Die 50 besten Prog-Alben aller Zeiten
Vom Court des Crimson Kings bis zum Comatorium: das die besten Prog-Alben aller Zeiten.
The Soft Machine - „Third“
Um Robert Wyatts Liedtext aus „Moon in June“ von „Third“ zu zitieren: Soft Machine spezialisierte sich auf „Hintergrundgeräusche für Leute, die intrigieren, verführen, revoltieren und lehren“. Kosmisch berauschend, unkonventionell bis zum Exzess und oft hörbarer als ein Klavier, das auf ein anderes Klavier fällt, lassen die ungeschminkten Tonbandcollagen der englischen Instrumentalspezialisten Pink-Floyd-Songs wie Kaugummi klingen. Mit vier Kompositionen von jeweils fast 20 Minuten Länge beginnt „Third“ mit der Free-Jazz-Bedrohung „Facelift“, das noch verrückter ist als der cool-ambient Freakout von „Out-Bloody-Rageous“. Keyboarder Mike Ratledge spielt auf dem gesamten Album wie immer verrückt. Während Wyatt in Zungen sprach, ließen er und Bassist Hugh Hopper das bereits erwähnte „June“ wie sechs gleichzeitig gespielte Cream-Songs klingen. „Ich arbeite in Trance und weiß erst, was ich getan habe, wenn es getan ist“, sagte Wyatt. - R.F.
Porcupine Tree - „Fear of a Blank Planet“
Für ihr neuntes Studioalbum schufen die britischen Art-Rocker Porcupine Tree ein Konzeptalbum, das auf dem Roman „Lunar Park“ von Bret Easton Ellis basiert. Die Texte handeln davon, wie der jugendliche Protagonist seine bipolare Störung und seine Aufmerksamkeitsdefizitstörung mit verschreibungspflichtigen Medikamenten und einer Reizüberflutung durch das Internet bekämpft. Die Musik verwendet ausladende Gesangsmelodien, atmosphärische Gitarren und Schlagzeug, die durch chaotische Passagen taumeln, um die manisch-depressiven Zustände der Hauptfigur widerzuspiegeln. Porcupine färben ihre Songs mit klingendem Prog, gezacktem Alternative-Rock der Neunziger und dröhnenden Hard-Rock-Power-Chords und holen sich dabei die Hilfe von Robert Fripp, Rush-Gitarrist Alex Lifeson und dem ehemaligen Japan-Keyboarder Richard Barbieri. - J.W.
Gong - „You“
Der australische Expat Daevid Allen ist einer der größten Verrückten des Prog-Rock: Er war Mitbegründer der Genre-Pioniere Soft Machine und kombinierte dann psychedelische englische Launen, deutsche kosmische Space-Jams und gallische Libertin-Fusion in der französisch-britischen Band Gong. Sein Hauptwerk, das auf drei LPs als „Radio Gnome Trilogy“ bekannt ist, war eine entsprechend gnomenhafte Erzählung mit kiffenden Elfen, Oktav-Ärzten, fliegenden Teekannen und einem Gesellen namens Zero the Hero. Die Musik war noch wilder, und „You“, das Finale der Trilogie, war ihr Höhepunkt. Während Allen sich mit seiner Muse Gilli Smyth – Nico als Softporno-Version von Glinda, der guten Hexe – unterhielt, Didier Malherbes Free-Jazz-Stürme und Steve Hillage mit seinen pilzartigen John-McLaughlin-Ausrastern begleitete, schuf die Gruppe ein ebenso urkomisches wie halbwegs tiefgründiges Passionsspiel aus der Welt der Zeichentrickfilme. - W.H.
Marillion - „Clutching at Straws“
Die britischen Prog-Rock-Lieblinge der Achtziger, Marillion, nahmen den Geist von Genesis mit Peter Gabriel an der Spitze und überarbeiteten ihn für ein amerikanisches Rockpublikum, das bis über beide Ohren in Hair Metal verliebt war. Nach dem kommerziellen Durchbruch von 1985 mit „Misplaced Childhood“ – das auf Platz eins der britischen Albumcharts blieb und in den USA auf Platz 47 kam – balancierte Marillions viertes Album Melodie und Melodram. Umgeben von einer atmosphärischen Produktion und der weiträumigen, relativ zurückhaltenden Gitarre von Gitarrist Steve Rothery, die den Unterschied zwischen Steve Hackett von Genesis und The Edge von U2 aufzeigte, entrollte Fish eine ergreifende, fast gesprochene Geschichte über einen erfolglosen Musiker und Versager von einem Vater, der seinen Schmerz in Pubs, Hotelzimmern und Veranstaltungsorten ertränkt. „Das Konzept war vielleicht zu nah an der Realität“, schrieb er in den Liner Notes für die Neuauflage des Albums im Jahr 1999. Fish verließ die Band bald darauf, um sich zu erholen und eine Solokarriere zu verfolgen. - J.W.
Harmonium - „Si On Avait Besoin (D’Une Cinquieme)“
Für ihr zweites Album erweiterte sich das französisch-kanadische Folk-Gitarrentrio Harmonium zu einem symphonischen Quintett und fügte Holzblasinstrumente und Keyboards hinzu, um ein Konzeptalbum zu verwirklichen, das auf den vier Jahreszeiten und einer fantastischen fünften basiert. Die erste Seite ist von pastoraler Wärme geprägt, mit dem süßen Nichts, das der Gitarrist Serge Fiori haucht, und jazzigen Einlagen. Eleganter Stoff, aber nur ein Aufwärmtraining für das Herzstück der zweiten Seite, „Histoires sans paroles“, das 17 Minuten zyklische Flötenthemen, Mellotron-Nebel und wogende Vokalharmonien mit Gast Judi Richards bietet. Im Jahr 2007 stufte der Journalist Bob Mersereau „Si On Avait“ in seinem Buch „The Top 100 Canadian Albums“ auf Platz 56 ein. Aber vielleicht hat er das Album unter Wert verkauft – es ist der Höhepunkt der gesamten Folk-Prog-Bewegung. - R.R.
Banco Del Mutuo Soccorso - „Io Sono Nato Libero“
Prog blühte in Großbritannien auf, aber einige der innovativsten Bands des Genres („PFM“, „Le Orme“, „Goblin“) kamen aus Italien. Banco waren die einzigartigste Band der Gruppe, geprägt durch den opernhaften Organ von Francesco Di Giacomo und die ausdrucksstarken Doppelkeyboards der Brüder Vittorio und Gianni Nocenzi. Während das 1972 erschienene Album „Darwin!“ die romantische Seite des Sextetts zeigte, perfektionierte das im folgenden Jahr erschienene Album „Io Sono Nato Libero“ (oder „I Was Born Free“) den Ansatz mit einer saubereren Produktion und raffinierten Arrangements. Von der ruhigen Ballade „Non Mi Rompete“ bis hin zum 15-minütigen symphonischen Rock-Gewitter von „Canto Nomade per un Prigioniero Politico“ repräsentiert das Album den Rock Progressivo Italiano in seiner reinsten Form. - R.R.
Caravan - „In the Land of Grey and Pink“
Unter den vielen unvergesslichen Bands, die aus Canterbury, England, hervorgingen – darunter Soft Machine, Gong und Camel – vermittelte keine die ländlichen Qualitäten der südöstlichen Kathedralenstadt besser als Caravan. Der Titel und das Cover-Artwork des dritten Albums des Quartetts erinnerten an einen Sonnenuntergang in Mittelerde, wobei die Musik zwischen mittelalterlichen Volksmelodien und jazzaffinen Musikern schwankte, die über das rockten, was Bassist Richard Sinclair als „eine Menge Worte, die halbwegs etwas bedeuten“ bezeichnete. Seite eins bestand aus kurzen, charmanten Liedern wie „Golf Girl“, dem Tolkien-mäßigen „Winter Wine“ und dem surrealen Pfadfinder-Streifzug des Titellieds; Seite zwei war jedoch ausschließlich „Nine Feet Underground“ gewidmet, einer 22-minütigen achtteiligen Suite mit Zappa-artigen Untertiteln – z. B. „Dance of the Seven Paper Hankies“ – gewidmet, die einen locker groovenden Abstieg in die Hölle und zurück darstellte, der von ausgedehnten Fuzz-Orgel-Soli dominiert wurde. - R.G.
Tool - „Lateralus“
Als das dritte Album von Tool erschien, hatte sich die Band weit von Songs unter drei Minuten mit provokanten Texten entfernt, wie dem Anti-Zensur-Hit „Hush“ aus dem Jahr 1992. Im Gegensatz dazu basiert der neuneinhalbminütige Titeltrack von „Lateralus“ sowohl in seinen Taktarten als auch in seinen Textmustern auf der Fibonacci-Zahlenfolge, die viele spiralförmige Formen in der Natur beschreibt, von Farnen bis hin zu Tannenzapfen. Trotz seiner musikalischen Komplexität, seiner abstrusen Themen und seiner Anlehnung an die Band King Crimson, die die Band verehrt, debütierte das Album auf Platz 1 und brachte Tool in Amphitheater und Arenen auf der ganzen Welt. „Den meisten Bands wurde beigebracht, dass sie diese formelhaften Popsongs schreiben müssen, um erfolgreich zu sein“, sagte Gitarrist Adam Jones damals gegenüber Guitar World. „Sobald man anfängt, auf diese Regeln zu hören, steckt man in Schwierigkeiten.“ - B.G.
Kansas - „Leftoverture“
Europa mag in den 1970er Jahren das Epizentrum des Progressive Rock gewesen sein, aber Prog blühte sicherlich auch im amerikanischen Kernland auf. Das vierte Album von Kansas, das von Yes und Genesis beeinflusst war, aber auch mit echtem Southern-Rock-Feuer und Swing auftrumpfte, verkaufte sich mehr als fünf Millionen Mal, vor allem dank seines bong-rasselnden Openers „Carry On Wayward Son“. Aber „Leftoverture“ war mehr als nur ein Klassiker des Rock: Titel wie „Miracles Out of Nowhere“, „Cheyenne Anthem“ und das sechsteilige, größtenteils instrumentale „Magnum Opus“ (erster Satz: „Father Padilla Meets the Perfect Gnat“) zeigten den einzigartigen Sound und die Vision einer echten Arena-Rock-Band. In seiner Rezension im Rolling Stone schrieb Alan Neister: „Leftoverture sichert Kansas einen Platz direkt neben Boston und Styx als eine der frischen neuen amerikanischen Bands.“ - D.E.
Renaissance - „Ashes Are Burning“
Mit einer Anlehnung an die Psych-Pop-Bands Jefferson Airplane und It’s a Beautiful Day sowie an englische Folk-Rocker wie Fairport Convention und Steeleye Span brachte Annie Haslam von Renaissance eine weibliche Energie in das Prog-Rock-Wurstfest: Sehen Sie sich den Titeltrack an, das Markenzeichen der Band, den sie mit einem spektakulär gehaltenen Ton beendet, den Geddy Lee nicht treffen könnte, selbst wenn seine Eier in einer Panini-Presse wären. Die Band wurde von Keith Relf und Jim McCarty aus der Asche der Yardbirds gegründet und erlebte im Laufe der Jahre radikale personelle Veränderungen, die alle dem Ziel dienten, Klassik, Folk und Rock zu verbinden, jedoch mit einem traditionelleren Gespür für Songs als die meisten ihrer Prog-Kollegen. Dieses Set spaltete den Unterschied zwischen Hooks und Ausuferungen. Und 40 Jahre später erzählt Annie Haslam immer noch Geschichten wie „Guinevere“. - W.H.
U.K. - „U.K.“
Prog-Jünger betrachteten U.K. als eine der vielversprechendsten Supergroups aller Zeiten – die Band bestand aus ehemaligen Mitgliedern von King Crimson, Yes, Roxy Music und Soft Machine. Aber sie blieben nur etwa drei Jahre zusammen und schufen auf ihrem Debüt eine äußerst melodische Mischung aus Prog und Jazz-Fusion, wobei sie orchestrale Komplexität erreichten, ohne in Selbstgefälligkeit abzudriften. Eddie Jobsons wirbelnde Keyboards und die wehmütige E-Geige duellieren sich spielerisch mit Allan Holdsworths schwebender Gitarre, während John Wettons klangvoller Bass mit Bill Brufords synkopiertem Schlagzeugspiel harmoniert. Nach der Veröffentlichung des Albums trennten sich Bruford und Holdsworth und zeigten kein Interesse daran, an einem ausgefeilteren Nachfolger zu arbeiten. „Die Theorie war, dass Amerika eine neue ELP braucht“, erklärte Bruford damals. „Die Hälfte von Großbritannien war dieser Meinung, und ich und Holdsworth dachten, dass Amerika Holdsworth braucht.“ Die übrigen Mitglieder konnten den Groove des Debüts nie ganz einfangen und trennten sich 1980 – Wetton und Jobson kamen jedoch 2012 für eine Tournee wieder zusammen. - J.W.
Dream Theater - „Metropolis 2: Scenes From a Memory“
Für diejenigen, die sich wünschen, Rush wäre immer noch im Jahr 2112 gefangen, sind Dream Theater seit Jahrzehnten eine willkommene Alternative, aber dies ist ihre beeindruckendste Darbietung von komplexem Konzept-Metal-Prog. Inspiriert vom über neun Minuten langen Titel „Metropolis Part 1: The Miracle and the Sleeper“ aus dem Jahr 1992 erreichte Dream Theater seinen dramatischen Höhepunkt, indem es die ursprüngliche Handlung des Songs um eine Frau, die stirbt, und den Mann, der sie möglicherweise getötet hat, erweiterte. „Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory“ ist eine 80-minütige, nicht-lineare Produktion in zwei Akten, die aus neun Songs besteht, die sich mit dem Mordgeheimnis befassen, indem sie die Rückführungen eines neuen Charakters in frühere Leben und seine paranormalen Erfahrungen erforschen. Um die eher verwirrende Geschichte zu ergänzen, verwebt die Band epische instrumentale Elemente, die von den frühen Rush, Fates Warning und Queensrÿche beeinflusst sind. Gitarrist John Petrucci schrieb auf seiner Website: „Wir wollten schon immer ein Konzeptalbum machen, also dachten wir uns, warum nicht?“ - J.W.
Opeth - „Blackwater Park“
Das Album „Blackwater Park“, das als Hommage an die gleichnamigen deutschen Prog-Rocker der frühen Siebziger Jahre betitelt wurde, war das erste Mal, dass diese schwedischen Death-Metal-Virtuosen den progressiven Tendenzen, die schon lange in ihrer Musik lauerten, freien Lauf ließen. Mit Steven Wilson von Porcupine Tree als Produzenten, der auch Keyboards, Mellotron und Backing Vocals zu epischen, mehrteiligen Ausflügen wie „The Drapery Falls“, „Leper Affinity“ und dem misanthropischen 12-minütigen Höhepunkt des Titeltracks, verband Opeth-Frontmann Mikael Åkerfeldt die melodischen, atmosphärischen Aspekte von King Crimson und Pink Floyd mit den komplexen, dunklen Riffs von Opeth und seinem eigenen Grabesknurren. „Ich würde es nicht Melancholie nennen, es ist einfach pechschwarz!“, sagte Åkerfeldt zu Ultimate Metal. „Alles ist irgendwie in eine Art Dunkelheit gehüllt.“ Wilson half bei zwei weiteren, ähnlich brillanten Alben – „Deliverance“ aus dem Jahr 2002 und „Damnation“ aus dem Jahr 2003 – aber „Blackwater Park“ markierte Opeths Aufstieg in die Top-Liga des Metal. - D.E.
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Supertramp - „Crime of the Century“
Nach zwei Flops schraubte die Band, die bekanntermaßen von einem niederländischen Millionär finanziert wurde, ihre progressiven Ambitionen für ein Album mit strafferen, poppigeren Songs zurück. Es verkaufte sich mehr als 20 Millionen Mal, enthielt die Hits „Bloody Well Might“ und „Dreamer“ und machte Supertramp in den Vereinigten Staaten bekannt. Wie Pink Floyd ohne Roger Waters’ Arroganz konzentrierte sich „Crime“ auf die Ängste von Jugendlichen („Hide in Your Shell“), die Entfremdung von Erwachsenen („Rudy“) und den Wahnsinn („Asylum“). Unglücklicherweise für die beiden Songwriter von Supertramp – den emotional exponierten Roger Hodgson und den rockigeren Rick Davies – war „Crime“ das letzte Mal, dass die beiden auf einer Wellenlänge waren. Daher, so Hodgson, stellt das Album „den Höhepunkt der Band als eine Einheit“ dar. - R.G.
Van Der Graaf Generator - „Pawn Hearts“
Das dritte Album von Van Der Graaf Generator überzeugte Prog-Fans durch die Mitwirkung des King-Crimson-Gitarristen Robert Fripp. Aber „Pawn Hearts“ entpuppte sich selbst für die aufmerksamsten Zuhörer als verwirrend berauschender Trip. Auf „Man-Eng“ zeigte Sänger/Ideengeber Peter Hammill seine Opern-Künste über prozesshafte Keyboards und Achterbahn-Schlagzeug, um dann in einem stürmischen Mittelteil, der in sechs Minuten Saxophon- und Keyboard-Abstraktion übergeht, zu jaulen: „How I can be free!“ Und das 23-minütige „A Plague of Lighthouse Keepers (Medley)“ lässt King Crimson wie die Ramones klingen, mit seinen klaffenden, spacigen Zwischenspielen, frei improvisierten Soli, schrägen Wechseln und Texten wie: „Wenn du die Skelette der Segelschiffspieren tief sinken siehst, wirst du dich fragen, ob die Punkte all der alten Mythen feierlich direkt auf dich gerichtet sind.“ Diese Jungs versuchten, alle Mythen auf einmal zu kanalisieren und schufen so eine Musik, die pure Prog-Id war, ohne jeglichen Zusammenhalt oder Prägnanz, die die Erhabenheit beeinträchtigen könnte. - J.D.
The Mars Volta - „De-Loused in the Comatorium“
„Unsere Musik verlangt ... mindestens eine Stunde deines Lebens, und das in völliger Stille und mit völliger Hingabe“, verkündete einmal der Sänger von Mars Volta, Cedric Bixler-Zavala. Selbst eine halbwegs klösterliche Stunde und 51 Sekunden des Zuhörens offenbart ein befriedigend verdrehtes Universum in der ersten abendfüllenden Suite dieser texanischen Sonderlinge, „De-Loused in the Comatorium“. Die Gruppe, die aus der ätzenden Asche des Art-Punk-Projekts At the Drive-In von Bixler-Zavala und dem virtuosen Gitarristen Omar Rodríguez-López hervorgegangen ist, vereint auf manische Weise triumphalen Metal, psychedelischen Rock und Latin Jazz. Die oft grotesken Texte – über einen Mann, der eine Überdosis Morphium und Rattengift nimmt und ins Koma fällt – werden von Rodríguez-López immer wieder unterbrochen und mit verzweifelter Raffinesse wieder zusammengefügt. „De-Loused“ wurde mit Rick Rubin produziert und enthielt auch die tiefen Töne des Ersatzbassisten Flea und das Schlagzeugfeuerwerk des aktuellen Queens of the Stone Age-Schlagzeugers Jon Theodore. Die 12,5 Minuten von „Cicatriz E.S.P.“ – komplett mit einem Helikopter-Zwischenspiel – zeigen, dass der Herzschlag des Prog des 21. Jahrhunderts so unregelmäßig ist wie eh und je. - R.F.
Magma - „Mëkanïk Dëstruktïẁ Kömmandöh“
Mit Magma schuf der französische Schlagzeuger und Komponist Christian Vander buchstäblich eine neue Musiksprache – „Kobaïan“, benannt nach einem Planeten, den er ebenfalls erfand – und verschmolz manische Oper, von Coltrane beeinflussten Free Jazz, donnernden Avant-Rock und außerirdische lyrische Themen zu einem selbsternannten Genre, das als „Zeuhl“ bekannt ist. Vander perfektionierte seine besondere Art von Wahnsinn auf Magmas drittem Album, einer Flut von Chorgesang und vertrackten Taktarten, das auf Platz 33 der 100 besten französischen Rockalben des Rolling Stone France steht. Die ausgedehnten Erkundungen von „Mekanik“ sind im Grunde genommen „Prog“ in seiner reinsten Form, der konventionelle Rockstrukturen in seltsame neue Gebiete vorantreibt. Aber Vander lehnt eine solche Definition ab. „‚Zeuhl‘-Musik bedeutet ‚Schwingungsmusik‘“, sagte er dieses Jahr gegenüber The Big Takeover. „Es ist definitiv keine Untergruppe von Prog, und Magma ist keine Prog-Gruppe. Magma ist eine Institution.“ - R.R.
Tangerine Dream - „Phaedra“
Die deutschen Experimentalisten Tangerine Dream tendierten bei diesem frühen Meisterwerk der progressiven elektronischen Musik zu einem strukturierteren Kompositionsansatz; diese Taktik war durch den kürzlichen Erwerb eines Moog-Sequenzers durch die Gruppe erforderlich geworden, der mehrere Stunden am Tag nur für die richtige Einstellung benötigte. Obwohl „Phaedra“ unter extrem schwierigen Umständen aufgenommen wurde – „Technisch gesehen ist alles schiefgelaufen, was schiefgehen konnte“, erinnerte sich TD-Gründer Edgar Froese später – waren die Ergebnisse atemberaubend, insbesondere der 17-minütige Headtrip-Titel, der einen versehentlich aufgenommenen Moog-Synth-Track mit Flöte, Mellotron, Bass-Sequenzer und weißem Rauschen überlagert wurde – ein zusätzliches Gefühl des interstellaren Drifts wurde durch die Oszillatoren des Moog erzeugt, die ihre Stimmung verloren, als sich die Maschine aufheizte. „Phaedra“ war herausfordernd, unirdisch und fast unbeschreiblich schön und übte nach seiner Veröffentlichung jahrzehntelang einen massiven Einfluss auf Ambient- und Elektronikkünstler aus. - D.E.
Rush - „2112“
Nur wenige Dinge sind typischer für „Prog“ als der seitenlange Titelsong von Rushs viertem Album. „2112“ ist eine 20-minütige, siebenteilige Suite, die in einer Orwellschen Dystopie spielt, in der Rocken verboten ist – was natürlich ironisch ist, wenn man bedenkt, wie hart der Track rockt. Die zweite Seite des Albums ist in fünf verschiedene Songs unterteilt (hervorgehoben durch den Reisebericht „Dude, we totally smoke dope!“ von „A Passage to Bangkok“), aber die anhaltende Kraft der ersten Seite ist so groß, dass das Album immer noch mehrfach mit Platin ausgezeichnet worden wäre, wenn nichts anderes als die Paarungsrufe von Narwalen gefolgt wären. „2112“ wurde zu einem kritischen Zeitpunkt in der Karriere von Rush aufgenommen (ihr vorheriges Album war auf Platz 60 der kanadischen Charts gelandet!) und war die erste klassische Veröffentlichung des Power-Trios aus Toronto. Es war auch eine eindrucksvolle Bestätigung ihres kommerziellen Potenzials, trotz der labyrinthischen Rhythmen von Schlagzeuger Neil Peart und der unverwechselbaren Stimme von Geddy Lee. - D.E.
Camel - „Mirage“
Die klassische Camel-Besetzung besetzte eine einzigartige Nische im Progressive Rock und spezialisierte sich auf fließende, spacige Ensemble-Workouts – selten so auffällig wie Genesis, nie so bombastisch wie Emerson Lake and Palmer. „Wir gelten als progressive Band, eigentlich standardmäßig“, sagte der Gitarrist und Flötist Andy Latimer Will Romano für sein 2010 erschienenes Buch „Mountains Come Out of the Sky: The Illustrated History of Prog Rock“. „Ich dachte immer, dass Leute wie Yes, King Crimson und ELP viel obskurer waren als Camel. Sie waren wahrscheinlich bessere Musiker und haben sich folglich mit viel komplizierterem Material beschäftigt, was es noch ... weniger zugänglich machte.“ Das zweite Album des Quartetts, „Mirage“, erfüllt die verstreuten Versprechen des Debüts, wobei Latimer und der Keyboarder Pete Bardens die Rhythmusgruppe durch luftige Instrumentals (das nachdenkliche „Supertwister“) und ausgedehnte mehrteilige Suiten (das Herr der Ringe-Thema „Nimrodel/The Procession/The White Rider“) führen. - R.R.
