Die 500 besten Songs aller Zeiten
Die 500 besten Songs aller Zeiten – die ultimative Liste von ROLLING STONE.
400 Taylor Swift, „Cruel Summer“
2019
Cruel Summer“, ein Synthie-Pop-Epos mit einer ihrer besten Bridges, war ein Highlight von Swifts 2019er LP Lover, ein perfekter Popsong über den Nervenkitzel und den Schmerz des Verliebtseins, während Ihre Welt um Sie herum zusammenbricht. Die Lover-Ära wurde unterbrochen, als die Pandemie zur Absage ihrer Live-Shows führte. Aber für die Swifties war dies der Hit, der hätte sein sollen, und als Taylor ihn zum Eröffnungssong ihrer Eras-Shows im Jahr 2023 machte, wurde „Cruel Summer“ vier Jahre nach seiner Veröffentlichung zur Nummer Eins. Daran ist nichts grausam.
399 Sylvester, „You Make Me Feel (Mighty Real)“
1978
Obwohl der Sänger und die Queer-Ikone Sylvester aus San Francisco sich auf früheren Aufnahmen mit Rock und Soul beschäftigt hatte, passte er sich bald an die Disco an, die damals in seinem Viertel, dem trotzigen und schwulen Castro, herrschte. Sylvester schrieb zusammen mit dem Gitarristen James Wirrick den Song „You Make Me Feel (Mighty Real)“, dessen überbordende Ausgelassenheit gut zur Persönlichkeit des Sängers passte. „Zuerst wollte die Band es nicht als Tanzlied spielen“, sagte Wirrick. „Und Sylvester und ich sagten immer wieder: ‚Nein, das müsst ihr machen, weil das im Radio läuft.'“
398 Duran Duran, „Hungry Like the Wolf“
1982
Duran Duran brauchte viele Versuche, um das US-Radio zu knacken. „Aber MTV war aufgeschlossener und wollte neue Bands zeigen“, sagte Sänger Simon Le Bon. „Hungry Like the Wolf“ hat eine zutiefst glamouröse Mischung aus Elektronik und Gitarren (das Riff wurde von Marc Bolan von T. Rex inspiriert) und wurde so lange neu abgemischt, bis die Amerikaner seinen Charme hören konnten. Das actiongeladene Video, das in Sri Lanka gedreht wurde, wurde zu einer Sensation. „MTV bekam so viele Anfragen, dass die Leute anfingen, es im Radio zu hören“, sagte Nick Rhodes, Durans Keyboarder. „Es hat sich also schnell herumgesprochen.“
397 Public Enemy, „Bring the Noise“
1987
Als PE 1987 den Song „Bring the Noise“ für die Verfilmung des Romans Less Than Zero von Brett Easton Ellis aufnahm, war Chuck D kein großer Fan – „ich habe ihn praktisch aus dem Fenster geworfen“, sagte er. Dann begannen sie, es live zu spielen, und „die Leute drehten durch“. Mit kreischenden Samples und aufgedrehten BPM antwortete es auf Kritiker, die die Crew wegen ihrer Strenge ablehnten, mit mehr von allem: mehr Geschwindigkeit, mehr Sound und mehr stolze Verweise auf ihr Schwarzsein. „Wenn sie meine Musik als ‚Lärm‘ bezeichnen, wenn sie sagen, dass ich als schwarzer Mensch in Amerika aus der Rolle falle, dann ist das in Ordnung“, sagte Chuck D dem Rolling Stone. „Ich bringe mehr Lärm.“
396 Elvis Costello, „Alison“
1977
Laut seinen 2015 erschienenen Memoiren wurde er von einem „schönen Kassenmädchen“ inspiriert, von dem er glaubte, dass es seine Träume „bald an einen Rüpel vergeuden würde“. Diese trügerisch zarte Ballade auf Costellos Debütalbum trug dazu bei, ihn als den begabtesten Melodiker des Post-Punk zu etablieren. 1977 führte Costello seinen harten lyrischen Stil auf die Tatsache zurück, dass „die Welt im Moment weder glamourös noch romantisch ist…. Niemand hat die Zeit oder das Geld.“ Nichtsdestotrotz wurde Costellos Versuch eines „schönen Klangs“ auf „Alison“ zum Teil von Jimi Hendrix‘ „The Wind Cries Mary“ inspiriert: Sie haben einen ähnlich knisternden Gitarrenton.
395 Afrika Bambaataa and The Soulsonic Force, „Planet Rock“
1982
Diese bahnbrechende 12-Inch-Single ist die Summe der vielseitigen Inspirationen des DJs Afrika Bambaataa aus der South Bronx. Da waren Kraftwerk, Ennio Morricones Titelmusik zu Sergio Leones Trilogie Für eine Handvoll Dollar, Captain Sky’s „Super Sporm“ und, etwas subtiler, die klimpernden Freuden der Arcade-Spiele aus den Achtzigern. John Robie fügte Keyboards hinzu, der Bostoner Produzent Arthur Baker setzte alles mit der Roland TR-808 und PCM um, und die Rapper von Soulsonic Force brachten einen einzigartigen Stop-Start-Call-and-Response-Party-Rock-Stil ein, den sie „MC Poppin“ nannten. So entstand der erste definitive Hip-Hop-Sound auf Wachs: Electro-Funk.
394 Jeff Buckley, „Grace“
1994
Der Singer-Songwriter Jeff Buckley, der sich selbst unter anderem als „das verzerrte Liebeskind von Nina Simone und allen vier Mitgliedern von Led Zeppelin“ beschrieb, war ein einzigartig vielversprechendes Talent, das nur ein einziges Album veröffentlichte, Grace von 1994, bevor er durch Ertrinken im Mississippi starb. Buckley schrieb den Text zum glühenden Titelsong des Albums, nachdem er sich von seiner Freundin am Flughafen verabschiedet hatte; sein enger Mitarbeiter Gary Lucas steuerte die brennende, spiralförmige Gitarrenlinie bei. Es war, als würde man Chet Baker in den Neunzigern wiedergeboren hören, der in einer coolen Bar an der Lower East Side spielte.
393 James Brown, „Say It Loud (I’m Black and I’m Proud)“
1968
1968, als die Proteste gegen den Vietnamkrieg wüteten, brachte der Godfather of Soul einen patriotischen Song mit dem Titel „America Is My Home“ heraus. Kurze Zeit später platzierten Aktivisten eine Bombenattrappe in Browns Hotelzimmer. Eine der nächsten Singles des Sängers schlug einen deutlich anderen Ton an, sowohl politisch – „We’d rather die on our feet, than be livin‘ on our knees“ – als auch musikalisch, indem er die lockere Gangart von „America Is My Home“ durch eine aufgewühlte Funk-Rakete ersetzte. „Say It Loud“ war ein größerer Hit als sein Vorgänger und erreichte Platz eins der R&B-Charts und wurde darüber hinaus zu einer Black-Power-Hymne.
392 Coldplay, „Fix You“
2005
Von den ausgefransten Enden seiner Falsettstimme bis hin zu seinen Texten, die das Herz auf der Zunge tragen, ist Chris Martins unironische Ernsthaftigkeit seine Gabe; er greift nach den größten Emotionen, die er kann, und wenn er sie erreicht, kann das Ergebnis kolossal sein. Was „Fix You“ so besonders macht, ist die Tatsache, dass es als einfache Ballade (für seine damalige Frau Gwyneth Paltrow) beginnt und dann das Schlagzeug einsetzt, was zu Harmonien führt, die den Käse von Journey mit der Herbheit von Bowies „Heroes“ kreuzen und den Song sofort zu einem Standard machen. Erst dieses Jahr haben BTS den Song bei MTV Unplugged gecovert.
391 Eric Church, „Springsteen“
2011
Im Laufe seiner Karriere hat Country-Feuerwerker Church bewiesen, dass er großartige Songs über großartige Songs schreiben kann (siehe „Record Year“ von 2015), aber diese Ballade aus dem Jahr 2011, in der die Musik von Springsteen eine Flut von Jugenderinnerungen freisetzt, wird er wohl nie übertreffen. „Ich war mit einem Mädchen auf einem Konzert, als ich jünger war, und bis heute ist es der Soundtrack zu diesem Mädchen, wenn ich diesen Künstler höre“, erinnert sich Church. „Ich denke nie mehr an sie, außer wenn dieser Song läuft. Daher kam das ‚Springsteen‘, und er schien mir der perfekte Mann zu sein, um diese Geschichte zu schreiben, weil ich ihn liebe.
390 Metallica, „Enter Sandman“
1991
Metallica waren der Meinung, dass ihre ausgedehnte LP von 1988, …And Justice for All, ein epischer Endpunkt gewesen war, und wollten etwas Prägnanteres schreiben. Einen einfachen Song zu schreiben ist verdammt viel schwieriger als einen verrückten, seitwärts gerichteten 10-Minuten-Song zu schreiben“, sagte Schlagzeuger Lars Ulrich. Der Produzent von AC/DC und Mötley Crüe, Bob Rock, drängte sie dazu, ihren Sound zu straffen, und so entstand 1991 das Album Metallica und dessen karriereverändernder Hit „Enter Sandman“. Gitarrist Kirk Hammett kam auf das Riff des Songs, als er eines Nachts alleine jammte, und Ulrich half ihm, es zu einem radiotauglichen Mammut zu arrangieren.
389 Pretenders, „Brass in Pocket“
1979
„Brass in Pocket“ ist der erste britische Nummer-Eins-Hit der achtziger Jahre, das achte Video, das auf MTV gespielt wurde, und der Song, der die Pretenders zum Popstar machte. Aber als Chrissie Hynde zum ersten Mal die fertige Version hörte, die sie um ein Riff des Gitarristen James Honeymoon-Scott herum gebaut hatte, hasste sie es. „Ich sagte, das würde nur über meine Leiche gehen“, erinnerte sich die Sängerin im Jahr 2020. „Ich fand, es klang, als ob es ein Motown-Song sein wollte, aber das hat es nicht ganz geschafft. Aber jetzt mag ich den Song, weil er einer dieser Songs ist, die mir gut getan haben.“
388 DMX, „Party Up (Up in Here)“
1999
„Die Leute glauben, dass man den Heiligen Geist nur in der Kirche fangen kann“, sagte DMX 1998. „Ich bekomme ihn auf der Bühne.“ In der Tat gibt es nur wenige Künstler in jedem Genre, die mit der rohen, ansteckenden Intensität des verstorbenen großen Rappers aus Yonkers mithalten können. Der kommerzielle Höhepunkt seiner fruchtbaren Zusammenarbeit mit dem Produzenten Swizz Beatz ließ jeden, von Straßenhändlern bis zu Vorstadt-Fußballmüttern, den Refrain mitgrölen. Aber zusammen mit seinem knurrenden Brustkorb erwies sich die aufgewühlte Energie von X als universell. Wer von uns hat nicht schon einmal das Gefühl gehabt: „Y’all gon‘ make me lose my mind/Up in here, up in here.“
387 New York Dolls, „Personality Crisis“
1973
„Wir waren sehr roh“, erinnerte sich Sänger David Johansen. „Wir wollten das Publikum wirklich konfrontieren: ‚Hey, ihr dummen Bastarde. Steht auf und tanzt.'“ Kein Song verkörperte den glamourösen R&B der New York Dolls besser als „Personality Crisis“, der Eröffnungstitel des Debüts der Gruppe. Produziert von Todd Rundgren während einer achttägigen Session, war „Crisis“ der trashige Sound einer Kernschmelze („Frustration and heartache is what you got“); bald darauf wurden die Dolls selbst Opfer einer solchen und lösten sich in einem Dunst von Drogen auf.
386 The Kinks, „Lola“
1970
Der Frontmann der Kinks, Ray Davies, wurde zu „Lola“ inspiriert, nachdem er von einem Mitglied der Kinks-Crew gehört hatte, das in einem Pariser Club eine schöne Blondine kennenlernte und sie mit auf sein Hotelzimmer nahm. „Am Morgen sah er die Stoppeln auf ihrem Kinn wachsen“, sagte Davies 2020. „Er hatte also eine Überraschung!“ Die kleine Anekdote entwickelte sich zu einer romantischen Geschichte über einen Mann, der sich in eine Transfrau (oder vielleicht eine Transvestitin) namens Lola verliebt. Für die Brady Bunch-Ära war das eine radikale Sache, aber irgendwie schlüpfte das Thema des Liedes an vielen Radioprogrammierern vorbei und es wurde ein weltweiter Hit.
385 Diana Ross, „I’m Coming Out“
1980
Während der Arbeit an dem Album, das Diana werden sollte, sagte der Gitarrist, Produzent und Autor Nile Rodgers: „Ich ging eines Abends in diesen [Trans-]Club, das Gilded Grape. Ich stehe am Pissoir und um mich herum sind drei oder vier Diana Rosses. Am nächsten Tag sagte ich zu Bernard [Edwards, seinem Partner]: ‚Mann, du wirst nicht glauben, was letzte Nacht passiert ist‘, und er sagte: ‚Toll, lass uns das schreiben.'“ Als Ross die Produzenten fragte, ob der Song so schwulenfreundlich sei, wie er klang, sagte Rodgers: „Wir haben es verneint.“
384 Cardi B, J Balvin and Bad Bunny, „I Like It“
2018
Die Idee für „I Like It“ kam von Atlantic-CEO (und ehemaligem DJ) Craig Kallman, der sich für Cardis Debütalbum Invasion of Privacy einen Titel wünschte, der ihre karibischen Wurzeln betont. Während er und der Produzent J. White den Backing Track entwickelten, rekrutierte der A&R-Vertreter von Atlantic, Edgar Machuca, die Latin-Urbano-Helden J Balvin und Bad Bunny. Der siebenmonatige Entwicklungsprozess zog auch andere an, aber es war Cardi B, die „I Like It“ in ein einzigartiges Spektakel verwandelte. „Ich weiß noch, wie ich im sechsten Monat schwanger war, als ich das Musikvideo für den Song drehte“, sagte sie gegenüber Billboard. „Aber das Ergebnis war wunderschön.“
383 Childish Gambino, „Redbone“
2016
Für sein drittes Album als Childish Gambino hat der Schauspieler, Autor, Comedian und Musiker Donald Glover den Rucksack-Rap seiner früheren Veröffentlichungen beiseite gelassen und den Gral des Siebziger-Jahre-Funks erreicht. Glover und der schwedische Co-Produzent Ludwig Göransson bauten den Track auf einem Drumbeat von Glover auf und fügten ein Stück von „I’d Rather Be With You“ des P-Funk-Bassisten Bootsy Collins ein, was Glover viel Raum für sein Debüt mit einem irrsinnig hohen Falsett gab, von dem viele annahmen, dass es in der Tonhöhe verschoben war. Um sicherzugehen, dass er die richtige Stimmung getroffen hatte, stellte Glover den Song in einem Friseursalon in Atlanta vor.
382 Fiona Apple, „Paper Bag“
1999
Auf einem Album von hoher emotionaler und musikalischer Dramatik – When the Pawn…, Apples knifflige erste Zusammenarbeit mit dem Produzenten Jon Brion – weht „Paper Bag“ auf einer warmen Brise aus swingenden, gebürsteten Trommeln und anschwellenden Bläsern. Inspiriert wurde der Song, so Apple, von einer Tüte (eigentlich aus Plastik), die sie in der Luft schweben sah und für eine Taube hielt. Der Song brachte Apple ihre zweite Grammy-Nominierung in der Kategorie „Female Rock Performance“ ein, und sein Bekanntheitsgrad stieg, als er in dem Filmhit Bridesmaids verwendet wurde.
381 The Slits, „Typical Girls“
1979
Inspiriert vom ersten Aufblitzen des U.K. Inspiriert von den ersten Anfängen des britischen Punk, aber uninteressiert an dessen Klischees, haben die Londoner Slits auf „Typical Girls“ ihre feministische Vision dargelegt, eine Salve gegen die gängigen Geschlechtertropen, die zwischen schwungvollem Pop, Punk, Reggae und sogar ein wenig Boogie-Woogie-Jazz hin- und herpendelt; „Ich sagte zu den Mädchen: ‚Singt in der gleichen Stimmlage, die ihr benutzen würdet, wenn ihr jemanden auf dem Schulhof anschreit'“, erinnert sich Gitarristin Viv Albertine, deren damaliger Freund Mick Jones von The Clash sie drängte, den Song geradliniger zu gestalten. Zum Glück haben die Slits nicht auf sie gehört.
380 Fountains of Wayne, „Radiation Vibe“
1996
Schlesinger und Collingwood lernten sich am Williams College in Massachusetts kennen. „Wir spielten Alben von Bands wie den Replacements und R.E.M. und führten lange Gespräche darüber, wie ihr Alltag aussehen muss“, sagte Collingwood Anfang 2020 dem Rolling Stone, nachdem Schlesinger an Komplikationen im Zusammenhang mit Covid-19 gestorben war. Mitte der neunziger Jahre trafen sie sich in New York wieder und machten ihr Debüt „bouncy and sloppy and full of spirit“, wie sich Collingwood erinnert. Es eröffnete mit „Radiation Vibe“, Power-Pop in Perfektion für eine Post-Nirvana-Welt und einer der charmantesten kleinen Hits der Alt-Rock-Ära.
379 D’Angelo, „Untitled (How Does It Feel)“
2000
„Untitled (How Does It Feel)“ entstand während der dreijährigen Jamsessions für D’Angelos zweites Album Voodoo und spiegelt die Liebe des R&B-Innovators aus Virginia zu den Balladen von Prince wider. Es inspirierte ihn zu einem ikonischen Video, in dem er mit nacktem Oberkörper und schweißgebadeten Muskeln zu sehen ist, während er süße Falsett-Sprüche direkt in die Kamera singt. „Er schien ein sehr schüchterner Typ zu sein“, erinnert sich Regisseur Paul Hunter, „aber sobald er vor der Kamera stand, war er ein ganz anderer Mensch.“
378 The Killers, „Mr. Brightside“
2003
Diese Geschichte über Eifersucht und Paranoia wurde zu einem modernen „Don’t Stop Believin'“, einer Hymne, die auf Karaoke-Partys und von 100.000 Zuschauern bei Football-Spielen im Michigan Stadium mitgesungen wird. Sänger Brandon Flowers verarbeitete romantische Ängste aus dem wirklichen Leben (einmal spürte ein eifersüchtiger Flowers seine Geliebte auf und fand sie mit einem anderen Mann in einer Bar in Vegas), während die Killers den großen Schwung von U2- und Oasis-Songs aufarbeiteten, auf die sie sich in ihrer Musik zu dieser Zeit bezogen. „Es war eine wirklich harte Sache“, sagte Flowers über die betreffende Ex. „Aber wir haben ‚Mr. Brightside‘ aus ihr herausgeholt.“
377 Olivia Rodrigo, „Driver’s License“
2021
Olivia Rodrigo hatte in ihrer Zeit als Disney-Star schon einige virale Berühmtheit erlangt, aber auf das Phänomen, das ihre Debütsingle auslösen würde, war niemand vorbereitet. Rodrigos Interpretation der Vorstadtangst erinnert an die Melodrama-Ära von Lorde und fügt ihr eigenes, einzigartiges Gefühl der Sehnsucht hinzu, das jeden, der es hört, sofort begeistert. Der Song landete in seiner ersten Woche auf Platz eins und legte den Grundstein für die brillanten Jahre, die dem jungen Star folgen sollten.
376 Merle Haggard, „Mama Tried“
1968
Zu Beginn imitierte Haggard „Lefty“ Frizzell und Jimmie Rodgers. Aber er fand seine eigene Stimme, mit der er seine eigene Geschichte erzählte. „Mama Tried“ begann damit, dass er seine eigene vaterlose Kindheit, seine ewig liebende Mutter und die Zeit, die er im Gefängnis verbracht hatte, beschwor (obwohl er wegen eines Raubüberfalls zu drei bis 15 Jahren verurteilt worden war, nicht zu „lebenslänglich ohne Bewährung“, wie er sang). Für die Aufnahme wollte Haggard seinen treibenden Bakersfield-Country-Sound mit Folkmusik mischen – „irgendwo zwischen Peter, Paul und Mary und Johnny Cash“, sagte er später. Heraus kam die größte Flüchtlingshymne der Country-Geschichte.
375 The Drifters, „Up on the Roof“
1964
„Up on the Roof“ – ein Sommersong für Stadtbewohner, deren einziger Zufluchtsort die Teerstrände auf den Dächern ihrer Häuser waren – wurde von dem Ehepaar Gerry Goffin und Carole King geschrieben, aufstrebenden Stars in der New Yorker Tin Pan Alley-Szene, die mit „Will You Love Me Tomorrow“ der Shirelles den Durchbruch geschafft und bereits einen Hit der Drifters geschrieben hatten („Some Kind of Wonderful“). Gesungen wurde es von Rudy Lewis, dem dritten in der Reihe der großen Leadstimmen der Drifters. 1970 eroberte King den Song mit einer wehmütigen Downtempo-Version zurück.
374 William DeVaughn, „Be Thankful for What You Got“
1974
William DeVaughn lebte in Washington, D.C., als er seine Komposition zu Omega Sound brachte, einem kostenpflichtigen Produktionsstudio in Philadelphia. Als die Firma erkannte, dass DeVaughn talentiert war, beauftragte sie den Produzenten John Davis, eine professionelle Session zu arrangieren – mit hervorragenden MSFB-Musikern wie dem Schlagzeuger Earl Young und dem Gitarristen Norman Harris – und verkaufte sie an das unabhängige Label Chelsea Records. DeVaughns One-Hit-Wonder verkörpert seither die Seventies-Hustle-Mentalität, dank seines Curtis Mayfield-ähnlichen Gesangs und des beschwörenden Refrains „Diamond in the back, sunroof top, diggin‘ the scene with a gangsta lean.“
373 Drake, „Hotline Bling“
2015
„Hotline Bling“ war Drakes Einstieg in eine Reihe neuer Songs, die auf dem Rhythmus-Track „Cha Cha“ des Rappers und Produzenten Shelley (ehemals D.R.A.M.) aus Virginia basieren. „In Jamaika gibt es einen Riddim, und dann heißt es: ‚Jeder muss einen Song darauf machen'“, sagte Drake. „Stellen Sie sich das im Rap oder im R&B vor… das ist es, was ‚Hotline Bling‘ war. In Anlehnung an diese jamaikanische Tradition wurde „Hotline Bling“ mit dem ansteckenden Intro „You used to call me on my cellphone“ und dem Video, das sofort zum Meme wurde, zu einem enormen viralen Hit, der alle inspirierte, von Alessia Cara, die den Song als Ballade vortrug, bis hin zu Erykah Badu, die ihre Version in ein ganzes Mixtape mit dem Thema Telefon verwandelte.
372 Bonnie Raitt, „I Can’t Make You Love Me“
1991
Raitt hat diese erschütternd intime Ballade in einem Durchgang aufgenommen. „Es ist ein ziemlich vernichtendes Lied, wenn man es mehr als einmal singt“, sagte sie später. „Außerdem brauchte ich eine Minute, um mich davon zu erholen, wie traurig es war. Mit Bruce Hornsby am Klavier und Benmont Tench von den Heartbreakers an der Orgel schuf sie einen unerwarteten Popstandard, der von Adele und George Michael bis hin zu Boyz II Men und Bon Iver interpretiert wurde. Aber niemand kam an Raitts Ehrlichkeit und Verletzlichkeit heran. Sagte der Produzent Don Was: „Es ist eine dieser Darbietungen, die so kraftvoll ist, dass sie die Definition dessen, was die populäre Musik dieser Zeit ist, verändert.“
371 Elton John, „Bennie and the Jets“
1973
Dieser schräge und wunderbare Nummer-Eins-Hit – Elton in seiner spielerischsten Form – handelt von einer fiktiven Rockband, die von einem begeisterten Fan erzählt wird, der ihren Freunden Candy und Ronnie das Evangelium von Bennie and the Jets predigt. „Ich sah Bennie and the Jets als eine Art Proto-Sci-Fi-Punk-Band“, sagte der Texter Bernie Taupin 2014 dem Rolling Stone, „mit einer androgynen Frau an der Spitze, die aussieht wie aus einem Helmut Newton-Foto“. Elton wollte nicht, dass „Bennie and the Jets“ als Single veröffentlicht wird. Er willigte erst ein, als er hörte, dass der Song auf dem besten schwarzen Sender in Detroit gespielt wurde.
370 Buddy Holly, „Peggy Sue“
1958
Hollys berühmtester Hit entstand bei einer Probe. „Buddy hatte einen Song namens ‚Cindy Lou‘ begonnen“, sagte Jerry Allison, der Schlagzeuger von Buddy Holly and the Crickets. „Ich glaube, er hatte eine Nichte namens Cindy Lou.“ Während der Aufnahmen war Allisons kleine Trommel so laut, dass der Produzent Norman Petty ihn aufforderte, im Empfangsbereich des Studios zu spielen. Vielleicht um seinen Schlagzeuger zu besänftigen, stimmte Holly dem Vorschlag von Allison zu, das Lied nach einer Frau zu benennen, mit der er zusammen war, Peggy Sue.
369 The Cars, „Just What I Needed“
1978
„Wenn es das Ziel war, großen Erfolg mit Popmusik zu haben, die einen Sinn für Ironie hat“, sagte Cars-Gitarrist Elliot Easton dem Rolling Stone kurz nach Ric Ocaseks Tod im Jahr 2019, „dann ist die Mission erfüllt, oder?“ Die Debütsingle der Cars, die in den späten Siebzigern im Keller einer Kommune geschrieben wurde, in der Ocasek lebte, definierte ihre Mischung aus präzise abgestimmter Glätte und gruseligem Geheimnis – vor allem, wenn er die vampirische Zeile „I needed someone to bleed“ einstreut. Ein Beweis für die Genialität des Titels ist, dass ein früheres Demo, dem der sorgfältige Studioschliff fehlte, der den Song zu einem New-Wave-Hit machte, noch vor der Veröffentlichung der offiziellen Version im Radio in Boston gespielt wurde.
368 Soundgarden, „Black Hole Sun“
1994
Chris Cornell sah eines Tages fern, als er glaubte, einen Nachrichtensprecher von einer „Black Hole Sun“ sprechen zu hören. Er merkte bald, dass er sich geirrt hatte, aber der Ausdruck gefiel ihm, also behielt er ihn bei und fügte ihn später der jenseitigen Powerballade hinzu, die Soundgardens größter Hit werden sollte. Der Song tauchte den für die Band typischen düsteren Crunch in einen berauschenden psychedelischen Strudel und verlieh ihm ein unheimliches, Floyd-artiges Gefühl. „Es war diese Kombination aus hell und dunkel“, erinnert sich Cornell und erklärt damit die gespenstische Anziehungskraft des Songs. „Dieses Gefühl der Hoffnung und eine unterschwellige Stimmung“.
367 Frank Ocean, „Thinkin Bout You“
2012
Als Ocean sang: „My eyes don’t shed tears, but boy they pour when I’m thinking ‚bout you“, markierte die subtile Veränderung des Pronomens einen Wendepunkt im R&B. Er begleitete sein Debüt, Channel Orange, mit einem herzlichen offenen Brief auf seinem Tumblr, in dem er kunstvoll erzählte, wie er seine Sexualität verstanden hat. „Thinkin Bout You“ war in gewisser Weise zufällig; der Song war ursprünglich für die R&B-Sängerin Bridget Kelly geschrieben worden. Aber als ein Demo von Oceans subtiler, elegischer Version durchsickerte, wurde es sofort als der Signature-Song des schüchternen Soul-Visionärs anerkannt.
366 The Crystals, „Da Doo Ron Ron“
1963
Innerhalb eines Jahres reichten die Platten der Crystals von hoher Dramatik („He’s a Rebel“) über schwärmerische Romantik („Then He Kissed Me“) bis hin zu dem zungenbrecherischen „Da Doo Ron Ron“. Und jeder einzelne Song war ein Hit. Spector, ihr Produzent, war unnachgiebig: „Ich bin der Meinung, dass jede Platte, die veröffentlicht wird, ein Hit sein sollte“, erklärte er 1964. „Die großen Labels bringen Hunderte von Platten heraus, aber jede, die ich herausbringe, ist für die Charts bestimmt.“ Die Crystals selbst sangen nicht alle auf der Platte – nur die Leadsängerin LaLa Brooks, unterstützt von Session-Sängern, darunter Cher.
365 Sex Pistols, „God Save the Queen“
1977
Dieser nihilistische Song wurde von der BBC wegen „groben schlechten Geschmacks“ verboten. Er verunglimpfte den Pomp des Silberjubiläums von Königin Elizabeth II. und wurde in einer Hülle geliefert, die Ihre Majestät mit einer Sicherheitsnadel in der Lippe zeigt. „Für mich ist sie kein menschliches Wesen“, sagte Sänger Johnny Rotten. „Sie ist ein Stück Pappe, das man auf einem Wagen herumschleppt.“ Der manische Spott in John Lydons Stimme und Steve Jones‘ glamouröses Gitarrengekrächze machten den Song sofort zur typischen Hymne des britischen Punkrock als stolze soziale Krankheit.
364 The Grateful Dead, „Box of Rain“
1970
Vielleicht der schönste Moment der Dead im Aufnahmestudio, mit seinem zerrissenen, wunderschönen Harmoniegesang und der prägnanten, bodenständigen Gitarrenschönheit. Robert Hunter schrieb „Box of Rain“ zu Musik, die Phil Lesh ihm gegeben hatte, und verfasste schnell eine Reflexion über die Sterblichkeit. Lesh lernte es zu singen, als er seinen Vater besuchte, der an Krebs erkrankt war. „Mit ‚box of rain‘ meinte ich die Welt, in der wir leben“, sagte Hunter später, „aber ‚ball‘ of rain klang in meinen Ohren nicht richtig, also wurde es ‚box‘, und ich weiß nicht, wer es dort hingeschrieben hat.“
363 Bob Marley and The Wailers, „Could You Be Loved“
1980
In den Liner Notes der 1992 erschienenen Marley-Box Songs of Freedom wird „Could You Be Loved“ als „bewusst mit einem Sound aufgenommen, der schwarze amerikanische Radioprogrammierer ansprechen würde“ beschrieben. In der Tat ist es Marleys einzige Single, die es in die Billboard Dance Charts schaffte, auch dank eines Disco-Grooves und unwiderstehlich flatternder Keyboards. Er schrieb „Could You Be Loved“ im Flugzeug auf dem Weg zu den letzten Konzerten, die er vor seinem Krebstod 1981 als Vorgruppe der Commodores spielen sollte. Die Noten des Songs prangten später auf einer von der jamaikanischen Regierung herausgegebenen Briefmarke.
362 Kacey Musgraves, „Merry Go ’Round“
2013
Inspiriert von ihrer Erziehung in einer „winzig kleinen Stadt im Bibelgürtel“ hat die texanische Country-Künstlerin jahrelange Beobachtungen aus erster Hand in ihre Debütsingle einfließen lassen, ein treffsicheres Stück Kleinstadt-Realismus über Leute, die sich in Komfortzonen einrichten, die zu Lebenssätzen werden. „Ich habe das Gefühl, dass jeder etwas damit anfangen kann“, sagte Musgraves. Die atemberaubenden Zeilen „Mama’s hooked on Mary Kay, brother’s hooked on Mary Jane, and daddy’s hooked on Mary two doors down“ (Mama ist süchtig nach Mary Kay, Bruder ist süchtig nach Mary Jane, und Papa ist süchtig nach Mary zwei Türen weiter unten) waren vielleicht etwas kantig, aber der Song erreichte die Top 10 im Country-Radio und wurde bei den Grammys als bester Country-Song ausgezeichnet.
361 Jimmy Cliff, „The Harder They Come“
1972
Vor diesem Song hatte Cliff bereits Anerkennung gewonnen: Bob Dylan lobte seine 1969er Single „Vietnam“ als „das beste Protestlied, das je geschrieben wurde“. Aber zum internationalen Star wurde Cliff mit dieser Gospel-Geschichte über die ewige Rebellion, die ausdrücklich für den gleichnamigen Film geschrieben wurde, in dem er Ivan Martin spielte, einen jungen Mann, der nach Kingston, Jamaika, kommt, um seinen Weg als Musiker zu machen. „Der Film öffnete die Tür für Jamaika“, erinnert sich Cliff. „Er sagte: ‚Hier kommt die Musik her.'“
360 Prince, „Little Red Corvette
1982
Eine Pferderenn-Metapher, eine Auto-Metapher und eine Sex-Metapher: Prince geizte nicht mit literarischen Möglichkeiten, als er seinen ersten Top-10-Hit schrieb. 1982 ließ Prince ein 24-Spur-Studio in seinem Keller einrichten. Am Tag nach der Einrichtung hatte er um 18 Uhr „Little Red Corvette“ aufgenommen. Der Song ist eine nahezu perfekte erotische Fusion aus Rock und Funk, die sich langsam aufbaut, bis sie in einem Gitarrensolo explodiert. Passenderweise schrieb Prince den Text auf dem Rücksitz eines Autos, aber nicht in einer roten Corvette: Es war ein knallrosa Ford Edsel, der der Revolution-Keyboarderin Lisa Coleman gehörte.
359 Fugees, „Killing Me Softly With His Song“
1996
Bei aller musikalischen Kreativität, die das Trio Fugees aus New Jersey auf ihrem klassischen Album The Score an den Tag gelegt hat, bleibt die Coverversion einer Ballade von Roberta Flack aus dem Jahr 1972 ihr ikonischster Moment. Pras hatte die Idee dazu, und der Produzent Salaam Remi schlug vor, das Instrumental „Bonita Applebum“ von A Tribe Called Quest zu verwenden. Derweil entschied sich Produzent Jerry Wonder für eine „Reggae One Drop“-Basslinie. Aber dieser Song gehört wirklich Lauryn Hill: Es ist der Moment, in dem sie sich von jedermanns Lieblings-Femcee zu einer Ikone einer ganzen Generation entwickelt hat.
358 Patti Smith, „Because The Night“
1978
Während der Aufnahmen zu Darkness on the Edge of Town im Jahr 1977 hatten Bruce Springsteen und die E Street Band eine grobe Skizze für einen Song erstellt, von dem sie nicht wussten, was sie damit anfangen sollten. Das heißt, bis sich der Tontechniker Jimmy Iovine einschaltete und entschied, dass der Song zu einem anderen Künstler gehörte, mit dem er zu dieser Zeit arbeitete: „Eines Abends, als wir im Hotel Navarro in New York faulenzten, sagte ich Bruce, dass ich unbedingt einen Hit mit Patti wollte, dass sie einen verdiente. Er stimmte zu.“ Der Rest ist Geschichte: Mit seinen beiden Strophen, die jeweils von Springsteen und Smith geschrieben wurden, fängt „Because the Night“ perfekt den hungrigen Rock’n’Roll-Geist der beiden Künstler ein und wird Smiths einziger Top-20-Hit.
357 Cheap Trick, „Surrender“
1978
Cheap Trick kamen 1974 aus Rockford, Illinois, und waren ein Korrektiv des Rock’n’Roll des Mittleren Westens zur Selbstherrlichkeit der Musik jener Zeit. „Die Leute gehen in Bars, um Mädchen aufzureißen und zu tanzen“, erinnert sich Bassist Tom Petersson. „Sie wollten nicht Emerson, Lake und Palmer hören.“ Trick lieferte mit „Surrender“ die ultimative Teenie-Hymne der Siebziger Jahre, mit einer Strophe über ein Kind, das seine Mutter und seinen Vater dabei erwischt, wie sie sich bekiffen und zu seinen Kiss-Platten rummachen. Das Geheimnis des Gitarristen und Songschreibers Rick Nielsen? „Ich [musste] zurückgehen und mich in den Kopf eines 14-Jährigen versetzen.“
356 Thelma Houston, „Don’t Leave Me This Way“
1976
Diese gefühlvolle Disco-Ballade, die zuvor von Harold Melvin and the Blue Notes gesungen wurde, wurde zu einem Kassenschlager für Motown-Star Houston. Als sie dafür für einen Grammy in der Kategorie Best Female R&B Vocal Performance nominiert wurde, blieb sie zu Hause, nachdem sie zuvor gegen Aretha Franklin verloren hatte. Dieses Mal gewann Houston. Sie erinnerte sich später: „Sie wollen sich nicht wie ein Idiot fühlen, wenn Sie gewinnen und die Leute Sie Jahre später fragen: ‚Wo waren Sie?‘ – ‚Oh, ich war zu Hause und habe meinen Küchenboden geschrubbt.'“
355 Michael Jackson, „Rock With You“
1979
„Rock With You“ ist zugleich ein Anfang und ein Ende. Er wurde 1979 veröffentlicht und ist der perfekte Abgesang auf die Disco-Ära – ein verführerischer, von Liebe erfüllter Song mit satten Bläsern, Stakkato-Streichern, einer raffinierten Gitarre und subtiler Synthesizer-Arbeit. Es ist auch das erste gemeinsame Werk von Jackson, dem Songschreiber Rod Temperton und dem Produzenten Quincy Jones. Mit „Rock With You“ als Grundlage sollte dieses Trio bald den Pop neu definieren und Jackson zu seinem König machen. Usher sagte später: „Songs wie ‚Rock With You‘ haben mich dazu gebracht, ein Künstler zu werden.“
354 Eurythmics, „Sweet Dreams (Are Made of This)“
1983
„Sweet Dreams“ war eine trügerisch eingängige und verführerische Single von zwei ehemaligen Liebenden. „An dem Tag, an dem Dave und ich unsere Romanze beendeten, begannen Eurythmics“, sagte Lennox dem Rolling Stone. Ihre Beziehung war zusammen mit ihrer vorherigen Band, den Tourists, in die Brüche gegangen und die Gründung von Eurythmics führte die beiden weg vom gitarrenlastigen New Wave und hinein in die aufkeimende Synth-Pop-Szene. Doch die angespannten Sessions für „Sweet Dreams“ beendeten beinahe ihre musikalische Partnerschaft. „Ich war in der Fötusstellung zusammengerollt“, sagte Lennox. „Er hat diesen Rhythmus programmiert. Er klang so gut. Am Ende konnte ich ihm nicht widerstehen.“
353 Ice Cube, „It Was A Good Day“
1992
Ice Cubes Album The Predator von 1992 war von den Unruhen in L.A. geprägt. Aber für „It Was a Good Day“ wollte er ein wenig Optimismus zeigen: „Ich erinnere mich, dass ich dachte: ‚OK, es gab die Unruhen, die Leute wissen, dass ich damit umgehen werde. Das ist eine Selbstverständlichkeit. Aber ich rappe dieses ganze Gangsta-Zeug; was ist mit all den guten Tagen, die ich hatte?'“ Doch seine Chronik des Alltags, die auf einem sanften Isley Brothers-Groove daherkommt, ist alles andere als sorglos. Auch wenn Cube seine AK nicht benutzen musste, ist das Gespenst von Gewalt und Rassismus immer in greifbarer Nähe.
352 Jorge Ben, „Ponta de Lança Africano (Umbabarauma)“
1976
Als David Byrne in den späten Achtzigern für die amerikanischen Hörer eine Einführungskompilation brasilianischer Popmusik zusammenstellte, eröffnete er sie mit diesem Titel, und das aus gutem Grund. Ben war ein vielseitiger Künstler mit einem hornartigen Gesang und einem glatten Rhythmusgefühl, der mühelos Bossa Nova und Samba mit Rock und Funk verschmolz. „Ponta de Lança Africano“, das einem afrikanischen Fußballspieler gewidmet ist, eröffnet sein fantastisches Album Africa Brazil aus dem Jahr 1976. Ben arbeitet eng mit seinen Backgroundsängern zusammen, die abwechselnd den Leadgesang wiedergeben und süße, zwitschernde Akzente setzen, um das Feuer der Rhythmusgruppe anzufachen. Das Ergebnis ist eine funky Tour de Force.
351 John Prine, „Angel From Montgomery“
1971
Prines bekanntestes Lied mag von einer Frau mittleren Alters handeln, die sich älter fühlt, als sie ist“, aber die Plackerei und Verzweiflung, die in Angel From Montgomery“ beschrieben wird, ist universell und wird von Prine mit der für ihn typischen Wärme und Empathie vorgetragen. „Sie wollte raus aus ihrem Haus, aus ihrer Ehe und allem anderen“, sagte Prine. „Sie wollte einfach nur, dass ein Engel kommt und sie von all dem wegholt. Bonnie Raitt machte sich das Lied mit einer majestätischen Version von 1974 zu eigen, aber selbst ohne jegliche Musik würden Prines unverblümte Worte einen gewaltigen Eindruck hinterlassen.
