Die 200 größten Sängerinnen und Sänger aller Zeiten
Von Sinatra bis SZA, von R&B über Salsa bis Alt-Rock – die 200 größten Sängerinnen und Sänger.
80 Chris Cornell
Ob bei Temple of the Dogs ergreifender Lobeshymne „Say Hello 2 Heaven“ oder Soundgardens brutalem, schönem „Burden in My Hand“, Cornell ist der Seattle Sound in einer einzigen Stimme.Sein fast vier Oktaven umfassender Stimmumfang traf die Szene wie ein Schlag in die Magengrube und hinterließ eine tiefe Spur, die vor Emotionen und Kraft nur so strotzte, während sie sich von einem rauen Bariton zu einem klagenden Falsett wandelte – manchmal innerhalb desselben Songs.“Ich hatte das Glück, dass meine Stimme ein ziemlich zuverlässiges Instrument war“, sagte er 2015 dem Rolling Stone.“Alles, was ich jemals wirklich tun musste, war herauszufinden, wie ich sie am besten manipulieren kann, um das zu erreichen, was ich will.“-A.M.
79 Emmylou Harris
„Ich bin eine unausgebildete, ungeschulte Harmonie-Sängerin“, sagte Harris einmal. Aber die Singer-Songwriterin ist wohl die größte amerikanische Harmoniesängerin des letzten halben Jahrhunderts, angefangen bei ihrer Arbeit mit Gram Parsons in den frühen Siebzigern (man höre sich ihren Einsatz von Vibrato in „Love Hurts“ an).In den vergangenen 50 Jahren hat sie Hunderte von Platten von Bright Eyes bis Willie Nelson mit ihren engelsgleichen Gegenharmonien bereichert, während sie auf ihren eigenen Platten als Leadsängerin brilliert.Es ist die Art und Weise, wie sie Atem und Raum auf dem Country-Klassiker „Together Again“ einsetzt, oder die Art und Weise, wie ihre Phrasierung den trostlosen Herzschmerz von „I Still Miss Someone“ unterstreicht, oder die Art und Weise, wie sie Reichweite und Falsett einsetzt, um die einsame Erzählung von „Orphan Girl“ zu unterstützen.-J.B.
78 Janis Joplin
„Janis Joplin singt den Blues so hart wie jeder Schwarze“, sagte B.B. King einmal.Abgesehen von ihrer Zeit als Kaffeehaus-Folkie mit einer Vorliebe für Ma Rainey, dauerte Joplins Karriere als einer der großen amerikanischen Rockstars vom 4. Juni 1966, als sie sich Big Brother and the Holding Company anschloss, bis zu ihrem Tod am 4. Oktober 1970, genau 52 Monate.In weniger als fünf Jahren wurde sie zur Legende (vor allem auf der Bühne, wo sie nach wie vor eine der großen Rock-Frontfrauen ist), weil ihre Stimme alles konnte, was die Stimme eines Blues-, Rock- oder Soulsängers tun sollte: den Song verkörpern und jedes Quäntchen Verletzlichkeit, Schmerz oder Wut des Sängers übertragen.-J.G.
77 Bruce Springsteen
Bruce Springsteen ist nicht nur ein Sänger, sondern auch ein Bandleader, und seine große Gabe ist die Dynamik. Flüstern bis schreien ist ein großer Teil seines Könnens – man höre sich nur die zweite Strophe von „Born to Run“ an, die wie Roy Orbison beim Kaugummikauen beginnt und sich dann in Wilson Pickett auf einem Motorrad verwandelt.Es ist leicht, sich über den ruppigen Kerl lustig zu machen, der seine Strophe von „We Are the World“ schmettert, aber Springsteens emotionales Engagement ist immer auf den Punkt: ehrlich verzweifelt bei „The River“, stark beängstigend bei „State Trooper“, völlig jubelnd bei „Rosalita (Come Out Tonight)“, ein trauriges, geiles Wrack bei „I’m on Fire“.-M.M.
76 Wilson Pickett
Nur wenige R&B-Stars der Sechzigerjahre hatten einen so treibenden Schrei wie Wilson Pickett – ein Late-Night-Liebhaber und ein Urvater des Funk. Pickett, der als junger Mann Gospel sang, sagte: „Ich bekam den Sound, den ich als Grundlage für meinen gesamten Gesangsstil verwenden würde. Ich benutzte diesen wilden, verlassenen Gesangsstil und brachte ihn in den Kontext des Soul…. Das Singen in der Kirche hat mir ein gewisses Gefühl für Musik gegeben.“Dieses raue Zeugnis gab Picketts Musik ihren Drive:Nur wenige Soulsänger hatten seine unnachgiebige rhythmische Schärfe, und er konnte pfauenstolz klingen, ohne nur arrogant zu wirken. -M.M.
75
Dick wie Melasse oder, wie der Titel seines Erkennungsliedes „Brown Sugar“ lautet, hat Michael Eugene Archer eine der einschmeichelndsten Stimmen im R&B – sofort klassisch, fast aus der Zeit gefallen.Tatsächlich war es D’Angelo, der den Begriff „Neo-Soul“, der von Motown-Manager Kedar Massenburg geprägt wurde, um ihn zu vermarkten, erst notwendig machte.Nur wenige moderne Sänger zeigen so freizügig ihre kirchlichen Wurzeln – aber anstatt sich aufzuspielen, ist seine Phrasierung oft zurückhaltend und baut sich geduldig zu glühenden Schreien auf, die selbst die dickste Kirchendame zur Sünde verleiten könnten. Und mit Arrangements, die seine Gesangsmelodien widerspiegeln und verschönern, macht D’Angelos subtile Phrasierung seine Musik sehr langlebig, genau wie sein großartiges Naturinstrument. -M.M.
74 Patti LaBelle
Patti LaBelle war eine extravagante Sängerin, deren Unerschrockenheit sich in ihrer Fähigkeit zeigte, die Tonart zu wechseln und Oktaven zu überspringen. Mit ihrer fesselnden Stimme gab sie der Popmusik sowohl als Solistin als auch als Mitglied der Gesangsgruppe LaBelle einen Schubs.“Ich bin fabelhaft“, behauptete LaBelle 2008 in einem Interview.“Ihr könnt mir nicht das Gefühl geben, weniger zu sein als ich bin, denn wann immer ich das Mikrofon bekomme, werde ich euch zeigen, wer ich bin.“Sie hat nicht gelogen:Das freche „Lady Marmalade“ wäre ohne LaBelles Ad-libs und ihr schmutziges Schleifen nicht so gut angekommen, während das Michael-McDonald-Duett „On My Own“ so gut funktionierte, weil ihr durchdringender Sopran einen Gegenpol zum rauen Bariton ihres Partners bildete.-M.J.
73 Héctor Lavoe
Nachdem der puerto-ricanische Sänger Héctor Lavoe 1963 im Alter von 16 Jahren seine Heimat Ponce verließ und nach New York zog, war der Salsa nie mehr derselbe. Lavoe, der mit einem bösen Sinn für Humor und einer schokoladigen Stimme gesegnet war, die in der Lage war, nach Belieben die Clave-Dynamik zu manipulieren, die die afro-karibische Musik mit rücksichtsloser Hingabe swingen lässt, war der Rockstar der Salsa – tragisch, charismatisch, selbstmordgefährdet.In seiner Zeit mit dem Orchester des virtuosen Posaunisten und Produzenten Willie Colón eroberte er New York mit den eindringlichen Hits „Che Che Colé“ und „La Murga“ im Sturm. Als Solist Mitte der 70er Jahre wandte er sich mit majestätischen Orchesterepen wie „El Cantante“ dem Fortschritt zu – eine Rubén Blades-Komposition, die Lavoes sprunghafte Persönlichkeit perfekt einfängt.Er starb 1993 im Alter von 46 Jahren – E.L.
72 Muddy Waters
Muddy Waters, rauchig und bereit, über die Welt zu lachen, sei es geschwätzig oder reumütig, definierte den elektrischen Bluesgesang – obwohl er selbst betonte: „Ich bin ein Country-Blues-Sänger“.Aber ob er nun höher und freier auf der Akustischen sang, als Alan Lomax ihn in den Vierzigern aufnahm, oder in dem tieferen und besserwisserischen Stil, den seine Sessions für Chess Records in den Fünfzigern ankündigten, Waters sang mit Wärme, Solidität und einem Hauch von Kraft in Reserve. Er konnte schreien, aber es war die Art und Weise, wie er es aufbaute, von „Hoochie Coochie Man“ bis zu seiner gewaltigen Überarbeitung von „Mannish Boy“ aus dem Jahr 1977, in der der Nervenkitzel wirklich lag.-M.M.
71 Roy Orbison
Elvis Presley nannte ihn „den größten Sänger der Welt“, und er lehnte es aus Respekt ab, seine Arbeit zu covern. Dolly Parton sagte: „Ich war noch nie von einer Stimme so bewegt“.Kris Kristofferson pflichtete ihr bei:“Eine der schönsten Stimmen in der Geschichte der aufgenommenen Musik“.Bei „Only the Lonely“, „Crying“ und „In Dreams“ nutzte Orbison seine Kontrolle, seinen Drei-Oktaven-Bereich und seine knochentiefe Traurigkeit, um ein fast gothisches Melodrama zu vermitteln. Aber schauen Sie sich den immer noch überwältigenden Traveling Wilburys-Song „Not Alone Any More“ an, der weniger als zwei Monate vor Orbisons Tod im Jahr 1988 aufgenommen und veröffentlicht wurde, um genau zu hören, warum es unmöglich war, das Wort „opernhaft“ nicht zu benutzen, wenn man Orbisons überwältigenden Sound beschrieb. -J.G.
70 Ronnie Spector
Ronnie Spector und ihre Kolleginnen von den Ronettes waren als Backgroundsängerinnen für eine Phil Spector-Session vorgesehen.“Wir kamen an diesem Abend ins Studio, und er hörte meine Stimme“, erinnerte sie sich 1979. „Er sagte: ‚Das ist es.'“ Schon bald waren die Ronettes Spectors Lieblingskunden – ihr und sein Meisterwerk war 1963 „Be My Baby“, mit dem sehnsüchtigsten Gesang der gesamten Rockgeschichte. Dann heiratete Phil Ronnie und sperrte sie praktisch von der Welt weg.Nachdem sie ihn verlassen hatte, war ihre Plattenkarriere unbeständig, aber ihre Stimme glänzte in jeder Umgebung, von einem von der E Street Band unterstützten Riss durch Billy Joels „Say Goodbye to Hollywood“ bis zu ihrer elegischen, von Joey Ramone unterstützten Version von Johnny Thunders‘ „You Can’t Put Your Arms Around a Memory“.-M.M.
69
Die frühesten Aufnahmen von Youssou N’Dour aus den späten Siebzigern mit seiner Band Étoile de Dakar – erhältlich auf Vol. 1: Absa Gueye – sind immer noch verblüffend, sowohl wegen der wogenden senegalesischen Funk-Grooves als auch wegen N’Dours himmelhohem Tenor, der so beeindruckend ist wie der des jungen Michael Jackson.Und N’Dour ist als Sänger weiter gereift: Sein grundlegender Thrill-a-Minute-Stil hat sich im Laufe der Jahre zu einem menschlicheren Maßstab moduliert, aber er kann ihn mit Leichtigkeit hervorrufen. Auf Mbalax aus dem Jahr 2021 interpretiert N’Dour seine eigene energiegeladene Vergangenheit mit einem gemäßigten, aber immer noch kraftvollen Ansatz neu und schließt damit den Kreis. -M.M.
68 Rihanna
Als Altistin, deren Stimmumfang sich über drei Oktaven erstreckt, ist Rihanna nicht nur eine der größten Popsängerinnen überhaupt: Sie ist auch eine der größten Stimmen überhaupt.Ihre tiefen Töne sind besonders klangvoll – sie taucht in sie ein, um eine Phrase zu unterstreichen oder um einer Zeile einen Hauch von Zweifel hinzuzufügen. Aber ihre hohen Töne, die mit der Zeit immer mehr anschwellen, sind immer noch die Hauptattraktion: Die Hälfte dessen, was „Umbrella“ unauslöschlich gemacht hat, ist ihr charakteristisches, nasales „ella-ella-ay-ay-ay“. „Rihannas Stimme ist einfach köstlich für dein Ohr“, erklärte Chris Martin von Coldplay. „Sie ist der Frank Sinatra unserer Generation. Sie kann mit dieser Stimme alles in Gold verwandeln.“ -M.M.
67 Dennis Brown
Dennis Brown war ein Kinderstar – seinen ersten Hit, „No Man Is an Island“ von 1969, hatte er im Alter von neun Jahren -, der zum heimischen Superstar heranreifte.Mit einer Stimme, die so rau und doch so sanft wie Wildleder ist, war er einer von Jamaikas sanftesten Liebesmännern aller Zeiten, ganz zu schweigen von der Weisheit, die er auf dem unsterblichen 1981er-Hit „Sitting and Watching“ von sich gab.Traurigerweise starb Brown im Alter von 42 Jahren.Doch während seiner gesamten Karriere war seine Soulfulness unbestreitbar – kein Geringerer als Bob Marley erklärte Brown einst zu seinem Lieblings-Reggae-Sänger.-M.M.
66 David Ruffin
Nimm es von Bruce Springsteen: „I Wish It Would Rain‘ muss man verrückt sein, wenn man versucht, diesen Song zu singen, nachdem David Ruffin ihn gesungen hat“, sagte er dieses Jahr lachend zu Andy Greene vom Rolling Stone, nachdem er die, ja, einigermaßen anmaßende Entscheidung getroffen hatte, den Temptations-Klassiker von 1967 zu covern.Bruce ist nur einer von vielen großen Sängern, die Ruffins unverwechselbaren Sandpapierton bewundern, eine stimmliche Textur, um die ihn unzählige Soul- und Rockmusiker in den besten Motown-Jahren und danach beneidet haben.Bei Hits wie „Ain’t Too Proud to Beg“, „Beauty Is Only Skin Deep“ und „My Girl“ war Ruffin der erdverbundene Anker für die himmlischen Harmonien der Temptations, der Mann, dessen fehlerhafte Menschlichkeit ihre größten Liebeslieder bereicherte.“Ich weiß, dass du mich verlassen willst“, sang er mit einem einzigartigen Tonfall, der garantierte, dass wir das nie tun würden.-S.V.L.
65 Minnie Riperton
Minnie Riperton ist die Definition eines Singvogels.Besser kann man ihre flatternde, schwebende Stimme und die Art und Weise, wie sie bei Soft-Soul-Klassikern der siebziger Jahre wie „Loving You“ und „Inside My Love“ fünf Oktaven in ein honigsüßes Pfeifenregister aufstieg, nicht beschreiben.Aber Riperton verlieh ihren Auftritten auch erdige Kraft, und ihre Wechsel zwischen körperlichen und ätherischen Tönen sorgten für verblüffende Ergebnisse.Dann gibt es noch „Les Fleurs“, bei dem ihre Stimme von dem berühmten Produzenten Charles Stepney mit mehreren Spuren versehen wurde, so dass sie galant in Chorformation singen kann, während ihr Falsett im Hintergrund schwebt. Ripertons ausgefeilte Gesangstechniken haben viele Künstler inspiriert, vor allem eine andere Soul-Sängerin mit fünf Oktaven, Mariah Carey. Dennoch bleibt sie eine Klasse für sich. -M.R.
64 Björk
Um die Jahrhundertwende schien es, als ob Dutzende von Sängern versuchten, den unheimlichen Stil von Björk Guðmundsdóttir zu imitieren.Aber das ist gar nicht so einfach.Die isländische Ikonoklastin ist dafür bekannt, dass sie sich von einem stark akzentuierten Ton, der einer Sprechstimme ähnelt, zu einer kathartischen Oberstimme steigert, die wie ein Schrei der Leidenschaft und Einsicht klingt.Sie dehnt und verformt ihre Stimme, als ob sie die Zeit und den Takt manipulieren würde. Ihr höchst konzeptioneller Katalog, eine Reihe von Alben, die elektronische Musik, Trip-Hop, Cabaret-Jazz und Art-Rock umfassen und sich über mehr als fünf Jahrzehnte erstrecken, verstärkt nur noch das Gefühl, eine seltene, ungewöhnliche Sache entstehen und wachsen zu hören. -M.R.
63 Robert Plant
So viel Kritik Robert Plant auch zu Recht für seine freizügigen Anleihen bei Blues-Texten einstecken muss, sein tatsächlicher Gesangsstil, der schon früh von Quellen wie Skip James und Blind Lemon Jefferson beeinflusst wurde, hat sich schnell zu etwas Einzigartigem entwickelt.Man denke nur an „Immigrant Song“ mit seinem kreischenden Gejammer und dem seltsam schmachtenden Gekrächze oder an das verträumte Trällern, das er in „Kashmir“ einsetzt.So übertrieben seine Arbeit mit Led Zeppelin auch sein mochte, einige von Plants besten Darbietungen entstanden, wenn er eher auf Gelassenheit als auf Wildheit setzte (siehe: „Going to California“, „The Rain Song“, „Ten Years Gone“).Es ist fast so, als hätte er immer gewusst, dass er sich als mystischer Folkie neu erfinden würde – und ein Grund, warum seine späteren Kollaborationen mit Alison Krauss und Musikern aus Mali und Marokko zu den glaubwürdigsten späten Gesangsleistungen eines ehemaligen Arena-Rockers gehören.-H.S.
62 George Michael
Das Teenie-Idol, das zum Meister des Soul-Pop wurde, hatte eine geschmeidige und doch starke Tenorstimme, die fast alles bewältigen konnte, was ihm in den Weg gestellt wurde – die Qualen von „Careless Whisper“, den motivierenden Gospel-Pop von „Freedom!’90“, der stahlharte Protest von „Praying for Time“, die genreübergreifenden Covers, die er in seine Live-Sets einstreute.Den krönenden Abschluss bildete das Freddie-Mercury-Tribute-Konzert 1992 in London, bei dem er das Vocal-Workout „Somebody to Love“ übernahm – und dank seines Könnens und Charismas reagierte das gesamte Wembley-Stadion, als wäre er die Wiedergeburt des Queen-Frontmanns.Sogar Brian May stimmte ihm zu: „Als er ‚Somebody to Love‘ sang, gab es eine bestimmte Note in seiner Stimme, die Freddie pur war“, sagte der Gitarrist 1998 gegenüber Q. Aber Michaels Gesamtpaket war ganz sein eigenes. -M.J.
61 Umm Kulthum
Umm Kulthum hat keine wirkliche Entsprechung unter den Sängern im Westen:Jahrzehntelang repräsentierte der ägyptische Star die Seele der panarabischen Welt und tut dies in gewissem Maße immer noch.Ihre kraftvolle Altstimme, die in den tieferen Lagen die Grenzen zwischen den Geschlechtern verwischen konnte, vermittelte eine atemberaubende emotionale Bandbreite in komplexen Liedern, die über ein Thema und wild verzierte Variationen leicht eine Stunde dauern konnten, während sie die Menge wie eine feurige Predigerin ansprach.Nach ihrem Tod 1975 trauerten Millionen von Menschen in den Straßen Kairos, und obwohl ihr Einfluss unter den arabischen Sängern unermesslich ist, ging er weit darüber hinaus.Dylan hielt sie für „großartig“. Beyoncé verwendete „Enta Omri“ prominent (und skandalöserweise) in ihrer Choreografie für die Tournee 2016. Und Robert Plant räumte ein: „Als ich zum ersten Mal hörte, wie [Umm Kulthum] durch die Tonleiter hinuntertanzte, um auf einer schönen Note zu landen, die ich mir nicht einmal vorstellen konnte zu singen, war das gewaltig: Jemand hatte ein Loch in die Wand meines Verständnisses von Gesang gesprengt.“ -W.H.
