Die 50 besten Bassisten aller Zeiten: Die komplette Liste

ROLLING STONE hat gewählt: Dies ist die komplette Liste der 50 besten Bassisten aller Zeiten.

von Sassan Niasseri 07.06.2024

Die besten Bassisten aller Zeiten, Platz 9: Paul McCartney

Es ist schwer, Paul McCartney in irgendeiner Kategorie als unterbewertet zu bezeichnen. Aber bei all dem Lob, das er als Sänger, Songwriter und Live-Performer verdient hat, ist es gut möglich, dass er nicht genug für seinen unaufdringlichen Low-End-Elan bekommen hat. Den Bass hat er erst notgedrungen aufgegriffen, nachdem Stu Sutcliffe 1961 die Beatles in Hamburg verlassen hatte. „Es gibt eine Theorie, dass ich Stu böswillig aus der Gruppe herausgearbeitet habe, um an den Bass zu kommen“, sagte McCartney dem Biographen Barry Miles.

„Vergessen Sie es! Niemand will Bass spielen, oder niemand wollte es damals.“ Aber er machte sich das Instrument zu eigen, insbesondere als die Studioabenteuer der Beatles in der zweiten Hälfte der sechziger Jahre begannen und er seinen Hofner gegen einen Rickenbacker austauschte.

McCartneys Bass könnte eine kühle, beständige Stütze sein, wie auf „Lucy in the Sky With Diamonds“ und „Dear Prudence“, oder eine farbenfrohe Hauptfigur für sich – siehe „Paperback Writer“, „Rain“ und „A Day in the Life“. Alles Songs, in denen sein Spiel die Sehnsucht nach einem freieren oder aufregenderen Leben hinter alltäglichen Texten vermittelt. Sein verspielter, melodischer Stil in dieser Ära hatte viel von Motowns James Jamerson, der oft als Pauls größter Einfluss am Bass genannt wird; nach 1970 ging McCartney mit der Zeit und groovte mit „Silly Love Songs“ und „Goodnight Tonight“ königlich in die Disco-Ära hinein. Und obwohl sein Interesse an der viersaitigen Gitarre im Laufe der Jahre nachgelassen und zugenommen hat, hörte er nie auf, Generationen von Jugendlichen zu inspirieren, das Ausdruckspotenzial einer großartigen Basslinie zu erkennen.

Die besten Bassisten aller Zeiten, Platz 6: Jack Bruce

Eric Clapton und Ginger Baker bekamen in Cream viel Aufmerksamkeit, aber Jack Bruce gab der Gruppe den Schub, um sie zu einem echten Power-Trio zu machen. Wenn Clapton seine hochfliegenden Blues-Licks spielte und Baker hinter seinem Schlagzeug jazzige neue Schichten erkundete, hielt Bruce, ebenfalls der Leadsänger der Gruppe, die Band mit schweren Basslinien, die immer in Bewegung zu sein schienen, zusammen. „Jack Bruce hat mir definitiv die Augen dafür geöffnet, was ein Bassist live alles kann“, sagte Black-Sabbath-Bassist Geezer Butler einmal. „Ich bin hauptsächlich wegen Clapton zu Cream gegangen … und ich war fasziniert von Jack Bruce‘ Spiel. Ich wusste nicht, dass ein Bassist diese Dinge tun kann, indem er dort einspringt, wo normalerweise die Rhythmusgitarre steht.“

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Bruce spielte nervöse, taumelnde Linien unter dem Gruppengesang des Trios bei „I Feel Free“, kluge Harmonien bei „Sunshine of Your Love“ und im Grunde sein eigenes Riff unter Claptons bei „Strange Brew“. „Er war ein kleiner Kerl, aber sein Spiel war monströs“, sagte Leslie West von Mountain, der später mit Bruce spielte. „Er brachte seinen Bass zum Bellen, und alles, was er tat, war so melodisch.“

Die besten Bassisten aller Zeiten, Platz 3: John Entwistle

John Entwistle von The Who hatte viele Spitznamen, darunter „der Ochse“ wegen seiner imposanten Statur und seines endlosen Appetits. Außerdem „der Stille“ wegen seines stoischen Auftretens. Am treffendsten war jedoch „Donnerfinger“, ein Name, der ihm verliehen wurde, weil jedes Mal, wenn er eine Note auf dem Bass spielte, diese wie ein bösartiger Sturm klang, der über den Horizont zog.

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Es war ein Stil, den er entwickelte, um auf der gleichen Bühne mit den extravaganten Keith Moon und Pete Townshend gehört zu werden. Er brachte jedoch eine bemerkenswerte Flüssigkeit und Anmut in seine Rolle, wie man sie noch nie zuvor gehört hatte.

Einfach ausgedrückt, behandelte er den Bass wie ein Lead-Instrument und ließ ihn so sehr hervorstechen wie jede Gitarre. Sein klobiges Solo auf „My Generation“ inspirierte unzählige Teenager dazu, den Bass in die Hand zu nehmen, obwohl es fast unmöglich war, sein Spiel nachzuahmen. „Entwistle war wohl der größte Rockbassist von allen“, sagte Geddy Lee von Rush, „er wagte es, die Rolle und den Klang der Bassgitarre zu nehmen und sie aus den trüben Tiefen zu schieben, während er diese erstaunlichen Sachen spielte.“

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Die besten Bassisten aller Zeiten, Platz 4: Bootsy Collins

Bootsy Collins – oder „Bootzilla“, „Casper the Friendly Ghost“ oder „The World’s Only Rhinestone Rock Star Doll, Baba“, je nach Song – definierte das Soul- und Funk-Bass-Spiel in den Siebziger Jahren und, in Stellvertretung, Rap und Pop in den Achtziger und Neunziger Jahren neu. Collins schloss sich 1970 James Browns Band, den J.B.’s an und verschrieb sich sofort dem Konzept von „The One“ von Soul Brother No. 1, indem er den ersten Schlag eines musikalischen Taktes so hart wie möglich betonte und den Rest mit Funk erfüllte. Später dehnte er dieses Konzept in ein trippiges Wunderland aus, als er sich George Clintons Kabalen anschloss und in Parliament-Funkadelic einen matschigen Wah-Wah-Bass spielte.

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Danach ging er dazu über, als Frontmann seiner eigenen Band aufzutreten, inklusive sternförmiger Sonnenbrille und einem sternförmigen Bass. Ab da war er für karikaturhafte Liebeslieder, die er mit Comicbuch-Begeisterung sang, bekannt. Seinen Einfluss kann man in praktisch jedem nachfolgenden Bassisten hören, von Flea bis zu den Platten, die Dr. Dre großzügig gesampelt hat, um den G-Funk-Sound zu erzeugen. „Bootsy kam dazu und alles, was er hinzufügte … war die Betonung auf die Eins“, sagte George Clinton einmal. „Man könnte das zu ‚The ABC’s‘ hinzufügen, und es wäre in zwei Sekunden Funk. Und von da an war alles, was wir taten, wirklich funky, ganz egal, wie poppig wir zu sein versuchten.“

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50. Thundercat Wenn Sie sich einen Überblick über die Klänge verschaffen, die in den letzten zehn Jahren die Avantgarde des Hip-Hop, Jazz, R&B, Electronica und darüber hinaus definiert haben – darunter Platten von Kendrick Lamar, Janelle Monáe, Flying Lotus, Kamasi Washington, Erykah Badu, Childish Gambino und anderen – dann landen Sie immer wieder bei einem Namen eines Bassisten: Thundercat. Geboren als Stephen Bruner, wuchs der Bassist in einer Musikerfamilie auf und landete schon früh bei den Thrash-Punk-Veteranen Suicidal Tendencies. Von da an entwickelte er sich zu einem überlebensgroßen musikalischen Superhelden: ein umwerfend tüchtiger Musiker, der eine tiefe Liebe zum klassischen Funk und zur Fusion mit Einflüssen von Yacht-Rock über Nu-Metal bis hin zu Neosoul verbindet. Ob in seinen eigenen, spielerisch exzentrischen Songs oder bei einem seiner zahllosen Gastauftritte, sein charakteristischer sechssaitiger Sound – fett und butterweich, aber mit viel Biss – scheint immer durch. „Man kann mit seinem Instrument alles Mögliche machen, was außerhalb seiner eigentlichen Bestimmung liegt“, sagte er 2013 in einem Interview. „Mein Bass ist meine Krücke, aber die beste Krücke, die ich haben kann.“ https://www.youtube.com/watch?v=zhVgbZdMdb0

49. Duff McKagan Bevor er zu Guns N‘ Roses kam, hatte Duff McKagan kaum einen Bass angefasst. Er war ein Ex-Gitarrist und Ex-Schlagzeuger, der in der Punk-Szene von Seattle Anfang der achtziger Jahre aufgetaucht war. Die Kombination aus seinem Background und seiner rohen Spielweise gaben Guns-N‘-Roses-Songs wie „It’s So Easy“ und „You Could Be Mine“ eine raue Note. Um das Instrument zu erlernen, griff McKagan auf die Basslinien von Prince („Ich liebte diesen R&B-Rhythmus“), John Paul Jones von Zeppelin, Paul Simonon von The Clash, Lemmy Kilmister von Motörhead und, am überraschendsten, Barry Adamson von der Postpunk-Gruppe Magazine zurück. „In Magazin waren diese Basslinien so ausgeprägt, er hatte das Choruspedal auf dem Bass hatte“, sagte McKagan. Er bezog sich dabei auf ein Effektgerät, das dem Instrument einen glasigen, fast hohlen Klang verleiht: „da habe ich wirklich nach dem Choruspedal für Guns gegriffen“. Diese Geheimwaffe half McKagan dabei, seinen Bass bei „Appetite for Destruction“ und den „Use-Your-Illusion“-LPs in den Vordergrund zu rücken, was der Musikalität von Slash und dem Mumm von Axl Rose gleichkam und ihn zu einem integralen Bestandteil des Bandsounds und des Hard Rock in den Achtzigern und Neunzigern machte – auch wenn er sich seines Einflusses nicht bewusst ist. „Ich weiß nicht, wo ich eingestuft werde“, sagte er einmal. „Darauf achte ich nicht. Ich interessiere mich wirklich so sehr für mein Handwerk.“ https://www.youtube.com/watch?v=SA6Z2IuATb8

48. Kim Deal Kim Deal arbeitete 1986 als Empfangsdame in einer Arztpraxis, als sie eine Zeitungsanzeige in Boston Phoenix las, in der stand, dass eine Band einen „Bassisten mit Vorliebe für Hüsker Dü und Peter, Paul und Mary“ suchte. Sie war vielleicht die Einzige, die zu einer Probe auftauchte, aber ihre zuckersüße Singstimme und ihr Punkrock-Bass machten sie zur perfekten Besetzung für die Pixies. Versuchen Sie, sich das „Doolittle“-Eröffnungsstück „Debaser“ ohne ihre pochende Bassstimme am Anfang vorzustellen, oder „Gigantic“ (eines der wenigen Pixies-Lieder, die sie geschrieben hat) ohne ihren hypnotisch einfachen Input – sie treibt das ganze Lied voran. Deal erklärt ihre ihre Effektivität als Bassistin so: „Manche Leute können und wollen das nicht tun, besonders ‚echte‘ Bassisten“, sagte sie einmal, als sie über die Einfachheit ihres Parts in „Where Is My Mind?“ „Sie wollen helfen, jeden kleinen Moment zu forcieren; sie wollen einbezogen werden. Sie werden nicht einfach durch etwas hindurchtreten.“ https://www.youtube.com/watch?v=xJncHEZ3URs

47. Leland Sklar Die Singer-Songwriter-Bewegung der siebziger Jahre verlangte nach Back-up-Musikern, die Balladen und Midtempo-Rocker untermalen konnten, ohne vom Sänger oder dem Song abzulenken. Um dieses Ziel zu erreichen, riefen James Taylor, Jackson Browne, Carole King, David Crosby und Graham Nash regelmäßig bei Leland Sklar an. „Wir verstanden, dass wir sie unterstützten und sie begleiteten“, sagt Sklar über die Studiomusiker der damaligen Zeit in L.A. „Wir haben uns nicht hinter sie gedrängt, aber wir haben trotzdem eine Identität geschaffen.“ Sklars dezenter, nicht aufbrausender, aber melodischer Bass ist auf vielen Taylor-Klassikern zu hören („You’ve Got a Friend“, „Handy Man“, „Your Smiling Face“) sowie auf Brownes „Doctor My Eyes“ und „Running on Empty“ sowie Gene Clarks Kultklassiker „No Other“. In den achtziger Jahren wurde sein Bass zu einem festen Bestandteil der Platten von Phil Collins, unter anderem bei „Don’t Lose My Number“. Sklar spielte ihn sogar bei der Club-Hymne der Weather Girls „It’s Raining Men“ ein. Kein Wunder, dass Crosby ihn „den besten Spieler der Welt“ nannte. https://www.youtube.com/watch?v=PQqJJYfg-6E

46. Peter Hook Obwohl sie aus verschiedenen Szenen und Generationen stammen, war Peter Hook immer der Keith Richards am Bass – ein Groove-Meister, der die definitiven Riffs seiner Ära mit viel Outlaw-Mystik herauskitzelte. In Joy Division und New Order definierte er das Instrument für den Postpunk der siebziger und achtziger Jahre neu, und Generationen von Arty-Kids haben versucht, seinen melodischen Puls in „She’s Lost Control“ zu kopieren. Wie so viele Musiker aus Manchester sah Hook die Sex Pistols und beschloss sofort, eine Punkband zu gründen. Sein Bass wurde zum Hauptinstrument in Joy Division und trieb Klassiker wie „Transmission“ und „No Love Lost“ voran. Er schrieb dem Sänger Ian Curtis zu, dass er ihn wegen seines unverwechselbaren Sounds hoch am Hals des Instruments spielen ließ: „Meine Entschuldigung dafür, hoch zu spielen, war, dass ich den Bass nicht hören konnte, wenn ich tief spielte – unsere Verstärker waren so schlecht – aber Ian mochte es.“ Als Joy Division sich zu New Order entwickelten, mit Dancefloor-Hits wie „Age of Consent“, wurde er zum meist-imitierten Bassmann der Ära. Colin Greenwood von Radiohead sagte: „Hooky spielte viel in den Höhen und hatte dort oben tolle Sounds – deshalb war ich immer einer, der sich auf dem Griffbrett viel auf und ab bewegt hat.“ Hook, der immer eine überlebensgroße Persönlichkeit war, hat drei urkomische Memoiren geschrieben und steht – vielleicht nicht ganz unabhängig davon – mit dem Rest von New Order auf Kriegsfuß. https://www.youtube.com/watch?v=Tlaw2QwXol8

45. Esperanza Spalding Wenn Sie sich einen Auftritt von Esperanza Spalding anschauen, hören Sie wahrscheinlich nur einen Bruchteil dessen, was sie kann, von singender Old-School-Norm bis hin zu kühnen futuristischen Originalen, die sich gleichermaßen aus sanftem R&B und knorrigem Prog-Rock zusammensetzen. Ihr virtuoses und überaus vielseitiges Bassspiel ist der Motor, der alles antreibt. Sie ist die seltene Musikerin, die ein super-funky Cover eines Songs ihres verstorbenen Freundes Prince zu spielen vermag, eine Band mit ihren geschmeidigen elektrischen Linien verankert oder sich auf der Bühne mit Meisterimprovisatoren wie Wayne Shorter, Terri Lyne Carrington, Jack DeJohnette und Joe Lovano behaupten kann. Spalding begann als Geigen-Wunderkind und fand den Weg zum Bass durch Zufall in der High School („Es ist, als würde man eines Tages aufwachen und merken, dass man in einen Kollegen verliebt ist“, sagte sie einmal, als sie das Instrument in die Hand nahm). Seitdem hat sie sich zu einer der sichtbarsten Botschafterinnen des Basses im 21. Jahrhundert entwickelt und auf ihrem Weg vier Grammy-Awards errungen. In einem Interview im Jahr 2018 überlegte Carrington, Schlagzeuger und Mitarbeiter von Spalding, warum es unfair war, Esperanza mit Jazz-Bass-Virtuosen der Vergangenheit zu vergleichen: „Eine weiblichere Ästhetik in die Musik zu bringen, ist an diesem Punkt zwingend erforderlich. Denn [die Jazz-Legende der fünfziger und sechziger Jahre] Paul Chambers kam nicht so um das Instrument herum, wie sie es tut“, sagte Carrington über Spalding. „Sie gräbt sich also nicht so sehr ein; das gibt ihr eine Art flüchtiges Gefühl, das schön ist.“ https://www.youtube.com/watch?v=aZ4uarjLsKg

44. Joseph Makwela Joseph Makwela hat den südafrikanischen Bass praktisch erfunden. Er war der Herzschlag der Makgona Tshole Band, die in Johannesburg die Johannesburger Version von Motowns Funk Brothers oder L.A.s Wrecking Crew waren – die Hausband, die in den sechziger und siebziger Jahren unzählige Hits spielte und den Sound von Mbaqanga kreierte. Makwela hatte den ersten elektrischen Bass in Südafrika – er kaufte ihn von einem Weißen, der ihn importierte, nachdem er die Shadows live gesehen hatte. In der rassistischen Unterdrückung der Apartheid-Ära nahm Makwela diesen gebrauchten Bass und überarbeitete die südafrikanische Musik komplett. Er inspirierte Musiker wie Bakithi Kumalo, der auf Paul Simons Graceland“ spielte. „Joseph Makwela war der erste Mensch, den ich einen E-Bass spielen sah“, sagte Kumalo 2016 zu Bass Player. „Er spielte Melodien hoch oben im Register, was ein großer Einfluss war, als ich damit anfing, Fretless zu spielen.“ Sein aggressiver und doch schwungvoller Stil definierte den Mbaqanga-Groove bei Klassikern von Mahotella Queens „Umculo Kawupheli“ bis zu Mahlathinis „Ngicabange Ngaqeda“. Die Makgona Tshole Band kam in den achtziger Jahren wieder zusammen, als die Welt über „Graceland“ und die wichtige Compilation „The Indestructible Beat of Soweto“ schließlich den Mbaqanga entdeckte. https://www.youtube.com/watch?v=jWFOLyjqb28

43. Mike Watt Nur wenige Musiker in irgendeinem Genre haben so radikale Theorie in die musikalische Praxis umgesetzt wie Mike Watt, der Ende der siebziger Jahre mit dem Sänger und Gitarristen D. Boon und dem Schlagzeuger George Hurley in San Pedro, Kalifornien, die Minuteman gründete. „Er wollte den Bass ganz vorne und das Schlagzeug auch“, sagte Watt über Boon. „Er wollte es wie eine Umverteilung des Reichtums … Ich war dafür. Es hat mir auch die Idee in den Kopf gesetzt, dass jedes Mal, wenn mehr als ein Mann in einem Ensemble zusammenspielt, man versucht, ein Gespräch zu führen, ein interessantes Gespräch.“ Indem er sich diese demokratische Maxime zu Herzen nahm, half Watt, die Punkmusik von Grund auf neu zu überdenken und kurze, scharfe Lieder zu schreiben, die Funk, Jazz, Folk, Blues und sogar Rap in ihren Sound integrierten. Watt konnte mit jedem Drummer der Hardcore-Szene mithalten – hören Sie sich den Blitzangriff an, der „Bob Dylan Wrote Propaganda Songs“ von 1982 eröffnet. Das hörte man nicht nur bei den Minutemen, sondern auch in Watts und Hurleys nächster Band, Firehose. Zudem in Dos, ein nachdenkliches Duo mit seinem Punk-Bass-Pionierkollegen und seiner ehemaligen Frau Kira Roessler und bei den die wiedervereinigten Stooges. Bis zum heutigen Tag war Watt immer dann am besten, wenn er den Bass in den Vordergrund drängte – ähnlich wie einer seiner frühen Helden Jack Bruce von Cream – und fröhliche, frenetische Parts spielte, die die überaus redegewandte Persönlichkeit eines der unermüdlichsten Punk-Evangelisten widerspiegelten. https://www.youtube.com/watch?v=uqj8Ob5htW8

41. George Porter Jr. Nichts veranschaulicht den Groove so sehr wie das rhythmische Zusammenspiel zwischen Meters-Bassist George Porter Jr. und Schlagzeuger Zigaboo Modeliste. Eine Beziehung, die extreme Enge erforderte, um die entspannte Party-Atmosphäre ihrer Heimatstadt New Orleans hervorzurufen. Dank seiner langen Amtszeit in einer der funkigsten Gruppen der populären Musik hielt Porter bei Hits wie „Cissy Strut“, „Funky Miracle“, „Just Kissed My Baby“ und „Hand Clapping Song“ die Talsohle durch und lieferte runde, fließende Riffs, die wie eine Second-Line-Parade stolzierten und die Lautsprecher mit ihrer Schwere rüttelten. Hören Sie sich an, wie er in „Pungee“ aus dem nahezu perfekten zweiten Album der Band, „Look-A Py Py Py“, seinen eigenen synkopierten Weg durch die kleinsten Zwischenräume webt. Porters Arbeit mit den Meters wurde zu einem entscheidenden Baustein für den Hip-Hop, mit einer Reihe von Künstlern wie A Tribe Called Quest, Cypress Hill, N.W.A. und Public Enemy, die die Tracks der Gruppe sampelten. Aber er taucht auch auf zahlreichen populären Aufnahmen anderer Künstler wie Labelle, Dr. John, Robert Palmer, Lee Dorsey und Ernie K-Doe auf, dank seiner Rolle als einer der ersten Studiomusiker des Produzenten Allen Toussaint. Porter schrieb seinen einzigartigen Stil einem vielfältigen musikalischen Hintergrund zu. „Sehen Sie, da ich klassische Gitarre studiert hatte, kannte ich die Bassformel, obwohl die Lieder, die ich im Unterricht spielte, Country & Western-Songs waren“, sagte er kürzlich. „Aber ich lernte gleichzeitig, wie man Basslinien und Akkorde spielt. Sie wissen also, dass es eine natürliche Sache war, die von der Gitarre kam.“ https://www.youtube.com/watch?v=qMguyIwmswM

40. Bill Black Bill Black – Elvis Presleys früher Bassist und Teil der Blue Moon Boys, des berühmten Trios des Sängers mit dem Gitarristen Scotty Moore – war nie als einer der auffälligsten Instrumentalisten seiner Ära bekannt, aber seine innovative Slap-Bass-Technik war ein Eckpfeiler von Presleys revolutionärem Rock & Roll. „Bill war einer der schlechtesten Bassisten der Welt“, sagte Sun Records-Besitzer Sam Phillips einmal, „aber, Mann, er konnte zulangen!“ Blacks treibender Sound auf dem Kontrabass gab Presleys frühesten Songs wie „Heartbreak Hotel“ und „That’s All Right“ trotz des völligen Fehlens von Schlagzeug den mitreißenden Drive einer vollen Rhythmusgruppe. Paul McCartney war so besessen von Blacks Spiel, insbesondere bei „Heartbreak Hotel“, dass seine Frau Linda McCartney Blacks Original-Kontrabass aus der Session aufspürte und ihm diesen in den siebziger Jahren zum Geschenk machte. Moore erinnerte sich an Blacks Rolle für Presley bei der Aufnahme des Country-Hits „Blue Moon of Kentucky“, der zu Presleys erster B-Seite wurde. „Bill sprang auf, packte seinen Bass und fing an, ihn zu ohrfeigen, wobei er mit hoher Falsettstimme ‚Blue Moon of Kentucky‘ sang“, erzählte Moore. „Es war Bill, der tat, was Bill am besten konnte. Das Lied wurde als Ballade aufgenommen, aber Bill sang es im Uptempo, seine Basslinien klopften in fiebrigem Tempo. Elvis liebte es.“ https://www.youtube.com/watch?v=J3sUgxx4Jvw

39. Kim Gordon Während ihrer Blütezeit als Indie- und Alt-Rock-Pioniere gehörte nichts von Sonic Youth zur Standardausgabe, von ihren Kunstvideos bis hin zu ihren bevorzugten Schichten seltsam gestimmter Gitarren – und sogar Kim Gordons Bassparts. Gordon hatte das Instrument noch nie zuvor gespielt, als sie die Band Anfang der achtziger Jahre mitbegründete, und nach eigener Aussage erreichte ihr Können nie ein virtuoses Niveau. Aber ihr primitiver Stil hätte nicht besser zu einer Band passen können, die das Unkonventionelle über alles schätzte, bis hin zu den kaputten und rekonstruierten Gitarren, die sie spielten. „Mein Bass-Spiel funktionierte immer sehr gut, weil es minimal war“, sagt sie. „Es gab einige Lieder, bei denen Thurston [Moore] eine Melodie für das Lied hatte, so dass er wollte, dass ich die Grundtöne spiele. Ich hatte das Gefühl, dass es nicht meine Aufgabe war, eine gute Bassistin zu werden.“ Gordons unverkennbarer Sound – ein gutturaler Groove, der wie ein entgegenkommender U-Bahn-Zug klingt – ist in der gesamten Diskografie der Band zu hören. Von frühen, dunklen Rumpeleien wie „Brave Men Run (In My Family)“ über Tracks aus ihrem kommerziellen Highlight aus den Neunzigern „Dirty“ („Youth Against Fascism“, „Sugar Kane“) bis hin zu späteren Veröffentlichungen wie „Jams Run Free“. https://www.youtube.com/watch?v=4RRTA5m7-UA

38. Pino Palladino Als John Entwistle 2002 plötzlich starb, hätten The Who fast jeden Bassisten auf der Welt einberufen können, um ihn zu ersetzen. Sie wählten Pino Palladino. Zu diesem Zeitpunkt hatte der walisische Musiker bereits mit allen gespielt, von Jeff Beck und Elton John bis hin zu John Mayer, Don Henley und B.B. King. Aber sein wahres Steckenpferd war der R&B-Bereich, und viele seiner größten Werke erscheinen auf Alben wie D’Angelos Meisterwerk aus dem Jahr 2000, „Voodoo“, und Erykah Badus „Mama’s Gun“ aus demselben Jahr. Auf beiden Alben legte Palladino sanfte, synkopierte Grooves hin, ähnlich wie es James Jamerson, einer seiner Helden, in den sechziger Jahren auf Motown-Platten tat. Seine Rolle in The Who gab ihm die größte Plattform seiner Karriere. Darauf ging er mit Nine Inch Nails und Simon and Garfunkel auf Tournee. „Als der Ruf kam, mit The Who zu spielen, arbeitete ich mit Erykah Badu und D’Angelo zusammen, und ich musste meinen ganzen Stil ändern“, sagte er. „Der Manager sagte: ‚John [Entwistle] ist tot. Kannst du in drei Tagen einen Auftritt in der Hollywood Bowl haben? So etwas lehnt man nicht ab. Erst danach habe ich über die Konsequenzen nachgedacht. Pete Townsends Anweisung lautete: ‚Spiel, was du willst, solange du nur laut spielst!“ https://www.youtube.com/watch?v=TRjiMN2qJHI

37. John McVie Im Zentrum des emotionalen Sturms namens Fleetwood Mac hat der robuste, einfühlsame John McVie Rock-Solidität der alten Schule mit kalifornischer Geschmeidigkeit vermischt und damit den Sound der Band fünf unvergleichlich ausgeglichene Jahrzehnte lang begründet. McVie begann Mitte der sechziger Jahre mit John Mayall & the Bluesbreakers, und er übertrug dieses Grundgerüst auf Fleetwood Mac (die Band, die nach ihm benannt wurde). Er bildete eine unerschütterliche Verbindung mit seinem Bandkollegen Mick Fleetwood in deren jam-lastigen Peter-Green-Tagen, die in die glanzvolle Buckingham-Nicks-Ära übergingen. Hits wie „Go Your Own Way“ und „Rhiannon“ haben eine subtile Härte, die unter den entspannten L.A.-Kollegen der Band hervorsticht – „Du bist ein Monster, John!“, rief Fleetwood aus, als er eine Wiedergabe von McVies „Go Your Own Way“-Lines in der Dokumentation „Classic Albums“ hörte – außerdem ist es unmöglich, an „The Chain“ zu denken, ohne dass einem die ikonische McVie-Basspause im Kopf hängen bleibt. „Ich versuche immer, mit der Kick-Drum reinzukommen“, sagte McVie. „Mick [Fleetwood] weiß, wohin ich gehe, und ich weiß, wohin er geht, so dass das Lied einrastet – hoffentlich jedenfalls.“

36. Les Claypool In den späten achtziger Jahren konnte man in der Bay Area einen Stein werfen und einen Thrash-Funk-Bassisten treffen, aber Les Claypool stach sofort aus der Legion der aggressiven Slap-Popper heraus. Der schlaksige Primus-Kapitän behandelte den Bass eher wie ein Lead- als wie ein Rhythmusinstrument und trieb die Songs mit allem an, vom hyperaktiven Klopfen auf dem Griffbrett (dieses morseähnliche Intro zu „Jerry Was a Race Car Driver“) bis zum blitzschnellen Anschlagen („Pudding Time“). „Eines der großen Dinge, zu denen ich mich am Anfang entschied, war, mit drei Fingern zu spielen“, sagte er einmal. „Viele Jungs spielen mit zwei Fingern, also dachte ich mir, wenn ich mit drei Fingern spiele, könnte ich schneller sein.“ Und obwohl der Mann einen wahrhaft donnernden Daumen hat, lässt sich sein Spiel ebenso sehr von Captain Beefheart inspirieren wie von Bootsy Collins. Mit einem eklektischen Klang, der seine selbsternannten „Piratenlieder“ über Alphamännchen, mythische Fischer und mörderische Hinterwäldler ergänzt. Er hat alles von Metal-Riffs – wie die gedämpften Triolen in „The Toys Go Winding Down“ – bis hin zu Ragas aus dem Nahen Osten in sein Spiel integriert; seine Nebenprojekte in Jam-Band-Supergroups wie Oysterhead und Colonel Claypool’s Bucket of Bernie Brains haben einige grandiose Improvisationen hervorgebracht. Außerdem erlaubt ihm seine derzeitige Partnerschaft mit Sean Lennon einige prog-psychedelische Umwege in die Phil-Zone. Mehr als alles andere hat Claypool den Bass davon befreit, einfach nur in den tiefen Lagen präsent zu sein. „Es hat mich wirklich angetörnt zu sehen, wie er sich dem Instrument näherte“, sagt Geddy Lee von Rush, der in den neunziger Jahren mit Claypool auf Tournee war. „Er sagte immer zu mir: ‚Du hast großen Einfluss auf mich‘, aber … er hat seinen eigenen Stil. Er hat ein Rhythmusgefühl, das ich [sehr] ansprechend finde.“ https://www.youtube.com/watch?v=dZz9kPxM7h4

35. Louis Johnson Hätte Louis Johnson nichts anderes getan, als die unerbittliche, schlurfende Basslinie zu spielen, die Michael Jacksons „Billie Jean“ formt und antreibt, würde er wahrscheinlich immer noch die Aufnahme in diese Liste verdienen. Aber als einer von Quincy Jones Session-Bassisten spielte Johnson eine Reihe von Hits aus den späten Siebzigern und frühen Achtzigern und trug dazu bei, einige der raffiniertesten, treibendsten Popmusiken der Geschichte zu schaffen. Er war ein Meister von James Jamsons melodischer Innovation – hören Sie sich die Hook von Jacksons „Off the Wall“ an, wenn Johnson eine gleitende Linie spielt, die so schneidig und präzise ist wie Jacksons spritziger Gesang. Aber Johnson verstand auch den Wert von Larry Grahams fensterrasselnder „thumpin‘ and pluckin’“-Technik. Da ist er wieder bei Michael McDonalds „I Keep Forgettin‘ (Every Time You’re Near)“, diesmal mit tief liegenden, hartnäckigen Parts. Es sollte eine Generation von Hip-Hop-Produzenten inspirieren. „Ich saß bei ihm und brachte ihm so gut wie möglich das bei, das ich bis dahin gehört hatte“, sagte Johnsons Bruder und Bandkollege George, der nach Louis „Thunder Thumbs“ den Spitznamen „Lightnin‘ Licks“ erhielt, einmal über die Einführung seines Bruders in den Bass. „Es war, als wäre man ein Star-Quarterback und würde den Ball abgeben. Louis war so begeistert davon. Er hob den Ball auf und rannte jedes Mal mit ihm zum Touchdown.“ https://www.youtube.com/watch?v=tPBDMihPRJA

34. Richard Davis Der Lebenslauf von Richard Davis aus den Sechzigern liest sich wie ein Überblick über einige der herausforderndsten und beständigsten musikalischen Aussagen dieses Jahrzehnts, von Meilensteinen des progressiven Jazz wie Eric Dolphys „Out to Lunch!“ und Andrew Hills „Point of Departure“ bis hin zu Van Morrisons Free-Folk-Meisterwerk „Astral Weeks“. Aber das ist nur ein Bruchteil seines Gesamtwerks: In den vergangenen mehr als sechzig Jahren hat er zudem die Bands, Sessions und Auftritte von Giganten wie Sarah Vaughan, Paul Simon und Igor Strawinsky bereichert. Davis zeigt sich am besten in intimen Umgebungen, in denen sein zutiefst einfühlsames Spiel glänzen kann. Sei es, dass er im Duett mit Dolphy in Duke Ellingtons „Come Sunday“ mitreißende Bogenstriche spielt, in „Meeting Across the River“ ein warmes rhythmisches Bett für Bruce Springsteens Geschichte eines Kleinkriminellen bietet oder in Stücken wie „Beside You“ unmöglich ergreifende Phrasen zaubert, um Morrisons Poesie zu ergänzen. „Für mich war es vor allem Richard“, sagte der Produzent von „Astral Weeks“, Lewis Merenstein, als er 40 Jahre später über die Platte nachdachte. „Richard war die Seele des Albums.“ https://www.youtube.com/watch?v=rM6k0l34FIw

33. Lemmy Motörheads Ikone „Ace of Spades“ beginnt mit Lemmy Kilmister, der eine stepptanzende Lead-Basslinie spielt, bevor er in eine Melodie fällt, die sich anhört, als ob sein Rickenbacker geradewegs in die Hölle fährt, während er davon singt, sich „zum Verlieren geboren zu fühlen“. Sowohl in seiner Poesie als auch in seinem Bassspiel ging es Kilmister in seiner Ästhetik um rücksichtslose Hingabe. Vor Motörhead war er ein Rhythmusgitarrist, der zum Bass wechselte, um bei den Space-Rockern Hawkwind zu spielen. „[Bass] ist genau wie Gitarre spielen ohne die oberen zwei Saiten“, sagte Kilmister einmal. „Ich machte einfach Akkorde aus den Saiten, die ich noch hatte. Es ist unorthodox, aber es funktioniert bei uns.“ Nachdem seine Vorliebe für Amphetamine ihn den Job bei Hawkwind gekostet hatte, entwickelte er seinen eigenen, düsteren Stil. „Lemmy hat mich in der Art und Weise beeinflusst, wie er die Verzerrung einsetzt – das war anders, neu und aufregend“, sagte Metallicas verstorbener Bassist Cliff Burton. Kilmisters Ansatz passte perfekt zu seiner sandpapierartigen Stimme und seinem Underdog-Witz, und das machte ihn einzigartig – eine Auszeichnung, auf die er stolz war. „Ich denke, ich spiele wie niemand sonst“, sagte er einmal. „Ich wollte immer John Entwistle sein, aber seit dieser Platz eingenommen wurde, wurde ich zu einer kleineren Version.“ https://www.youtube.com/watch?v=uNkZWCeyII8

32. Sting Sting hat im Laufe der Jahre so viel Aufmerksamkeit für seine Fähigkeiten als Songschreiber und Sänger erhalten, dass seine Technik als Bassist manchmal übersehen wird. Der ehemalige Police-Frontmann lernte gleichzeitig zu singen und zu spielen, indem er sich Schallplatten mit 78 Umdrehungen pro Minute anhörte, so dass er die Bassparts deutlicher hören konnte. „Ich hatte als Gitarrist in Clubs gearbeitet, dann lieh mir jemand einen selbstgebauten Bass, und ich verliebte mich in ihn – in die Dimensionen, in die Ästhetik – und mir wurde klar, dass ich Bass spielen und singen konnte“, erzählte er dem Magazin Bass Player. „Ich lernte, wie man die Parts von Paul McCartney auf Beatles-Songs spielt und sie gleichzeitig singt.“ Bei The Police steuerte er pochende, melodische Linien bei, die die ikonische Mischung der Band aus New Wave und Reggae zementierten. Man kann seinen Bass prominent auf „Every Breath You Take“ und „Roxanne“ hören, wo er die Gitarrenriffs von Andy Summers unterstützt, ohne sie zu überwältigen. Seinen kreativen Horizont hat er immer wieder erweitert, wie auf „44/876“, seinem 2018er Album mit Shaggy, wo seine geschmackvollen, dubbigen Auftritte die entspannten Grooves der Songs verankern. „Da kam ein goldener Sonnenstrahl vom Himmel herab, durch das Dach des Gebäudes, durch die Decke und landete auf diesem Bassisten“, sagte Police-Schlagzeuger Stewart Copeland, als er Sting 1976 zum ersten Mal auf der Bühne sah. „Und als damaliger Schlagzeuger in einer Band habe ich seinen Gesang gar nicht bemerkt.“ https://www.youtube.com/watch?v=s2o4zxtqNZ4

31. Bernard Edwards „Schauen Sie, haben Sie alles mögliche zu Hause, aber jeder braucht einen kleinen Freitagabend“, sagte Bernard Edwards von Chic 1979 über die obligatorischen Bestandteile einer Plattensammlung. Edwards baute auf seinem hingebungsvollen Studium von Jazz und Klassik auf, um der einflussreichste Disco-Bassist zu werden. Mit seinem Bandkollegen und langjährigen Freund Nile Rodgers verwandelte er jede Minute in einen Freitagabend und vertonte Tausende von Tanzflächen in den späten siebziger Jahren und darüber hinaus. Hätte er allein „Good Times“ aufgenommen – eine der meistgesampelten Basslinien der Geschichte und die Inspiration für den ersten Mainstream-Hit im Hip-Hop, „Rapper’s Delight“ – hätte er es auf diese Liste geschafft. Als Co-Songwriter, Produzent und Bassist bei Chic-Stücken wie „Le Freak“, „I Want Your Love“ und „Everybody Dance“ neben Hits von Sister Sledge („We Are Family“), Diana Ross („I’m Coming Out“) und Madonna („Like a Virgin“, „Material Girl“) verwandelte Edwards die kopfnickenden Riffs sofort in Tanz- und Popklassiker. Als die meisten Bassisten in den Hintergrund traten, kam der mühelos und fortwährend stilvolle Edwards nach vorne. Er starb 1996 im Alter von 43 Jahren. Aber solange es eine Hochzeit, eine Party oder einen anderen Grund gibt, buchstäblich alles zu feiern, wird sein Katalog unsterblich bleiben. https://www.youtube.com/watch?v=B6hy4O9t_r0

30. Bob Moore Als Hauptmitglied von Nashvilles berühmtem A-Team ist Bob Moores Kontrabassarbeit auf Hits von George Jones bis Bob Dylan zu hören. Zusammen mit anderen Session-Legenden wie Charlie McCoy, Buddy Harman, Ray Edenton und Hargus „Pig“ Robbins trug Moore mit seinem raffinierten Stil dazu bei, Nashville in eines der musikalischen Machtzentren der USA zu verwandeln, als Künstler wie Patsy Cline, Chet Atkins und Brenda Lee in den fünfziger und sechziger Jahren begannen, das Land mit Pop und Jazz am Klavier zu durchdringen. „Ich saß immer direkt neben Pig und beobachtete seine linke Hand“, sagte Moore, „und ich konnte jedes Mal erkennen, wenn er sich bewegte, und ich bewegte mich genau richtig mit ihm.“ Der eröffnende Bass in Roger Millers „King of the Road“? Das ist Moore, der schätzungsweise 17.000 Sessions in seiner Karriere gespielt hat. Moores Ansatz sollte dazu beitragen, die Rolle des Instruments in der Country-Session-Arbeit für immer zu verändern. „Damals war ein Bassist ein Komödiant in der Band“, sagte Moore über seine Anfänge im Nashville der 1940er-Jahre. „Ich war etwas Neues.“ https://www.youtube.com/watch?v=W9EcSkkLtF8

29. Tina Weymouth Die bahnbrechende Single „Psycho Killer“ der Talking Heads aus dem Jahr 1977 erzeugt eine unheilvolle Stimmung, noch bevor Frontmann David Byrne auch nur ein Wort singt. Das liegt daran, dass sie mit Tina Weymouth beginnt, die eine der eindringlichsten Bassparts der Rockgeschichte spielt. In den ersten acht Sekunden ist sie ohne Begleitung und bereitet so die Bühne für eine Geschichte von Wahnsinn und Angst, die eine der größten Bands der Geschichte auslöste. Es ist eine große Ungerechtigkeit, dass Byrne immer den Löwenanteil der Anerkennung für ihre Leistungen erhalten hat. Weymouth war ein entscheidender Teil des Songwriter-Teams der Talking Heads. Sie brachte mühelos Coolness in alles, was sie taten. „Hätte es keine Tina Weymouth bei Talking Heads gegeben“, sagte der Schlagzeuger der Band und Weymouths Ehemann der letzten 40 Jahre, Chris Frantz, „wären wir nur irgendeine Band“. https://www.youtube.com/watch?v=SiNP73OBIH0

28. Aston „Family Man“ Barrett Als die Hälfte der Rhythmusgruppe für Bob Marleys Wailers spielten Aston Barrett und sein jüngerer Bruder Carlton eine wichtige Rolle bei der Einführung des Reggae-Sounds. Doch der Einfluss des selbsternannten „Architect of Reggae“ reichte weit über dieses Genre hinaus in die Pop-, R&B- und Funk-Szene: Seine stolzierende Basslinie auf dem Instrumentalstück „The Liquidator“ der Harry J. All Stars von 1969 sollte drei Jahre später als direkte Vorlage für den Hit „I’ll Take You There“ der Staples Singers dienen. „Die Trommel ist der Herzschlag, und der Bass ist das Rückgrat“, sagte Barrett. „Wenn der Bass nicht stimmt, wird die Musik einen schlechten Rücken haben, so dass sie verkrüppelt wäre.“ Barrett war zutiefst von der Erzählweise seines Wailers-Bandleaders angetan, indem er Marleys Songwriting aufmerksam verfolgte, bevor er mit seinen eigenen Basslinien um die Ecke kam. „Es ist, als würde ich Bariton singen“, erzählte er über sein Basswerk. „Ich schaffe jedes Mal eine melodische Linie.“ https://www.youtube.com/watch?v=PIbdDwwbUYQ

27. David Hood Einige der funkigsten Platten der sechziger und siebziger Jahre – „I’ll Take You There“ von den Staple Singers, Etta James „Tell Mama“, Aretha Franklins „Oh No Not My Baby“, R.B. Greaves „Take a Letter, Maria“ – hatten eines gemeinsam: den Bassisten David Hood. Zuerst arbeitete er im Fame Studio in Muscle Shoals, Alabama, bevor er 1969 Teil der legendären Rhythmusgruppe der Stadt bei ihrem eigenen Muscle-Shoals-Sound wurde. Hood wurde aufgrund seiner Größe „Little David“ genannt; man kann hören, wie Mavis Staples ihn bei „I’ll Take You There“ während seines geschmeidigen Solos so nennt. Doch seine tiefen, pulsierenden Basslinien machten ihn zu einem Teil „einer Rhythmusgruppe, für die man sterben könnte“, wie Staples es bezeichnete. Bei der Arbeit mit seinen Muscle-Shoals-Kollegen, wie dem Keyboarder Barry Beckett und dem Schlagzeuger Roger Hawkins, war Hoods Bass gleichermaßen im Pop (Paul Simons „Kodachrome“, Rod Stewarts „The First Cut Is the Deepest“), Blues (Boz Scaggs „Loan Me a Dime“) und Rock-R&B-Fusionen (Bob Segers „Old Time Rock and Roll“) zu Hause. Sein anderes Vermächtnis: sein Sohn Patterson, der Sänger und Songwriter der Drive-By Truckers. Hood bleibt bescheiden, was seine Errungenschaften betrifft. Unter Bezugnahme auf einen weiteren Klassiker der Staple Singers, „Respect Yourself“, sagt er: „Da ist auch ein kleines Bass-Solo drin. Es sind nur ein paar Takte am Anfang und in der Mitte, aber das sind nur melodische Hooks. Wir haben nur versucht, Popmusik zu machen.“ https://www.youtube.com/watch?v=WRybwaGNqSg

26. Israel Cachao López Obwohl er seine wichtigste Innovation in den 1930er-Jahren machte, hat Israel Cachao López einen Einfluss ausgeübt, den man bis heute in der gesamten Popmusik hören kann. Er arbeitete mit seinem Bruder, dem Pianisten und Cellisten Orestes López, zusammen, um Mambo zu kreieren, eine afro-kubanische Fusion, die Salsa, kubanischen Jazz, R&B, Rock & Roll und damit die gesamte Konstellation des modernen Pop mit lateinischem Einfluss beeinflussen sollte. „Was kubanischen Ursprungs ist, ist auch afrikanischen Ursprungs“, sagte er Jahre später. „Die Afrikaner hatten ebenso viel Einfluss auf das, was kubanisch ist, wie die Konquistadoren. Da dies natürlich im Blut liegt, sind viele Dinge immer mit afrikanischem Einfluss entstanden“. Sein Spiel – ein üppiges Rumpeln sich überschneidender Linien, sondierend und doch elegant, mit entspannter Präzision neben den anderen Instrumenten gleitend – schuf eine perfekte Kulisse für die reichhaltige, freilaufende Improvisation, die dank einer weiteren Cachao-Innovation der 1950er-Jahre, der Descarga, einer vom Jazz beeinflussten Jam-Session, zum zentralen Element der kubanischen Musik werden sollte. Cachao zog in den sechziger Jahren in die USA, fand dort aber erst in den 1990er-Jahren und mit der Veröffentlichung des Zweiteilers „Master Sessions“ seine größte Anerkennung. https://www.youtube.com/watch?v=RnM2q_Ovi5o

25. Cliff Burton Als sich Metallica formierten, wollten James Hetfield, Dave Mustaine und Lars Ulrich nur noch auf fingerbrechenden Thrash Metal wüten – bis sie Cliff Burton trafen. Der Bassist hatte mit einer rivalisierenden Metal-Gruppe gespielt, und als sie ihn ein atemberaubendes Bass-Solo spielen hörten, wollten sie ihn so sehr bei Metallica haben, dass sie auf seinen Wunsch hin von Los Angeles in seine Heimat der San Francisco Bay Area umzogen. Als Burton in der Band war, stellte er den Jungs R.E.M., die Misfits und Bach vor und eröffnete ihnen eine neue Musikalität, indem er einigen ihrer härtesten Songs orchestrale Schnörkel und Bassvirtuosität hinzufügte. Sein Bass-Solo „(Anesthesia) – Pulling Teeth“ auf ihrem Debüt von 1983, „Kill ‚Em All“, ist ein aggressives Schaufenster der Improvisation klassischer Musik und Wah-Wah-Lyrik, während sein zartes Intro zu „Damage Inc.“ und die Mitte von „Orion“ zeigte, wie schön Thrash sein kann. Seine Konzepte fanden auch nach seinem Tod bei einem Busunfall 1986 weiterhin Anklang bei der Band. „Keine Respektlosigkeit gegenüber irgendjemand anderem, aber er war auf einem anderen Niveau“, sagte Ulrich einmal über Burton. „Als es an der Zeit war, [‚Anesthesia‘] auf eine Platte zu bringen, anstatt nur ein Bass-Solo zu spielen, machten wir daraus eher eine Komposition. Es verleiht ihr eine andere Dynamik, fast wie verschiedene Akte – wie der Erste Akt, der Zweite Akt und der Dritte Akt.“ Diese Sensibilität war so ausgeprägt, dass der Chefbassist des San Francisco Symphony Orchesters „Anesthesia“ als Hommage an Burton aufführen wollte, als das Orchestern und die Band 2019 zum zweiten Mal zusammenarbeiteten. https://www.youtube.com/watch?v=_91dBHNZ1KM

24. Geddy Lee Auf der Bühne mit Rush war Geddy Lee immer ein Meister des Multitasking, er spielte Keyboards und fußgesteuerte Synthesizer, während er waghalsige Gesangsparts präsentierte. Doch sein Bassspiel, hart und sehnig, aber dennoch wunderbar flink und mit genau der richtigen Portion Draufgängertum akzentuiert, ist es, was ihn für Fans von zukunftsorientiertem Rock zur Legende gemacht hat. Er ist eines der wichtigsten Bindeglieder zwischen Pionieren der Sechziger wie Jack Bruce und John Entwistle und Innovatoren der Neunziger wie Les Claypool und Tim Commerford von Rage Against the Machine. Lees Spiel verlieh jeder Ära der Band Charakter, Flair und überraschenden Funk, von Meilensteinen der siebziger Jahre wie „A Farewell to Kings“ bis hin zu New-Wave-Schätzen der Achtziger wie „Grace Under Pressure“ und stromlinienförmigen, knallharten Veröffentlichungen der neunziger Jahre wie „Counterparts“. „Er war derjenige, bei dem ich als 14-Jähriger dachte: ‚Junge, diese Sounds würde ich gern mal hervorbringen’“, sagte Claypool einmal über Lee. „Das versuche ich immer noch zu tun.“ https://www.youtube.com/watch?v=Q0UEngM9AXI

23. Bill Wyman „Es muss Hunderte von besseren Bassisten als mich geben“, sagte Bill Wyman 1974 zu Rolling Stone. „Ich meine, ich könnte nie so spielen wie Jack Bruce. Wenn ich in dieser Richtung ehrgeizig wäre, würde ich üben, [aber] ich tue es nicht.“ Doch während er sein Talent unterbewertete, sind seine Kollegen von den Rolling Stones anderer Meinung. „Bill Wyman ist ein unglaublicher Bassist“, sagte Keith Richards. „Ich bin immer noch erstaunt über Bills Geschmack in seinem Bassspiel… Er ist ein sehr sensibler Musiker.“ Wyman verdiente sich Richards Lob, indem er intelligente Harmonien unter dem ikonischen „Satisfaction“-Riff des Gitarristen spielte, ein sanftes Rumpeln unter „Jumpin‘ Jack Flash“ und Rhythmen, die unter dem Boogie-Woogie von „Rocks Off“ wackeln. „Ich bin kein fleißiger Bassist“, sagte Wyman. „Ich bin kein Stanley Clarke oder jemand in der Art. Für mich sollten sie Gitarre spielen, nicht Bass… Man braucht Eier in den tiefen Frequenzen… Man lässt den Platz für andere Leute frei, man füllt ihn nicht mit dem Bass aus. Lass viel Platz und lass das Stück von unten atmen.“ https://www.youtube.com/watch?v=9UtSSYEXlmo

22. Flea Die Red Hot Chili Peppers haben seit ihrer Gründung 1983 viele Schlagzeuger und Gitarristen durchlaufen. Aber Flea war ihr einziger Bassist, ein Musiker, dessen charakteristischer Sound – ein erdiger, wild charismatischer Hybrid aus Punk, Funk und Psychedelia – das Rückgrat der Band bildet. Geboren als Michael Balzary, wurde Flea stark von seinem Stiefvater als Jazzmusiker beeinflusst. „Mein Ziel war es, ein Jazztrompeter zu werden, aber dann kam ich in meine frühen Teenagerjahre und musste gegen meine Eltern rebellieren“, sagte er 2006. „Ich wollte einfach nur Punkrocker werden und Bass spielen.“ Außerhalb der Peppers spielte er 2003 auf dem Mars-Volta-Debüt, „De-Loused in the Comatorium“, und in der Spin-off-Band Antemasque. Im Jahr 2009 gründete er mit Thom Yorke die Gruppe Atoms for Peace und zeigte seine Vielseitigkeit bei Songs wie „Before Your Very Eyes…“ und dem schizophrenen „Reverse Running“. Aber es ist sein Spiel mit den Chili Peppers, das ihn so beliebt gemacht hat, mit seiner von Bootsy Collins inspirierten Slapping-Arbeit („Higher Ground“, „Sir Psycho Sexy“) bis zu seinen ergreifenden melodischen Momenten („Soul to Squeeze“, „By the Way“). „Die Red Hot Chili Peppers sind Flea“, sagte Anthony Kiedis 1994 zu Rolling Stone. „Er ist ein so wesentlicher Teil dieses Kuchens, dass es unmöglich ist, daran zu denken, dass die Band ohne ihn existieren würde.“ https://www.youtube.com/watch?v=XQJ0x5JtU2E

21. Geezer Butler Kurz nachdem er sich Black Sabbath angeschlossen hatte, wechselte Geezer Butler von der Rhythmusgitarre zum Bass und entdeckte seinen eigenen freilaufenden Stil. Da er noch nie die Art Bass gespielt hatte, die im ständigen four-to-the-floor den Sixties-Rock definierte, kam er mit der Sensibilität eines Gitarristen zu diesem Instrument und fügte den Parts von Tony Iommi Harmonien und verzierte Filigranarbeiten hinzu. Das Geheimnis der Wirkung von Black Sabbath liegt darin, wie Butler und Iommi ihre Instrumente zu einem großen, wuchtigen Klang stapelten. Bei „War Pigs“ spielte Butler ein bluesige Leadline unter Iommis langgezogenes Riffs, und in der Mitte des Liedes, wenn Iommi Solos spielt, fügt Butler sein eigenes jazziges, von Jack Bruce inspiriertes Fingerpick-Solo hinzu, wann immer der Gitarrist eine Note hält. Es liegt zudem ein Gefühl der Befreiung in seiner Spielweise, wie bei „Slipping Away“ von 1981, als er spielerische Solos mit Iommi tauschte. Außerdem bei seinem eigenen sumpfigen, wah-wah-inspirierten Solo „Bassically“, – ein Gitarrentrick, den er lange vor anderen Bassisten anwendete. Doch trotz seines offensichtlichen Könnens hat Butler seine Fähigkeiten stets heruntergespielt. „Weil ich ein Rhythmusgitarrist war, füllte ich die Lücken, die der Lead-Gitarrist hinterlassen hatte“, sagte er. „Das setzte ich mit dem Bass fort: der Rhythmusspieler zu sein. Ich habe mich nie als Bassist eingestuft, sondern nur das gespielt, was ich für jeden Song für nötig hielt.“ https://www.youtube.com/watch?v=LmzuiRLcD2E

20. Rick Danko Die Legende von The Band dreht sich um ihre Behaglichkeit, aber wenn man sich ihre klassischen Platten noch einmal anhört, kann man nicht überhören, wie funky sie waren. Rick Dankos Bassarbeit – sparsam, stilvoll und immer genau im Timing – war ausschlaggebend für den unnachahmlichen Galopp von Stücken wie „Up on Cripple Creek“ und „King Harvest (Has Surely Come)“. Danko wuchs im ländlichen Ontario auf, hörte die Grand Ole Opry über ein batteriebetriebenes Radio und sah seinem Vater bei Scheunentänzen zu. Er schloss sich 1961 den späteren Bandkollegen Robbie Robertson und Levon Helm in Ronnie Hawkins‘ Hawks an und holte sich wichtige Rhythmussektionstipps vom damaligen Pianisten der Gruppe, Stan Szelest, ab. Innerhalb weniger Jahre begleitete die Gruppe Bob Dylan auf seiner ersten „Plug-in“-Tournee. Sobald die Band anfing, etablierte sich Danko als die vertrauenswürdige Geheimwaffe der Gruppe. Eine Position, die er sowohl während der Anfangsphase als auch während der fruchtbaren Reunion-Ära innehatte. Während seiner gesamten Amtszeit ergänzte er seinen charakteristischen trällernden Gesang mit raffinierten viersaitigen Basslinien, die immer Hand in Hand mit Helms sumpfigen Grooves gingen. „Ich fühle mich beim Bass-Spielen genauso wohl wie beim Background-Gesang“, sagte er 1994 zum Magazin Bass Player. „Es sollte einen Hauch hinten dran sein. Es ist schön, die Spitze des Beats für den Gesang zu belassen und die anderen Teile um den Beat herum zu verteilen. Das gibt der Musik eine Art Riesenrad-Effekt und trägt sie mit sich.“ https://www.youtube.com/watch?v=-PvTHMixGL4

19. Verdine White Maurice White, ein versierter Sänger, Liedermacher und Schlagzeuger, holte 1970 seinen Bruder Verdine nach L.A., um sich den jungen Earth, Wind and Fire anzuschließen. Verdine hatte bei Louis Satterfield studiert, den er als „den James Jamerson von Chicago“ bezeichnete, und untersuchte Jazzmusiker wie Ron Carter und Richard Davis bis in kleinste Detail. Er brachte dies alles auf die eleganten, atemberaubend komplexen, millionenfach verkauften Alben von Earth, Wind and Fire. Die wichtigsten Singles der Gruppe waren eher schnelle Dance-Songs, aber es gibt mehr Raum, um Whites Spiel auf den Balladen zu würdigen: das schmetternde, aufsteigende Grollen, das „Can’t Hide Love“ eröffnet; die stacheligen, angreifenden Läufe in „Love’s Holiday“; die flinken, prägnanten Riffs, die „After the Love Has Gone“ untermauern. White hinterließ auch bei den Uptempo-Nummern einen Eindruck: Hören Sie, wie er „Beijo (Interlude)“ durchschneidet und die Noten zittern und wimmern lässt. In Interviews neigt White dazu, bescheiden zu sein und schreibt anderen einen Großteil der Anerkennung für seinen Spielstil zu. „Was ich in bei den Aufnahmen tun muss, ist sicherzustellen, dass ich den Sänger ergänze“, erklärte er einmal. „Wenn ich den Sänger nicht höre, werde ich spielen, aber er wird keine Fantasie haben.“ https://www.youtube.com/watch?v=-GUELBUz3ko

18. Chris Squire Viele Musiker kamen und gingen im Laufe der Jahrzehnte von Yes, aber die einzige Konstante (zumindest bis zu seinem Tod im Jahr 2015) war der Bassist Chris Squire. Die Prog-Rock-Giganten konnten ohne Titanen wie den Keyboarder Rick Wakeman und den Gitarristen Steve Howe überleben, aber Squires Arbeit war die Grundlage ihres Sounds. Squire ließ sich von Jack Bruce, John Entwistle und Paul McCartney inspirieren und hatte einen dicken, melodischen Sound, der alles von Prog-Klassikern aus den Siebzigern wie „Close to the Edge“ und „Awaken“ bis hin zu Pop-Hits aus den Achtzigern wie „Owner of a Lonely Heart“ antrieb. „Chris hat die Kunst, aus einer Bassgitarre ein Lead-Instrument zu machen, in eine andere Stratosphäre gebracht“, schrieb Wakeman zum Zeitpunkt des Todes seines ehemaligen Bandkollegen, „und gepaart mit seiner Schauspielkunst und seiner Sorge um jede einzelne Note, die er spielte, hat es ihn zu etwas Besonderem gemacht… Wir haben die beiden für mich größten Bassisten verloren, die der Classic Rock je gekannt hat. John Entwistle und jetzt Chris.“ https://www.youtube.com/watch?v=tBRRgXKNQBQ

17. Robbie Shakespeare Robbie Shakespeare und sein Rhythmus- und Produktionspartner, der Schlagzeuger Sly Dunbar, haben dem Reggae der letzten Jahrzehnte ihren sofort erkennbaren Stempel aufgedrückt. „Es war der ganze Körper des Basses, der Klang und die Art und Weise, wie er gegen den Schlagzeuger strömte“, sagte Dunbar, als er Shakespeares Spiel zum ersten Mal in den frühen siebziger Jahren hörte. „An einer bestimmten Stelle einer Melodie spielte er gefühlt drei verschiedene Themen, änderte es in der Bridge und der Strophe danach und erhielt dadurch vier verschiedene Themen“. Die beiden nahmen mit allen wichtigen Künstlern der goldenen Ära des Reggae auf und verliehen Klassikern wie Culture’s Two Sevens Clash und Peter Tosh’s Equal Rights eine flüssige melodische und doch unerbittlich solide Untermalung; sie glänzten im gummiartigen Negativraum des Dubs, fanden eine einzigartige Möglichkeit, in einem digitalen Kontext ein organisches Gefühl zu erzeugen, als in den achtziger Jahren der Dancehall aufkam, und belebten die Grooves auf Rock- und Pop-Alben von Grace Jones, Talking Heads, Bob Dylan, Mick Jagger und anderen. Kein anderes musikalisches Gebilde in der Post-Marley-Ära war so allgegenwärtig, um den Klang Jamaikas zu formen und in die Welt zu tragen. https://www.youtube.com/watch?v=Padjp3Fhnhg

16. Charlie Haden Das erste, was man in den ersten Sekunden von „Lonely Woman“ – Ornette Colemans Out-Jazz-Meisterwerk von 1959, das einen jungen Lou Reed und eine ganze Generation aufgeschlossener Zuhörer in seinen Bann zog – hört, ist Charlie Haden, der eine sehnsuchtsvolle, pulsierende Bassmelodie über Billy Higgins Double-Time-Ride-Becken klimpert. Sein Intro gibt der Melodie das Gefühl, uralt und fest geerdet zu sein, als würde sie aus der Erde wachsen. Das war Hadens große Gabe als Bassist, selbst dem zeitgenössischsten aller Stile – von Colemans freudig-unbeschränkten Ausflügen bis zum Outsider-Folk von Beck – ein Gefühl des Ewigen zu geben. Haden wuchs in Iowa auf und jodelte in der Radiosendung seiner Familie Countrysongs. Als er Charlie Parker spielen sah, entfachte sich eine Liebe zum Jazz. Nachdem er Ende der fünfziger Jahre für das College nach L.A. gezogen war, lernte er Coleman kennen, den Saxophonisten, der den nächsten radikalen Durchbruch des Genres anführen sollte. Haden war ein integraler Bestandteil von Ornettes Kernkonzept, das den Live- und Studiobands für die kommenden Jahrzehnte Muskelkraft und Auftrieb verlieh (unter anderem bei einem Gig 1968, bei dem sie Yoko Ono unterstützten) und die Coleman-Fackel in Satellitenprojekten wie Old and New Dreams trug. Andernorts war er fast überall dort zu finden, wo zukunftsorientierter, offenherziger Jazz gemacht wurde, sei es mit Pat Metheny, Keith Jarrett oder Alice Coltrane, in seinem eigenen, politisch motivierten Liberation Music Orchestra oder in einem warmen, einfühlsamen Trio mit Ginger Baker und Bill Frisell. Er fügte sich zudem nahtlos in die Zusammenarbeit mit Ringo Starr, K.D. Lang oder seinem Sohn und seinen Drillingstöchtern ein. „Charlie Haden spielt für die Existenz des Zuhörers“, schrieb Coleman einst. „Allein dieser Grund macht ihn zu einem musikalischen Guru.“ https://www.youtube.com/watch?v=vr35o9aqjfE

15. Donald „Duck“ Dunn Der in Memphis geborene Donald Dunn – dessen Vater ihm seinen lebenslangen Spitznamen „Duck“ gab, während die beiden sich gemeinsam Disney-Zeichentrickfilme ansahen – war kein Originalmitglied der einflussreichen Stax-Hausband Booker T. and the M.G.’s. Aber als er 1964 von Lewie Steinberg die Bassaufgaben übernahm, kam die Gruppe in Fahrt. Dunns Anstellung in der Band fiel mit der Entstehung der grundlegenden Southern-Soul-Platten von Otis Redding, Wilson Pickett und Sam und Dave zusammen. „Als es aggressiver und synkopierter wurde … war mein Stil angemessener“, sagte Dunn später. Er verankerte eine geschickte, vielseitige Rhythmusgruppe an der Seite von Schlagzeuger Al Jackson und meisterte urbane Pop-Balladen, Country-Soul-Mischungen und Uptempo-Gospel-getränkten Soul gleichermaßen. Hören Sie sich seine leise absteigende Basslinie bei der instrumentalen M.G.’s-Version von Sam und Daves „When Something Is Is Wrong With My Baby“ an. Gleiches gilt für Reddings „(Sittin‘ on) the Dock of the Bay“. Dunn, den Bootsy Collins einmal als einen „Baustein in unserem musikalischen Fundament“ bezeichnete, sollte später mit einem „Who is who“ der Rock- und Pop-Legenden spielen – Eric Clapton, Stevie Nicks, Bill Withers, Neil Young – aber es war seine einflussreiche Arbeit mit Booker T., Steve Cropper und Al Jackson, die die populäre Musik neu definierte. Wie Peter Frampton einmal sagte, schrieb Dunn „das Buch über das R&B-Bass-Spiel“. https://www.youtube.com/watch?v=CKGPrS1zi-Q

14. John Paul Jones Obwohl Led Zeppelin in den späten sechziger Jahren aus dem Nichts aufzutauchen schien, hatten sowohl Gitarrist Jimmy Page als auch der Bassist-Keyboarder John Paul Jones jahrelange Sessions hinter sich. Inspiriert von Motown-Platten und Jazz-Bassisten wie Charles Mingus spielte Jones unter anderem auf Aufnahmen von Donovan, Jeff Beck und Dusty Springfield, und er arrangierte die Streicher für „She’s a Rainbow“ der Rolling Stones. Als die Zeit für ihn gekommen war, die langsam fortschreitenden Leadlines von „Dazed and Confused“ und „What Is and What Should Never Be“ oder die aufladenden Rhythmen von „Immigrant Song“ und „The Song Remains the Same“ – in Harmonie mit Page – zu spielen, war es absolut natürlich. Sein Sinn für Musikalität sollte ihn auch weit über seine Zeit in Led Zeppelin hinausführen. „John fordert schweigend jeden heraus“, sagte Dave Grohl etwa zu der Zeit, als er mit Jones in Them Crooked Vultures spielte. „Seine Anwesenheit lässt dich das Beste spielen, was du spielen kannst, weil du ihn nicht enttäuschen willst. Und wenn du mithalten kannst, machst du dich gut.“ https://www.youtube.com/watch?v=u-pDYq2VpOQ

13. Stanley Clarke Eine ganze Generation von Bassisten – von Dave Holland mit Miles Davis über Miroslav Vitous und Jaco Pastorius mit Weather Report bis hin zu Rick Laird mit dem Mahavishnu Orchestra – trug dazu bei, die Raffinesse des Postbop der sechziger Jahre mit der Kraft des Arenarock zu verbinden. Aber es war Stanley Clarke, der die Rolle des Fusion-Bassgottes wirklich definierte. Clarke begann mit dem Kontrabass und wollte ein Leben in der klassischen Musik führen; die Begegnung mit Chick Corea bei einem Gig brachte ihn auf einen anderen Weg. Die beiden gründeten Return to Forever, eine der führenden Plug-in-Jazzgruppen der siebziger Jahre, und damit eine Band, in der Clarke sowohl die tiefen Töne halten als auch als Star-Solist zu Wort kommen konnte. Auf frühen Solo-LPs wie z.B. „School Days“ bewegte er sich weiter in Richtung Funk und zeigte seine erstaunliche Technik, wobei er stets auf den Groove achtete. In jüngerer Zeit hat er sich auf Film- und Fernsehaufnahmen verlegt, tauchte bei Becks unterschätztem Grammy-Gewinner „Morning Phase“ auf und inspirierte New-School-Koryphäen wie Thundercat (der kürzlich sagte: „Ich danke Gott, dass es einen Stanley Clarke als Bezugsrahmen für das gab, was mit dem Bass möglich ist“). „Bevor ich dazu kam, standen viele Bassisten im Hintergrund“, sagte Clarke einmal. „Es waren sehr ruhige Typen, die nicht den Eindruck machten, Musik zu schreiben. Aber viele dieser Bassisten waren ernsthafte Musiker. Alles, was ich tat, war einfach den Schritt zu wagen und meine eigene Band zu gründen.“ https://www.youtube.com/watch?v=TTKzRqysYmc

12. Willie Dixon Obwohl Willie Dixon am besten als einer der einflussreichsten Blues-Musiker der Geschichte in Erinnerung bleibt, dessen Lieder von Howlin‘ Wolf und Muddy Waters gesungen wurden, ist das nur ein Teil seines Vermächtnisses. Er spielte den Bass auf frühen Rockaufnahmen von Chuck Berry und Bo Diddley. Seine Melodien wie „I Can’t Quit You Baby“ und „I Ain’t Superstitious“ wurden von Led Zeppelin bis Megadeth von allen gecovert. Dixons erster Bass war ein „Tin-Can-Bass“, also ein Instrument aus leeren Dosen, über das behelfsmäßige Saiten gespannt waren. Irgendwann konnte er etwa 200 Dollar sparen, um sich einen Kontrabass zu kaufen. Um 1939 „boxte, arbeitete und spielte er, versuchte zu lernen, wie man Bass spielt“. Er lernte von den Einheimischen Baby Doo Caston und Hog Mason, bis er seinen eigenen wellenförmigen, genredefinierenden Stil entwickelte. „Nach zwei oder drei Wochen, warum, zum Teufel, konnte ich fast genauso gut spielen wie jetzt“, sagte er 1980. Als Berry ihm das Lied, aus dem „Maybellene“ werden sollte, zum ersten Mal vorspielte, fand Dixon es zu sehr Country & Western. Er sagte: „[Ich] hatte ich das Gefühl, dass eine Art bluesige Idee oder ein Gefühl, das nicht drin war, es zu einem besseren Lied machen würde“. „Willie Dixon ist der wichtigste [Einfluss auf mich]“, bezeugte außerdem Bill Wyman von den Rolling Stones einmal. „Ich habe Willie Dixon immer vergöttert, besonders, weil er mit Chuck Berry und Little Walter, Howlin‘ Wolf und vielen anderen bei Chess auf [Platten] war.“ https://www.youtube.com/watch?v=rpxNJcNRwFA

Grateful Dead bei einem ihrer letzten Konzerte in Chicago, 4. Juli 2015.

11. Phil Lesh Auf die gleiche Weise, wie die Grateful Dead neu konfiguriert haben, wie eine Rockband klingen sollte – lockerer und mehr jammend, zu gleichen Teilen Jazz und Country einbeziehend – ließ uns Phil Lesh den Bass auf eine neue Art und Weise hören. Der Gründer und langjährige Bassist von der Dead ist mit experimenteller und klassischer Musik aufgewachsen, dazu spielte er in der High School Trompete und Geige. Erst als er gebeten wurde, den Warlocks beizutreten, der ersten Version von Grateful Dead, nahm er sein zukünftiges Instrument in die Hand. Infolgedessen ignorierte Lesh die gängigen Walking-Bass-Klischees: „Ich hätte nicht gedacht, dass sich das für die Musik eignen würde, die ich mit Jerry machen sollte“, sagte er 2014. Seine Idee – „gleichzeitig Bass und Lead zu spielen“, seine in und um die Melodie herumschwirrenden Noten – wurde zu einem ebenso erkennbaren Teil des Klangs der Dead wie Garcias Gitarre. Sein unkonventioneller Sound ist in Studioaufnahmen wie „Truckin’“, „Shakedown Street“ und „Cumberland Blues“, der Live-Version von „Scarlet Begonias“ aus der legendären Cornell-Show von 1977 und vielen Live-Versionen von „Eyes of the World“ (beginnend mit „One From the Vault“ von 1975) zu hören. https://www.youtube.com/watch?v=I_Yf0VHLzr8

10. Ron Carter „Am Bass, das ist mein Mann, Ron Carter“, sagt Q-Tip stolz auf dem Outro zu A Tribe Called Quests super-funky „Low End Theory“-Track „Verses From the Abstract“. Ein Meilenstein für die Schnittmenge von Jazz und Hip-Hop. Der Song war nur ein weiterer Tag im Büro für den großen Ron Carter, der seit mehr als sechzig Jahren bei geschichtsträchtigen Sessions auftaucht. Mit mehr als 2.200 Credits im Herbst 2015 wurde er ein Jahr später mit einem Guinness-Weltrekord für den meistaufgenommenen Bassisten der Jazzgeschichte ausgezeichnet. Hinter den bloßen Zahlen ist die Bandbreite von Carters Lebenslauf erstaunlich. Von der Verankerung des Miles-Davis-Quintetts der Sechziger, das den Jazz auf molekularer Ebene umgestaltete, bis hin zum unerschütterlichen Drive der klassischen Roberta Flack- und Aretha Franklin-Seiten. Ob im unaufdringlichen Duo oder in einer beschwingten Big Band, Carter fügt immer einen Hauch von purer Klasse hinzu. „Ich glaube, Mr. Carter ist einer der perfektesten Zuhörer, die es je gab“, sagte Mitarbeiter und lebenslanger Fan Pat Metheny 2016. „Er hat an buchstäblich Tausenden von einzigartigen Schauplätzen gespielt und ist immer in der Lage, etwas zu finden, das das Beste aus seinen Kollegen herausholt, während er immer seinem eigenen sehr starken Identitätsgefühl treu bleibt.“ https://www.youtube.com/watch?v=Ll5ITrMfo50

Paul McCartney: Er hat zu viel geschrieben, um sich an alles zu erinnern

9. Paul McCartney Es ist schwer, Paul McCartney in irgendeiner Kategorie als unterbewertet zu bezeichnen. Aber bei all dem Lob, das er als Sänger, Songwriter und Live-Performer verdient hat, ist es gut möglich, dass er nicht genug für seinen unaufdringlichen Low-End-Elan bekommen hat. Den Bass hat er erst notgedrungen aufgegriffen, nachdem Stu Sutcliffe 1961 die Beatles in Hamburg verlassen hatte. „Es gibt eine Theorie, dass ich Stu böswillig aus der Gruppe herausgearbeitet habe, um an den Bass zu kommen“, sagte McCartney dem Biographen Barry Miles. „Vergessen Sie es! Niemand will Bass spielen, oder niemand wollte es damals.“ Aber er machte sich das Instrument zu eigen, insbesondere als die Studioabenteuer der Beatles in der zweiten Hälfte der sechziger Jahre begannen und er seinen Hofner gegen einen Rickenbacker austauschte. McCartneys Bass könnte eine kühle, beständige Stütze sein, wie auf „Lucy in the Sky With Diamonds“ und „Dear Prudence“, oder eine farbenfrohe Hauptfigur für sich – siehe „Paperback Writer“, „Rain“ und „A Day in the Life“. Alles Songs, in denen sein Spiel die Sehnsucht nach einem freieren oder aufregenderen Leben hinter alltäglichen Texten vermittelt. Sein verspielter, melodischer Stil in dieser Ära hatte viel von Motowns James Jamerson, der oft als Pauls größter Einfluss am Bass genannt wird; nach 1970 ging McCartney mit der Zeit und groovte mit „Silly Love Songs“ und „Goodnight Tonight“ königlich in die Disco-Ära hinein. Und obwohl sein Interesse an der viersaitigen Gitarre im Laufe der Jahre nachgelassen und zugenommen hat, hörte er nie auf, Generationen von Jugendlichen zu inspirieren, das Ausdruckspotenzial einer großartigen Basslinie zu erkennen. https://www.youtube.com/watch?v=obFcsEtFIKA

8. Jaco Pastorius „Mein Name ist John Francis Pastorius III, und ich bin der größte Bassist der Welt“. Das war Jaco Pastorius Eröffnungstext zu Joe Zawinul, als er den Weather-Report-Keyboarder bei einer Show 1974 in Miami hinter der Bühne traf. Zawinul höhnte damals, aber ein paar Jahre später, nachdem Pastorius der Gruppe beigetreten war und geholfen hatte, sie zu echten Fusion-Superstars zu machen, lachte er nicht mehr. Jacos selbstbetiteltes Debüt 1976, bei dem er mit Leichtigkeit Hochgeschwindigkeits-Bebop spielte und mit läutenden Obertönen blendete, setzte einen neuen Standard für die Virtuosität von E-Bässen. Im selben Jahr kam er zu Weather Report und begeisterte das Publikum mit seinem charakteristischen Fretless-Sound und seinem übermütigen Flair. Er verbannte für immer die Vorstellung, dass der Bass ein Hintergrundinstrument sei. So auffällig wie er war, war er auch ein hervorragender Mitarbeiter: Von Mitte der Siebziger bis in die achtziger Jahre – vor seinem tragischen Tod im Alter von 35 Jahren – passte Pastorius revolutionärer viersaitiger Ansatz perfekt zu allen, von Pat Metheny bis Jimmy Cliff, und insbesondere zu Joni Mitchells zunehmend abenteuerlichem Songwriting auf Alben wie „Hejira“. „Es war, als hätte ich ihn geträumt, weil ich ihm keine Anweisungen geben musste“, sagte Mitchell einmal über Jaco. „Ich konnte ihn einfach irgendwie loslassen und zurücktreten und seine Entscheidungen feiern.“ https://www.youtube.com/watch?v=8cpwaq7CxD4

7. Larry Graham Als Mitglied von Sly and the Family Stone half Larry Graham, die Slap-Bass-Technik mit Hits wie „Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)“ und „Dance to the Music“ populär zu machen. Er entwickelte den unübersehbaren, perkussiven Ansatz – Graham nennt es „thumpin‘ and pluckin’“ – während er in einem Trio mit seiner Mutter in San Francisco spielte. Als der Schlagzeuger aufhörte, sprang er ein: „Ich klopfte ich mit meinem Daumen auf die Saiten, um die Bassdrum auszugleichen, und zupfte mit meinen Fingern an den Saiten, um den Backbeat der Snare zu ersetzen“, erinnert sich Graham. Dieses Spiel brach in Sly-and-the-Family-Stone-Liedern aus, kehrte die traditionellen Rollen der Instrumente in der populären Musik um und hinterließ einen unauslöschlichen Eindruck bei nachfolgenden Ikonen wie Prince, einem Freund und häufigen Mitarbeiter Grahams, der ihn einst „meinen Lehrer“ nannte. „Wenn Sie sich Schallplatten aus den fünfziger Jahren anhören, werden Sie feststellen, dass die gesamte melodische Information sehr laut gemischt ist … und die rhythmische Information eher leise“, erklärte Brian Eno 1983. „Aus der Zeit von ‚Fresh‘ gibt es eine Umkehrung, bei der die Rhythmusinstrumente, insbesondere die Bassdrum und der Bass, plötzlich zu den wichtigen Instrumenten im Mix werden.“ Graham hatte eine einfache Erklärung für das Ganze: Wenn man mit so viel Kraft spielt, wird sichergestellt, dass „die Tänzer sich einfach nicht verstecken.“ https://www.youtube.com/watch?v=_lIbvj2EBqM

6. Jack Bruce Eric Clapton und Ginger Baker bekamen in Cream viel Aufmerksamkeit, aber Jack Bruce gab der Gruppe den Schub, um sie zu einem echten Power-Trio zu machen. Wenn Clapton seine hochfliegenden Blues-Licks spielte und Baker hinter seinem Schlagzeug jazzige neue Schichten erkundete, hielt Bruce, ebenfalls der Leadsänger der Gruppe, die Band mit schweren Basslinien, die immer in Bewegung zu sein schienen, zusammen. „Jack Bruce hat mir definitiv die Augen dafür geöffnet, was ein Bassist live alles kann“, sagte Black-Sabbath-Bassist Geezer Butler einmal. „Ich bin hauptsächlich wegen Clapton zu Cream gegangen … und ich war fasziniert von Jack Bruce‘ Spiel. Ich wusste nicht, dass ein Bassist diese Dinge tun kann, indem er dort einspringt, wo normalerweise die Rhythmusgitarre steht.“ Bruce spielte nervöse, taumelnde Linien unter dem Gruppengesang des Trios bei „I Feel Free“, kluge Harmonien bei „Sunshine of Your Love“ und im Grunde sein eigenes Riff unter Claptons bei „Strange Brew“. „Er war ein kleiner Kerl, aber sein Spiel war monströs“, sagte Leslie West von Mountain, der später mit Bruce spielte. „Er brachte seinen Bass zum Bellen, und alles, was er tat, war so melodisch.“ https://www.youtube.com/watch?v=2JQrSjJaRpQ

5. Carol Kaye Nachdem sie sich in Jazzclubs der Fünfziger die Zähne ausgebissen hatte und als Studiogitarristin für Schlagzeuger wie Sam Cooke auftrat, wurde Kaye zur meistaufgenommenen Bassistin aller Zeiten – mit mehr als 10.000 Titeln. Vom sonnigen Swing des Beach-Boys-Titels „Help Me, Rhonda“ aus dem Jahr 1965 über Richie Valens inzwischen klassisch gewordene Version von „La Bamba“ aus dem Jahr 1958 bis hin zu Frank und Nancy Sinatras romantischer Interpretation von „Somethin‘ Stupid“ aus dem Jahr 1967 – Kayes Fingerabdrücke finden sich überall in der Geschichte des modernen Pop. Und das schließt noch nicht einmal ihre unzähligen Film- und Fernsehshow-Soundtracks ein – sie gab den Titelsongs für alles Erdenkliche, von Batman bis Mission Impossible, ihr einzigartig grooviges Rückgrat. „Ich war Gitarristin und dachte: ‚Gott, das ist ja eine ganz einfache Basslinie’“, erzählte sie For Bass Players Only. „Ich dachte, der Bass könnte sich mehr bewegen und die Musik würde besser klingen. Ihre Star-Mitarbeiter stimmten offensichtlich zu. „Er sollte meinen Bass-Sound in den Mixen weit oben halten“, sagte sie 2011 über Brian Wilson. „Bei einem Song wie ‚California Girls‘ kann man manchmal kaum etwas anderes hören. Er mochte einfach meinen Sound und die Art, wie ich mich auf dem Griffbrett bewegte.“ https://www.youtube.com/watch?v=wOXHxIz065g&t=517s

4. Bootsy Collins Bootsy Collins – oder „Bootzilla“, „Casper the Friendly Ghost“ oder „The World’s Only Rhinestone Rock Star Doll, Baba“, je nach Song – definierte das Soul- und Funk-Bass-Spiel in den siebziger Jahren und, in Stellvertretung, Rap und Pop in den achtziger und neunziger Jahren neu. Collins schloss sich 1970 James Browns Band, den J.B.’s an und verschrieb sich sofort dem Konzept von „The One“ von Soul Brother No. 1, indem er den ersten Schlag eines musikalischen Taktes so hart wie möglich betonte und den Rest mit Funk erfüllte. Später dehnte er dieses Konzept in ein trippiges Wunderland aus, als er sich George Clintons Kabalen anschloss und in Parliament-Funkadelic einen matschigen Wah-Wah-Bass spielte. Danach ging er dazu über, als Frontmann seiner eigenen Band aufzutreten, inklusive sternförmiger Sonnenbrille und einem sternförmigen Bass. Ab da war er für karikaturhafte Liebeslieder, die er mit Comicbuch-Begeisterung sang, bekannt. Seinen Einfluss kann man in praktisch jedem nachfolgenden Bassisten hören, von Flea bis zu den Platten, die Dr. Dre großzügig gesampelt hat, um den G-Funk-Sound zu erzeugen. „Bootsy kam dazu und alles, was er hinzufügte … war die Betonung auf die Eins“, sagte George Clinton einmal. „Man könnte das zu ‚The ABC’s‘ hinzufügen, und es wäre in zwei Sekunden Funk. Und von da an war alles, was wir taten, wirklich funky, ganz egal, wie poppig wir zu sein versuchten.“ https://www.youtube.com/watch?v=IHE6hZU72A4

3. John Entwistle John Entwistle von The Who hatte viele Spitznamen, darunter „der Ochse“ wegen seiner imposanten Statur und seines endlosen Appetits. Außerdem „der Stille“ wegen seines stoischen Auftretens. Am treffendsten war jedoch „Donnerfinger“, ein Name, der ihm verliehen wurde, weil jedes Mal, wenn er eine Note auf dem Bass spielte, diese wie ein bösartiger Sturm klang, der über den Horizont zog. Es war ein Stil, den er entwickelte, um auf der gleichen Bühne mit den extravaganten Keith Moon und Pete Townshend gehört zu werden. Er brachte jedoch eine bemerkenswerte Flüssigkeit und Anmut in seine Rolle, wie man sie noch nie zuvor gehört hatte. Einfach ausgedrückt, behandelte er den Bass wie ein Lead-Instrument und ließ ihn so sehr hervorstechen wie jede Gitarre. Sein klobiges Solo auf „My Generation“ inspirierte unzählige Teenager dazu, den Bass in die Hand zu nehmen, obwohl es fast unmöglich war, sein Spiel nachzuahmen. „Entwistle war wohl der größte Rockbassist von allen“, sagte Geddy Lee von Rush, „er wagte es, die Rolle und den Klang der Bassgitarre zu nehmen und sie aus den trüben Tiefen zu schieben, während er diese erstaunlichen Sachen spielte.“ https://www.youtube.com/watch?v=ASJxApEz_YA

2. Charles Mingus Charles Mingus war so viel mehr als ein Bassist – Komponist, Konzeptualist, klassisch ausgebildeter Cellist, Sozialkritiker -, dass man manchmal leicht vergisst, wie viel Kraft er auf seinem Instrument hatte. Aber das Herzstück seiner üppigen, kaleidoskopartigen Stücke war ein unerbittlicher rhythmischer Antrieb, der von seinen Fingern durch die Saiten und direkt in seine Bands floss. Es klang so, als würden die Solisten auf einem riesigen Trampolin springen. Hören Sie ihn bei klassischen Kompositionen wie „II B.S.“ und „Better Get Hit in Your Soul“ zusammen mit dem Schlagzeuger und musikalischen Seelenverwandten Dannie Richmond, und Sie werden ein Gefühl für die Stärke und Anmut seines Spiels bekommen, die Art und Weise, wie er eine Linie sowohl unförmig als auch flink klingen lassen konnte. Mingus Karriere umspannte mehrere Epochen des Jazz, und seine Beherrschung des Instruments ließ stilistische Trennungen irrelevant erscheinen. Aus diesem Grund fühlte er sich überall zu Hause: In den späten vierziger Jahren mit Lionel Hamptons Big Band, in den fünfziger Jahren mit anderen Bebop-Größen (auf dem berühmten „Jazz-at-Massey-Hall“-Album mit Bassparts, die im Studio von Mingus überspielt wurden) und in den sechziger Jahren mit seinem musikalischen Idol Duke Ellington (auf dem unsterblichen „Money Jungle“). Obwohl er vor allem für seinen Beitrag zum Jazz bekannt war, war er nie an ihn gebunden, wie seine Zusammenarbeit mit Joni Mitchell und sein Einfluss auf Rockgrößen der Sechziger wie Jack Bruce und Charlie Watts zeigen. Sein ganzes Leben lang sprach sich Mingus ständig gegen diejenigen aus, die versuchten, sein künstlerisches Schaffen einzuschränken oder zu unterschätzen. Über die Ungerechtigkeit einer Umfrage von Jazzkritikern sagte er einmal: „Ich will keine dieser verdammten Umfragen. Ich weiß, was für ein Bassist ich bin.“ https://www.youtube.com/watch?v=__OSyznVDOY

1. James Jamerson James Jamerson war der Anker der Motown-Rhythmusgruppe und erweiterte die Möglichkeiten dessen, was für den Bass überhaupt möglich ist – und das mit einem Hit nach dem anderen. Er blieb jedoch weitgehend anonym, schließlich wurden Sessionspieler auf Motown-Aufnahmen aus den Sechzigern nur selten in den Credits erwähnt. „James Jamerson wurde mein Held“, sagte Paul McCartney einmal, „obwohl ich seinen Namen bis vor kurzem eigentlich gar nicht kannte“. Als Jamerson seine Karriere begann, wurde der Bass weitgehend als ein nützliches Begleitinstrument angesehen; die meisten Spieler hielten sich an „stagnierende Zweitakt- und Root/Fifth-Patterns und post-‚Under the Boardwalk‘-Klischee-Basslinien“, heißt es im Buch „Standing in the Shadows of Motown: The Life and Music of Legendary Bassist James Jamerson“. Jamerson trug dazu bei, das Feld zu revolutionieren, indem er seine Parts mit zusätzlichen Synkopen, zusätzlichen Akkorden, die melodische Tiefe und Komplexität verliehen, und tonalen Entscheidungen und Gospelharmonien anreicherte. Es ist unmöglich, auf die Schnelle alle seine Beiträge auf ikonischen Platten zu nennen. Zu seinen wichtigsten Motown-Aufnahmen gehören „My Girl“ von den Temptations, das sicherlich einer der Bassparts mit dem größten Wiedererkennungswert im gesamten Pop ist; Gladys Knights „I Heard It Through the Grapevine“, wo er einen sanften, aber gleichzeitig temperamentvollen Kontrapunkt zum nervösen Klavier spielt; und Marvin Gayes „What’s Going On“, das Jamerson in seiner hypermelodischen Bestform zeigt. „James ging einen Schritt über das hinaus, was Bassisten normalerweise tun“, erklärte Bob Babbitt, der auch auf mehreren Songs auf dem „What’s Going On“-Album Bass spielte. „Zuerst ging er Risiken ein und ließ sich gehen, und dann wurde das für ihn ganz natürlich, und mit diesem Prozess veränderte er die Geschichte des Bassspielens.“ https://www.youtube.com/watch?v=7DulLDLzsF4

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