Die 500 besten Songs aller Zeiten
Die 500 besten Songs aller Zeiten – die ultimative Liste von ROLLING STONE.
350 The Zombies, „Time of the Season“
1968
Wenn „Time of the Season“ nicht mehr getan hätte, als den Begriff „Who’s your daddy?“ in das kulturelle Lexikon aufzunehmen, wäre es ein Meilenstein. Aber die Zombies-Single von 1968 ist auch einer der prägenden Songs der psychedelischen Ära – der Schlusssong des Bandklassikers Odessey and Oracle von 1968. Im Studio floss die Liebe nicht so ungehindert wie auf der Platte. Es kam zu einem üblen Streit zwischen Frontmann Colin Blunstone und Songschreiber und Keyboarder Rod Argent. „Es endete damit, dass wir uns gegenseitig anschrieen“, sagte Blunstone 2015. „Und da singe ich ‚It’s the time of the season for loving …'“
349 Roxy Music, „Virginia Plain“
1972
Die Debütsingle von Roxy Music hatte keinen Refrain, und Bryan Ferry sang den Titel erst am Ende des Liedes. Aber die enorm originelle britische Glam-Rock-Band war nie ein Freund von Formeln. „In meinem Kopf schwirrten viele verschiedene, kontrastreiche Arten von Musik herum“, sagte Ferry. Seine poppigen Texte führten im Schnelldurchlauf durch einen Reisebericht des Glamours (Baby Jane Holzer, Rio, „mitternachtsblaue Kasinoböden“), während Brian Eno seinem VCS3-Synthesizer schräge Klänge entlockte. Für das Motorrad, das sich im Hintergrund dreht, lieh sich die Band das Motorrad eines Freundes und nahm es spät in der Nacht außerhalb des Studios live auf.
348 Elvis Presley, „Heartbreak Hotel“
1958
Als RCA Records den „Hillbilly-Cat“ Presley unter Vertrag nahm, erwartete das Label mehr Songs wie seine Rockabilly-Hits von Sun Records. Stattdessen nahm Presley für seine erste RCA-Single diese düstere Downtempo-Nummer auf, die von Mae Boren Axton, seiner ehemaligen Publizistin, mitgeschrieben wurde und von einem Bericht des Miami Herald über einen Abschiedsbrief inspiriert war, der nur aus der Zeile „I walk a lonely street“ bestand. Doch was der Gründer von Sun Records, Sam Phillips, als „morbides Durcheinander“ bezeichnete, wurde zu Presleys erstem Nummer-Eins-Hit und zur millionenfach verkauften Single.
347 BTS, “Dynamite“
2020
Dynamite“, der erste Nummer-eins-Hit von BTS in den USA und gleichzeitig ihr erster komplett englischsprachiger Song, war ein Meilenstein und ein hegemoniebrechender Moment für die südkoreanische Gruppe, die die Welt eroberte. Ihr verflochtenes Gesangstalent, angeführt von dem jugendlichen Star Jung Kook, brachte den Song, der von dem britischen Produzenten und Songschreiber Dave Stewart (nicht der von den Eurythmics) und Jessica Agombar geschrieben wurde, auf den Punkt. Stewart erzählte dem Rolling Stone, dass Columbia Records auf der Suche nach einem englischsprachigen Crossover-Hit für BTS war: „Es musste Tempo haben, aufregend sein…. eine Sache, in der ich gut bin, ist es, für kurze Zeit zu schreiben.“
346 Carole King, „It’s Too Late“
1971
Für Lou Adler, der es produzierte, war King’s Tapestry „die Liebesgeschichte der Plattenindustrie. Er hat einen Nerv getroffen.“ Aber im Gegensatz zu der schwammigen Sichtweise des Films auf die Romantik war Kings größter Hit, „It’s Too Late“, ein unverblümter, erwachsener Song über Scheidung, ein für die Popmusik bis dahin unbekanntes Thema – und King lieferte eine Gesangsdarbietung, die ebenso entschlossen unsentimental, aber dennoch so voller Wärme war wie ihre Texte. Der Nummer-eins-Status des Songs war damals eine Offenbarung: eine Single, die die Charts stürmte und das Ende einer Beziehung thematisierte, in der eindeutig eine Frau die Trennung vollzog.
345 Black Sabbath, „Iron Man“
1971
„Es klingt wie ein großer eiserner Kerl, der herumläuft“, erinnerte sich Bassist Geezer Butler an die Worte von Ozzy Osbourne, als er Tony Iommi zum ersten Mal das kultigste Gitarrenriff der Metalgeschichte spielen hörte. Diese Beschreibung war alles, was Butler brauchte, um eine Geschichte über buchstäblichen Heavy Metal zu inspirieren: ein Mann, der „in einem großen Magnetfeld in Stahl verwandelt wird“ – offenbar völlig unabhängig von der bereits existierenden Marvel-Figur. Nur wenige Songs verkörpern ein ganzes Genre so wie dieser, vor allem dank Iommis schleppendem Doom-Blues-Motiv, das sich Osbourne für seine Gesangslinie genau ausleiht.
344 The Doobie Brothers, „What a Fool Believes“
1979
Nur wenige Songs verkörpern den sanft segelnden Stil, der später als Yacht-Rock bezeichnet werden sollte, so gut wie der Grammy-gekrönte Hit der Doobie Brothers. Die Falsett-Harmonien, das synkopierte Keyboard von Michael McDonald und der liebeskranke Text (über „zwei Menschen, die dieselbe Sache in ihrer Vergangenheit sehr unterschiedlich sehen“, so McDonald) waren wie aus dem Lehrbuch der Yacht. Aber der Song war nicht einfach: Die Doobies probierten ihn mindestens 30 Mal im Studio aus und machten damit alle verrückt, sogar den Sänger. „Ich sagte: ‚Ich hasse diesen verdammten Song'“, erinnert sich McDonald. „Die Band war zu diesem Zeitpunkt völlig angewidert.“
343 Chuck Berry, „Promised Land“
1964
Berry schrieb „Promised Land“ im Gefängnis, wo er eine Strafe verbüßte, weil er ein jugendliches Mädchen über die Staatsgrenzen gebracht hatte, eine Anklage, die er für rassistisch motiviert hielt. Als er zu seiner ersten Session nach seiner Entlassung bei Chess Records ankam, war das erste, was er aufnahm, „Promised Land“, ein amerikanischer Reisebericht zu einem heißen Riff, das denselben Weg beschreibt, den die als Freedom Riders bekannten Bürgerrechtsdemonstranten genommen hatten, als sie 1961 versuchten, Busbahnhöfe in den Südstaaten zu integrieren – einschließlich Städten wie Rock Hill, South Carolina, und Birmingham, Alabama, wo die Riders von gewalttätigen Mobs angegriffen wurden.
342 The Monkees, „I’m a Believer“
1966
Die Monkeemania erreichte Ende 1966 und Anfang 1967 ihren Höhepunkt, als sich dieses Liebeslied aus der Feder von Neil Diamond sieben Wochen in Folge auf Platz eins hielt. Der Gesang wurde von Micky Dolenz nach einem langen Tag am Set der Monkees-Fernsehserie eingesungen. Später erinnerte er sich, dass sein Leben zu dieser Zeit so sehr von Dreharbeiten und Aufnahmen geprägt war, dass er sich nicht mehr an die Entstehung von „I’m a Believer“ erinnern kann. „Es ist wahrscheinlich meine typische Monkees-Melodie“, sagte er 2016. „Ich kann nicht erklären, warum es sich als so populär erwiesen hat. Man kann Kunst nicht auf diese Weise reduzieren, vor allem wenn es sich um Gemeinschaftsarbeit handelt.
341 The Clash, „(White Man) in Hammersmith Palais“
1978
Diese Single aus dem Jahr 1978 zeigt, wie The Clash ihren Sound ausdehnt und ihre Prinzipien in Echtzeit herausfindet. Zu einem beschwingten Groove erzählt Joe Strummer von einer nächtlichen Reggae-Party in einem Londoner Lokal, die sich für seinen Geschmack als zu poppig erwies, und wendet sich dann gegen modische Punkbands, die „Rebellion zu Geld machen“. Es ist einer von Strummers eingängigsten Songs, der Vignette und Überzeugung zu einem Paket verdichtet, das zeigt, dass die Clash mehr waren als nur eine rauflustige Punkband. Es gibt einen Grund dafür, dass der Song auch nach dem Ende der Clash ein fester Bestandteil von Strummers Konzerten war – es war sogar einer der letzten Songs, die der verstorbene Frontmann je spielte.
340 Prince, „1999“
1982
Als Prince „1999“ aufnahm, verbrachte er den ganzen Tag und die ganze Nacht ohne Ruhe und verweigerte das Essen, da er der Meinung war, dass Essen ihn schläfrig machen würde. Die erste Strophe wurde ursprünglich im dreistimmigen Harmoniegesang aufgenommen; Prince teilte den Gesang auf, und die Harmonieteile wurden zu einer neuen, seltsamen Melodie. Die erste Veröffentlichung der Single schaffte es nicht in die Top 40, aber Prince brachte sie nach „Little Red Corvette“ erneut heraus, und sie wurde schließlich ein Hit und erreichte die Top 20. Wie der Keyboarder Matt Fink einige Jahre später dem Rolling Stone erzählte, „‚1999‘ war für eine Botschaft ziemlich anders. Nicht Ihr durchschnittlicher Bubblegum-Hit.“
339 Black Sabbath, „Paranoid“
1970
Black Sabbaths zweite LP war im Grunde schon fertig, als Produzent Rodger Bain feststellte, dass die Spielzeit um etwa drei Minuten zu kurz war. Also dachte sich die Band schnell diesen tuckernden, adrenalinhaltigen Rocker aus. Sie waren besorgt, dass es ein bisschen zu sehr nach Led Zeppelins „Communication Breakdown“ klang, blieben aber trotzdem dabei und Bassist Geezer Butler arbeitete einen Text über einen Mann aus, der mit geistigem und emotionalem Unwohlsein kämpft. „Ich litt an einer nicht diagnostizierten Depression und die einzige Möglichkeit, damit umzugehen, war, darüber zu schreiben“, sagte er später zu Guitar World. „Das war ziemlich kathartisch.“
338 Cher, „Believe“
1998
Zu einer Zeit, als so ziemlich jeder Künstler ihrer Generation noch an gitarrenbasiertem Pop-Rock festhielt, wagte Cher den Einsatz einer neuen futuristischen Technologie namens Auto-Tune und gewann im großen Stil. Ihr Geheimnis? Sie sorgte dafür, dass sie selbst durch die roboterhaften Gesangseffekte wie eine Kraft klang, mit der man rechnen musste: „Ich habe [den Song] in der Badewanne gesungen, und die zweite Strophe erschien mir zu weinerlich. Das hat mich irgendwie genervt, also habe ich es geändert. Ich habe ihn ein bisschen härter gemacht.“ „Believe“ machte die damals 52-jährige Sängerin einer ganz neuen Generation von Fans bekannt, wurde zu einer unauslöschlichen Hymne für die queere Community und verschaffte Cher einen festen Platz im Kanon der Empowerment-Pop-Hymnen.
337 Hall and Oates, „She’s Gone“
1973
„She’s Gone“ ist ein Song, der in seinem Nachleben gedieh. Als Hall und Oates ihn 1973 veröffentlichten, erreichte er Platz 60 in den Single-Charts. Drei Jahre später hatten Hall und Oates endlich ihren ersten Hit, die schmusige Ballade „Sara Smile“. Als „She’s Gone“ 1976 wiederveröffentlicht wurde, hatte das Duo damit einen zweiten großen Hit. Die eleganten Arrangements und die sich langsam aufbauenden Harmonien waren eine Hommage an den großartigen R&B, der aus der Heimatstadt des Duos, Philadelphia, kam. „Wir würden nicht so klingen, wenn wir in Iowa aufgewachsen wären“, sagte Oates später.
336 Marshall Jefferson, „Move Your Body (The House Music Anthem)“
1986
Der aus Chicago stammende Jefferson arbeitete in einem Postamt, als er eine der ersten großen Vocal-House-Platten produzierte. Er schaffte die Kombination aus summbarer Melodie und rasantem Schwung, die seit 35 Jahren die Wallflowers auf die Tanzfläche zieht. „Der Grund, warum ich ein funky Piano in ‚Move Your Body‘ haben wollte, war Elton John“, erklärt Jefferson. Da er aber kein geübter Pianist war, nahm er den Part in einem überschaubaren Tempo von 40 Beats pro Minute auf und beschleunigte ihn dann auf das kanonische House-Tempo von 120 bpm. Jefferson rekrutierte einen Freund und Postmitarbeiter, Curtis McClain, für den Gesang.
335 The Grateful Dead, „Ripple“
1970
„Es schien einfach automatisch zu passieren“, sagte Jerry Garcia über das Schreiben eines der Zen-artigsten Statements der Dead. Der Song, ein heiterer Höhepunkt des Hippie-Folk-Pastoralismus, entstand während der Kanadatournee, an die der Dokumentarfilm Festival Express erinnert. Garcia vertonte den Text von Robert Hunter zwischen Jam-Sessions mit Janis Joplin und Mitgliedern der Band in einem Barwagen. Hunter selbst bezeichnete den Text „Let it be known there is a fountain/That was not made by the hands of men“ als „so ziemlich meine Lieblingszeile, die ich je geschrieben habe.“
334 Die Temptations, „Papa Was a Rollin’ Stone“
1972
Auch nachdem Marvin Gaye und Stevie Wonder ihre musikalische Unabhängigkeit behauptet hatten, wirkte das Motown-Fließband weiterhin Wunder. „Papa Was a Rollin‘ Stone“, ein siebenminütiges Epos der afroamerikanischen Musikgeschichte und des sozialen Realismus, wurde zuvor von den Undisputed Truth aufgenommen, bevor die Temptations es zu einem Hit machten. Aber die Temptations waren kaum Norman Whitfields Marionetten. „Wir baten um ihn, weil wir dachten, dass er die Fähigkeit hatte, das Talent aller herauszuholen und nicht nur das eines einzelnen [Sängers]“, sagte Melvin Franklin von den Temptations.
333 Rihanna feat. Jay-Z, „Umbrella“
2007
„Vor diesem Song war Rihanna nur ein Pop-Single-Mädchen“, sagte Terius „the Dream“ Nash, der „Umbrella“ mitgeschrieben hat. „Jetzt wird sie von Paparazzi verfolgt.“ Der Song war ein internationaler Nummer-eins-Hit, der die Sängerin aus Barbados zum Superstar machte, und war der Prototyp für Rihannas große Serie von Hookstorm-Hits, die folgten. Erstaunlicherweise haben sowohl Britney Spears als auch Mary J. Blige den Song abgelehnt, bevor er RiRi in den Schoß fiel. „Ich bin so dankbar dafür“, sagte sie. „Ich habe für diesen Song gebetet.“
332 The Marvelettes, „Please Mr. Postman“
1961
„Please Mr. Postman“ war nicht nur die erste Motown-Aufnahme, die auf Platz eins landete, es war auch Brian Hollands erster Job als Produzent und das erste Mal, dass die Marvelettes – damals die Highschool-Harmonizer Casinyets – in einem Aufnahmestudio waren. Holland und Co-Produzent Robert Bateman halfen dabei, eine Skizze auszufüllen, die von dem verstorbenen Gruppenmitglied Georgia Dobbins geschrieben worden war, und brachten Freddie Gorman, einen echten Postboten (der im Studio noch in Uniform war), mit ein, um der Wirklichkeit gerecht zu werden. Berry Gordy beschloss daraufhin, die wunderbare Gruppe in Marvelettes umzubenennen.
331 The Notorious B.I.G., „Big Poppa“
1994
„Big Poppa“, der Song, der das harte Image des Notorious B.I.G. glättete und seinen Ruhm im Radio und auf MTV festigte, entstand aus der Bewunderung des verstorbenen Rappers aus Brooklyn und seines Produzenten Chucky Thompson für große G-Funk-Hits wie „Doggystyle“ von Snoop Dogg und „It Was a Good Day“ von Ice Cube. Thompson fügte einem Sample von „Between the Sheets“ der Isley Brothers eine funkige Keyboardlinie als Ohrwurm hinzu und ließ den Beat im Studio laufen. Als er zurückkam, hatte Biggie seinen klassischen Club-Refrain: „Werfen Sie Ihre Hände in die Luft, wenn Sie ein echter Player sind.“
330 Bad Bunny, „Safaera“
2020
Der puerto-ricanische Reggaeton-Pionier hat seine Covid-19-Quarantäne hervorragend genutzt und im Jahr 2020 drei explosive Alben veröffentlicht: „Ich dachte nur: ‚Verdammt. Was die Leute brauchen, ist Unterhaltung'“, sagte er dem Rolling Stone. „Safaera“ von dem fantastischen YHLQMDLG verdichtet die schweißgetränkte, hochoktanige Kraft eines Reggaeton-Mixtapes aus den Neunzigern zu einem aufrüttelnden Fünfminüter mit mindestens neun Beat-Flips, mehreren puertoricanischen Gaststars, unbeirrbar respektlosen Texten und Samples von Missy Elliotts „Get Ur Freak On“ bis zu Alexis und Fidos „El Tiburon“. Es ist ein Song, der sich wie ein sich windendes, lebendiges Ding anfühlt.
329 Red Hot Chili Peppers, „Under the Bridge“
1991
Die ergreifende Ballade „Under the Bridge“ war der Durchbruch für die Chili Peppers, die damit ihr Partyboy-Image über den Haufen warfen. Es begann als autobiographisches Geständnis von Frontmann Anthony Kiedis, der ein Erlebnis mit einigen Gangmitgliedern unter einer echten Brücke in Los Angeles als Tiefpunkt seiner Drogensucht bezeichnete. Kiedis begann mit dem Schreiben, als er sich nach einer Bandprobe einsam fühlte, nachdem der Chili’s-Gitarrist Hillel Slovak gestorben war. „L.A. – die Hügel, die Gebäude, die Menschen in der Stadt als Ganzes – das schien sich mehr um mich zu kümmern als jeder andere Mensch“, sagte er 1992 dem Rolling Stone.
328 Mary J. Blige, „Real Love“
1992
Bliges zweiter R&B-Chartstürmer wurde zwei Jahre zuvor in einem Keller in Queens geschrieben. Der Produzent Kevin Rooney hat den Song mit einem Medley aus Keyboards und dem stotternden Schlagzeugmuster aus dem Old-School-Rap-Hit „Top Billin'“ von Audio Two aufgenommen. Mark Morales – auch bekannt als Prince Markie Dee von den Fat Boys – schrieb den Text. Das Ergebnis war ein swingendes, gospelartiges Klagelied, das den Sound des R&B in den Neunzigern neu prägen sollte. Rooney wollte das Audio Two-Sample loswerden und das Schlagzeug selbst spielen, aber der ausführende Produzent Sean „Puffy“ Combs behielt es bei und sagte zu Rooney: „Das ist es, was Hip-Hop ausmacht.“
327 Rilo Kiley, „Portions for Foxes“
2004
Rilo Kiley war eine der aufregendsten Indie-Rock-Bands der frühen 2000er Jahre, und mit „Portions for Foxes“ erreichten sie einen Power-Pop-Höhepunkt. Jenny Lewis sang über eine unglückliche Beziehung, während Blake Sennett die Gitarre anheizte. Wäre der Song 10 Jahre früher erschienen, wäre er vielleicht ein Alt-Rock-Radiohit geworden. Aber er bekam trotzdem Auftrieb, als er in der Fernsehserie Grey’s Anatomy verwendet wurde, und Lewis spielt den Song immer noch bei ihren Soloshows.
326 Iggy Pop, „Lust for Life“
1977
Mit seinem enormen Knall und Pops spöttischem, frei assoziativem Text (die Zeile über „hypnotisierende Hühner“ ist eine Anspielung auf William S. Burroughs‘ The Ticket That Exploded) ist „Lust for Life“ eine Verbeugung vor drogenbedingtem Hedonismus. Das Eröffnungsriff wurde angeblich von einem Morsecode-Produzenten übernommen, den David Bowie im Armed Forces Network gehört hatte. Und die Zeile „Of course I’ve had it in the ear before“? „Das ist ein gängiger Ausdruck im Mittleren Westen“, sagte Pop. „Ihm ‚eins aufs Maul geben‘ bedeutet, jemanden zu verarschen.“
325 Billy Joel, „Scenes From an Italian Restaurant“
1977
„Scenes From an Italian Restaurant“ ist eine nahtlose dreiteilige Saga über Nostalgie, enttäuschte Erwartungen, Long Island und Long Island-Akzente. Joel, der Irving Berlin der Vorstadt, packt ein ganzes Broadway-Musical in siebeneinhalb Minuten, wenn er die Geschichte von Brenda und Eddie erzählt, beliebten Kindern, die jung heiraten, dann auffliegen und sich scheiden lassen – wie Joel es ausdrückt: „Leute, die ihren Höhepunkt ein wenig zu früh im Leben erreicht haben. Bei der Strukturierung des Songs wollte Joel die Art und Weise nachahmen, wie George Martin verschiedene Ideen für die zweite Seite von Abbey Road der Beatles zusammengefügt hatte. „Nicht, dass ich jemals gedacht hätte, dass wir etwas so Gutes machen könnten“, fügte er hinzu.
324 Everly Brothers, „All I Have to Do Is Dream“
1958
Obwohl Don Everly einen Vertrag als Songwriter hatte, bevor er und sein Bruder Phil mit dem Hitmachen begannen, wurden ihre ersten drei großen Singles alle von dem Ehepaar Boudleaux und Felice Bryant geschrieben. „Als ich jung war, bat ich sie um Rat in Sachen Liebeskummer, und als ich älter war, um Rat in Sachen Scheidung“, sagte Phil. „All I Have to Do Is Dream“, mit Chet Atkins‘ innovativem Tremolo-Akkord, der die hoch-einsamen Harmonien der Brüder untermalt, erreichte nicht nur die Nummer Eins der Pop-Charts, sondern auch der R&B-Charts.
323 Neil Young, „After the Goldrush“
1970
Diese Sci-Fi-Piano-Ballade, die Young in einer halben Stunde in seinem Keller im kalifornischen Topanga Canyon aufnahm, ist ein ökologisches Plädoyer, das von der Idee seines Freundes Dean Stockwell für einen Film über eine Naturkatastrophe inspiriert wurde, die Kalifornien verwüstet. Der Film wurde nie gedreht, aber der Song hat sofort einen Nerv getroffen. Wie Randy Newman bewundernd feststellte, „‚After the Gold Rush‘ ist eine Art Ursehnsucht nach einer einfacheren, besseren Zeit – die es vielleicht nie gegeben hat, aber Neil glaubt, dass sie existiert.“
322
1987
„Die Musik, die mich wirklich anmacht, läuft entweder auf Gott zu oder von Gott weg“, sagte Bono dem Rolling Stone. Die zweite Nummer-Eins-Single von U2 schwelgt in der Ambivalenz – „eine Hymne des Zweifels, mehr als des Glaubens“, wie Bono es genannt hat. Der Song war typisch für die mühsamen Sitzungen für The Joshua Tree: Ursprünglich hieß er „Under the Weather“ und begann, wie die meisten U2-Songs, als Jamsong. „Es klang für mich ein wenig wie ‚Eye of the Tiger‘, gespielt von einer Reggae-Band“, erinnert sich The Edge.
321 2Pac, „California Love“
1995
Um die Entstehung von 2Pacs größtem Hit ranken sich einige Mythen. Einer behauptet, Dr. Dre habe den Beat während eines Barbecues in seinem Haus in Calabasas, Kalifornien, gemacht und 2Pac sei in die Kabine gesprungen und habe seine Strophe in ein paar Minuten abgeliefert. Eine andere behauptet, Dre habe den Track für seinen Nachfolger von The Chronic vorgesehen, aber Death Row-Macher Suge Knight habe ihn gezwungen, die Single an Pac zu geben – den er gerade aus dem Gefängnis geholt und bei dem Label unter Vertrag genommen hatte. Wie dem auch sei, „California Love“ repräsentiert Gangsta-Rap auf seine extravaganteste und filmischste Weise.
320 Taylor Swift, „Blank Space“
2014
Nach fast einem Jahrzehnt, in dem ihre Texte, ihr öffentliches Image und ihr Dating-Leben unkontrolliert unter die Lupe genommen wurden, entschied sich Swift, mit „Blank Space“, einem Song, der ihre „Serien-Dater“-Persönlichkeit persifliert, indem er sie verdoppelt, das Heft in die Hand zu nehmen – es wurde ein intensives, sogar für Taylor interessantes Highlight ihres Synth-Pop-Krachers 1989. „Ich hatte das Gefühl, dass die Medien diese Figur für mich geschrieben hatten, und lange Zeit fühlte ich mich dadurch verletzt“, sagte sie. „Ich habe es persönlich genommen. Aber mit der Zeit habe ich gemerkt, dass es irgendwie witzig war.“
319 Tears for Fears, „Everybody Wants to Rule the World“
1985
Mit einer gewaltigen Melodie und einem aktuellen geopolitischen Thema war die erste Nummer Eins von Tears for Fears ein Beispiel für den hymnischen Synthie-Rock dieser Ära. „Damals, als wir ‚Everybody Wants to Rule the World‘ machten, diskutierten wir wirklich über den Kalten Krieg“, sagte Curt Smith. „Wir stritten uns mit der amerikanischen [Plattenfirma], ob wir den Song als Single veröffentlichen sollten.“ Der Erfolg verhalf ihrer LP Songs From the Big Chair zu fünfmal Platin in den USA – und zwang sie dazu, ihre Tournee 1985 in größere Hallen umzubuchen.
318 Big Mama Thornton, „Hound Dog“
1953
Die Blues-Sängerin Willie Mae „Big Mama“ Thornton hatte bereits einige Platten aufgenommen, als sie 1952 beim R&B-Bandleader Johnny Otis anheuerte. In L.A. nahmen sie „Hound Dog“ auf, einen rauen, lustigen Blues von Jerry Lieber und Mike Stoller, zwei weißen Hipstern, die R&B-Songs schrieben. Die Veröffentlichung der Platte wurde zurückgehalten; ein Jahr später hörte Thornton sie im Radio in Dayton, Ohio. „Ich war auf dem Weg ins Theater und schaltete im Auto das Radio an“, erinnert sie sich. „Und der Mann sagte: ‚Hier ist eine Platte, die landesweit verkauft wird!'“ Natürlich wurde es noch größer, als Elvis Presley ein paar Jahre später seine Version aufnahm.
317 Bob Dylan, „Visions of Johanna“
1966
Anfang 1966 zog Dylan nach Nashville, um mit einer Gruppe von Studioprofis, die der Produzent Bob Johnston zusammengestellt hatte, Blonde on Blonde aufzunehmen. In ihrer ersten nächtlichen Session nahmen sie diese siebenminütige Meditation über unerwidertes Verlangen auf. „Far out‘, wären die Worte gewesen, die ich damals benutzt hätte“, erinnert sich Bill Atkins, der das Keyboard spielte. Joan Baez behauptete, dass der Song, der ursprünglich den Titel „Seems Like a Freeze-Out“ trug, von ihr handelte. Wenn dem so ist, hat sie Dylan ziemlich beeindruckt; er hat selten so transzendent niedergeschlagen geklungen.
316 The Shangri-Las, „Leader of the Pack“
1964
Die Shangri-Las, die harte, weiße Girlgroup unter den hauptsächlich zur Kirche gehenden Schwarzen, krönten den Trend der frühen Sechziger zu Teenager-Tragödien mit ihrem größten Hit. Der Produzent und Songschreiber Shadow Morton ließ sich beim Kauf eines Motorrads inspirieren und forderte seinen Mitarbeiter Jeff Barry auf, einen Song für die Shangri-Las zu schreiben, in dem es um einen Biker und „dieses Mädchen [das] ihn sieht und sich in ihn verliebt.“ Barry lehnte ab und meinte, DJs würden es vermeiden, eine solche Figur zu verherrlichen, also improvisierte Morton ein Ende: „Er … stirbt.“
315 John Coltrane, „Pt. 1-Acknowledgement“
1965
Ende 1964 zog sich John Coltrane mit seinem Saxophon, Stift und Papier in ein leeres Schlafzimmer im Obergeschoss seines Hauses in Dix Hills, Long Island, zurück. Seine Frau Alice erinnerte sich später daran, dass er „wie Moses vom Berg herunterkam“ mit einer brandneuen Suite von Andachtsmusik in Albumlänge, die er A Love Supreme nannte. „Dieses Album ist eine demütige Gabe an Ihn“, schrieb er im Klappentext der LP. „Ein Versuch, durch unsere Arbeit ‚Danke Gott‘ zu sagen, so wie wir es in unseren Herzen und mit unseren Zungen tun.“ Der Eröffnungssatz beginnt wie ein musikalisches Gebet, bevor er in einen mantraartigen Basslauf übergeht, der später die Grundlage für den Gesang des Titelsatzes bildet. Coltrane und die anderen Mitglieder seines so genannten klassischen Quartetts, der Pianist McCoy Tyner und der Schlagzeuger Elvin Jones, schließen sich an. Coltranes majestätisches, oft heftiges Blasen auf dem Stück ist niemals selbstherrlich. Er schwebt mit nichts als Dankbarkeit und Freude. Sie können gar nicht anders, als mit ihm zu gehen.
314 The Stooges, „I Wanna Be Your Dog“
1969
Die Idee für den Sound der Stooges kam Iggy Pop, als er am Ufer des Chicago River einen Joint rauchte und über die lokalen Musiker nachdachte, die er bewunderte. „Was du tun musst, ist deinen eigenen einfachen Blues zu spielen“, erkannte er. Einfacher als „I Wanna Be Your Dog“, das drei zottelige Akkorde in ein bedrohliches Proto-Punk-Mantra verwandelte, geht es nicht mehr. „Ich möchte mit Ihnen nicht über Literatur sprechen…. Ich möchte Sie nicht als Person beurteilen“, sagte Pop später zu Howard Stern, als er nach der Bedeutung des Songs gefragt wurde. „Ich will dich hunden, weißt du?“
313 Smokey Robinson and the Miracles, „The Tears of a Clown“
1967
Stevie Wonder gab Robinson eine Aufnahme dieses Stücks, für das er nur schwer einen Text schreiben konnte. Die wirbelnde Melodie erinnerte ihn an einen Zirkus, aber das führte zunächst in eine weitere Sackgasse, wie sich Robinson später erinnerte: „Was kann ich über den Zirkus schreiben, das die Herzen der Menschen berührt? Ich kann nicht über die Tiere schreiben. Die Menschen lieben Tiere, aber was hat das damit zu tun, die Herzen der Menschen zu berühren, außer ich schreibe etwas Tragisches über ein Tier.“ Schließlich kam er auf die Idee eines traurigen Clowns und landete damit einen Hit.
312 Isaac Hayes, „Walk on By“
1969
Mit Hits wie „Soul Man“ von Sam and Dave war Hayes ein erfolgreicher Songschreiber für Stax Records, als er begann, eine Karriere als Musiker aufzubauen. Er hielt Pickup-Sessions mit den Bar-Kays ab, einer jungen Begleitband, die sich zu Acid-Dropping-Funk-Rockern entwickelte. Einer der Titel, mit denen das Ensemble spielte, war „Walk on By“, ein Pop-Hit von 1964, den Burt Bacharach und Hal David für Dionne Warwick geschrieben hatten. Als Hayes und die Bar-Kays damit fertig waren, hatten sie einen Lite-Pop-Hit in 12 Minuten Wah-Wah-Gitarre und orchestralen Pomp verwandelt: die Geburtsstunde des Stoned Soul.
311 Eagles, „Hotel California“
1976
Es wurde gemunkelt, dass „Hotel California“ von Heroinsucht oder Satansanbetung handelt, aber Don Henley hatte prosaischere Dinge im Kopf: „Wir waren alle Mittelklasse-Kinder aus dem Mittleren Westen“, sagte er. „‚Hotel California‘ war unsere Interpretation des gehobenen Lebens in Los Angeles.“ Als die Eagles in Miami arbeiteten, waren sie zunächst nicht in der Lage, das 12-saitige Intro und die ausgefeilte Coda mit zwei Gitarren von Gitarrist und Co-Autor Don Felder nachzuspielen. In Panik rief Felder seine Haushälterin in L.A. an und schickte sie, in einem Stapel von Tonbändern in seinem Heimstudio zu wühlen, damit sie sein Demo per Telefon abspielen konnte.
310 The Doors, „Light My Fire“
1967
Es war der erste Song, den Robby Krieger je geschrieben hat – mit zusätzlichem Text von Jim Morrison und Arrangements vom Rest der Band. „Es war, als hätte ich all diese Ideen in meinem Kopf gespeichert und sie nun auf einmal herausgeholt“, sagte Krieger. Der Song katapultierte die Doors über Nacht zum Ruhm, was laut Krieger Teil von Morrisons Plan war: „Jim hatte diese Idee, dass die Band ein Shootingstar sein sollte“, sagte Krieger. „Fire“ war auf der LP sieben Minuten lang, wurde aber auf der Single auf drei Minuten gekürzt, wobei die Soli von Krieger und dem Keyboarder Ray Manzarek weggelassen wurden.
309 Bill Withers, „Ain’t No Sunshine“
1971
Withers arbeitete in einer Fabrik für Flugzeugteile, als er „Ain’t No Sunshine“ schrieb, ein erfrischend einsames Stück, das zum Teil durch den Film Days of Wine and Roses inspiriert wurde, in dem es um den Kampf eines Paares mit dem Alkoholismus geht. Er nahm den Song mit Profis von Stax Records auf, konnte aber die neue Situation, in der er sich befand, immer noch nicht ganz glauben. „Bill kam direkt aus der Fabrik und tauchte in seinen alten Brogans und seinem alten klapprigen Auto auf, mit einem Notizbuch voller Songs“, erinnert sich Produzent Booker T. Jones. „Als er alle im Studio sah, bat er darum, mit mir unter vier Augen zu sprechen und sagte: ‚Booker, wer wird diese Songs singen?‘ Ich sagte: ‚Du bist es, Bill.'“
308 Liz Phair, „Divorce Song“
1993
„Ich wollte über all die kleinen Zwischenmomente schreiben, die Menschen in ihrer Beziehung erleben“, sagte Phair, „einfach die gewöhnlichen Dinge, die passieren.“ In „Divorce Song“, einem Höhepunkt ihres Konzeptalbums Exile in Guyville, verwandelt Phair eine nächtliche Autofahrt, die sie einst mit einem College-Freund unternahm, kunstvoll in eine Geschichte über Missverständnisse, Reue und Artikulation. „Es geht um eine gewöhnliche Person, die gewöhnliche Dinge tut“, sagte sie Jahre später dem Rolling Stone, „und in dem Song geht es wirklich nur um die Beziehung zu einer anderen Person.“
307 Gnarls Barkley, „Crazy“
2006
„Crazy“ war in den 2000er Jahren eine Rarität: ein universeller Pop-Hit, der in praktisch jedem Radioformat gespielt wurde und sowohl in den Pop- als auch in den Modern-Rock-Charts die Top 10 erreichte. Der Text entstand aus einem Gespräch, das Cee-Lo und Danger Mouse im Studio führten: Die beiden beschlossen, dass ihre genreübergreifende Zusammenarbeit in der Tat „verrückt“ war. Mit einer eindringlichen Melodie, die vom Spaghetti-Western-Komponisten Ennio Morricone inspiriert war, fühlte sich „Crazy“ nicht wie ein Hit an. „Es schien zu ausgefallen für das urbane Radio und zu urban für das Rockradio“, sagte Danger Mouse dem Rolling Stone.
306 Aretha Franklin, „Chain of Fools“
1967
Einer von fünf unauslöschlichen Top-10-Hits, die Franklin 1967 landete. „Chain of Fools“ wurde von Don Covay geschrieben, der von seinen Erinnerungen an die Arbeit der Feldarbeiter inspiriert wurde, als er in South Carolina aufwuchs. Er zeigte es dem Produzenten Jerry Wexler, der dachte, dass es gut für Franklin wäre. Als sich die Aufnahme nicht ganz fertig anfühlte, spielte Wexler sie der Brill Building Songwriterin Ellie Greenwich vor, die eine zweite Hintergrundstimme beisteuerte und sie selbst sang. Wie sich der Tontechniker Tom Dowd später erinnerte, „wurde es lebendig“.
305 The Police, „Every Breath You Take“
1983
Für ihren größten Hit kehrten The Police zu den Grundlagen zurück. Sie verzichteten auf einen aufwendigen Synthesizer-Part, der von der hypnotischen Basslinie des Songs ablenkte, und setzten stattdessen auf einen Lick, den Gitarrist Andy Summers in einer einzigen Live-Aufnahme einspielte. Sting gab zu, dass der Text – der zwar zärtlich klang, aber in Wirklichkeit bitter war – aus dem Handbuch der Rock & Roll-Klischees stammte. „‚Every Breath You Take‘ ist ein archetypischer Song“, sagte er dem Rolling Stone. „Wenn Sie einen Dur-Akkord gefolgt von einem relativen Moll-Akkord haben, sind Sie nicht originell.
304 Kraftwerk, „Trans-Europa-Express“
1977
Die Hymne der deutschen Gruppe auf die elektronische Zukunft schwelgte in Wiederholungen und übte einen großen Einfluss auf den frühen Hip-Hop (siehe Afrika Bambaatas „Planet Rock“) und die Tanzmusik aus. David Bowie war ein bekennender Fan der „einzigartigen Entschlossenheit der Gruppe, sich von stereotypen amerikanischen Akkordfolgen abzuheben“. Aber selbst während sie die Poplandschaft veränderten, träumten Kraftwerk weiter von der Zukunft. „Trans-Europe Express wurde mit einer riesigen Maschinerie gemacht“, sagte Ralf Hütter 1991. „Wir schleppen immer noch eine Menge Gewicht von Stadt zu Stadt. Wir träumen davon, eine Aktentasche mit einem Laptop von Ort zu Ort zu tragen.“
303 TLC, „No Scrubs“
1999
TLCs leidenschaftliche Behauptung ihres Materials und ihrer romantischen Must-haves verärgerte sensible Männer so sehr, dass eine Gruppe von ihnen einen Antwortsong namens „No Pigeons“ schrieb, aufnahm und verbreitete. TLC veröffentlichten zwei Versionen des Songs, um so viele Radioformate wie möglich zu erobern, eine ohne und eine mit Left Eyes Rap-Strophe, und so wurde der selbstbewusste Song allgegenwärtig. „Die Leute fingen an, sich zu fragen: ‚Bin ich ein Waschlappen?'“ erinnert sich DJ Face aus dem DMV-Gebiet. „Man musste wirklich nachdenken.“
302 Pink Floyd, „Wish You Were Here“
1975
Trotz himmelhoher Spannungen in der Band während der Aufnahmen zum Floyd-Album Wish You Were Here von 1975 gelang es Roger Waters und David Gilmour, sich für den Titelsong zusammenzufinden, eine Elegie auf den ausgebrannten Ex-Frontmann Syd Barrett. Während der Aufnahmen erschien Barrett auf mysteriöse Weise im Studio, und zwar in einem so schlechten Zustand, dass ihn zunächst niemand in der Band erkannte. „Er stand auf und sagte: ‚Gut, wann setze ich meine Gitarre auf?'“, erinnert sich Keyboarder Rick Wright. „Und natürlich hatte er keine Gitarre dabei. Und wir sagten: ‚Tut mir leid, Syd, die Gitarre ist schon fertig.'“
301 Bob Seger, „Night Moves“^
1976
Seger verbrachte das erste Jahrzehnt seiner Karriere damit, sich dank seiner energiegeladenen Live-Show eine treue Basis von Rockfans aufzubauen, aber erst mit „Night Moves“ folgte ihm das Mainstream-Publikum. Das liegt daran, dass die nostalgische Geschichte einer unschuldigen Teenagerliebe für fast jeden, der sie im Radio hörte, nachvollziehbar war und Seger seinen ersten von vielen Top-10-Hits bescherte, die im Laufe des nächsten Jahrzehnts folgen sollten. „Es hat immer noch genau die Bedeutung, die es für mich hatte“, sagte Seger 1994. „Die Freiheit und Lockerheit, die ich während der High School hatte.“
