Brian Johnson, engagiert. Der erste Song, den diese neue Besetzung zusammen schrieb, war „You Shook Me All Night Long“, von dem Johnson seinen neuen Bandkollegen sagte, er sei „der beste Rock & Roll-Song, den ich je in meinem Leben gehört habe“.
286 ABBA, „Dancing Queen“
1976
Die Songschreiber von ABBA wurden von George McCraes Dancefloor-Hit „Rock Your Baby“ dazu inspiriert, sich an einem Disco-Song zu versuchen. Sie beschlossen, ihren Song mitten im Refrain zu beginnen, so Benny Andersson, „um eine maximale Wirkung zu erzielen“. Als Andersson den Song seiner Verlobten und Bandmitglied Anni-Frid Lyngstad vorspielte, war sie zu Tränen gerührt. Schwedens größter Musikexport debütierte „Queen“ 1976 auf einem Ball für König Carl XVI Gustaf am Vorabend von dessen Hochzeit. Der Song, ein schaumiges Dessert aus erhabener Melodie und pop-opernhaften Harmonien, wurde der einzige Nummer-eins-Hit der Gruppe in den USA.
285 Destiny’s Child, „Say My Name“
1999
Ursprünglich mochten Destiny’s Child den ursprünglichen Titel des Produzenten Rodney Jerkins nicht. „Ich glaube, er mochte ihn auch nicht. Da war einfach zu viel los“, sagte Beyoncé Jahre später, bevor eine Überarbeitung „es in eine erstaunliche, zeitlose R&B-Platte verwandelte.“ Ein größerer Skandal folgte, als der Manager (und Beyoncés Vater) Mathew Knowles LeToya Luckett und LaTavia Roberson entließ, als diese mehr Geld verlangten; die Newcomer Farrah Franklin und Michelle Williams sangen die Parts der ehemaligen Mitglieder im Video des Songs. Kontroversen verkaufen sich natürlich gut, und es hat kaum geschadet, dass „Say My Name“ auch ein klassischer R&B-Moment der Millennials war.
284 Leonard Cohen, „Suzanne“
1967
Nachdem die Folk-Weise Judy Collins das Lied „Suzanne“ aufgenommen hatte, das Cohen über sein unstillbares Verlangen nach der jüngeren Frau eines Freundes, der Avantgarde-Tänzerin Suzanne Verdal, geschrieben hatte, wurde es zu einem Standard, der von allen gecovert wurde, von Nina Simone bis Neil Diamond; und Cohen, der bereits ein angesehener Dichter war, bekam einen Plattenvertrag. Seine Version ist langsam und karg und lässt Raum für seine sinnliche und biblische Symbolik und seine intime, unverblümte, alltägliche Stimme. „Ich wusste nicht, dass ich 40 Jahre später noch ‚Suzanne‘ singen könnte“, sagte er einmal.
283 Ray Charles, „Georgia on My Mind“
1960
Charles‘ Fahrer hatte ihn im Auto „Georgia on My Mind“ singen hören und schlug vor, dass Charles es zu der Platte hinzufügt, an der er gerade arbeitete, einem Album, das aus Songs mit Ortsnamen im Titel bestand. Nachdem er den Song aufgenommen hatte, sagte Charles, dass ihm viele Möglichkeiten einfielen, wie seine Interpretation hätte besser sein können. Als die Single kurz davor war, in die Charts zu kommen, stellte er seine Version in Hugh Hefners Playboy Penthouse, einer syndizierten Sendung aus Chicago, vor, wobei David „Fathead“ Newman die Streicherparts auf der Flöte spielte.
282 INXS, „Never Tear Us Apart“
1988
Diese anschwellende Pop-Rock-Ballade aus den Achtzigern, der fünfte Top-10-Hit aus dem Album Kick der australischen Rocker, begann als Blues-Nummer. „Es war ein Fats Domino… Rolling Stones-mäßiger Song aus den frühen Sechzigern“, sagt Produzent Chris Thomas, der den Klavierpart des Demos durch Streicher ersetzte. Dieses orchestrale Riff und ein heulendes Saxophonsolo von Kirk Pengilly machten den Song perfekt für die Go-Go-Zeit der späten Achtziger – ganz zu schweigen von dem Musikvideo, das in Prag gedreht wurde, mitten im Fall des tschechischen Kommunismus.
281 Clipse, „Grindin“
2002
„Es war eine Platte, von der ich wusste, dass sie viel zu innovativ sein würde“, sagte Pusha T im Jahr 2012. In der Tat ist das rollende, spärliche Schlagzeug von „Grindin'“ eine verblüffende minimalistische Leistung, selbst in einem Genre, das für perkussive Symphonien bekannt ist. Der Produzent Pharrell Williams drohte zunächst damit, den Beat an Jay-Z abzugeben, und Pusha und Malice schrieben ihre Verse ein paar Mal um, um mit der verblüffenden Innovation der Neptunes mithalten zu können. Trotzdem fällt es schwer, bei „Grindin'“ jemand anderen als die Zwillingsbrüder zu hören, vor allem, wenn ersterer knurrt: „I’m trying to show y’all who the fuck I am.“
280 BTS, „Spring Day“
2017
Eine zeitlose Meditation über Freundschaft, Trauer und Bedauern. „Spring Day“ ist ein brillantes Beispiel für BTS‘ einzigartige Fähigkeit, komplexe Emotionen in universelle Popsongs zu kanalisieren. Die hochfliegende Power-Ballade aus dem Jahr 2017 ist voll von üppigem Gesang und gefühlvollem Rap, während die Gruppe auf bewegende Weise starke Gefühle von Verlust, Erinnerung und Hoffnung für die Zukunft heraufbeschwört: Weithin als Tribut an die überwiegend jugendlichen Passagiere verstanden, die bei der Katastrophe der Sewol-Fähre im Jahr 2014 ertrunken sind, schafft „Spring Day“ kraftvolle Kunst aus tiefer Trostlosigkeit und bleibt wohl der beliebteste Song im reichen Katalog der Gruppe.
279 Radiohead, „Karma Police“
1997
Die Idee einer Karma-Polizei war ursprünglich ein Insider-Witz von Radiohead. „Wenn sich jemand in der Band wie ein Arschloch benahm“, sagte Gitarrist Ed O’Brien, „sagte einer der anderen immer: ‚Die Karma-Polizei wird dich kriegen.'“ Sie haben diese Idee in einen bahnbrechenden Track auf OK Computer umgesetzt, der sich zu einem eindringlichen Outro aufbaut, das von Thom York und dem Produzenten Nigel Godrich geschaffen wurde. „Es ist nicht die Band, die spielt“, sagte Godrich. „Es sind nur Samples und Loops, was ein Vorläufer für viele Dinge war, die noch kommen sollten, ob gut oder schlecht.“
278 Toots and the Maytals, „Pressure Drop“
1973
Mit einer Mischung aus Südstaaten-Soul und jamaikanischen Wurzeln entfachten die Maytals auf „Pressure Drop“ eine fast gospelartige Inbrunst, die zu einer der unauslöschlichsten Musiksequenzen im Film führt: Jimmy Cliff wird in The Harder They Come von der Polizei durch Kingston gejagt, während Toots‘ pulsierender Reggae-Groove ihn wie ein Scheinwerfer verfolgt. In einem seiner letzten Interviews erklärte Toots Hibbert die doppelte Bedeutung des Titels: „Wenn der Druck nachlässt, ist das eine gute Sache. Der Druck fällt von den Menschen ab, und sie arbeiten daran, den Druck loszuwerden.“
277 Bo Diddley, „Bo Diddley“
1955
Der als Ellas Otha Bates geborene Bo Diddley entwickelte sich ab seinem selbstbetitelten Debüt für das Chess-Sublabel Checker (das eine frühere Version mit dem Titel „Uncle John“ als zu schmutzig ablehnte) zum schelmischen Betrüger seiner eigenen Songtexte. Diddleys bösartige Texte („Up your house and gone again“, spottet er gegenüber einem Rivalen) legten die Blaupause für Rap-Größen von LL Cool J bis Drake, ebenso wie seine unbändigen, kinetischen Gitarrenrhythmen. Und der „Bo Diddley Beat“ – Rasur und Haarschnitt, zwei Bits – wurde zum Bo Diddley Beat, der sofort erkennbar ist, ewig imitiert, aber nie kopiert wird.
276 Buzzcocks, „Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn’t’ve)“
1978
Die Buzzcocks aus Manchester erfanden eine ganz neue Art von Pop-Punk – schneller und lustiger als jede andere Band. Pete Shelley schüttete sein Herz in witzige dreiminütige Vignetten über sexuelle Verwirrung. Dieser Hit von 1978 bringt sie auf den Punkt, bis hin zu dem verschmitzten Zittern in seiner Stimme, wenn er die Frage stellt: „Haben Sie sich jemals in jemanden verliebt, in den Sie sich nicht hätten verlieben sollen?“ Die emotionale Schlagkraft der Buzzcocks – und ihre seltsame Offenheit – verdrehten die Geschlechterklischees des Rock. „Johnny Marr von den Smiths sagte: „Ein brillanter Nicht-Macho. „Man weiß nicht, ob Pete Shelley traurig oder lustig, sarkastisch oder aufrichtig ist.
275 Randy Newman, „Sail Away“
1972
Sänger von Ray Charles über Bobby Darin bis hin zu Etta James haben dieses Porträt des amerikanischen kapitalistischen Krämertums aus der Sicht eines Sklavenhändlers gesungen. „Ich wollte nicht einfach sagen: ‚Sklaverei ist schrecklich.‘ Das ist zu einfach“, sagte Newman Jahre später dem Rolling Stone. „Ich hatte diese Idee eines Sklavenschiffs und eines Seemannslieds – dieser Kerl steht auf einer Lichtung und singt zu einer Schar von Eingeborenen.“ Wie bei Newman üblich, verbindet er üppige Melodien mit schmerzhafter Satire. „Mit meiner Musik ist es so eine Sache“, sagte er, „man kann nicht auf einer Party sitzen und Kartoffelchips essen und sie im Hintergrund laufen lassen.“
274 Al Green, „Love and Happiness“
1972
Mabon „Teenie“ Hodges schrieb das dringende, romantische „Love and Happiness“ eines Morgens zwischen Sex mit seiner Freundin und Wrestling im Fernsehen. Green behauptete vor kurzem, dass Hodges ihm das erste Gitarrenriff auf einer Autoreise vorsang und sie 160 Meilen zurück nach Memphis fuhren, um es in dieser Nacht aufzunehmen. Er beschrieb den Song als „wie ein langsames Fieber, das sich auf dem Beat aufbaut, die Temperatur mit jedem Atemzug der Stakkato-Hörner in die Höhe treibt und durch das Delirium drängt, als wir am Ende auftauchen.“
273 Roberta Flack, „Killing Me Softly With His Song“
1973
„Killing Me Softly With His Song“ ist der Höhepunkt zweier Entdeckungen. Die Songwriterin Lori Lieberman ging eines Abends in einen Club, um Don McLean zu sehen, damals ein wenig bekannter Sänger, und hatte das überwältigende Gefühl, dass seine Lieder von ihr handeln könnten. Sie schrieb ein Gedicht darüber, das Charles Fox und Norman Gimbel in einen Song verwandelten, den Lieberman dann aufnahm. Dann hörte Roberta Flack das Lied in einem Flugzeug als Teil der Bordunterhaltung und nannte es später „ein Lied, von dem ich das Gefühl habe, dass es mir als Geschenk gegeben wurde“. Ihre Version ist stattlich und elegant, ein Tribut der Sängerin an die Kraft des Songwritings.
272 Thin Lizzy, „The Boys Are Back in Town“
1976
Nachdem die irischen Rocker Thin Lizzy sieben Jahre lang als Vorgruppe von Bob Seger und BTO unterwegs waren, landeten sie 1976 mit „The Boys Are Back in Town“ einen Welthit – angetrieben von den Gitarren-Zwillingen Scott Gorham und Brian Robertson und den Texten von Frontmann Phil Lynott, die die Nacht zum Tag machten. Zunächst war Lynott nicht sicher, was er mit dem unbestreitbar heißen Song anfangen sollte, den er sich ausgedacht hatte. „Ich nannte ihn ‚G.I. Joe Is Back‘, ‚The Kids Are Back‘, aber das war wie bei The Who“, erinnert er sich. „Es war ein Fall von zu viel Nachdenken.“
271 Procol Harum, „A Whiter Shade of Pale“
1967
Eine düstere Hymne, untermalt von einem Orgelthema, das direkt von Bach stammt („Air on the G String“ aus seiner Suite Nr. 3 in D-Dur), Procol Harums „A Whiter Shade of Pale“ war 1967 anders als alles andere, was im Radio lief. Keith Reid kam die Idee zu dem Lied, als er auf einer Party hörte, wie jemand zu einer Frau sagte: „Du bist noch blasser geworden.“ Der Song war auch der einzige, der von der ursprünglichen Besetzung von Procol Harum aufgenommen wurde, die als britische Band, die Paramounts, begann. Es trug dazu bei, einen Klassik-Rock-Boom in den späten Sechzigern auszulösen.
270 Nine Inch Nails, „Closer“
1994
„Das ist der beste Fick-Song aller Zeiten“, sagte Mötley Crüe Schlagzeuger Tommy Lee über „Closer“. „Das sind reine Fickbeats – Trent Reznor wusste, was er tat.“ Oder hat er das? Laut Martin Huxleys Biographie über die Band hat Reznor nicht damit gerechnet, dass sein Bericht über Selbsthass 1994 die Radiowellen dominieren würde. Aber unter dem industriellen Dreck und dem „I wanna fuck you like an animal!!!!“-Gejammer hat der Song einen ansteckenden, Prince-ähnlichen Funk – eine Eigenschaft, die durch Reznors lüsternen Refrain nur verstärkt, nicht vermindert wurde.
269 Die Righteous Brothers, „Unchained Melody“
1965
Die ultimative Ballade, „Unchained Melody“, wurde 1955 von zwei Broadway-Songwritern geschrieben und war nicht für den Rock & Roll gedacht. Aber ein Jahrzehnt später griffen die Righteous Brothers, die Pioniere des Blue-Eyed Soul, den Song auf. Bobby Hatfields karamellartiger Tenor schwebte über der schwülstigsten Wall of Sound, die Produzent Phil Spector je erdacht hatte. Der Song war so unwiderstehlich, dass er ein Vierteljahrhundert später dank der Synchronisation in dem Film Ghost erneut zum Hit wurde.
268 The Isley Brothers, „Shout (Part 1 & 2)“
1959
Der fünfminütige Workout „Shout“ war bei seiner ursprünglichen Veröffentlichung 1959 ein bescheidener Hit, aber er ist vielleicht besser in Erinnerung geblieben, weil er 1978 in dem Film Animal House auftauchte, wo er als Partyklassiker neu aufgelegt wurde. Wie O’Kelly Isley, der die Gruppe Mitte der fünfziger Jahre mitbegründet hatte, bemerkte: „Die Leute spielen unsere Musik seit Jahren in Bars und Diskotheken“, sagte er 1975 dem Rolling Stone, „weil sie tanzbar ist, Mann.“
267 SZA, „Kill Bill“
2022
„Kill Bill“ ist die Signature-Single aus SZAs bahnbrechendem Album SOS von 2022, ein Riesenerfolg in den Charts und der Inbegriff dessen, was Solana Rowe zu einer der größten Songwriterinnen ihrer Generation macht. Sie schafft es immer wieder, zeitgenössische Popkultur, persönlichen Aufruhr und vernichtende Kritik (oft an ihrer eigenen Person) in kurze, fesselnde Welten aus Farbe und Wahrheit zu verpacken. Ein 2023-Remix des Songs wird durch eine lebhafte Rache-Szene eröffnet, die von Doja Cat gerappt wird, dessen klassische Hip-Hop-Sensibilität die Boom-Bap-Basis von „Kill Bill“ ausgräbt.
266 Augustus Pablo, „King Tubby Meets the Rockers Uptown“
1974
Dieses revolutionäre Dub-Meisterwerk war die Spitze eines musikalischen Eisbergs – die psychedelische Unterseite des Roots Reggae, auf der die Grooves des Grundgerüsts von Ingenieuren mit königlichen Spitznamen wie King Tubby in verblüffende neue Formen gezwickt wurden. Er leistete seine endgültige Arbeit für die B-Seite der von Pablo produzierten Jacob Miller-Single „Baby I Love You So“. Tubbys Remix hat den aufgewühlten Groove beibehalten, aber fast alle Instrumente und Millers Stimme huschen in den Mix hinein und wieder heraus, während der King das Echo wie Konfetti herumwirft. Über all dem schwebt Pablos Melodica, ein Kinderinstrument aus Plastik, das in seinen Händen eine unheimliche Ruhe ausstrahlt.
265 The Replacements, „Left of the Dial“
1985
Der Höhepunkt des Songwritings der Indie-Rock-Helden aus Minneapolis wurde durch eine Schwärmerei Westerbergs für Lynn Blakey, die Sängerin der Band Let’s Active aus North Carolina, inspiriert. „Ich dachte, die einzige Möglichkeit, ihre Stimme zu hören, wäre ihre Band im Radio … auf einem College-Sender“, sagte er. Eines Abends auf Tournee hörte er sie und machte aus dem Moment ein Liebeslied – für ein cooles Mädchen aus dem Süden, für College-Radiosender mit geringer Leistung und für die ganze Underground-Szene, in der die Replacements aufgewachsen waren.
264 Marvin Gaye, „Let’s Get It On“
1973
Nach „What’s Going On“ von 1971 änderte Gaye mit dieser Ode an die sexuelle Glückseligkeit seinen Kurs radikal. Mit Hilfe des Produzenten und Songschreibers Ed Townsend schuf Gaye ein Meisterwerk der erotischen Überredungskunst, das die Pop- und R&B-Charts anführte. Der Sänger sagte später, er hoffe, dass „Let’s Get It On“ nicht „für Promiskuität“ eintrete, aber er sagte auch, er habe eine Ahnung, dass der Song „eine aphrodisierende Wirkung“ haben könnte. Als Gayes Vater dies hörte, rief er ihn an und sagte: „Bitte, bitte, machen Sie nicht weiter. Du sollst der Sohn eines Pfarrers sein.“
263 Dolly Parton, „Coat of Many Colors“
1971
„Coat of Many Colors“ ist teils Autobiographie, teils wertvolle Lebensweisheit, unterlegt mit einer mitsingbaren Melodie. Partons Mutter hatte ihr einen Patchwork-Mantel genäht und die Kinder in der Schule machten sich über sie lustig, was eine traumatische Erfahrung war. Als sie die Idee zu dem Lied hatte, schrieb sie den Text auf die Rückseite einer Quittung für eine chemische Reinigung und kam zu einer Botschaft, die immer noch ihre Weltanschauung widerspiegelt. „Es lehrt über Mobbing, über Liebe, über Akzeptanz, über gute Eltern“, schrieb sie in ihrem Buch Songteller. „Diese kleine Geschichte wurde sogar in ein Schulbuch geschrieben, um Kindern beizubringen, dass es in Ordnung ist, anders zu sein.“
262 Paul Simon, „American Tune“
1973
„Ich schreibe keine offenkundig politischen Lieder“, sagte Simon einmal, „obwohl ‚American Tune‘ dem ziemlich nahe kommt, denn es wurde kurz nach der Wahl von Richard Nixon geschrieben.“ Das sanft schwebende Lied fasste das Gefühl der müden Niedergeschlagenheit nach Nixons erdrutschartiger Wiederwahl und das größere Verblassen des utopischen Traums der sechziger Jahre perfekt zusammen und bekräftigte gleichzeitig kraftvoll den Glauben an die amerikanische Geschichte und das Versprechen – als Jimmy Carter drei Jahre nach der Veröffentlichung von „American Tune“ gewählt wurde, spielte Simon es bei seiner Amtseinführung.
261 Curtis Mayfield, „Pusherman“
1972
Mayfield schreibt aus der Perspektive eines Drogendealers aus der Nachbarschaft – eine prahlerische Figur, aber auch „ein Opfer der Anforderungen des Ghettos“ – in diesem pulsierenden, Wah-Wah-geschwängerten Stück aus dem Soundtrack zum Film Super Fly von 1972. Mayfield erzählt seine Geschichte in knappen, dreisilbigen Sätzen („Ain’t I clean/Bad machine/Super cool/Super mean“), wobei seine himmlische Falsettstimme die Verzweiflung, die Sucht und die Bedrohung, die er beschreibt, nur teilweise verdeckt. Wie Johnny Pate, der mit Mayfield an den Arrangements für „Pusherman“ und anderen Super Fly-Tracks zusammenarbeitete, später bemerkte: „Wenn Sie genau hinhören … hat Curtis diese Dinge fast durchgerappt.“
260 The Wailers, „Get Up, Stand Up“
1973
„Get Up, Stand Up‘ war der letzte Song, der für das letzte Album der Wailers aufgenommen wurde. Er wurde für den Schluss übrig gelassen, weil er der einfachste Track auf dem Album war, nur Unisono-Gesang“, sagte Bunny Wailer. Aber die Aufnahmen zu Burnin‘, dem zweiten Album des Reggae-Trios für Island, waren von Spannungen geprägt – Marleys Material erhielt mehr Aufmerksamkeit als das seiner Bandkollegen. Marley bat Tosh, eine Strophe für seine mitreißende Hymne zu schreiben, um ihn an den Tantiemen zu beteiligen; Tosh bezeichnete seinen Beitrag, die feuerspeiende Schlussstrophe des Songs, später als „Bullshit“.
259 Neil Young, „Heart of Gold“
1972
„[Heart of Gold] brachte mich in die Mitte der Straße“, schrieb Young in den Liner Notes zu seiner retrospektiven Decade Box. Sein einziger Nummer-Eins-Hit signalisierte die Ankunft einer neuen ländlichen Schönheit, die die entspannten siebziger Jahre definieren sollte. Die zukünftigen Soft-Rock-Aristokraten James Taylor und Linda Ronstadt sangen bei der Nashville-Session des Songs im Hintergrund, aber es gibt nichts Sanftes an der verzweifelten Sorge in Youngs Stimme, wenn er singt „I’ve been searching for a heart of gold/And I’m getting old“.
258 Gil-Scott Heron, „The Revolution Will Not Be Televised“
1971
Heron war ein 19-jähriger College-Student, der sich in seinem Wohnheim ein Baseballspiel ansah, als ihm die Idee zu „The Revolution Will Not Be Televised“ kam, einer Proto-Rap-Single, die die große Kluft zwischen den Botschaften der werbegesteuerten Medien und dem Ziel eines echten gesellschaftlichen Wandels verdeutlicht. Auch wenn einige der Anspielungen veraltet sind – „Frauen wird es egal sein, ob Dick es endlich mit Jane in Search for Tomorrow getrieben hat“ – hat der Aufruf zu den Waffen nichts von seiner Kraft verloren: „Denn Schwarze werden auf der Straße sein und nach einem helleren Tag suchen.“
257 Martha Reeves and the Vandellas, „Heat Wave“
1963
Das Motown-Imperium kam 1963 so richtig in Schwung, und die Platte, die den Aufstieg des Labels unterstrich, war dieser beschwingte Sommerhit: „Es wurde der Song des Sommers“, erinnerte sich Reeves. Es ist keine Überraschung, dass der Song von Holland-Dozier-Holland stammte, dem besten Autoren- und Produzententeam des Unternehmens, das sich mit den Supremes auf die Weltherrschaft vorbereitete und dabei das Publikum im Blick hatte: „Ich erkannte, dass Frauen die meisten Platten kauften, und sie schienen sich immer in jemanden zu verlieben“, sagte Eddie Holland 2019.
256 Metallica, „Master of Puppets“
1986
Metallica waren immer dann am besten, wenn sie gegen die Enge wetterten, sei es die institutionelle, staatliche, religiöse, familiäre oder – in ihrem wohl größten Song auf ihrem größten Album – die chemische Enge. „Master of Puppets‘ handelt ziemlich genau von Drogen“, sagte Hetfield einmal über dieses achteinhalbminütige Meisterwerk. „Wie die Dinge umgedreht werden, statt dass Sie kontrollieren, was Sie nehmen und tun, kontrollieren die Drogen Sie.“ Gesungen aus der Perspektive des Rauschmittels selbst, wechselt der Song von gnadenlosem Thrash zu einem schwermütigen Balladen-Intermezzo und simuliert die gefährlichen Höhen und Tiefen eines Lebens am Rande der Sucht.
255 Loretta Lynn, „Coal Miner’s Daughter“
1970
In den späten Sechzigern hörten viele Country-Sängerinnen auf, Overalls und Röcke zu tragen, und zogen Anzüge und Kleider an, was den Wandel der Musik zu einem eleganteren und urbaneren Stil widerspiegelte, der als Nashville Sound bekannt wurde. 1970 wendete Lynn diesen Trend mit einem autobiografischen Lied, „Coal Miner’s Daughter“, das das Landleben mit all seinen Schwierigkeiten feierte. Sie schrieb ihn auf einer 17-Dollar-Gitarre, die sich weigerte, in der Stimmung zu bleiben, und sang über das Bibellesen bei Kohlenöllicht, das Gehen ohne Schuhe im Sommer und die von der harten Arbeit blutenden Hände ihrer Mutter. „Jedes Wort ist wahr“, sagte sie später.
254 The Supremes, „Stop! In the Name of Love“
1965
Lamont Dozier vom berühmten Motown-Songwriterteam Holland-Dozier-Holland hatte die Idee zu „Stop! In the Name of Love“, nachdem seine damalige Freundin ihn beim Fremdgehen in einem Motel erwischt hatte: „Dieses bestimmte Mädchen war sehr eigensinnig“, erinnert er sich. „Wir gerieten also in einen Streit. Sie fing an zu schwingen, verfehlte mich und schlug auf dem Boden auf. Und ich lachte und sagte: ‚Bitte hör auf! Hör auf, im Namen der Liebe.'“ Die Albernheit des Moments beendete den Streit und brachte Dozier sofort auf die Idee, einen Song zu schreiben. Nachdem er ihn mit einer tollen Brian-Holland-Hook versehen hatte, wurde es der vierte von fünf Nummer-Eins-Songs der Supremes in Folge.
253 Willie Nelson, „Blue Eyes Crying in the Rain“
1975
Die Einfachheit dieser Komposition von Fred Rose aus dem Jahr 1947 machte sie zum perfekten Vehikel für Nelson, der damals an seinem ehrgeizigen Konzeptalbum Red Headed Stranger arbeitete. „Ich sammelte Songs, von denen ich dachte, dass sie diese Geschichte erzählen. Und ich dachte einfach, dass ‚Blue Eyes‘ der perfekte Song für diese Stelle ist“, sagte Nelson. „Einfach und auf den Punkt gebracht. Ein schönes, trauriges Liebeslied.“ Der Song markierte einen Wendepunkt für Nelson, dessen Karriere zu dieser Zeit noch hauptsächlich durch den üppigen Produktionsstil des Nashville der sechziger Jahre bestimmt war. Nach fast zwei Jahrzehnten der Bemühungen wurde es sein erster Nummer-Eins-Hit als Country-Sänger.
252 Parlament, „Flash Light“
1977
„Flash Light“ ist das Groove-Manifest der P-Funk Nation. Clinton baute sein Parliament-Funkadelic-Universum über eine Reihe von Konzeptalben aus den siebziger Jahren auf, wobei er den Funk nie verstellte. „Wir werden die Botschaft nach außen tragen“, sagte Clinton 1978 dem Rolling Stone. „Wir wollen die Show auf den Broadway bringen – die Geschichte geradlinig erzählen, damit die Leute verstehen, dass Funk Funk Funk bedeutet.“ „Flash Light“ wurde zu einem ihrer seltenen Crossover-Hits und verdeutlichte die P-Funk-Philosophie. Clinton befahl „Dance, sucker!“ über Worrels Basslinie (gespielt auf einem Moog-Synthesizer). Das Ganze steigert sich zu dem orgiastischen Partygesang „Everybody’s got a little light under the sun!“
251 Gloria Gaynor, „I Will Survive“
1978
Mitte der siebziger Jahre ging Gaynors Karriere in die Brüche. Donna Summer hatte sie als führende Disco-Diva abgelöst, und die 32-jährige Gaynor hatte den Tod ihrer Mutter zu verkraften und hatte sich kürzlich einer Wirbelsäulenoperation unterzogen, nachdem sie auf der Bühne gestolpert war und eine vorübergehende Lähmung erlitten hatte. Als sie also „I Will Survive“ anstimmte, war sie besonders gut drauf. Der Song war ursprünglich eine B-Seite, aber nachdem geschäftstüchtige DJs anfingen, ihn in Diskotheken zu spielen, wurde er zu einem Hit. „Ich werde nie müde, ‚I Will Survive‘ zu singen“, sagte Gaynor 2016 dem Rolling Stone. „Ich liebe es, es für das Publikum zu spielen.“
