Die 500 besten Songs aller Zeiten
Die 500 besten Songs aller Zeiten – die ultimative Liste von ROLLING STONE.
ANMERKUNG DER REDAKTION, April 2024: In den zweieinhalb Jahren, seit Rolling Stone im September 2021 die komplett überarbeitete Version unserer Liste der 500 größten Songs herausgebracht hat, haben Künstler wie Beyoncé, Lana Del Rey und Taylor Swift allesamt große Titel veröffentlicht. Also haben wir die Liste aktualisiert. Wir haben die Aktualisierung leicht gehalten; die Liste von 2021 umfasste viele Jahrzehnte populärer Musik und war das Ergebnis einer Abstimmung unter mehr als 300 Künstlern, Autoren, Produzenten und Branchenvertretern; diese Aktualisierung umfasst drei Jahre, von 2021 bis Anfang 2024.
Im Jahr 2004 veröffentlichte der Rolling Stone seine Liste der 500 größten Songs aller Zeiten. Es ist eine der meistgelesenen Geschichten in unserer Geschichte, die Hunderte von Millionen Mal auf dieser Website aufgerufen wurde. Aber seit 2004 hat sich viel verändert. Damals war der iPod noch relativ neu und Billie Eilish drei Jahre alt. Deshalb haben wir beschlossen, die Liste völlig neu zu gestalten. Um die neue Version der RS 500 zu erstellen, haben wir eine Umfrage unter mehr als 250 Künstlern, Musikern und Produzenten – von Angelique Kidjo bis Zedd, Sam Smith bis Megan Thee Stallion, M. Ward bis Bill Ward – sowie Persönlichkeiten aus der Musikindustrie und führenden Kritikern und Journalisten durchgeführt. Sie alle schickten eine Rangliste ihrer 50 besten Songs ein, und wir haben die Ergebnisse ausgewertet.
Fast 4.000 Songs haben ihre Stimme abgegeben. Während die 2004er Version der Liste von frühem Rock und Soul dominiert wurde, enthält die neue Ausgabe mehr Hip-Hop, modernen Country, Indie Rock, Latin Pop, Reggae und R&B. Mehr als die Hälfte der hier aufgeführten Songs waren auf der alten Liste nicht vertreten, darunter ein Drittel der Top 100. Das Ergebnis ist eine umfassendere, inklusivere Vision von Pop, Musik, die ihre Geschichte mit jedem Takt neu schreibt.
500 Harry Styles, „As It Was“
2022
Die Leadsingle aus Harry Styles‘ drittem Album hält die Balance zwischen seinem aufgewühlten inneren Monolog, in dem der formwandelnde Popstar auf den Details einer kriselnden Beziehung herumhackt, und zuckersüßen Synthesizern, die seine Qualen verdecken. Von der verspielten Eröffnung – Styles‘ Patentochter Ruby kichert „Geh schon, Harry, wir wollen dir gute Nacht sagen! – bis zur gesungenen Bridge, in der Styles‘ Gedanken mit „Highspeed-Internet“-Geschwindigkeit in seinem Kopf herumschwirren, zeichnet „As It Was“ ein ungewöhnlich lebendiges Bild. Auf den ersten Blick scheint alles in Ordnung zu sein, aber mit jedem weiteren Blick wird es beunruhigender („What kind of pills are you on?“).
499 Townes Van Zandt, „Pancho und Lefty“
1972
Das epische Lied über einen Banditen und seinen Freund, der ihn verrät, wurde dank des Duetts von Willie Nelson und Merle Haggard 1983 zu einem Country-Hit. Aber es ist die eigene verzweifelte Lesung des Songwriters auf dem Album The Late Great Townes Van Zandt von 1972, die das Schicksal der Hauptfiguren am besten zum Ausdruck bringt. Es beginnt mit einer der vielleicht anschaulichsten ersten Strophen des Country-Folk-Kanons: „Living on the road my friend/was gonna keep you free and clean/now you wear your skin like iron/your breath as hard as kerosene.“ „Es ist schwer, die Lorbeeren für den Text zu ernten“, sagte Van Zandt 1984, „denn er kam aus heiterem Himmel.“
498 Lizzo, „Truth Hurts“
2017
„Dieser Song ist mein Leben und seine Worte sind meine Wahrheit“, schrieb Lizzo damals. Sie musste der britischen Sängerin Mina Lioness, die die ikonische Zeile „I just took a DNA test, turns out I’m 100 percent that bitch“ (Ich habe gerade einen DNA-Test gemacht, und es hat sich herausgestellt, dass ich zu 100 Prozent diese Schlampe bin) getwittert hatte, die Ehre erweisen, den Song zu schreiben, aber die Kraft dieses stürmischen Trennungshits war ganz und gar Lizzo, mitreißend und liebenswert gefühlvoll. „Truth Hurts“ wurde ursprünglich 2017 veröffentlicht, aber der Song bekam zwei Jahre später einen großen Auftrieb, als Gina Rodriguez ihn in der Netflix-Show Someone Great sang und er zu Lizzos Signaturhit wurde.
497 Harry Nilsson, „Without You“
„Wir haben es gemacht, weil meine Karriere am Ende war und wir einen Hit haben wollten“, sagte Harry Nilsson einem Interviewer unverblümt, als er gefragt wurde, warum er Badfingers fast verzweifelte Ballade coverte: „Ich habe sie gehört und zweieinhalb Wochen lang jedes Beatles-Album durchsucht, um herauszufinden, welche ihrer Melodien es war.“ Der Produzent Richard Perry stimmte ihm zu und setzte die Streicher ein, um Nilssons verzweifelten Ausfallschritt in Szene zu setzen. Beide hatten Recht – der Song wurde zur Nummer Eins und erhielt eine Grammy-Nominierung für die Platte des Jahres.
496 Carly Simon, „You’re So Vain“
1972
Die heilige Mutter aller Diss-Tracks, „You’re So Vain“ enthält eines der dauerhaftesten musikalischen Rätsel aller Zeiten. Wer ist so eitel, dass er wahrscheinlich glaubt, der Song handele von ihm? Simon hat bereits verraten, dass der Schauspieler Warren Beatty die zweite Strophe des Songs inspiriert hat („Oh, you had me several years ago/When I was still naive“), aber es gibt viele Spekulationen über den anderen Mann (oder die anderen Männer), der/die hinter dem Zorn steht/stehen. Wie auch immer, der Song – mit der Orchestrierung des allgegenwärtigen Seventies-Arrangeurs Paul Buckmaster und dem Hintergrundgesang von Mick Jagger – ist pures Soft-Rock-Feuer.
495 Cyndi Lauper, „Time After Time“
1983
Cyndi Lauper war nervös wegen „Time After Time“ – der schmerzhaften Ballade, die sie zusammen mit dem Keyboarder Rob Hyman im Studio schrieb, um ihr erfolgreiches Solodebüt She’s So Unusual abzuschließen. „Ich habe sie gebeten, ‚Time After Time‘ nicht als erste Single zu veröffentlichen“, sagte Lauper. „Die Leute hätten mich nie akzeptiert. Wenn man erst eine Ballade und dann einen Rocker macht, funktioniert das nicht.“ Ihr Instinkt war richtig: Nach dem beschwingten „Girls Just Want to Have Fun“ wurde „Time“ ihre erste Nummer Eins.
494 The Pixies, „Where Is My Mind?“
1988
Kein Song verkörpert besser den ausgeflippten Pop-Instinkt, der die Pixies aus dem Meer der düsteren Bands der Reagan-Ära herausragen ließ, als „Where Is My Mind?“ Joey Santiagos Leadgitarre ist eingängiger als die meisten Top-40-Hooks, und als Fight Club diesen Song ein Jahrzehnt nach seiner Veröffentlichung zur Ikone machte, war er bereits Teil der DNA zahlloser Alternative-Radio-Hits in den Jahren dazwischen, von Nirvana bis Korn. Als ein Interviewer 1988 nach seiner einzigartigen Fähigkeit fragte, großartige Songs zu schreiben, war Black Francis‘ Antwort typisch kryptisch: „Es ist schön, Platz zu haben. Wie viel kann ein Gehirn verkraften?“
493 Kanye West, „Stronger“
2007
Zu den strafferen, weitreichenderen Songs auf seinem dritten Album Graduation sagte Kanye West: „Ich habe vieles von dem angewandt, was ich auf der Tournee [2006] mit U2 und den Rolling Stones über Songs gelernt habe, die Stadien rocken. Und sie haben funktioniert!“ Die Inspiration für sein bisher grandiosestes Statement fand West in Daft Punks „Harder, Better, Faster, Stronger“, das er gesampelt und umgestaltet hat. West ist ein großer Fan des französischen Duos: „Diese Jungs halten sich wirklich an die ganze Sache, ihr Gesicht nicht zu zeigen. Sie sind einfach unglaublich diszipliniert – das hat den Status eines Kampfsportlers.“
492 Miles Davis, „So What“
1959
Wahrscheinlich hat kein Song auf dieser Liste mehr Dinnerpartys untermalt als das warme, einladende erste Stück von Kind of Blue. Aber zu der Zeit war es eine verblüffende Abkehr von den Bebop-Akkordwechseln hin zu einem offeneren modalen Stil. Laut dem Pianisten Bill Evans arbeitete der Trompeter sein Material nur wenige Stunden vor den Aufnahmeterminen aus, aber die All-Star-Band hier klingt, als hätte sie schon seit Jahren mit „So What“ gelebt: Die Saxophonisten John Coltrane und Cannonball Adderley liefern Soli ab, die inzwischen so ikonisch sind wie alle anderen in der Jazzgeschichte, und die Rhythmusgruppe mit Evans, dem Bassisten Paul Chambers und dem Schlagzeuger Jimmy Cobb swingt, als würde sie auf der Luft tanzen.
491 Bad Bunny, „Titi Me Pregunto“
491
„Tití Me Preguntó“ ist ein Schaufenster für die ungezügelte Kreativität und das exzentrische Pop-Genie des puertoricanischen Superstars Bad Bunny. Er mischt hektische Dembow-Beats, ein stilvolles Sample des Bachata-Meisters Anthony Santos und eine Coda mit einer Prise lateinamerikanischer Psychedelik mit dem globalen Mainstream. Er tut dies alles mit Elan und einem gesunden Sinn für Humor. Ausgehend vom Archetyp der besorgten lateinamerikanischen Tante, die sich nach den potenziellen Freundinnen ihres Neffen erkundigt, beginnt er eine urkomische Tirade anzüglicher Wortspiele zu einer ausgelassenen Partystimmung, die sich – in typischer Bad Bunny-Manier – unerwartet in eine launische Selbstreflexion verwandelt.
490 Lil Nas X, „Old Town Road“
2019
Montero Hill war ein Studienabbrecher aus Atlanta, der auf der Couch seiner Schwester schlief und den Einstieg in die Musik suchte, als er auf einen Track eines 19-jährigen Niederländers namens YoungKio stieß, der ihm gefiel und auf einem Banjo-Sample aus einem Nine Inch Nails-Song basierte. „Ich stellte mir einen einsamen Cowboy vor, der ausreißt“, sagte er dem Rolling Stone. Innerhalb eines Jahres war „Old Town Road“ der am längsten laufende Nummer-Eins-Song aller Zeiten und schien Äonen amerikanischer kulturübergreifender Liebe und Diebstahl in nur einer Minute und 53 Sekunden zusammenzufassen.
489 The Breeders, „Cannonball“
1993
Als Kim Deal per Fax mitgeteilt wurde, dass ihre Dienste bei den Pixies nicht mehr benötigt werden, rief sie ihre Zwillingsschwester Kelley an, um ihre neue Gitarristin zu werden (ganz abgesehen davon, dass sie keine Ahnung vom Gitarrenspiel hatte) und hatte den letzten Lacher auf ihrer Seite, als dieses absurde Juwel 1993 zu einem MTV-Phänomen wurde. „Als die Leute sagten, die Breeders seien eine einmalige Sache“, sagte Kelley dem Rolling Stone, „sagte ich: ‚Nein, eigentlich sind die Pixies ein Nebenprojekt.'“ Etwas mehr als ein Jahr später legten die Breeders selbst eine längere Pause ein, aber der mühelos spaßige Trampolinschwung von „Cannonball“ ist für alle Zeiten ein Erlebnis.
488 The Weeknd, „House of Balloons“
2011
Der Singer-Songwriter Abel Tesfaye aus Toronto war weit davon entfernt, ein internationaler Superstar zu sein. Als er das erste Weeknd-Album veröffentlichte, verschickte er nicht einmal Fotos und gab keine Interviews. „Die ganze Sache mit dem ‚rätselhaften Künstler‘ habe ich einfach so hingenommen“, sagte er. „Niemand konnte Bilder von mir finden. Es erinnerte mich an einen Schurken.“ Aber der Titelsong von House of Balloons stellte dennoch die Weichen für seine Karriere, sowohl thematisch – Drogen und Sex treffen auf Depression – als auch musikalisch, denn das Sample von Siouxsie and the Banshees‘ „Happy House“ kündigte eine neue Richtung für R&B an.
487 Solange, „Cranes in the Sky“
2016
In einem Interview mit ihrer Schwester Beyoncé beschrieb die R&B-Innovatorin Solange Knowles, wie dieser Song zum Teil durch die übereifrige Immobilienentwicklung inspiriert wurde, die sie in der Umgebung von Miami beobachtet hatte: „Diese Idee des Aufbaus, des Aufbaus, des Aufbaus, die zu dieser Zeit in unserem Land vor sich ging, all diese exzessiven Bauten, ohne sich wirklich mit dem zu befassen, was vor uns lag.“ Sie wendete die Metapher nach innen, um ihre eigenen Gefühle in Bezug auf Veränderungen, Selbstzweifel und Bestrebungen zu untersuchen, und beendete den Song Jahre nachdem er ursprünglich mit dem Produzenten Raphael Saadiq konzipiert wurde, um einen üppigen Moment der Neo-Soul-Introspektion zu schaffen.
486 Lil Wayne, „A Milli“
2009
Der Produzent Bangladesh hat die ersten Akkorde von Gladys Knight and the Pips‘ „Don’t Burn Down the Bridge“ geloopt und dann zu einer bohrerartigen Salve von Trap-Drums übergeleitet. Er gab den Beat an seine Freundin Shanell weiter – eine ehemalige R&B-Sängerin von Waynes Young Money Entertainment – um ihn weiterzugeben. Wayne hatte ursprünglich große Pläne für „A Milli“: Er wollte das Instrumental für Sketche für Rapper wie Tyga, Hurricane Chris, Corey Gunz und Lil Mama verwenden. Am Ende ist „A Milli“ jedoch nur ein Solo von Weezy, der in der Kabine einen Blackout hat und alle, die ihn hören, in Erstaunen versetzt.
485 Azealia Banks, „212“
2011
2011 war Azealia Banks eine jugendliche Rapperin und Sängerin, deren offensichtliches Talent ihr einen Entwicklungsvertrag mit XL Recordings einbrachte, aber sonst wenig. „Sie hatte an einer Sammlung von Tracks gearbeitet und es gab einen, der nach holländischem House klang und absolut verrückt war“, erinnert sich Produzent Jacques Greene. Zu den nervösen Beats von „Float My Boat“ des belgischen House-Duos Lazy Jay freestylte Banks heftig über ihre Heimatstadt New York und, äh, Cunnilingus. 212″ wurde 2011 zunächst als viraler Track veröffentlicht und war ein Hip-House-Knaller, der Banks einen Vertrag mit Interscope einbrachte und zeigte, dass diese hemmungslose Provokateurin sich nicht einschränken ließ.
484 Weezer, „Buddy Holly“
1994
Noch nie war Geek so schick wie in Weezers Durchbruchssingle „Buddy Holly“ von 1994. Die poppige Ode an die Nerd-Romantik, die für die Freundin von Frontmann Rivers Cuomo geschrieben wurde, wäre beinahe nicht auf dem selbstbetitelten Debütalbum der Band erschienen, das auch als Blue Album bekannt ist, weil Cuomo und sein heutiges Ex-Mitglied Matt Sharp zurückhaltend waren. „Wir hatten das Gefühl, dass es als Scherzlied aufgefasst werden könnte und dass die Leute das Album nicht ernst nehmen würden“, sagte Sharp dem Rolling Stone. Nachdem Produzent Ric Ocasek die Empfangsdame im Aufnahmestudio den Song summen hörte, bestand er darauf, dass sie ihn aufnehmen.
483 The Four Tops, „I Can’t Help Myself (Sugar Pie, Honey Bunch)“
1965
Eine der mitreißendsten Hymnen von Motown, „I Can’t Help Myself“, wurde vom Großvater des Songschreibers Lamont Dozier inspiriert, der die Frauen, die seine Friseurin zurechtmachte, „Sugar Pie“ und „Honey Bunch“ nannte. Während der Aufnahmen, erinnert sich der Tontechniker Harold Taylor, „klopften die Leute an die Tür des Studios, so begeistert waren sie von dem, was sie hörten.“ Trotzdem fragte Levi Stubbs Brian Holland, ob er noch einen weiteren Take machen könne. Holland versprach ihm, dass sie es bald tun würden – und Stubbs‘ erster Versuch wurde ein Nummer-eins-Hit.
482 Lady Gaga, „Bad Romance“
2009
Kurz nachdem sich Gaga als Star etabliert hatte, katapultierte sie sich mit dieser Produktion von Nadir „RedOne“ Khayat auf eine neue Ebene der Verrücktheit, die sich aus der elektronischen Musik speiste, mit der Gaga auf ihrer Europatournee überschwemmt worden war. „Ich will die tiefsten, dunkelsten, kränksten Teile von dir, die du dich nicht traust, mit jemandem zu teilen, weil ich dich so sehr liebe“, so fasste sie die Idee hinter dem Song zusammen. Passenderweise stellte sie den zukünftigen Hit bei der Show von Alexander McQueen auf der Pariser Modewoche vor.
481 Robert Johnson, „Cross Road Blues“
1937
Der Ur-Terror in der Stimme des Mississippi-Bluesers und sein geheimnisvolles Slide-Gitarrenspiel haben die britische Rockergeneration der sechziger Jahre in ihren Bann gezogen: „Ich konnte die Musik nur in sehr kleinen Portionen genießen, weil sie so intensiv war“, sagte Eric Clapton. Aufgenommen während einer Session in einem Hotelzimmer in San Antonio im Jahr 1936, zwei Jahre bevor Johnson im Alter von 27 Jahren ermordet wurde, ist „Cross Road Blues“ ein mythenbildendes Statement der spirituellen Verzweiflung und des versengten Verrats – auch wenn die Legende, wonach Johnson seine Seele im Austausch für seine monströsen Gitarrenkünste an den Teufel verkauft hat, soweit wir wissen, apokryph ist.
480 Biz Markie, „Just A Friend“
1989
Niemand übertrifft Biz (1964-2021), einen unglaublich gutmütigen DJ, Rapper, Produzenten, menschlichen Beatboxer und Hip-Hop-Persönlichkeit, der mit dieser Ode an die Freundschaftszone aus seinem zweiten Album den Durchbruch schaffte. Der Song „Just a Friend“ basiert auf einem fetten Beat, einem klimpernden Klavier und seinem charmanten, schrägen Gesang. In „Just a Friend“ interpoliert Biz den Song „(You) Got What I Need“ von Freddie Scott aus dem Jahr 1968 und trällert von einer Liebe, die nie zustande kommen wird. Der Song basiert auf dem wahren Leben. Im Jahr 2000 erzählte er dem Rolling Stone: „Ich sprach mit diesem Mädchen aus L.A. und jedes Mal, wenn ich sie anrief, war dieser Kerl bei ihr zu Hause und sie sagte: ‚Oh, er ist nur ein Freund.‘ Ich habe das gehasst.“
479 Santana, „Oye Como Va“
1970
Carlos Santana wuchs in San Francisco auf und wurde von der psychedelischen Explosion der Stadt geprägt. „Man kann kein LSD nehmen und seine Stimme nicht finden“, behauptete er einmal, „denn man kann sich nirgendwo verstecken.“ Und obwohl seine frühen Helden Blueser waren, hat er mit dieser grundlegenden Latin-Rock-Bearbeitung einer Salsa-Nummer des kubanischen Perkussionisten Tito Puente aus dem Jahr 1962 Geschichte geschrieben. Santana behielt den Cha-Cha-Puls des Originals bei, ersetzte aber die Bläser durch Greg Rolies Orgel und Carlos‘ lysergische Gitarrenfackeln. Puente sagte Jahre später: „Er hat unsere Musik, den Latin Rock, in der ganzen Welt bekannt gemacht, Mann.“
478 Juvenile feat. Lil Wayne and Mannie Fresh, „Back That Azz Up“
1998
In den späten Neunzigern trugen die diamantscharfen Produktionen von Mannie Fresh für Cash Money Records dazu bei, New Orleans in den Mittelpunkt der Hip-Hop-Landkarte zu rücken. Der Titel dieses Hits erinnerte so sehr an die Single „Back That Thang Up“ des lokalen Künstlers DJ Jubilee, dass Jubilee (erfolglos) wegen Urheberrechtsverletzung klagte, und der Beat ritt auf dem „Triggerman“-Rhythmus, der für den New Orleans Bounce grundlegend ist. Juvenile gab seine besten Bounce-Reime zum Besten und Lil Wayne legte mit einer „Drop it like it’s hot“-Hook los. Mannie sagte dazu: „[Er] hat sofort gesagt: ‚Scheiße, da will ich mitmachen.'“
477 The Go-Gos, „Our Lips Are Sealed“
1981
Der strahlende erste Hit der Go-Go’s wurde laut der Autorin Jane Wiedlin von „den Buzzcocks und dem Mädchengruppenkram der sechziger Jahre“ beeinflusst. Er wurde auch durch eine heimliche Beziehung mit Terry Hall von der britischen Ska-Gruppe The Specials inspiriert, der als Co-Autor genannt wurde, weil Wiedlin den Text auf Gedichten basierte, die er ihr in einem Brief geschrieben hatte. „Es war ziemlich persönlich“, erinnerte sich Wiedlin. „Ich meine, er hatte damals eine Verlobte – heutzutage würde ich das nicht mal mehr mit einer 10-Fuß-Stange anfassen, aber ich war 19 und ich sagte ‚fiancee shmiancee‘.“
476 Kris Kristofferson, „Sunday Mornin’ Comin’ Down“
1970
Die Verzweiflung des Geistes in Kris Kristoffersons „Sunday Mornin‘ Comin‘ Down“ ist so schwer, so offensichtlich, dass es fast schwer ist, es anzuhören. Aber genau diese Verzweiflung ist es, die Johnny Cash 1970 dazu brachte, es in seiner TV-Varietéshow zu singen. Kristofferson hat noch im selben Jahr seine eigene beeindruckende Studio-Version für sein Debütalbum Kristofferson aufgenommen. Die meisten Hörer entscheiden sich für Cashs Interpretation, die etwas schlurfiger und zugänglicher ist. Aber hören Sie sich die beiden Versionen nacheinander an, wenn Sie können, und staunen Sie, wie Kristoffersons Text über Verkatertheit, Einsamkeit und Verzweiflung Ihre Seele erschüttert.
475 Janet Jackson, „Rhythm Nation“
1989
Jacksons sozialer Nummer-zwei-Hit entstand erst spät während der Aufnahmen zu ihrer Blockbuster-LP Rhythm Nation 1814. Co-Produzent Jimmy Jam erinnert sich, dass er im Studio war und „zwischen MTV und CNN hin und her schaltete. Auf der einen Seite sahen wir Musikvideos, auf der anderen Seite sahen wir Gräueltaten. Irgendwie verschmolzen sie alle miteinander. Die Idee für ‚Rhythm Nation‘ war, dass man tanzen kann, aber wir können auch etwas Intelligenteres machen.“ Als Jam in einem Restaurant den Song „Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)“ von Sly and the Family Stone hörte, raste er ins Studio, um ihn einzuspielen.
474 Curtis Mayfield, „Move On Up“
1970
Mayfields unwiderstehliches „Move On Up“ war politisch ermächtigend, moralisch anspruchsvoll und mühelos treibend, angetrieben von swingenden Bläsern und spritzigen Congas – die neunminütige LP-Version mit ihrem kraftvollen Drum-Break legte den Grundstein für Disco und Hip-Hop gleichermaßen. Mayfields Botschaft war ebenso unerschütterlich: dass Stolz und Würde das A und O für den Aufstieg des schwarzen Amerikas sind. „Ich versuche nicht, etwas zu sagen, damit Sie denken: ‚Nun, das ist der Weg, das ist der einzige Weg'“, sagte Mayfield. „Ich versuche, das ganze Thema abzudecken.“
473 Tammy Wynette, „Stand by Your Man“
1968
Dieses Bekenntnis zur ehelichen Treue, der erste Song, den Wynette mitgeschrieben hat, war von Anfang an ein kultureller Blitzableiter. Feministinnen stießen sich in den siebziger Jahren an dem Versprechen bedingungsloser Treue, und Hillary Clinton definierte sich selbst als moderne Frau, indem sie das Lied während Bill Clintons erster Präsidentschaftskandidatur zerknallte. Aber die Aufnahme selbst setzt sich über ideologische Einwände hinweg, denn das Hängenbleiben in Wynettes Stimme in den Strophen weicht einer stimmlichen Anschwellung, die sich mit dem epischen Schwung der Produktion von Billy Sherrill verbindet.
472 Peter Gabriel, „Solsbury Hill“
1977
Kurz nachdem Gabriel 1975 bei Genesis ausgestiegen war, kletterte er auf den Gipfel des Little Solsbury Hill in Somerset, England, um über seine lebensverändernde Entscheidung nachzudenken. Dies inspirierte ihn zu seinem ersten Solosong, in dem er seinen Fans erklärte, warum er das Bedürfnis verspürte, sich selbständig zu machen. Auch musikalisch war der Song ein Novum, eine pastorale Melodie mit einer 12-saitigen Akustikgitarre als Leadgitarre, die sich deutlich vom Prog-Rock von Genesis unterscheidet. Der Song ist seitdem in Filmen und Filmtrailern allgegenwärtig. „Vielleicht habe ich mich zu sehr gehen lassen“, gab er 2011 gegenüber Rolling Stone zu.
471 The Animals, „The House of the Rising Sun“
1964
„Wir waren auf der Suche nach einem Song, der die Aufmerksamkeit der Leute erregt“, sagte Animals-Sänger Eric Burdon. Sie fanden es mit der alten amerikanischen Folk-Ballade „The House of the Rising Sun“. 1962 hatte Bob Dylan diese düstere Geschichte über ein Südstaatenmädchen gesungen, das in einem Bordell in New Orleans gefangen ist. Die Animals aus der englischen Kohlestadt Newcastle änderten das Geschlecht im Text, und der Keyboarder Alan Price schuf das neue Arrangement (und erntete dafür die Anerkennung als Komponist). Price fügte auch ein Orgelsolo hinzu, das von Jimmy Smiths Hit „Walk on the Wild Side“ inspiriert war.
470 Gladys Knight and the Pips, „Midnight Train to Georgia“
1973
Der Songschreiber Jim Weatherly komponierte diesen Song ursprünglich als „Midnight Plane to Houston“, änderte ihn dann aber für Cissy Houston (Whitneys Mutter) in etwas „mehr R&B … um ihn ins schwarze Radio zu bringen.“ Weatherly hatte bereits „Neither One of Us“ geschrieben, den Nummer-zwei-Hit von Knight and the Pips, und als sie „Midnight Train“ hörten, setzten sie sich damit an die Spitze. „Ich habe mir nie wirklich vorgestellt, R&B-Songs zu schreiben“, gab Weatherly zu. „Ich dachte wirklich, ich würde Country-Songs schreiben.“ Die 1970er Jahre waren das erste Jahrzehnt nach dem Ersten Weltkrieg, in dem mehr Afroamerikaner in den Süden zogen als ihn verließen.
469 Dixie Chicks, „Goodbye Earl“
2000
Dieser fröhliche Song über die Vergiftung eines misshandelnden Ehemanns, eine Mörderballade mit einer modernen, feministischen Wendung, löste unterschiedliche Reaktionen aus. Einige Sender verbannten es, weil sie offenbar befürchteten, dass es zu einer Flut von Morden an Ehemännern führen würde; andere gaben die Nummer einer Hotline für häusliche Gewalt bekannt. Als die Vertreter der Plattenfirma sich das Album Fly der Chicks anhörten, waren sie jedoch mehr mit einem anderen Song beschäftigt: „Sin Wagon“, mit seinem Verweis auf „Matratzentanz“. „Das können Sie nicht sagen“, erinnert sich Natalie Maines an die Nachricht, die ihr Manager den Verantwortlichen übermittelte, „aber sie lieben den Song über vorsätzlichen Mord ersten Grades.“
468 Mazzy Star, „Fade Into You“
1993
Sängerin Hope Sandoval und Gitarrist Dave Roback, die treibenden Kräfte hinter Mazzy Star, waren in den 1980er Jahren in der neo-psychedelischen Paisley Underground-Szene in Los Angeles aktiv. Nachdem Sandoval die Sängerin Kendra Smith in der Band Opal ersetzt hatte, gründeten David Roback und Sandoval die Band unter dem Namen Mazzy Star neu. Ihr zweites Album brachte diesen abgehobenen Hit hervor, vielleicht das ultimative Statement des Dream Pop für verschwommene Sehnsüchte. „Wir kümmern uns nicht so sehr um die Außenwelt“, sagte Roback. „[Jeder Song] ist seine eigene Welt für sich.“
467 Nirvana, „Come As You Are“
1991
„Es geht einfach um die Menschen und darum, wie sie sich verhalten sollen“, sagte Kurt Cobain. „Die Zeilen in dem Lied sind wirklich widersprüchlich. Sie sind eine Art Widerlegung der anderen. Der Song wird von einem einfachen Riff angetrieben, das Butch Vig mit einem geflanschten, subaquatischen Gitarreneffekt veredelt hat. Cobain hat es offenbar von einem Song der britischen Art-Metal-Band Killing Joke aus dem Jahr 1984 übernommen, der Dave Grohl 12 Jahre später als Schlagzeuger auf deren Album von 2003 diente. Nach Cobains Selbstmord wurde der eindringlichste Text jedoch zu „And I swear that I don’t have a gun“.
466 Luther Vandross, „Never Too Much“
1981
Das Solodebüt des größten männlichen R&B-Balladensängers der achtziger Jahre wurde zum Teil mit dem Geld finanziert, das er als Sänger von Jingles für KFC und 7UP verdient hatte. Vandross war von Roberta Flack, für die er im Hintergrund gesungen hatte, dazu gedrängt worden, sein eigenes Ding zu machen. Sagte Vandross: „Sie sagte: ‚Luther, du sitzt zu bequem auf dem Hocker und singst „ooh and aaah“.‘ Roberta war im Alleingang dafür verantwortlich, dass ich meine eigene Karriere gestartet habe.“ Den Anstoß dazu gab ihr das Demo von „Never Too Much“ – eines der beschwingtesten Liebeslieder der achtziger Jahre, mit Vandross‘ hohen Noten so zart wie Seifenblasen.
465 Daft Punk feat. Pharrell Williams, „Get Lucky“
2013
Als Pharrell Williams sich freiwillig meldete, um auf dem vierten Album von Daft Punk mitzuwirken, erzählte er ihnen, dass er musikalisch an die Chic-Legende Nile Rodgers dachte. Zufällig konnten die französischen Dance-Produzenten ihm einen Track vorspielen, den sie mit Rodgers selbst aufgenommen hatten. Das Ergebnis war „Get Lucky“, das als Leadsingle aus dem Disco-Album Random Access Memories wie Phönix aus der Asche aufstieg und zu dem Song wurde, der ihr Jahr prägte. „Ich glaube, die Roboter haben die Nase vorn“, sagte Williams dem Rolling Stone. „Daft Punk sind definitiv führend.“
464 Joni Mitchell, „Help Me“
1974
Mitchells 1974er Album Court and Spark, ihr meistverkauftes Album überhaupt, war auch dasjenige, über das sie bis heute die meiste musikalische Kontrolle hatte. „Ich habe alles auf Court and Spark in die richtigen Bahnen gelenkt – auch wenn ich es nicht gespielt habe, habe ich es gesungen, und dann haben sie es von dort aus gespielt, und es war so ziemlich wie geschrieben“, sagte sie. (Ihr nächstes Album, The Hissing of Summer Lawns, war lockerer und mehr auf Jazz ausgerichtet.) „Help Me“, das mit der Jazzgruppe Tom Scott’s L.A. Express aufgenommen wurde, enthält eine von Mitchells schwülsten Stimmen und broschierten Arrangements und inspirierte Prince 13 Jahre später zu einer lyrischen Hommage an das Lied in seiner „Ballad of Dorothy Parker“.
463 John Lee Hooker, „Boom Boom“
1962
Hooker, dessen raffinierter Blues-Boogie zu einer der Wurzeln des frühen Rock ’n‘ Roll wurde, sagte, dass dieses schwungvolle, schwadronierende Stück Urgewitter von seiner Unfähigkeit inspiriert wurde, pünktlich zu einem regulären Auftritt zu kommen. „Es gab eine junge Dame namens Luilla“, sagte Hooker. „Sie war Barkeeperin [in der Apex Bar in Detroit]. Ich kam immer zu spät, und jedes Mal, wenn ich reinkam, zeigte sie auf mich und sagte: ‚Boom Boom, du bist schon wieder zu spät.‘ Eines Abends sagte sie: ‚Bumm-Bumm, ich werde dich abschießen.‘ Sie gab mir einen Song, aber sie kannte ihn nicht.“ Keith Richards sagte über Hooker: „Selbst Muddy Waters war neben ihm anspruchsvoll.“ Das war ein Kompliment.
462 Van Morrison, „Into the Mystic“
1970
Köstlich arrangiert und mitreißend gesungen, ist dies vielleicht der endgültige Morrison-Song – eine Beschwörung der „alten Zeiten“, die sich wie das Flüstern eines Liebhabers anfühlt. Der Höhepunkt des 1970er Klassikers Moondance, „Into the Mystic“, profitierte von einer neuen, organischeren Art der Aufnahme für ihn: „Es war eher so, als würde ich mit einer richtigen Band arbeiten und nicht mit einem Haufen Session-Typen“, sagte Morrison. Was die Texte angeht, gibt er zu: „Bei so vielen meiner Songs aus den Siebzigern habe ich keine Ahnung, wovon sie handeln. Meistens habe ich einfach nur eine Stimmung aufgenommen.“
461 Roy Orbison, „Crying“
1962
Orbison sagte, er habe diese üppige, verträumte Ballade nach einer Begegnung mit einer alten Flamme geschrieben: „Ob ich nun körperlich weinte oder nur innerlich weinte, ist das Gleiche.“ Seine fast opernhafte Darbietung gipfelte in einem hohen, klagenden Ton, den Orbison bis zu seinem Tod im Jahr 1988 nicht mehr zu treffen vermochte. „Er klang, als würde er von einem olympischen Berggipfel singen und er meinte es ernst“, schrieb Bob Dylan in Chronicles. „Er sang jetzt seine Kompositionen in drei oder vier Oktaven, so dass man mit dem Auto über eine Klippe fahren wollte. Er sang wie ein Berufsverbrecher.“
460 Steel Pulse, „Ku Klux Klan“
1978
Die erste große britische Reggae-Band – und einige der besten Songschreiber des Stils – debütierte bei Island Records mit diesem aufrührerischen Blick auf die steigende Flut rassistischer Gewalt im Großbritannien der späten siebziger Jahre: „The Ku Klux Klan/Here to stamp out Black man.“ Sie unterstrichen den Text, indem sie den Song tatsächlich live aufführten – einschließlich eines denkwürdigen BBC-Auftritts – und dabei weiße Klan-Kopfbedeckungen trugen. „Die Kapuzen schienen damals extrem zu sein, aber das sind wir in gewisser Weise auch“, sagte Sänger Michael Riley. „Als wir sie trugen, fingen die Leute an, sich zu fragen, worum es in dem Song ging, anstatt einfach nur dazu zu tanzen.“
459 Sade, „No Ordinary Love“
1992
Helen Adus kleine, aber sehr lebendige Bandbreite war von Anfang an ihre Geheimwaffe. „Ich beschloss, dass ich, wenn ich singen würde, so singen würde, wie ich spreche, denn es ist wichtig, man selbst zu sein“, sagte sie. Ihre Stimme bricht, bevor sie den ersten Refrain dieses Hits von 1992 erreicht, und unterstreicht damit das romantische Drama des Textes. Noch besser ist es, wenn Stuart Matthewmans Gitarre mitspielt. Mitten in diesem ansonsten sanften Groove spielt er einen sehr stimmungsvollen und leisen, lauten Teil ein, der dem Ganzen eine willkommene Note verleiht. Sade – das ist nicht nur der Name der Sängerin, das ist auch eine Band.
458 Beck, „Loser“
1993
1992 schlug sich der 22-jährige Beck Hansen als Angestellter in einer Videothek durch, während er in Cafés in L.A. bizarre Folksongs vortrug. Nachdem Freunde angeboten hatten, einige Songs aufzunehmen, nahm Beck „Loser“ in der Küche seines Produzenten auf. Es wurde das Herzstück des Albums Mellow Gold. Zunächst hielten die Leute „Loser“ für einen reinen Scherzartikel-Hit, aber Beck wusste es besser. „Man müsste schon ein totaler Idiot sein, um zu sagen: ‚Ich bin der Typ der Slacker-Generation. Das ist meine Generation…. wir werden verdammt noch mal nicht auftauchen‘,“ sagte er. „Man würde mich sofort aus dem Raum lachen.“
457 Bon Jovi, „Livin’ on a Prayer"
1986
Wie sein Vorbild Bruce Springsteen aus New Jersey konzentriert sich Bon Jovi auf Helden und Heldinnen der Arbeiterklasse. „Livin‘ on a Prayer“, das er zusammen mit dem Gitarristen Richie Sambora geschrieben hat, pumpt die alltäglichen Kämpfe von Tommy und Gina mit Grandezza auf – Gitarren-Pick-Slides, dramatische Pausen, der unvermeidliche Tonartwechsel – und hat auch heute noch seine Wirkung. „Es ist großartig, dass wir vor so langer Zeit Songs geschrieben haben, mit denen die Leute immer noch etwas anfangen können“, sagte Bon Jovi 2005. „Wenn ich ‚Livin‘ on a Prayer‘ höre, denke ich mir: ‚Das haben wir geschrieben. Dieser Song hat sich wirklich durchgesetzt. Ich denke, das funktioniert.'“
456 Lana Del Rey, „A&W“
2023
„A&W“ ist das Maximum von Lana Del Rey: ein mitreißendes, siebenminütiges Epos, das den sonnenverbrannten Folk-Rock aus Kalifornien, den sie auf den letzten Alben perfektioniert hat, mit den Hip-Hop-inspirierten Pop-Produktionen ihrer frühen Diskografie verbindet. Diese musikalische Bandbreite ist gepaart mit einer nicht weniger ehrgeizigen Geschichte – verletzlich und reißerisch, nostalgisch und hoffnungslos, witzig und absolut düster. Und die Schleife, die das Ganze zusammenhält? Der Name einer klassischen Root-Bier-Marke, „A&W“, der als Abkürzung für „American Whore“ verwendet wird, denn niemand beugt die amerikanische Ikonographie so sehr nach ihrem Willen wie Lana Del Rey.
455 Jefferson Airplane, „White Rabbit“
1967
Der Song, der den Acid Rock nach Mittelamerika brachte, war ein berauschender Rock-Bolero, den die Sängerin Slick schrieb, nachdem sie angeblich LSD genommen und Miles Davis‘ Sketches of Spain gehört hatte. Sie nahm ihn zunächst mit ihrer früheren Band Great Society auf, bevor sie ihn mit The Airplane neu auflegte. „Unsere Eltern haben uns Geschichten wie Peter Pan, Alice im Wunderland und Der Zauberer von Oz vorgelesen“, sagte Slick. „Sie alle haben einen Ort, an dem Kinder Drogen bekommen und in der Lage sind zu fliegen oder eine Smaragdstadt zu sehen oder außergewöhnliche Tiere und Menschen zu erleben…. Und unsere Eltern sagen plötzlich: ‚Warum nehmt ihr Drogen?‘ Na, hallo!“
454 Sister Nancy, „Bam Bam“
1982
Nancy (alias Ophlin Russell) war der DJ (Mikrofon-Controller) für Kingstons Stereophonic-Soundsystem, als sie in den späten Siebzigern den Reggae-Produzenten Winston Riley traf. „Ich bewunderte wirklich, wie ernst er das Aufnehmen nahm“, sagte Nancy. „Man konnte nicht in sein Studio gehen und irgendeinen Blödsinn machen.“ Ihr Höhepunkt, „Bam Bam“, ist eine der großen frühen Dancehall-Hymnen, dröhnend, aber hell, hart, aber verspielt – und wurde von Lauryn Hill bis hin zu Kanye West ausgiebig gesampelt.
453 Missy Elliot, „The Rain (Supa Dupa Fly)“
1997
Als Produzenten hatten Elliott und Timbaland bereits vor Missys erster Single ihren rhythmischen Einfluss auf Hip-Hop und R&B geltend gemacht. Und einige hochkarätige Features hatten sogar Elliotts wippenden, flotten Rap-Stil beim Publikum bekannt gemacht. Dennoch konnte niemand „The Rain“ mit dem geisterhaften Sample von Ann Peebles‘ „I Can’t Stand the Rain“, dem denkwürdigen Beenie Man-Fehlzitat („Who got the keys to the jeep?“) und dem zuckenden, aber geschmeidigen Beat vorhersehen. Es machte Elliott zum Star und sie und Tim zu den besten Produzenten.
452 Toto, „Africa“
1982
„Es ist schon komisch“, sagte Toto-Schlagzeuger Jeff Porcaro 1985. „Wir dachten, ‚Africa‘ sei kühn, und es lief auch ziemlich gut, aber textlich machte es überhaupt keinen Sinn.“ Das macht nichts – das sofort beruhigende Synthesizer-Riff, gespielt auf einem Yamaha GS-1 „mit diesen Kalimba- und Marimba-Klängen“, wie Porcaro es beschrieb, macht den größten Teil des Songs aus, zusammen mit dem mitreißenden Refrain. Der Song war ein Nummer-eins-Hit und ist bis heute ein Meilenstein des Yacht-Rocks. 2019 wurde er durch Weezers liebevolles Cover wieder allgegenwärtig – ein Gefallen, für den sich Toto mit einem Cover von Weezers „Hash Pipe“ revanchierte.
451 Migos feat. Lil Uzi Vert, „Bad and Boujee“
Wenn Handys den Klingelton-Rap hervorgebracht haben, dann haben uns die sozialen Medien den Meme-Rap beschert. Das Opus „Bad and Boujee“ des Trios Migos aus Atlanta ist zu dessen Hymne geworden. Die Hook „Raindrop, drop-top“ inspirierte zahlreiche Twitter-Memes und Vine-Clips und tauchte sogar beim Women’s March 2017 in Washington D.C. auf. Manchmal ist das die beste Zeit, um Musik zu machen – man könnte verrückt sein und verrückte Sachen machen.“
