Die 500 besten Songs aller Zeiten
Die 500 besten Songs aller Zeiten – die ultimative Liste von ROLLING STONE.
450 Neil Young, „Powderfinger“
1979
Laut dem Gitarristen von Crazy Horse, Frank „Pancho“ Sampedro, kam dieser Song in einem Traum mit Krampfanfällen zu Young: Es ist ein epischer Western, gepackt in brüllende fünf Minuten, und eine der düstersten Coming-of-Age-Geschichten des Rock. Young singt über einen einsamen 22-Jährigen, der nach dem Tod seines Vaters seine gesetzlose Sippe gegen Regierungssoldaten verteidigen muss. Die ätzende Majestät von Youngs Frontier-Grunge-Gitarre spiegelt den zum Scheitern verurteilten Traum seines Protagonisten von der Freiheit wider. „Es zeigt die Vergeblichkeit von Gewalt“, schrieb Young. Er nahm es ursprünglich 1975 für sein aufgegebenes Album Chrome Dreams auf und kehrte vier Jahre später zu diesem Stück zurück, um die Plug-in-Seite von Rust Never Sleeps zu eröffnen.
449 Blue Öyster Cult, „(Don’t Fear) The Reaper“
1976
Blue Öyster Cult, eine Hard-Rock-Band, die aus der intellektuellen Hippie-Szene der sechziger Jahre an der Stony Brook University auf Long Island hervorging, hatte schon ein paar Jahre auf dem Buckel, als sie diesen gespenstischen Todestrip veröffentlichten, den der Rolling Stone 1976 zur besten Rocksingle erklärte – wie der Tontechniker Shelly Yakus am Ende des ersten Takes sagte: „Leute, das ist es!“ Der berüchtigte Sketch „Mehr Kuhglocken!“ von Saturday Night Live machte den Song in den 2000er Jahren zu einer Pointe, aber wenn man ihn spät nachts im Radio hört, erschrickt man erneut, wenn Sänger und Gitarrist „Buck Dharma“ Roeser über Romeo, Julia und die „40.000 Männer und Frauen jeden Tag“ singt, die ins Jenseits gehen.
448 Erykah Badu, „Tyrone“
1997
„Warum können wir nicht manchmal allein sein?“ fleht Badu anfangs – und dann kommt die Wendung: Der beste Freund ihres Mannes, Tyrone, soll kommen und ihn und seine Sachen abholen, sofort. Das Lied war ein Vorbote späterer R&B-Klassiker dieser Art, von TLCs „No Scrubs“ bis zu Beyoncés „Irreplaceable“. Der freimütige Ton von „Tyrone“ trug auch dazu bei, den Hype um die herrisch coole Badu, eine Anführerin der aufkeimenden Neo-Soul-Szene, etwas zu dämpfen. „Je mehr sie mich kennenlernen, desto mehr sehen sie, dass ich keine spirituell-göttliche Anführerin ohne Makel bin“, sagte sie. „Das bringt die Leute dazu, an Ihnen zu zweifeln, denn oft schauen die Leute mehr auf den Boten als auf die Botschaft.“
447 The Beatles, „Help!“
1965
„Die meisten Leute denken, es sei nur ein schneller Rock’n’Roll-Song“, sagte Lennon. „Unterbewusst habe ich um Hilfe gerufen. Zu der Zeit war mir das nicht bewusst. Ich habe den Song nur geschrieben, weil ich den Auftrag hatte, ihn für den Film zu schreiben.“ Überwältigt von der Beatlemania, aß Lennon „wie ein Schwein“, trank zu viel und „rauchte Marihuana zum Frühstück“ – er war erst 24 Jahre alt, aber er sehnte sich bereits nach seiner verlorenen Jugend. „Ich mag die Aufnahme nicht so sehr“, sagte Lennon später dem Rolling Stone. „Wir haben es zu schnell gemacht, um zu versuchen, kommerziell zu sein.“
446 Bruce Springsteen, „Rosalita (Come Out Tonight)“
1973
„Ich schrieb ihn als Abschiedsgruß für alle, die Sie nicht ernst genommen haben, die Sie niedergemacht haben oder die entschieden haben, dass Sie nicht gut genug sind“, schrieb Springsteen über die erste Hymne seiner Karriere, die das Dach der Arena erhebt. Die Melodie und Kadenz von „Rosalita“ stammte von einem Song im Stil von Van Morrison, den Springsteen als akustisches Solostück gespielt hatte. Er entwickelte sich in den siebziger Jahren zu seinem mitreißenden Set Closer, einer Geschichte über die Rock & Roll-Romantik eines Underdogs, die, wie er sagte, direkt aus seinem wahren Leben stammte – „sogar die Namen, Big Bones Billy, Weak Kneed Willy, alle von ihnen.“
445 T. Rex, „Cosmic Dancer“
1971
„Ich bin meine eigene Fantasie. Ich bin der ‚Cosmic Dancer'“, sagte Marc Bolan. Seine Fantasiewelt war allumfassend. T. Rex begannen als Tolkien-liebende Hippie-Folk-Zwerge, aber als sie 1971 Electric Warrior aufnahmen, half ihnen der Produzent Tony Visconti, ein Glam-Meisterwerk zu schaffen. In der himmelhochjauchzenden Ballade „Cosmic Dancer“ zeigt Bolan das verwirrte Kind hinter seiner schlüpfrigen Get-it-on-Persönlichkeit und singt „I was dancing when I was eight/Is it strange to dance so late“, gleichzeitig heiß, absurd und entwaffnend menschlich.
444 50 Cent, „In Da Club“
2003
Der Queens-Rapper Curtis Jackson hatte eine mythische Vorgeschichte (er war neunmal angeschossen worden) und einen Stammbaum von heißen Mixtapes. Als er sich mit Dr. Dre zusammentat, bekam er den Sound, den er brauchte, um ein Superstar zu werden. Dre hatte den spartanischen, aber geschmeidigen Track für „In Da Club“ eigentlich mit den Eminem-Schützlingen D12 im Hinterkopf und beabsichtigte, ihn für den Soundtrack von 8 Mile zu verwenden. „50 kam ins Studio und nahm einen Stift in die Hand“, sagte Dre. „Wir waren in einer Stunde fertig. Wir haben einfach irgendeinen Scheiß gemacht, den wir hören wollten.“
443 Fall Out Boy, „Sugar, We’re Goin Down“
2005
„Ich habe den Text in Chicago geschrieben“, sagte Bassist Pete Wentz dem Rolling Stone über die Nationalhymne des modernen Emo. „Ich war mit meinem Vater unterwegs und wir hörten die alte Musik, in der sie immer ’sugar‘ und ‚honey‘ sagten – solche Sachen. Ich fragte mich: ‚Warum macht das keiner mehr?'“ Als Fall Out Boy das taten, war das ein Zeichen für einen Umbruch – Emo, der seine Wurzeln im bekenntnishaften Hardcore-Punk hatte, hatte sich zu einer neuen und oft sehr theatralischen Art von Arena-Rock entwickelt. Aber wenn Patrick Stump den Titelsatz mit dem Wort „swinging“ abschließt, bekommt man immer noch Herzklopfen.
442 Motörhead, „Ace of Spades“
1980
Mit einem galoppierenden Beat, angriffslustigen Riffs und jeder Menge Verzerrung auf so ziemlich allem ist „Ace of Spades“ ein Dreh- und Angelpunkt in der Entwicklung des englischen Hardrocks zu einem schnelleren, härteren, brutaleren Biest, das von Punks und Metalheads gleichermaßen verehrt wird. Das Chunka-Chunka-Schlagzeug im Doppeltakt, das bei etwa 1:12 einsetzt, ist ein verhallter Holzblock, ein schwungvolles Detail inmitten der Wut, das auf Anregung des Produzenten Vic Maile hinzugefügt wurde. „Ich bin froh, dass wir dafür berühmt geworden sind und nicht für irgendeinen Truthahn“, sagte Bassist und Growler Lemmy Kilmister. „Aber ich habe zwei Jahre lang die Pik-Acht gesungen und niemand hat es bemerkt.“
441 Miranda Lambert, „The House That Built Me“
2010
Trotz all ihrer Frechheit ist der beste Moment von Country-Star Miranda Lambert diese bittersüße Ballade, eine bewegende Beschwörung der Heimat als ein Ort, an den man zurückkehren kann, wenn auch nur in der Erinnerung. „The House That Built Me“ ist voller herzzerreißender konkreter Bilder: das winzige Schlafzimmer, in dem die Erzählerin ihre Hausaufgaben gemacht hat, die Eiche, unter der ihr Hund begraben ist. Im Studio stellte Lambert Fotos von ihrem Elternhaus auf, um die richtige Stimmung zu erzeugen. „Ich habe sofort losgeheult, als ich es hörte“, sagte sie. Der Song hat immer noch die gleiche Kraft. 2021 weinte die Sängerin bei einer Show in ihrem Heimatstaat Texas.
440 Alicia Keys, „If I Ain’t Got You“
2003
Traurig über den tragischen Tod der R&B-Sängerin Aaliyah im Jahr 2001, komponierte Keys diesen bewegenden Ausdruck ihres Verlustes und brachte damit die organisch anmutende Üppigkeit der R&B-Balladen der Siebzigerjahre in das digitalisierte 21. Zur Zeit der Veröffentlichung ihres Albums The Diary of Alicia Keys war sie so kreativ, dass sie den Song beinahe an Christina Aguilera verschenkt hätte, bis ihr A&R-Vertreter Peter Edge intervenierte. „Ich sagte: ‚Warum? Ich schreibe noch hundert andere'“, erinnert sie sich, wie sie ihm sagte. „Ich bin irgendwie froh, dass er dafür gesorgt hat, dass ich das nicht getan habe.
439 Celia Cruz, „La Vida Es un Carnaval“
1998
Celia Cruz hatte eine Stimme, die opulente, opernhafte Töne mit dem afrokubanischen Call-and-Response-Stil des Pregón verband – und ihr legendäres Brüllen war am erhabensten und kraftvollsten, als sie auf dem triumphalen „La Vida Es un Carnaval“ von 1998 die Freude am Leben besang. Der Song war besonders kraftvoll, da er von Cruz stammte, die nach einem schmerzhaften Exil aus Kuba in den sechziger Jahren nach New York kam und die Salsa-Bewegung mitgestaltete. „La Vida Es un Carnaval“ wurde zu einer lebensspendenden Hymne für das Publikum und markierte einen überwältigenden Schlussakt ihrer beeindruckenden Karriere.
438 Megan Thee Stallion feat. Beyoncé, „Savage (Remix)“
2020
Ein Gipfeltreffen in Houston: die bahnbrechende Single des aufstrebenden MC Megan Thee Stallion, neu abgemischt mit der amtierenden Königin der Stadt – und des R&B -, die selbstbewusst ein paar Takte spricht, um uns daran zu erinnern, dass sie, wenn sie wirklich wollte, Ihren Lieblings-MC hauptberuflich im Kreis rappen könnte. Als Beyoncé bestätigte, dass ihr Gastauftritt stattfindet, sagte Megan: „Ich habe geweint – ich musste meine Oma anrufen“. Aber nur ihre Großmutter: Die Kollaboration – die selbst ein Nummer-Eins-Hit wurde – wurde bis zur letzten Sekunde geheim gehalten: „Ich habe nicht einmal meiner besten Freundin davon erzählt.“
437 Lucinda Williams, „Passionate Kisses“
1988
Als Williams darum kämpfte, einen Platz in der schubladenfreudigen Musikindustrie der achtziger Jahre zu finden, landete sie bei dem britischen Punk-Label Rough Trade und nahm ein selbstbetiteltes Album auf, in dem sie mit rauer Stimme nicht nur Küsse, sondern auch häuslichere Bedürfnisse wie „Stifte, denen die Tinte nicht ausgeht“ forderte. Drei Jahre später verwandelte Mary Chapin Carpenter den Song in einen mit einem Grammy ausgezeichneten Country-Hit, der auch in der Pop- und Adult Contemporary-Szene Anklang fand und zu Williams‘ bekanntestem Lied wurde. „Wenn ich zu der Zeile ‚It’s my right‘ komme, schreien alle Frauen im Publikum auf und drehen durch“, sagte Williams. „Ich liebe es.“
436 Carly Rae Jepsen, „Call Me Maybe“
2012
Jepsen, ein kanadischer Popstar, der in den USA weitgehend unbekannt ist, sagte, sie habe den unausweichlichen Hit, der 2012 das Radio beherrschte, zunächst als „Folk-Song“ geschrieben. Nach der Umstrukturierung mit schwindelerregenden Streicherpausen wurde der Song zum Ohrwurm für das amtierende Pop-Power-Paar Justin Bieber, der twitterte, dass es „möglicherweise der eingängigste Song ist, den ich je gehört habe lol“, und Selena Gomez, die sagte: „Dieses Lächeln ist wegen Carly Rae Jepsen. Wir haben nicht aufgehört, deinen Song zu hören, Mädchen!“ Manchmal braucht sogar ein Klassiker einen kleinen Schubs.
435 Rush, „Limelight“
1981
Der Schlagzeuger von Rush, Neil Peart, setzte sich mit dem Problem des Rockstar-Ruhms auseinander, ohne dabei wie ein verwöhnter Rockstar-Misanthrop zu klingen – und schrieb damit ironischerweise einen der größten Arenahits des kanadischen Prog-Rock-Trios. „Limelight“ hat die Ecken und Kanten seines 7/4-Riffs so abgeschliffen, dass es im UKW-Radio zu Hause ist, während Geddy Lee darüber singt, dass er sich „schlecht ausgerüstet fühlt, um zu handeln / mit unzureichendem Taktgefühl“, und sich nicht für seine geistigen Ambitionen entschuldigt. „Ich wollte nicht berühmt sein“, sagte Peart Jahre später. „Ich wollte gut sein. Und das ist eine ganz andere Sache.“
434 Ramones, „Sheena Is a Punkrocker“
1977
Die Ode der Ramones an die befreiende Kraft des Punk und den unsinkbaren Geist ihrer Heimatstadt New York erschien sowohl als Single, die tatsächlich die Charts stürmte (auf Platz 81), als auch als glattere, neu abgemischte Version auf ihrer vergleichsweise hoch budgetierten dritten LP, Rocket to Russia. Joey Ramone entnahm den Titel dem Comic Sheena, Queen of the Jungle aus dem Goldenen Zeitalter. „Ich habe Sheena, die Königin des Dschungels, mit der Ursprünglichkeit des Punkrocks kombiniert“, sagte er. „Es war lustig, denn alle Mädchen in New York schienen danach ihren Namen in Sheena zu ändern.“
433 Pet Shop Boys, „West End Girls“
1984
Inspiriert vom Hip-Hop-Kommentar „The Message“, den abstrakten Bildern von T.S. Eliots „The Waste Land“ und einem alten Gangsterfilm mit Jimmy Cagney zu später Stunde, hat Neil Tennant das britische Clubleben mit dem Blick eines distanzierten Beobachters betrachtet, um die karrierebringende Single des Pop-Duos zu schreiben. Selten war ein Synthie-Bass so eloquent wie der, der diesen Refrain untermalt. Und in fünf Worten fasste Tennant später nicht nur den Song, sondern die gesamte frühe Ästhetik der Boys zusammen: „Es geht um Sex. Es ist paranoid.“
432 Eddie Cochran, „Summertime Blues“
1958
Cochrans Label versuchte, ihn zu einem singenden Teenie-Idol zu formen, aber er machte sich einen Namen mit einer Reihe von Rockabilly-Ravern, die er mit seinem Partner Jerry Capehart schrieb. Über die Inspiration zu diesem Klassiker sagte Capehart: „Es gab viele Songs über den Sommer, aber keinen über die Härten des Sommers.“ Mit dieser Idee und einem Gitarren-Lick von Cochran haben sie den Song in 45 Minuten fertiggestellt. Es ist eine der ersten großen Hymnen der entfremdeten Teenager, mit einem absurd-politischen Element, das bei späteren Hardrockern wie The Who und Blue Cheer, die zu den vielen Bands gehören, die den Song gecovert haben, Anklang fand.
431 Prince, „Adore“
1987
Es zeigt, wie vollgepackt Prince‘ Doppel-LP Sign O‘ the Times war, dass das von Ehrfurcht geprägte Finale, der gospelgetränkte Slow-Jam „Adore“, keine Single war. Aber das bedeutet nicht, dass der Song nie im Radio gespielt wurde – das ist sogar einer der Gründe, warum er ihn aufgenommen hat. „Adore“ wurde geschrieben, um auf die Kritik zu antworten, Prince habe das Interesse am schwarzen Publikum verloren. Der Song war für „Quiet Storm“ gedacht, ein R&B-Format für Erwachsene, das sich sowohl auf Alben als auch auf Singles stützt – und dort wurde er, wie beabsichtigt, in großem Umfang gespielt.
430 Pete Rock and CL Smooth, „They Reminisce Over You“
1992
Als „Trouble“ T Roy, ein Tänzer von Heavy D and the Boyz, 1990 auf einer Tournee starb, schrieben seine Kumpels – der Hip-Hop-Produzent Peter „Pete Rock“ Philips und der Rapper Corey „CL Smooth“ Penn – die stärkste Elegie des Hip-Hop. Zu einem warmen Bläsersampling des Komponisten Tom Scott reimt Smooth im Plauderton über Liebe, Musik, Familie, Erinnerung und Freundschaft und ehrt damit seinen verstorbenen Kumpel. „Als wir uns die Platte anhörten, fingen wir einfach an zu weinen“, erinnert sich Pete Rock. „Als ich mich so fühlte, dachte ich: ‚Das ist es.‘ Tief in meinem Herzen spürte ich, dass dies etwas Großes werden würde.“
429 Queen and David Bowie, „Under Pressure“
1981
Queen befand sich in einem Schweizer Studio, um ihr Album Hot Space aufzunehmen, als sie auf Bowie stießen, der im selben Studio an einem Song für den Horrorfilm Cat People arbeitete. Diese epische Hymne des Widerstands gegen die Mächte der alltäglichen Erschöpfung entstand aus einer improvisierten Jam-Session, bei der Bowie seinen Gesang spontan beisteuerte. „Jeder geht da rein, ohne Ideen, ohne Noten, und singt das Erste, was ihm in den Sinn kommt, über den Backing Track“, erinnert sich Queen-Gitarrist Brian May. „Dann haben wir alle Teile zusammengefügt.“
428 Beyonce, „Break My Soul“
2022
Megastars müssen vorsichtig sein, wenn sie Klänge außerhalb der üblichen Megastar-Sicherheitszone ausprobieren. Aber Beyoncés Ausflug in die House-Musik war charakteristisch mühelos. Indem sie den House-Klassiker „Show Me Love“ von Big Freedia aus New Orleans und Robin S. aus den frühen Neunzigern sampelte, bewies sie auf der ersten Single von Renaissance einmal mehr ihre bemerkenswerte Fähigkeit, den Moment zu erkennen. Sie nutzte das Erbe der Tanzmusik als Raum des schwarzen und queeren Widerstands, um eine Hymne des ungebrochenen Trotzes für eine gestresste Welt zu schaffen.
427 Sugar Hill Gang, „Rapper’s Delight“
1979
Als Sylvia Robinson, die Besitzerin eines Indie-Labels in New Jersey und R&B-Hitmacherin, von ihrem Sohn von rappenden DJs hörte, beschloss sie, sich an der Aktion zu beteiligen. Die Sugarhill Gang, benannt nach dem Label, das sie gemeinsam mit ihrem Mann Joe betreibt, hatte keine Verbindungen zur New Yorker Hip-Hop-Szene, aber mit Hilfe des Reimbuchs von Grandmaster Caz von den Cold Crush Brothers legten sie 14 Minuten lang alberne Geschichten und einen einschmeichelnden Stil zu einer Neuauflage von Chics „Good Times“ auf und veränderten die Welt.
426 Nicki Minaj, „Super Bass“
2010
Auf ihrem Debütalbum Pink Friday überraschte Minaj die Fans ihrer Mixtapes mit dem zuckerwatteartigen Wirbel radiotauglicher Synthies. Sie war eine neue Art von populärer Rapperin, eine, die ihre eigenen Hooks singen konnte, ohne weich zu wirken. Als dieses Album keinen großen Hit brachte, war der Nachfolger genau das Richtige. Es ist ein schwindelerregendes Fest der Objektivierung und des Durstes nach Jungs zu einem zeitlosen „Boom, Badoom, Boom, Boom, Badoom, Boom, Bass“. Wie Minaj es damals beschrieb, geht es darum, „dass Sie sich einen runterholen wollen, es aber spielerisch angehen“.
425 Muddy Waters, „Mannish Boy“
1955
Chess Records war ein hart umkämpfter Ort. Nachdem Muddy Waters „I’m a Hoochie Coochie Man“ veröffentlicht hatte, schrieb Bo Diddley eine Antwort mit dem Titel „I’m a Man“ – und zwei Monate später schrieb Waters seine eigene Antwort. „Dann habe ich mit ‚Mannish Boy‘ angefangen und ihn einfach aus dem Weg geräumt“, erinnert er sich. (Diddley wurde als Co-Autor gewürdigt.) „Mannish Boy“ wurde zu einer britischen Blues-Hymne, unter anderem für die Rolling Stones – eine Band, die Waters stolz als „einige meiner besten Freunde“ bezeichnete.
424 Blackstreet feat. Dr. Dre and Queen Pen, „No Diggity“
1996
Niemand wollte „No Diggity“ aufnehmen. Teddy Riley stellte Aaron Hall die Idee für diesen R&B-Hinternschüttler während der gescheiterten Wiedervereinigungsgespräche für ihre bahnbrechende New Jack-Gruppe Guy vor; Hall lehnte ab. Rileys damalige Gruppe Blackstreet mochte den Song auch nicht: Er musste sie dazu überreden und sang zur Ermutigung sogar die erste Strophe. Mit seinem Harmoniegesang der alten Schule und einer akustischen Gitarreneinlage von Bill Withers wurde „No Diggity“ ihr größter Hit und seit seiner Veröffentlichung ein garantierter Kassenschlager.
423 Fiona Apple, „Criminal“
1996
Als die 18-jährige Apple die Arbeit an ihrem Debütalbum Tidal beendete, meinte ihr Label, dass das Album noch einen kommerziellen Titel bräuchte (dafür sind Labels ja bekannt). In 45 Minuten entstand ihre einzige Hit-Single, in der es darum geht, „sich schlecht zu fühlen, weil man etwas so leicht bekommt, indem man seine Sexualität benutzt“. Eine zerklüftete Klavier-Basslinie, brennende Streicher und ein klappriger Beat tragen zu einem stimmungsvollen Song bei, der schwer zu fassen ist – selbstkritisch und doch selbstzufrieden, verspielt und doch bedrohlich, mürrisch und doch brodelnd.
422 Craig Mack feat. Notorious B.I.G., LL Cool J, Busta Rhymes, Rampage, „Flava in Ya Ear (Remix)“
1994
Bad Boy-Labelchef Sean „Puffy“ Combs erkannte sofort, dass er einen Hit landen würde, als er ihn hörte. Er kaufte den Beat – der auf einem unaufhörlichen Riff aus zwei Noten und einem dicken Schlagzeugklatsch aufbaute – von Produzent Easy Moe Bee und verwendete ihn für Mack, der damals sein Debüt gab. Macks Remix-Verse sind solide („Wanna grab my dick/Too lazy/Hold it for me“), aber seine Gäste machen diesen Song vielleicht zum besten Posse-Cut aller Zeiten. LL ist geschmeidig, Busta spuckt Maschinengewehrfeuer und Biggie, nur wenige Monate vor seinem eigenen Debüt, lässt Perlen fallen wie „I get more butt than ashtrays“ und „You’re mad ‚cause my style you’re admiring/Don’t be mad, UPS is hiring.“
421 The Smiths, „How Soon Is Now?“
1984
Mit seinem verschlingenden, geschmolzenen Gitarrenintro und dem gewaltigen Schlagzeug entwickelte sich „How Soon Is Now“, das als B-Seite begann, zu einem echten Clubhit für die Smiths. Gitarrist Johnny Marr wollte ein Riff, das unausweichlich wiedererkennbar sein würde: „Wenn [es] in einem Club oder einer Kneipe gespielt wird“, sagte er, „weiß jeder, was es ist.“ Marr fand das Gitarrenriff des Songs verkatert bei einer Nachmittagssession, nachdem der Produzent John Porter ihn gebeten hatte, den Elvis Presley-Klassiker „That’s All Right“ nachzuspielen. Porter erinnerte sich später, dass er dachte: „Jetzt haben wir eine Band, die so sein könnte wie R.E.M. jetzt sind.“
420 The Mamas and the Papas, „California Dreamin’“
1965
In einem kalten Winter in Manhattan kam John Phillips mitten in der Nacht ein Lied in den Sinn. Er weckte seine junge Frau Michelle, die Heimweh nach der Westküste hatte, um ihm zu helfen, „California Dreamin'“, eines der sonnigsten Sehnsuchtslieder aller Zeiten, fertig zu schreiben. Das Lied wurde zuerst von Phillips‘ Folkgruppe The New Journeymen aufgenommen und später Barry McGuire als Dankeschön gegeben, nachdem McGuire, der von „Eve of Destruction“ begeistert war, die Gruppe dem Produzenten Lou Adler vorstellte, der die Mamas and the Papas davon überzeugte, das Lied selbst aufzunehmen.
419 Mariah Carey, „Fantasy“
1995
Der große Sprung der Diva in die Welt des Hip-Hop basiert auf einem Sample von „Genius of Love“ von Tom Tom Club, das durch einen Remix von Puff Daddy noch verstärkt wird. Das Rap-Feature von Ol‘ Dirty Bastard verlief nicht ganz reibungslos – laut A&R-Vertreter Cory Rooney machte ODB drei Nickerchen, während er seine Strophe aufnahm, und verlangte Moët und Newports, um sich in Stimmung zu bringen. Die wilde Präsenz des Rappers beunruhigte die Verantwortlichen von Columbia Records, aber Carey sagte, dass sie die Energie, die er mitbrachte, liebte: „Er war der liebevolle, lustige Onkel, der sich bei allen Festlichkeiten betrinkt, beim Weihnachtsessen, beim Grillfest, an Thanksgiving.“
418 Booker T. and the MGs, „Green Onions“
1962
Die Hausband von Stax hatte nie daran gedacht, eigene Hits zu schreiben, bis sie diesen brodelnden Jam ausheckte, der auf einer Orgelzeile basierte, die der 17-jährige Booker T. Jones geschrieben hatte, „um Ray Charles nachzuahmen“. Der Gitarrist Steve Cropper erinnert sich: „Ich sagte: ‚Scheiße, das ist das beste Instrumentalstück, das ich gehört habe, seit ich nicht weiß, wann. Was die Zwiebeln angeht, erklärte Cropper, dass „wir versucht haben, uns etwas auszudenken, das so funky wie möglich ist.“ Der ursprüngliche Titel war „Funky Onions“, aber, so Jones, „das klang wie ein Schimpfwort. Also haben wir es in ‚Green Onions‘ umgetauft.“
417 Mark Ronson feat. Bruno Mars, „Uptown Funk“
2015
Die luftigen Boogie-Vibes von „Uptown Funk“ sind nicht einfach entstanden. Ein Probedurchlauf in Mars‘ Studio in Los Angeles führte zu mehreren mühsamen Sitzungen, in denen er alles ausprobierte. Mars übernahm die Hookline „Don’t believe me, just watch“ von dem Hit „All Gold Everything“ des Rappers Trinidad James. Ronson huldigte Kool and the Gang, indem er einen Refrain mit Antibalas und den Dap-Kings verwendete; er fügte auch einen entscheidenden Gitarrenpart hinzu, während Produzent Jeff Bhasker Synthesizer beisteuerte. Nachdem der Song zu einem großen genreübergreifenden Hit wurde, zog sein wissendes Riff auf die Funkstile der achtziger Jahre auch mehrere Gerichtsverfahren nach sich – ein Beweis dafür, dass der Erfolg viele Väter hat.
416 Pearl Jam, „Alive“
1991
Dieser Song war die Geburtsstunde der Band – Gitarrist Stone Gossard schrieb die Musik, und der spätere Sänger Eddie Vedder nahm den Gesang auf, nachdem er ein Demo gehört hatte – und „Alive“ klingt immer noch wie Pearl Jam in seinen besten Zeiten. „Es geschah alles in sieben Tagen“, erinnert sich Gitarrist Mike McCready. „Es war sehr punkrockig. Eddie blieb im Proberaum und schrieb die ganze Nacht. Wenn wir auftauchten, gab es einen neuen Song.“ Gemeinsam schufen Gossard und McCready einen Mahlstrom, während Vedder sie mit einer stürmischen Stimme unterstützte, als er sich an die schwierigen Tage erinnerte, die er durchlebte, nachdem er die lange verborgene Identität seiner leiblichen Eltern erfahren hatte.
415 Depeche Mode, „Enjoy the Silence“
1990
Mit einem tiefen Gitarrenriff und einem Text, den Dave Gahan in seiner romantischsten Form vortrug, war „Enjoy the Silence“ der Top-10-Hit, der Depeche Mode zu amerikanischen Superstars machte, ihrem siebten Album Violator zu dreifachem Platinstatus verhalf und bei einem Auftritt in einem Laden in Kalifornien fast zu einem Aufstand führte. Ursprünglich „war es nur ein halber Song“, sagte Gahan. „Und Alan [Wilder] und Flood, der das Album produzierte, hatten die Idee, einen Beat dazu zu machen. Als Martin Gore die Gitarre hinzufügte, sagte Gahan, „das war’s“.
414 Wizkid feat. Tems, „Essence“
2021
Dieser große internationale Hit der nigerianischen Popstars Wizkid und Tems bietet die bestmögliche Vision unserer ewig schrumpfenden Welt: gleichzeitig lokal und global, intim und universell. Ihre Darbietungen sind unterschiedlich und doch nahtlos und verbinden sich zu einer Melange aus amerikanischem R&B der Neunziger, britischem Afroswing und perkussiven nigerianischen Afrobeats. „Essence“ erreichte 2021 die Spitze mehrerer US-Charts, nachdem es einen Justin Bieber-Remix erhielt, aber seine Reichweite war schon lange vorher weltweit. „Ich möchte, dass jeder [den Song] versteht“, sagte P2J, einer der Produzenten, „aber dennoch versteht, dass die Essenz der Musik aus Afrika stammt.“
413 Them, „Gloria“
1965
Als Van Morrison seinen ersten Hit, „Gloria“, mit der Garagenband Them aus Belfast schrieb, war er nur ein weiterer hungriger junger Rocker, aber seine kiesige Stimme klingt um Jahre älter als er war, und man kann bereits die Wurzeln des keltischen R&B-Mystizismus erkennen, den er in den kommenden Jahrzehnten verfolgen sollte. „Ich war einfach ich selbst, ein Straßenkind aus Belfast“, sagte Morrison. „Wahrscheinlich wie Tausende von Kindern aus Belfast, die in Bands spielten.“ Eine Gruppe aus Chicago namens Shadows of Knight hatte 1966 einen Hit mit einer vorsichtigeren Version; Morrison beschwerte sich später, dass „Gloria“ „sehr stark ausgenutzt wurde“.
412 Neneh Cherry, „Buffalo Stance“
1988
„Ich versuche immer, ein Element der Rohheit – was wahrscheinlich Sex ist – in meine Musik einzubringen“, sagte Neneh Cherry über ihren Solokracher „Buffalo Stance“. „Es ist das, was Ihnen ein Kribbeln im Bauch verursacht, das ist der Sex in meiner Stimme. Der Song ist ein mitreißender Dance-Track, in dem zum ersten Mal eine Britin rappt, die die meisten Amerikaner gehört haben. Inspiriert wurde der Song von dem Londoner Designer Ray Petri, der seine von Streetwear inspirierte Mode Buffalo nannte. „Für mich ist eine Buffalo-Haltung eine Einstellung, die man haben muss, um zurechtzukommen“, sagte sie der New York Times. „Es geht nicht um Mode, sondern ums Überleben.“
411 Wilco, „Heavy Metal Drummer“
2002
Jeff Tweedy hat die süßeste Melodie der Wilco-Karriere zu diesem offenherzigen Lied über den Frieden mit den Hair-Metal-Typen geschrieben, über die er sich in seiner Punkrock-Jugend lustig gemacht hat. Es ist das Herzstück von Wilcos künstlerischem Durchbruch Yankee Hotel Foxtrot: ein fetziger Schlagzeug-Groove, luftiges Strumming, zufällig akzentuierte elektronische Einsprengsel und Tweedy, der sich selbst eine Lektion darüber erteilt, dass man sich niemals der Ironie hingeben sollte. Wie er 2004 sagte: „Dieser Song ist eigentlich nur eine weitere Erinnerung daran, nicht zu urteilen und zu reduzieren.“
410 Allman Brothers Band, „Whipping Post“
1969
Die Studioversion (aufgenommen, als der Autor und Sänger Gregg Allman 21 Jahre alt war, und ein Jahr zuvor auf dem Cover eines Bügelbretts geschrieben, als es ihm einfiel) ist mit 5:17 vergleichsweise kurz auf dem Debüt der Allman Brothers von 1969. Das Stück, das um ein Bassriff von Berry Oakley herum aufgebaut ist und in einem ungewöhnlichen 11/4-Takt beginnt, wurde in seiner ausgedehnten 22:40-Live-Version auf dem 1971er Album At the Fillmore East, wo es das bluesige Feuer der Gitarristen Duane Allman und Dickey Betts und das jazzige Treiben der Rhythmusgruppe zur Schau stellte, zum Stoff für Jam-Band-Legenden.
409 Foo Fighters, „Everlong“
1997
Der Song „Everlong“ ist ein intimes Monument der alternativen Ära und hat sich zu einem quasi offiziellen Envoi der Popkultur entwickelt, egal ob er für die Hochzeit von Monica und Chandler in Friends für Streicher arrangiert wurde oder von den Foo Fighters in David Lettermans letzter Late Show gespielt wurde. Keine Überraschung: Dave Grohl wuchs in der Hardcore-Szene von Washington, D.C., auf und der Foos-Song war der seltene Neunziger-Hit, der den ursprünglichen D.C.-Emocore aus den Achtzigern übertraf. Grohl schrieb ihn nach seiner Trennung von Louise Post von Veruca Salt; auf Nachfrage bestätigte er nur, dass es „um ein Mädchen“ ging.
408 Cat Stevens/Yusuf, „Father and Son“
1970
Diese weise Ballade über die angespannte Generationskluft zwischen Familien hat ihren Ursprung in einem Musical, das Stevens über die Russische Revolution schrieb. Das Projekt wurde schließlich auf Eis gelegt, und „Father and Son“ wurde ein Hit von Tea for the Tillerman, einem der größten Alben des Singer-Songwriter-Booms der frühen siebziger Jahre. „Das ist das Schöne an der Gabe der Musik und was sie mit einem machen kann“, sagte Stevens, der später seinen Namen in Yusuf Islam änderte, dem Rolling Stone. „Sie ist wirklich ein fester Bestandteil im Leben so vieler Menschen geworden.“
407 Lynyrd Skynyrd, “Free Bird“
1973
Dieses definitive Southern-Rock-Gitarrenepos hatte eine bescheidene Geburt. Der verstorbene Skynyrd-Frontmann Ronnie Van Zant kritzelte den Text darüber, wie man die Liebe auf Tournee am Leben erhält, während Allen Collins an der Gitarre jammte – obwohl sich der Sänger anfangs darüber beschwerte, dass Collins zu viele Akkorde verwendete. „Aber nach ein paar Monaten“, so Gitarrist Gary Rossington, „saßen wir herum und er bat Allen, wieder diese Akkorde zu spielen. Nach etwa 20 Minuten fing Ronnie an, ‚If I leave here tomorrow‘ zu singen, und es passte wunderbar.“ Das neunminütige Stück wurde im Rockradio gespielt, eine Single erreichte die Top 20 der Popmusik und Skynyrd spielen es immer als Zugabe.
406 Run-DMC, „Sucker MC’s“
1984
Der Boom-Bap Big Bang des Rap: Auf dieser B-Seite ihrer ersten 12-Inch („It’s Like That“ war die A-Seite) reimten Run-DMC über ein starkes Break, das ihr Gitarrist Davy DMX aus einem Orange Krush-Song herausgeschnitten hatte und das Run zu der Zeile „Davy cut the record down to the bone“ inspirierte. „Sucker MC’s“ etablierte die Crew als die neuen Könige des Rap, machte Queens zum rauen Nachfolger der Geburtsstadt des Rap, der Bronx, und bewies, dass im Hip-Hop Melodie und andere Pop-Feinheiten völlig optional waren. „Wir dachten uns, dass wir sehr, sehr gute Rapper hatten“, sagte Co-Produzent Russell Simmons, „und wir wollten, dass die Leute zu schätzen wissen, was sie tun.
405 Selena, „Amor Prohibido“
1994
1994 hatte der mexikanisch-amerikanische Star Selena Quintanilla bewiesen, dass sie die Menge mit der Partylaune von „Baila Esta Cumbia“ begeistern und die Zuhörer mit der Zärtlichkeit von „Como la Flor“ ebenso leicht erdrücken konnte. Doch wie ihr Ehemann und Bandkollege Chris Pérez einmal bemerkte, bekam ihre Stimme einen ganz neuen Klang, als sie in „Amor Prohibido“, einem beschwingten Cumbia, den sie zusammen mit ihrem Bruder geschrieben hatte und der modernen Pop mit Tejano-Klängen mischte, über eine tiefe, verbotene Liebe sang. Selena sang nach dem Refrain aus dem Stegreif „Oh baby“ und machte damit ein Lied, das von ihren Großeltern und ihrer eigenen Beziehung zu Perez inspiriert war, noch persönlicher. Es wurde ihre erste Nummer Eins Solosingle.
404 Kiss, „Rock and Roll All Nite“
1975
Nachdem sich das 1974er Album Hotter Than Hell schlecht verkauft hatte, verlangte Casablanca Records-Chef Neil Bogart, dass Kiss einen größeren, hymnischeren Hit schreiben sollten. Gene Simmons und Paul Stanley verpflichteten sich, einen Song zu schreiben, den Stanley als „den Schlachtruf für alle unsere Fans“ bezeichnete. Das Ergebnis war der ultimative Kiss-Rocker, der seit 1976 jedes ihrer Konzerte beschließt. „Als ich ihn schrieb, ob naiv oder nicht, ging es wirklich ums Feiern“, sagte Stanley später. „Es ging nicht darum, high zu werden oder sich zu bekiffen oder so etwas.“
403 Rufus and Chaka Khan, „Ain’t Nobody“
1983
Als der Keyboarder David „Hawk“ Wolinski das Instrumentalstück „Ain’t Nobody“ seinem Freund Glenn Frey zeigte, dachte der Eagle sofort, dass es ein Nummer-Eins-Hit werden würde. Aber das Label von Rufus und Chaka Khan, Warner Bros., war nicht so begeistert von „Ain’t Nobody“, so Wolinski. „Ich sagte: ‚Wenn Sie den Song nicht veröffentlichen, werde ich ihn Quincy [Jones] für Michael [Jackson] geben und mich zurückziehen'“, erinnert er sich. Das Label lenkte ein und Freys Vorhersage erwies sich als zutreffend – „Ain’t Nobody“ mit seinen knorrigen Gitarren und dem glatten programmierten Groove wurde ein Nummer Eins R&B-Hit.
402 Eslabon Armado and Peso Pluma, „Ella Baila Sola“
2023
Der durchschlagende Erfolg von Música Mexicana war eine der größten globalen Musikgeschichten der frühen 1920er Jahre. Vielleicht hat kein Song die Kraft dieses Moments so gut eingefangen wie „Ella Baila Sola“, der herausragende Sierreño der Gruppe Eslabon Armado und des neu ernannten Stars Peso Pluma. Die ersten Schläge eines stacheligen Requinto machen den Weg frei für einen Ausbruch von tuckernden Charchetas und Posaunen, die dem Song einen reichen, runden Klang verleihen, der den Hörer sofort in seinen Bann zieht. Das, gepaart mit dem Kontrast zwischen Eslabons seidigen Versen und Plumas düsterem Raspeln, bedeutete sofortige Allgegenwärtigkeit.
401 Fleetwood Mac, „Go Your Own Way“
1977
„Go Your Own Way“ war der Sound einer Beziehung, die in Echtzeit zerbrach. Lindsey Buckingham, der den Song schrieb, während er sich von Stevie Nicks trennte, sagte, dass ihm der zornige Text „fast wie ein Strom des Bewusstseins“ kam, während Nicks zugab, dass er sie so sehr verärgerte, dass sie jedes Mal, wenn sie ihn auf der Bühne sang, „rübergehen und [Buckingham] töten wollte“. Für den Beat wollte Buckingham etwas ähnliches wie Charlie Watts bei „Street Fighting Man“ von den Rolling Stones, was Schlagzeuger Mick Fleetwood in das spannungsgeladene Trommelwirbelgeräusch des Songs interpretierte.
