Die 200 größten Sängerinnen und Sänger aller Zeiten
Von Sinatra bis SZA, von R&B über Salsa bis Alt-Rock – die 200 größten Sängerinnen und Sänger.
40 Aaliyah
Das vielleicht Bemerkenswerteste an Aaliyahs Stimme war neben ihrer Flexibilität und ihrem klaren Tonumfang ihre fast übernatürliche Gelassenheit – sie schien ihre Kraft immer in Reserve zu halten, jede Seite der Szenarien zu kennen, die sie beschrieb. Doch diese stimmliche Zurückhaltung bedeutete nicht, dass ihre emotionale Bandbreite begrenzt war – ganz im Gegenteil.Aaliyahs vorsichtige Phrasierung verströmte Wärme, wenn der Song sinnlich war, und ihre musikalische Intelligenz war immer ganz nah an der Oberfläche.Wir werden nie herausfinden, wie viel tiefer und reicher sie mit dem Alter hätte werden können; sie verstarb tragisch im Alter von 22 Jahren im Jahr 2001.Aber die Spuren, die sie in den Neunzigern in R&B und Pop hinterlassen hat, bleiben für immer.-M.M.
39 Louis Armstrong
Die moderne Ära der amerikanischen Popmusik beginnt mit Louis Armstrong. Seine Stimme mit dem unverwechselbaren kiesigen Ton war auch sofort liebenswert und wirkte sowohl komisch („You Rascal You“ von 1931) als auch tragisch (sein „Black and Blue“ von 1929 wurde zu einem Titelsong). Darüber hinaus veränderte sein lockerer, scharfer Sinn für Swing das Rhythmusgefühl der Popmusik völlig – nicht nur bei den Instrumenten, sondern auch beim Gesang. Hören Sie sich diese Studioaufnahme aus den fünfziger Jahren an, in der er Lotte Lenya – der Sängerin, die den Song geschrieben hat – den Swing von „Mack the Knife“ beibringt. Hören Sie, wie eifrig sie lernt – weil sie wusste, dass sie von den Besten lernt. Ganz zu schweigen von seinem revolutionären Trompetenspiel. -M.M.
38 Curtis Mayfield
Manche Musiker tummeln sich in der Falsettlage; Curtis Mayfield lebte dort und sang mit einem honigsüßen Croon, das zu den mitreißendsten Gesangsstrukturen gehört, die je in der Popmusik zu hören waren.Es war ein Sound, der perfekt zum Doo-Wop- und Gospel-Ansatz der Impressions passte – Mayfields Hauptstimme in People Get Ready“ hat einen engelsgleichen Ursprung – und genauso gut im Kontext der straßentauglichen, oft auf Protest ausgerichteten Soloarbeit des Sängers funktionierte, ob er nun die Geschichte eines Opfers der Ghettoforderungen“ in Pusherman“ oder den gewaltsamen Tod eines Freundes in Billy Jack“ schilderte.“Das Schöne an seinem Gesangsstil ist, dass seine Stimme sanft und zugänglich ist, nicht aggressiv oder bedrohlich“, sagte Sänger Aloe Blacc 2012 über Mayfields Vortrag, „aber gleichzeitig sind die Texte kraftvoll und politisch aufgeladen.“-H.S.
37 Van Morrison
Um den Höhepunkt von Van Morrisons stimmlicher Genialität zu erleben, muss man über die Worte hinausgehen.Zum Beispiel in der hinteren Hälfte einer Performance von „Listen to the Lion“ aus dem Jahr 1974, wo er mit honigsüßem Gekrächze und glückseligem Brummen beginnt, ein Dutzend verschiedene Kadenzen des Wortes „you“ ausprobiert und sich schließlich in ein regelrechtes Grunzen und Stöhnen hineinsteigert. Seit seinen frühen Tagen bei Them, über die offenkundig mystischen Jahre von Astral Weeks und Veedon Fleece, bis hin zu seiner aktuellen Inkarnation als ruppiger R&B-Songman (ja, mit zutiefst falschen Ansichten über Covid-19-Impfstoffe und Lockdowns), hat er immer versucht, das Stöhnen und Schreien seiner Idole wie Lead Belly und Ray Charles mit einer unersättlichen Suche nach dem zu vereinen, was Greil Marcus (via Ralph J. Gleason) gerne als „the yarragh“ bezeichnet – die grundlegende Wahrheit eines bestimmten Songs. -H.S.
36 Kurt Cobain
Kurt Cobains Stimme war ein Klang, der mit sich selbst auf Kriegsfuß stand: oft hart bis hin zur Groteske, aber selbst in den hässlichsten Momenten entschlossen melodisch. Es ist eine Mischung, die aus seinen vielfältigen stimmlichen Einflüssen entstanden ist, vom twee sing-song von Eugene Kelly und Frances McKee von den Vaselines bis zum verwundeten Knurren von Greg Sage von den Wipers. Das Ergebnis war eine Stimme, die die Hooks im ätzenden Noise-Metal von „School“ oder „Breed“ finden und die Rasierklinge im Zentrum des Grunge-Pop-Apfels in „Drain You“ oder „In Bloom“ freilegen konnte.“Für mich war es immer die Stimme, die mich umgehauen hat“, sagte John McCauley von Deer Tick, der Nirvana mit den überlebenden Mitgliedern der Band gecovert hat, dem Rolling Stone.“Ich hatte schon Leute mit kiesigen Stimmen gehört, aber Kurts Stimme war anders.Es ist keine schöne Stimme; er war keineswegs ein ausgebildeter Sänger. Aber sie gab mir Hoffnung.“-H.S.
35 Dusty Springfield
Frech und sexy, witzig und traurig – Dusty Springfield konnte eine Wand aus Sound durchbrechen (ihr Debüt „I Only Wanna Be With You“ von 1964), die lüsterne Schüchternheit von „The Look of Love“ wiedergeben oder das verführerische sexuelle Selbstbewusstsein von „Breakfast in Bed“ ausstrahlen.Bei „What Have I Done to Deserve This“, ihrem 1987er Hit mit den Pet Shop Boys, fügte sie sich nahtlos in den Techno-Pop-Kontext ein.Ihr Höhepunkt ist natürlich ihre gehauchte, verletzliche und letztlich freudige Stimme auf „Son of a Preacher Man“, der Höhepunkt einer Künstlerin, die viele als die größte weiße Soulsängerin aller Zeiten bezeichnen.-J.G.
34 Thom Yorke
Das verletzte Falsett, das tausend Chris Martins hervorgebracht hat – von denen keiner auch nur annähernd an Thom Yorkes gequältes Wehklagen auf „Street Spirit“, seinen außerirdischen hohen Ton auf „Let Down“ oder sein seltsam magnetisches Gemurmel auf „Wolf at the Door“ heranreicht. Was diese anderen Millennial-Jammerer nicht nachahmen konnten, war der echte Hauch von Entfremdung in Yorkes Stimme, das Gefühl, dass er es wirklich ernst meinte, als er darüber sang, dass er sich von Autos, Computern und Minotauren ausgeflippt fühlt.Wenn Sie sich auch so fühlten, war er Ihr Mann.“Ich hatte schon immer diese kathartische Wirkung von Musik“, sagte er Jahre später in einem Interview.“Auch wenn es in Momenten großen Stresses sehr schwierig ist, sich mit Musik auf diese kathartische Weise zu verbinden, habe ich festgestellt, dass man sich doch verbindet.Am Ende wird man von der Musik überrascht. Sie erwischt einen unvorbereitet. Das ist eine typisch zurückhaltende, aber eloquente Art, das Geschenk zu beschreiben, das er der Welt in den letzten 30 Jahren gemacht hat. -S.V.L.
33 Bessie Smith
Der Weg zur Queen of Soul – und darüber hinaus – beginnt mit der Kaiserin des Blues.Bessie Smiths Uptown-Blues der 1920er und 30er Jahre machte sie zu Mahalia Jacksons Lieblingssängerin, inspirierte Dinah Washington zu einem Tribut-Album an sie und bewegte Janis Joplin dazu, einen Grabstein für ihr Grab zu kaufen.Ob sie ihren „Down Hearted Blues“ intim deklamiert oder „‚Tain’t Nobody’s Bizness If I Do“ mit freudiger Ausstrahlung schmettert, Smith klingt wie eine große Schwester von Lizzos Shout und Rhiannas Moan – Vorfahrin aller Sängerinnen und Sänger, die wie Könige glänzen und dennoch bodenständig bleiben. -D.C.
32 David Bowie
David Bowies satter Bariton und seine schauspielerische Intonation ließen ihn für Ohren, die mit bluesigen, gesprächigen Gesangsstilen aufgewachsen sind, zunächst distanziert erscheinen.Doch sein Gesang war nicht distanziert, und je mehr er sich in die Rolle des Rockstars hineinversetzte, desto lockerer und souveräner wurde er – vor allem bei den energiegeladenen Rave-Ups, bei denen er die Szenerie stimmlich zerfetzte.In der Tat war dies ein fester Bestandteil seiner theatralischen Unverfrorenheit – „Life on Mars?“ trug dazu bei, die Vorlage für die Power-Ballade zu schaffen.Und seine vielen Détentes mit amerikanischer Soul-Musik brachten einige seiner reichsten Gesänge hervor; der Falsett-Ausbruch von „Young Americans“ könnte Bowies königlicher Höhepunkt gewesen sein. -M.M.
31 Luther Vandross
Der Soul-Crooner Luther Vandross wurde während seiner Auftritte oft als „die Samtstimme“ bezeichnet, und sein weicher, geschmeidiger Tenor verlieh langsamen Stücken wie dem prickelnden „Here and Now“ Wärme und emotionalen Stücken wie dem sehnsüchtigen „A House Is Not a Home“ und dem schwermütigen „Dance With My Father“ Ergreifung.Vandross entwickelte im Laufe seiner Karriere ein ausgeprägtes Wissen über den Gesang als Kunstform. 2010 sprach der Session-Musiker Marcus Miller mit NPR darüber, wie genau Vandross seine anderen Sänger studierte und wie er die Techniken von Künstlern wie Dionne Warwick und Donny Hathaway verstand, um Emotionen zu wecken.Aber obwohl er ein Gelehrter des Gesangs war, wirkten seine Auftritte herzlich und mühelos.-M.J.
30 Hank Williams
Als Sänger konnte Hank Williams jodeln, stöhnen, krächzen, zittern, wimmern, schreien oder – im Falle seiner Luke the Drifter-Platten – predigen.Er besaß die unheimliche Fähigkeit, die ganze Gefühlswelt eines Songs in die Darstellung einer einzigen Welt zu packen:Die Art und Weise, wie er in „Cold Cold Heart“ das Wort „apart“ singt, ist von verheerendem Herzschmerz geprägt.Als er in „Hey, Good Lookin'“ sang: „What, you got cookin‘?“, vermittelte sein überschwängliches und langgezogenes „What“ eine romanhafte Hintergrundgeschichte über den aggressiv koketten Erzähler des Songs.Oder die Erlösung in seiner zitternden Kühle, wenn er „Cool Water“ singt.Warum sind die Songs von Hank Williams auch fast 75 Jahre später noch Country-Standards?Ein großer Teil des Grundes liegt darin, wie die Country-Legende sie zum ersten Mal vortrug.-J.B.
29 Chaka Khan
Chaka Khans Gesangsdarbietungen können ein wahrer Nervenkitzel sein – man höre sich nur an, wie sie das Ende des von Prince komponierten „I Feel for You“ beherrscht und auf Melle Mels Aufforderung, sie zu „rocken“, mit einem langgezogenen „Iiiiiiii“ antwortet, bei dem sie ihre stimmliche Ausdauer und Bandbreite unter Beweis stellt.Dieser Moment allein würde ihre Aufnahme in diese Liste rechtfertigen, aber ihr Katalog sowohl als Solokünstlerin als auch mit der Funk-Band Rufus hat noch viel mehr zu bieten, dank der Art und Weise, wie sie jede Emotion aus dem Park werfen kann: ihre abwärts gleitenden Strophen in „Tell Me Something Good“ werden durch ihren vollkehligen Schwung im Refrain ausgeglichen, während sie die Proto-Girl-Power-Hymne „I’m Every Woman“ mit der Inbrunst von jemandem beherrscht, der bereit ist, ihre weiblichen Mitstreiterinnen ins gelobte Land der Gleichberechtigung zu führen.-M.J.
28 Mahalia Jackson
Auch heute, 50 Jahre später, verkörpert niemand das Bild der „Gospelsängerin“ wie Mahalia Jackson: eine große Frau mit einer noch größeren Stimme, die Hände vor sich verschränkt, die Augen himmelwärts gerichtet oder zugekniffen – in der Verwunderung darüber, wie sie es geschafft hat. Jackson, die zu baptistischer Feierlichkeit und heiligem Überschwang fähig ist, hat bei ihren nie gleichbleibenden Darbietungen von „Didn’t It Rain“ und „Take My Hand, Precious Lord“ sowohl bluesige, galeerenhafte Improvisationen als auch ein spitzenmäßiges Falsett zu bieten.Ihre Altstimme war technisch gesehen begrenzt, aber sie bog und schmiedete diese Grenzen in das solide Gestein des amerikanischen populären Gesangs.-D.C.
27 Dolly Parton
Klar wie die Luft in den Bergen, reif wie ein Pfirsich, mädchenhaft bis ins mittlere Alter, aber auch sehr reif – Dolly Partons Stimme ist weit mehr als, wie sie es einmal einprägsam beschrieb, „eine Kreuzung aus Tiny Tim und einem Ziegenbock“.Sie ist so rein wie nur möglich – und doch scheint ihr Pop-Crossover in den späten Siebzigern im Rückblick so natürlich wie ihr Multimedia-Star, ein offensichtliches Nebenprodukt ihrer Anziehungskraft.Hören Sie sich „Jolene“ noch einmal an und lassen Sie sich von der unaufdringlichen, erschütternden Dramatik von Dollys Refrain einfangen.Hören Sie sich die elastischen Vokale und die tiefe Hingabe der von Porter Wagoner geschriebenen Hymne „When I Sing for Him“ an. -M.M.
26 Paul McCartney
Paul McCartney ist in so vielen Bereichen ein Genie – beim Songschreiben, bei der Produktion, beim Spielen aller Instrumente, vor allem aber des Basses -, dass es keine geringe Behauptung ist, dass er vielleicht ein besserer Sänger ist als alles andere.John Lennons Schrei war für die Ewigkeit, aber Pauls Schrei war fast genauso intensiv und sogar noch virtuoser (siehe „Helter Skelter“).Er kann sich einer Ballade so zärtlich nähern, dass er auch schwache Texte zu brillantem Leben erweckt – niemand wird jemals sein Original Here, There and Everywhere“ übertreffen. Und von „I Saw Her Standing There“ über „Band on the Run“ bis hin zu den spannungsgeladenen Momenten des jüngsten McCartney III – nur wenige im Rock können es mit ihm aufnehmen, wenn es um den reinen Gesang geht. -M.M.
25 Mary J. Blige
Als Kind flüchtete sich Mary J. Blige in den Gesang, und schon früh kämpfte sie bei ihren Auftritten oft mit ihren Dämonen.“Es gab Zeiten, in denen sie im Studio sang und es war die tollste Aufnahme der Welt, aber sie weinte“, erinnert sich Produzent Chucky Thompson an die Arbeit an Bliges zweitem Album My Life.Doch die Sängerin bekam ihr Leben und ihre Karriere besser in den Griff, und auch ihr Gesang wurde besser – die tiefen Emotionen blieben erhalten, die Heiserkeit verschwand.Vor allem aber der Charakter – jemand, der alles durchgemacht hat und sich weigert, aufzugeben.-M.M.
24 George Jones
George Jones‘ dynamische Bandbreite war riesig, und er nutzte sie voll aus, aber er schien selten zu protzen.Obwohl seine gute Laune äußerst unterhaltsam sein konnte, vom rasanten frühen „Why Baby Why“ bis zum albernen späten „Yabba Dabba Doo!(So Are You)“, war Jones der Meister des Grübelns in der Country-Musik.Die Art und Weise, wie er mitten in einer Zeile auf ein Wort eintaucht („He said, ‚I’ll love you till I die'“, der Opener von „He Stopped Loving Her Today“ aus dem Jahr 1980), um dem Wort und dem Zuhörer einen Schauer zu verpassen, vermittelte den Eindruck eines Mannes, der so voller Gefühle ist, dass er nicht weiß, was er damit anfangen soll, und die in Anfällen aus ihm herausbrechen. -M.M.
23 Smokey Robinson
Smokey Robinson ist ein Gigant als Songwriter, aber seine Stimme ist das Herzstück seiner Legende.Wie seine Motown-Kollegin Martha Reeves sagte: „Mit seinem Ton und seinem Vortrag könnte man sich in Smokey verlieben.“Das Motown-Imperium wurde um Robinson herum aufgebaut – wenn er diese unfassbar zarten hohen Töne trifft, ist das die Essenz des romantischen Flehens.Er wuchs mit dem Doo-Wop der fünfziger Jahre auf, aber mit den Miracles erfand er seinen eigenen Soul-Stil, indem er so viel Gefühl aus Balladen wie „Ooo Baby Baby“, „The Tracks of My Tears“ oder „The Love I Saw in You Was Just a Mirage“ herausholte.Er brachte den Beatles das Singen bei – wie Paul McCartney es ausdrückte: „Smokey Robinson war in unseren Augen wie Gott.“Doch seine Stimme wurde mit der Zeit immer kraftvoller und verführerischer, in reifen Klassikern wie „Cruisin'“ oder seinem äußerst einflussreichen „A Quiet Storm“.Cruise on forever, Smokey. -R.S.
22 Adele
Wenn man sich anhört, wie Adele im Laufe der Jahre gereift ist, hört man eine Frau, die buchstäblich ihre Stimme gefunden hat.Ihr Mezzosopran hatte in den späten 00er-Jahren bei „Chasing Pavements“ noch einen weltmüden Klang, aber das brennende „Rolling in the Deep“ zeigt ihren Schmerz in voller Blüte, ihre Stimme bricht fast in ein Weinen aus, während sie vor Rache und Reue taumelt. Bei „Someone Like You“, ihrem zu Tränen rührenden Hit von 21, gibt sie eine Vorstellung, die einer Bühne mit nur einem Scheinwerfer würdig ist, mit satten, abgerundeten Vokalen, die ihr wachsendes Selbstbewusstsein nach einer Trennung verraten. Adeles Bandbreite hat sich auf ihren letzten Platten vergrößert; ihre verkniffenen Küsse geben dem glitchigen „Send My Love (To Your New Lover)“ von 25 zusätzlichen Biss, während ihr Gesangsstil bei dem locker-lässigen „All Night Parking“ von 30 an Überschwang grenzt. Je größer die stilistische Bandbreite von Adeles souveränem, raspelköpfigem Heulen wird, desto stärker wird sie.-M.J.
21 Nina Simone
„Birds flying high, you know I feel/Sun in the sky, you know how I feel“, sang Nina Simone 1965 in „Feeling Good“. Und jeder, der den Song jemals gehört hat, weiß, wie sie sich gefühlt hat; die Euphorie, die durch ihre Stimme pulsierte, sprach für sich selbst. Simone konnte jede Facette ihrer Lebenserfahrung kanalisieren. Sie brachte die Wut in ihren Bürgerrechtsprotestsongs („Mississippi Goddam“, „Four Women“), ihren Stolz in „To Be Young, Gifted and Black“ und ihre Lebensfreude in ihrer Interpretation von Hair’s „Ain’t Got No/I Got Life“ zum Ausdruck.Zu Simones Interpretation von Janis Ians „Stars“ aus dem Jahr 1976 sagte Brittany Howard kürzlich: „Die Art und Weise, wie Nina das sang, war so unglaublich direkt und wahrhaftig und real, als würde sie über ihr Leben singen, auch wenn sie den Text nicht geschrieben hat.“-K.G.
