Die 250 besten Alben des 21. Jahrhunderts – bis jetzt
Mit 25 Jahren dieses Jahrhunderts im Rückblick: Diese Alben haben unsere Zeit geprägt
Im 21. Jahrhundert wurde Musik universeller, unmittelbarer und zugänglicher als je zuvor. Am 1. Januar 2000 kostete eine CD im Durchschnitt etwa 18 Dollar. Wer 250 Alben legal besitzen wollte, musste dafür rund 4.500 Dollar ausgeben. Napster existierte bereits, und es war schon damals offensichtlich, dass die Ära der 18-Dollar-CD zu Ende ging. Doch selbst die optimistischsten Verfechter des digitalen Downloads hätten sich kaum eine Welt vorstellen können, in der jedes jemals aufgenommene Album auf einen kleinen Computer in der Hosentasche passen würde.
Ein so tiefgreifender Wandel in der kulturellen Konsumweise bringt zwangsläufig Licht und Schatten mit sich. Doch trotz aller technologischen Umwälzungen der vergangenen 25 Jahre – vom Brennen von CDs über den iPod und Filesharing bis hin zum Streaming – hat das Album als zentrales Format des intensiven Musikhörens überlebt. Zu Beginn dieses Jahrhunderts wurde das Album bereits totgesagt, weil das Herunterladen einzelner Songs die Oberhand zu gewinnen schien. Heute muss ein neues Album eines gefeierten Künstlers bedeutsam und gut genug sein, um eine neue Ära einzuleiten – andernfalls gilt es als Flop. Albumveröffentlichungen werden mit Countdown-Uhren erwartet, und Menschen zahlen bereitwillig 40 Dollar für eine neue „Vinyl“-Version von Platten, die sie bereits kostenlos besitzen.
Die größten Künstler waren oft auch die radikalsten Innovatoren. Man betrachte nur die Entwicklung zweier Superstars mit jeweils vier Alben auf dieser Liste: Beyoncé und Taylor Swift. In den frühen 2000er-Jahren bewegten sie sich noch in den von Hits und Radioplay geprägten Welten des Mainstream-R&B beziehungsweise Country. In den 2010er-Jahren revolutionierte Swift den Mainstream-Pop mit dem emotionsgeladenen Synth-Sound von „1989“, während Beyoncé mit „Lemonade“ ein eigenes musikalisches, persönliches und politisches Universum erschuf. In den 2020ern gingen sie noch weiter: Swift mit dem von Folk inspirierten Pandemie-Klassiker „Folklore“, Beyoncé mit ihren meisterhaften Genre-Studien „Renaissance“ und „Cowboy Carter“.
Ähnlich ambitionierte künstlerische Entwicklungen finden sich überall in unserer Liste – von Radioheads Dekonstruktion des Alternative Rock mit „Kid A“ über SZAs Neudefinition von entspanntem R&B als persönliches, intimes Spielfeld mit „CTRL“ und „SOS“ bis hin zu Lady Gagas Umwandlung von Megapop in eine Warhol’sche Kunstgalerie mit „The Fame Monster“. Oder Bad Bunny, der mit „YHLQMDLG“ und „Un Verano Sin Ti“ Reggaeton aus dem Club in kosmische Sphären hob. Und Kendrick Lamar, der mit „good kid, m.A.A.d city“ aus Compton heraus ein Rap-Album schuf, das so reichhaltig ist wie ein großer Roman. Das sind nur einige der größten Namen auf dieser Liste.
Bei der Zusammenstellung unserer 250 besten Alben des Vierteljahrhunderts wollten wir den gesamten Umfang dieser Geschichte so gut wie möglich abbilden. Daher entschieden wir uns, wenn nötig, eher für ein Album, das der Liste etwas Neues oder Bedeutendes hinzufügt, anstatt mehrere Alben eines einzigen Künstlers aufzunehmen. Dennoch geht es hier um Alben, nicht um Künstler – und manche Schwergewichte haben schlicht zu viele herausragende Platten veröffentlicht, um sie zu ignorieren. Wir können uns glücklich schätzen, all diese Musik zu haben – sie inspiriert uns, fordert uns heraus und hält uns bei Verstand. 2025 mag nicht allzu viel Anlass zur Zuversicht geben, doch der Berg großartiger Alben wird weiter wachsen.
NSYNC – „No Strings Attached“ (2000)
Wenn wir dem Teen-Pop-Svengali und späteren verurteilten Kriminellen Lou Pearlman für etwas danken können, dann dafür, dass er diese Jungs so wütend gemacht hat, dass sie ein ganzes Album darüber machten, wie sie sich wie Marionetten fühlten. NSYNC befanden sich in einem Rechtsstreit mit ihrem Management, als sie ihr zweites Album „No Strings Attached“ aufnahmen, und sie nahmen das Thema auf übertriebene Weise auf, einschließlich des mittlerweile ikonischen Covers der Gruppe als Stars in einer Marionettenshow. Das Album erschien auf dem Höhepunkt der Boyband-Manie der 2000er Jahre (es verkaufte 2,4 Millionen CDs in der ersten Woche), aber Justin Timberlake und Co. stachen heraus, indem sie ihr Klangspektrum erweiterten, mit R&B experimentierten und Lieder über Cybersex und die Euphorie des Gehaltschecks schrieben. —Angie Martoccio
Marina – „Electra Heart“ (2012)
Mit „Electra Heart“ schuf Marina Diamandis ein Electro-Pop-Album, das die Tumblr-Ära definierte und zum Kultklassiker wurde. Mit Ohrwürmern wie „How to Be a Heartbreaker“ und „Bubblegum Bitch“ porträtierte Marina zynische Archetypen der Weiblichkeit: eine Vorstadt-Hausfrau, ein gebrochenes Teenagerherz, eine Ehebrecherin und eine nach Ruhm strebende Schönheitskönigin. Mit roher Lyrik und meisterhafter Produktion haucht sie jedem Charakter Leben ein: „Wish I’d been a prom queen, fighting for the title / Instead of being 16 and burning up a Bible“, singt sie in „Teen Idle“. Sie bricht Herzen, lässt ihr eigenes Herz brechen, setzt sich unerreichbare Ziele und fühlt sich gefangen – und schafft dabei ein wunderschönes Album.—Tomás Mier
Car Seat Headrest – „Teens of Denial“ (2016)
Bevor Car Seat Headrest 2016 „Teens of Denial“ veröffentlichte, hatte Bandleader Will Toledo bereits eine Karriere voller Material veröffentlicht. Eine Reihe von acht selbstveröffentlichten Alben (plus einer Kompilation neu aufgenommener Favoriten) festigte seinen Status als DIY-Held, während „Teens of Denial“ ihn als indie-rock Talent seiner Generation bestätigte. Von Toledo als Bildungsroman beschrieben, behandelt das Album die romantischen, depressiven und von Drogen und Alkohol geprägten Strapazen des jungen Erwachsenenalters. Es ist ein respektvolles (und stark referenzielles) Rockalbum voller Angst, Verwirrung und Selbsthass, alltäglichem Grauen und schlechten Trips, das Toledo mit einer Intelligenz, Aufrichtigkeit und Ambition behandelt, die nur von der Fülle an großartigen Gitarrenriffs übertroffen wird. —Jon Blistein
Tyler Childers – „Purgatory“ (2017)
Der stolze Kentuckianer schuf mit „Purgatory“ ein wegweisendes Album, das in den Bluegrass seiner Heimat eintaucht, mit Anklängen von Outlaw-Country und sogar U2-artigem Anthem-Rock. Der düstere „Whitehouse Road“ zeichnete ein Bild eines harten ländlichen Lebens und der Längen, zu denen Einheimische gehen, um den Schmerz zu betäuben. Aber Childers sang auch von der Stärke, die ein Mann in der Hingabe an eine Partnerin finden kann: „Lady May“ war sein Liebesbrief an seine Frau, Senora May. Er fand auch Halt in der Meditation, die er in „Universal Sound“ teilt, einem Song, der von Gitarren im Stil von The Edge geprägt ist. Der Fanliebling bleibt jedoch „Feathered Indians“, eine Geschichte von Hingabe und roher Leidenschaft, die Childers, zur Enttäuschung seiner Fans, nicht mehr live spielt. —Joseph Hudak
Saba – „Care for Me“ (2018)
Auf seinem zweiten Album schafft es der Chicagoer Rapper Saba, zahlreiche Stimmungen und ernste Themen – von Sterblichkeit über Depression bis hin zu Leid – so leichtfüßig zu behandeln, als würde er einfach in einem örtlichen Café abhängen. Hell, cool und triumphierend stand Saba im Kontrast zu seinen kaltblütigen Drill-Kollegen und gab seiner Stadt Hoffnung, die 2018 etwa 561 Morde verzeichnete. „Smile“ ist eine süße Hymne an die Widerstandsfähigkeit trotz des Verlusts eines Freundes, und das erschütternde „Prom/King“, in dem Saba über jugendliche Ambitionen, Jungfräulichkeit und einen vermissten Freund rappt, ist so lebendig, dass man das Gefühl hat, direkt neben ihm zu stehen. Saba’s unbekümmerter Swagger gibt uns viel, um das wir uns kümmern sollten. —Will Dukes
The 1975 – „The 1975“ (2013)
Mit ihrem Debütalbum von 2013 ließen The 1975 reine, chaotische Dysfunktion wie den Inbegriff von Romantik erscheinen. Frontmann Matty Healy war ein tätowierter, kettenrauchender Messias auf dem Höhepunkt von Tumblrs Neudefinition der Ästhetik des Erwachsenwerdens. Er lieferte filmische Vorstellungen von blendender, betrunkener junger Liebe in „Robbers“ und John Hughes-artige Leidenschaft in „Heart Out“, nur um alles in „Girls“ und „Sex“ abzutun. Es gab stille Liebesaffären in „Settle Down“ und Hochzeits-Blackouts in „Menswear“. Und der jazzinspirierte „Pressure“ sowie die Klavierballade „Is There Somebody Who Can Watch You“ beschäftigen sich mit dem Kult der Berühmtheit. Das Album glänzt mit Geschichten, die dem Zuhörer Platz auf der Rückbank bieten, um Zeuge einer langen Nacht voller Sex, Drogen und Gitarren-getriebener Pop-Dekadenz zu werden. —Larisha Paul
21 Savage und Metro Boomin – „Savage Mode“ (2016)
„Ich bin der Bösewicht“, prahlt 21 Savage auf seiner ersten großen Veröffentlichung. „Savage Mode“ ist eine kurze und prägnante Sammlung von neun Songs, die den unverwechselbaren Flow des Atlanta-Rappers vorstellt – eine Stimme, die düster und emotionslos klingt, oder „ohne Herz“. Er setzt sie gekonnt ein, auch wenn Hörer, die mit Trap vertraut sind, davon ausgehen, dass die Behauptungen über Vergeltungsgewalt und das Erobern von Frauen eher theatralisch als realistisch sind. Metro Boomin untermalt 21 Savages Prahlereien mit gedämpften Synthie-Klängen, die an Minimal Techno erinnern, und verstärkt so die bedrohliche Atmosphäre. Rap-Fans mögen über den Platz von „Savage Mode“ im Kanon streiten, aber klar ist, dass dieser Auftritt von 21 Savage neue Klangmöglichkeiten in einem Subgenre eröffnete, in dem „harte“ Persönlichkeiten alles übertrumpfen. —Mosi Reeves
Pierce the Veil – „Collide with the Sky“ (2012)
Pierce the Veil fand auf ihrem dritten Album eine vorbildliche Balance zwischen Pop und Punk. Ein neu entdecktes Gespür für Melodie wird mit einer Dringlichkeit gepaart, die Frontmann Vic Fuentes nutzt, um ein Chaos durch theatralisches Storytelling zu umarmen. Die explosiven Highlights „Props & Mayhem“ und „King for a Day“ mit Kellin Quinn von Sleeping With Sirens werden von quälenden Emotionen heimgesucht. Es gibt den Tod, der mit den gutturalen Schreien von „Bulls in the Bronx“ erschüttert, und die verzweifelte Bitte, einer solchen Tragödie nie wieder zu begegnen, in „Hold on Till May“ und „Stained Glass Eyes and Colorful Tears“. Die Band spielt, als würde sie aktiv von einem Feuer verzehrt werden. —L.P.
Jenni Rivera – „La Gran Señora“ (2009)
Über den Klängen von Tololoche-Zupfungen und Trompeten-Tantarás der traditionellen Ranchera-Lieder auf „La Gran Señora“ singt die verstorbene mexikanische Musikdiva Jenni Rivera aus der Perspektive der unerschrockenen mexikanisch-amerikanischen Frau, die sie repräsentierte. Sie konfrontiert einen betrügenden Liebhaber in „Por Qué No Le Calas“, experimentiert mit Country in einer Coverversion von Freddy Fenders „Before the Next Teardrop Falls“ und liefert ein Trio von Radiohits mit „Ya Lo Sé“, „La Gran Señora“ und „No Llega El Olvido“, die allesamt Stammgäste bei tequila-getränkten Carne Asadas und Drag Shows sind. Das Album, das nur drei Jahre vor ihrem tragischen Tod bei einem Flugzeugabsturz veröffentlicht wurde, diente in vielerlei Hinsicht als Jenni Riveras Meisterwerk. Wie Selena in den Neunzigern wird sie seit ihrem Tod nur noch mehr verehrt. —T.M.
MJ Lenderman – „Manning Fireworks“ (2024)
Der Singer-Songwriter aus North Carolina, MJ Lenderman, lieferte mit seinem vierten Soloalbum eine perfekte Verbindung aus herzzerreißendem Folk und rauem Indie-Rock-Gitarrenklang. „Manning Fireworks“ ist voller lebendiger Geschichten von gescheiterten Typen, die sich durchs Leben schlagen, ein betrunkenes Desaster nach dem anderen – vom frisch Gehörnten in „She’s Leaving You“, der seine Trauer kuriert, indem er in einem gemieteten Ferrari herumfährt und Eric Clapton hört, bis hin zum Typen, der in seinem Zimmer in „Bark at the Moon“ in seine Einsamkeit abtaucht und Guitar Hero spielt. In jedem Song steckt eine schäbige Poesie und eine düstere Majestät, die Lenderman einen Platz im Kanon der traurigen Gestalten neben Größen wie Paul Westerberg, J. Mascis und Gary Stewart sichert. —Jon Dolan
Tyla – „Tyla“ (2024)
Nachdem sie die Welt mit „Water“ im Sturm erobert hatte, rockte Tylas Debüt die Schnittstelle der Dance- und Afropop-Bewegungen, die in den frühen 2020er Jahren aufgekommen waren. Ursprünglich im Frühjahr 2024 veröffentlicht, zeigte „Tyla“, wie die Sängerin mit ihrer sanften Stimme über sinnliche und prominente Fusionen von Amapiano und Afrobeats herrschte – aber sie verkörperte auch Hip-Hop mit Gunna, Dancehall mit Skillibeng und Latin-Musik mit Becky G an ihrer Seite. Bis zum Herbst machte die Deluxe-Version „Tyla+“ das Album noch stärker mit dem rohen Amapiano-Track „Shake Ah“, dem Highlife-beeinflussten „Push 2 Start“ und dem puren Pop-Herzschmerz von „Back To U“. Obwohl der junge Star ihren Sound um die Welt trägt, trägt jeder Track auf „Tyla+“ ein Stück ihres kontinentalen Zuhauses in sich. —Mankaprr Conteh
Doja Cat – „Hot Pink“ (2019)
Doja Cats zweites Studioalbum „Hot Pink“ war eine Demonstration der astronomischen Höhen, die die Rapperin und Sängerin erreichen konnte, wenn sie sich wirklich anstrengte, nachdem sie versehentlich das Internet mit dem unwiderstehlich eingängigen Viral-Song „Mooo“ verzaubert hatte. Sie war unwiderstehlich charismatisch in dem disco-inspirierten Hit „Say So“ und dem schlagfertigen „Rules“, das von verführerischen Gitarrenriffs durchzogen ist. Der hypnotische R&B-Ballade „Streets“ unterstrich Dojas Fähigkeit, sich in Genre und Tonfall zu verbiegen, während ihre Hitmacher- und Kollaborationsfähigkeiten in „Juicy“ und „Like That“ glänzten. Sie eröffnete das Album mit einer verlockenden Idee in „Cyber Sex“: „Let’s break the internet.“ Ihre mühelose Fähigkeit, genau das zu tun, festigte ihren Status als echte Star. —L.P.
Kurt Vile – „Smoke Ring for My Halo“ (2011)
Kurt Vile hatte sich bereits einen Ruf als Lo-Fi-Gitarrenvirtuose aus Philadelphia erarbeitet, als er seinen Sound für dieses bahnbrechende Album von 2011 polierte. Seine sanften, fingergepickten Schlaflieder („Baby’s Arms“) und trippigen Jangle-Odysseen („Jesus Fever“) passten perfekt zu seinen späteren Neil Young-artigen Rockern („Puppet to the Man“), und Produzent John Agnello schaffte es, sie alle wie potenzielle Hits aus einer alternativen FM-Radio-Welt klingen zu lassen. „Fingerpicking ist generell etwas Hypnotisches“, sagte Vile Jahre später zu Rolling Stone. „Ich fühle mich, als wäre ich ständig mehr ADHS, also muss die Musik hypnotisch sein.“ Am Ende des Albums hatte der Indie-Rock einen neuen, bescheidenen Gitarrenhelden. —Simon Vozick-Levinson
Ashlee Simpson – „Autobiography“ (2004)
Als Ashlee Simpson mit der Arbeit an ihrem Debütalbum begann, war ihre ältere Schwester Jessica bereits eine der berühmtesten Frauen der Welt. Es war der Traum der jüngeren Simpson, aus dem Schatten ihrer Schwester zu treten, und der raue, gitarrengetriebene Pop-Rock von „Autobiography“ verhalf ihr dazu, sich in einer ganz anderen musikalischen Klasse zu bewegen. In der Leadsingle „Pieces of Me“ sang sie einen klassischen Soft-Rock-Lovesong mit ihrem markanten heiseren Gesang, während „La La“ so frech und wild war wie ihr Image zu dieser Zeit: mit schwarz umrandeten Augen und einem Chaos aus Armbändern, Ketten und Gürteln an ihren baggy Hosen. Sie musste sich nie wieder Sorgen um den Schatten ihrer Schwester machen. —Brittany Spanos
Turnstile, „Glow On“ (2021)
Die Baltimore-Band Turnstile durchbrach mit „Glow On“ die Grenzen dessen, was Hardcore ausmacht, und schuf ein erfrischendes Durcheinander aus Rock, R&B, elektronischer Musik und Glitch. Von dem schnellen, spaßigen und wilden „Holiday“ bis hin zu „Blackout“, die beide an frühen 2000er-Punk erinnern und dabei dein Gesicht schmelzen lassen, läutete „Glow On“ eine ganz neue Klasse von Hardcore-Musikern ein, die keine Angst davor haben, nicht nur die Spinnweben abzuschütteln – sondern sie auch in Brand zu setzen. Betont durch Gastauftritte des Avant-R&B-Künstlers Dev Hynes und der Indie-Sängerin Julien Baker, schuf das Album eine überraschende kommerzielle Dynamik, die sogar zu ein paar Grammy-Nominierungen führte. —Brenna Ehrlich
Dua Lipa, „Future Nostalgia“ (2020)
Das zweite Album der albanisch-britischen Newcomerin Dua Lipa erschien in einem Moment, der sowohl schwierig als auch ideal war – es wurde wenige Wochen nach Beginn der Covid-19-Pandemie veröffentlicht, genau zur richtigen Zeit für eine Platte, die jedes Wohnzimmer in das Soundsystem eines exklusiven Clubs verwandelte. Dass „Future Nostalgia“ ein makellos produziertes Dance-Pop-Album war, half natürlich. Als Diva ist Lipa zwar keine klassische Powerstimme, doch ihr ausdrucksstarkes Alt besitzt eine gewisse Raffinesse, die sich in Songs wie dem selbstbewussten „Don’t Start Now“ und dem akrobatischen „Break My Heart“ als perfekte Ergänzung zu den hüpfenden Basslinien des Disco-Funks, den kantigen Gitarren und den treibenden Drums erweist. —Maura Johnston
C. Tangana, „El Madrileño“ (2021)
Es waren C. Tanganas Songwriting-Beiträge zu Rosalías „El Mal Querer“ im Jahr 2018, die ihm außerhalb seines Heimatlandes Spanien Bekanntheit verschafften. Drei Jahre später bestätigte „El Madrileño“ ihn als einen der visionärsten Köpfe der Latin-Musik, einen Gourmet-Maximalisten, der die Attribute des Urbano-Glamours als Sprungbrett ins Unbekannte nutzt. Er verschmilzt eine gezackte Bachata-Linie mit Flamenco-Hitze in „Tú Me Dejaste De Querer“, zelebriert die Langeweile der erotischen Dekadenz in „Demasiadas Mujeres“ und tauscht Zeilen mit dem argentinischen Godfather Andrés Calamaro in dem korrosiven Post-Rock von „Hong Kong“. Tangana umgab sich mit einer Reihe von erstklassigen Kollaborateuren – sogar die Gipsy Kings und José Feliciano sagen Hallo – aber der verrückte, hyperpop-orientierte Blickwinkel war ganz sein eigener. —Ernesto Lechner
Mach-Hommy, „Pray for Haiti“ (2021)
Zwei Säulen des Rap-Underdogs trafen auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte auf „Pray for Haiti“. Westside Gunns Gespür für Beats traf auf Mach-Hommys makellose Lyrik, was zu einem Projekt führte, das auf der kurzen Liste der beeindruckendsten lyrischen Übungen des Jahrhunderts steht. Beide Künstler sind produktiv, aber man hört die besondere Absicht hinter der Suite aus warmen Soul- und Jazz-inspirierten Beats von „Pray for Haiti“. Der Zusammenhalt gibt Mach eine starke Klanglandschaft, um seine Brillanz zur Schau zu stellen. Oberflächlich zeigt das Projekt seine rohe Reimfähigkeit, aber bei jedem Abspielen offenbart es sich als reiches Archiv kultureller und historischer Verweise auf Machs geliebtes Haiti. —Andre Gee
Khalid, „American Teen“ (2017)
Wie der Titel schon sagt, dokumentierte dieses Debüt von 2017 das Leben von Khalid Robinson, geboren 1998 und mit einem Gespür dafür, seine Erfahrungen in offenherzige, hooklastige R&B-Songs zu verwandeln. „Location“ war ein Hit, der an die Handy-Technologie geknüpft war; der Titeltrack war eine Hymne, die die Vorwahl seiner Heimatstadt El Paso nannte; „Winter“ war die weltkluge Liebesballade mit einem allerbesten Refrain. Und der Titel war nicht nur beschreibend. „Ich bin ein afroamerikanischer Mann mit einem Afro, der nicht der typische Athlet ist – der nicht so maskulin war wie andere Jungs“, sagte Khalid zu Rolling Stone. „Und jetzt sehen die Leute mich so, als wäre ich ‚The American Teen‘.“ —Christian Hoard
Swearin‘, „Swearin‘“ (2012)
Das selbstbetitelte Debüt der Philly-Brooklyn-Punkband Swearin‘ ist ein unterirdisches Juwel der frühen 2010er Jahre, eine hooklastige, lyrisch kraftvolle Kollision aus Pop-Punk, Riot Grrrl und Indie-Rock. Die Co-Sänger und Songwriter Allison Crutchfield (Schwester von Waxahatchees Katie) und Kyle Gilbride verbanden einen unbezwingbaren DIY-Geist mit der Angst und den Ambitionen, die die frühen Zwanziger definieren, wenn das Leben am chaotischsten und glorreichsten, verwirrendsten und klarsten, hoffnungslosesten und hoffnungsvollsten erscheint. Das Album gipfelt in „Movie Star“, wo Crutchfield all diese optimistische Unruhe auf den Punkt bringt: „You and me don’t earn much pay / But you and me got enough to get away / If we want to.“ —Jon Blistein
