Die 200 größten Sängerinnen und Sänger aller Zeiten
Von Sinatra bis SZA, von R&B über Salsa bis Alt-Rock – die 200 größten Sängerinnen und Sänger.
100 Elton John
Elton Johns überdrehter Pop-Rock erhält einen zusätzlichen Schub durch seine Stimme, die die schelmische Fröhlichkeit oder die tiefen Gefühle in den Texten seines Songwriting-Partners Bernie Taupin unterstreichen kann. Johns nicht-pianistisches Instrument hat sich im Laufe der Jahre weiterentwickelt; 1987 musste er sich einer Operation unterziehen, um das zu entfernen, was er gegenüber Billboard als „neun krebsartige … was auch immer auf meinen Stimmbändern war“ bezeichnete, wodurch sich sein Stimmumfang vertiefte und das Falsett modulierte, das Hits der 70er Jahre wie „Goodbye Yellow Brick Road“ emotionalen Schwung verlieh. Aber wie er in dem Interview von 2004 bemerkte, verlieh die Operation seiner Stimme zusätzliche Resonanz, und seine Auftritte mit alten Hits auf seiner aktuellen Abschiedstournee sind immer noch ein emotionaler Paukenschlag. -M.J.
99 Clyde McPhatter
Clyde McPhatter, ein hoher Tenor, der scheinbar von Emotionen überwältigt ist und mit einem Stimmarsenal voller dramatischer Schwünge, Schlucke, Knurrgeräusche und Falsettsprünge aufwartet, war eine aufregende Erscheinung, eine Initialzündung für den R&B in den Anfängen des Rock ’n‘ Roll und einer der einflussreichsten Sänger der 50er Jahre – man kann die Linie von Frankie Lymon über Michael Jackson bis zu Justin Timberlake ziehen. Er leitete zwei der besten Gruppen des Jahrzehnts, trat den Dominoes bei und gründete dann die Drifters (Ben E. King kam später). Seine laszive Version von „White Christmas“ mit den Drifters ist heute ein verdienter Weihnachtsklassiker. -M.M.
98 Bob Marley
Beeinflusst von James Browns Funkdeklamationen, der erdigen Gelassenheit von Folk und Blues und dem sehnsüchtigen Hunger der Rockmusik auf der Suche nach dem Anschluss an die Massen, erfand Bob Marley ein bodenständiges und doch heraldisches Idiom, das die Kämpfe und Bestrebungen von Millionen von Menschen auf der ganzen Welt widerspiegelte. Seine Stimme war selbst bei so sanften Titeln wie „Could You Be Loved“ liebenswert rau, aber er beherrschte den dramatischen Oktavsprung, der unsere gemeinsame Suche nach einer besseren Zukunft symbolisiert, wie kaum ein anderer. Und es sagt etwas über die gemeinschaftliche Schwere seiner Stimme aus, dass einer seiner am meisten geliebten aufgenommenen Momente – das im Juli 1975 im Londoner Lyceum Theatre aufgenommene „No Woman No Cry“ – live aus dem Nichts entstand, mit allen Warzen und allem Drum und Dran. -J.D.
97 Usher
Usher war 1997 kaum aus der High School heraus, als er sein bahnbrechendes Album My Way veröffentlichte, das sechsmal Platin erhielt und die Fans mit seiner glatten, schwülen Stimme vertraut machte. Doch obwohl es einfach gewesen wäre, ihn als einen weiteren sanften R&B-Sänger abzustempeln, offenbarte jedes weitere Kapitel seiner Karriere neue Möglichkeiten in seiner Stimme: Er perfektionierte sein charakteristisches Falsett, das er genau in den richtigen Momenten einsetzte, um die Verletzlichkeit in seinen Bekenntnisballaden zu verstärken; er passte sein tadelloses Timing und seine Phrasierung an die Upbeat-Hits an, die in den Charts nach oben kletterten und sein Showtalent bewiesen. Er war nicht nur ein herausragender Künstler der 2000er Jahre, sondern ist auch zwei Jahrzehnte später noch immer einer der agilsten Sänger der Musikwelt. -J.L.
96 Chuck Berry
Sicher, Chuck Berry war der wichtigste Rocklyriker vor (und neben) Bob Dylan, aber es sind nicht nur die Worte, die fesseln – es ist die Stimme, die sie singt. Er war schlau wie der Onkel, der dir deinen ersten unerlaubten Schluck anbietet, weise wie der Lehrer, der dich auf deinen Weg bringt, voller frechem Spaß – und da er die Worte schrieb, stellte er sicher, dass du jedes einzelne verstehst. Diese Silben reiten den treibenden Beat genauso hart wie seine Gitarrenriffs: Berrys kenntnisreiche Formulierungen verleihen Kurzgeschichten wie „You Never Can Tell“ eine tiefere Resonanz. Und dann ist da noch „Memphis, Tennessee“, wo er einem regelrecht das Herz bricht. -M.M.
95 Vicente Fernández
Vicente Fernández‘ unverwechselbarer Tenor, sein intensives Vibrato und seine kaum zu übersehenden Charro-Kostüme brachten ihm den Titel „Das Idol von Mexiko“ ein. Seine Klassiker wie das ungestüme „El Rey“, das romantische „Hermoso Cariño“ und sein herzzerreißendes „Volver, Volver“ dienen seit langem als Soundtrack der reichen mexikanischen Ranchera-Kultur. Sein künstlerischer Höhepunkt ist „Por tu Maldito Amor“ von 1989, aus dem gleichnamigen Film, in dem er die Hauptrolle spielte und der die ganze Bandbreite von Fernández‘ Fähigkeit, intensive, tränenreiche Dramen einzufangen, perfekt verkörpert. Der in Jalisco geborene Sänger begann seine Karriere in den siebziger Jahren und trat in die Fußstapfen von Ranchera-Größen wie Jorge Negrete, Pedro Infante und Javier Solis, die vor ihm kamen. Seine Musik ist bis heute ungebrochen und wird mit Frank Sinatra verglichen. -T.M.
94 Toots Hibbert
Der Reggae-Pionier Toots Hibbert besaß eine raue, wilde Stimme, die der Gefängnis-Chronik „54-46 That’s My Number“ Feuer verlieh und der Hochzeits-Chronik „Sweet and Dandy“ ein verschmitztes, liebenswertes Augenzwinkern verlieh.Der Toots and the Maytals-Leader kam über die Religion zur Musik:“Meine Stimme wurde entwickelt, als ich mit meiner Familie in die Kirche ging“, sagte er 2020 gegenüber Uncut.“Ich liebe es zu singen; Singen war das, was ich dachte, dass ich tun sollte, weil es in mir geboren wurde und ich in es hineinwuchs, direkt aus der Kirche.“ Im Laufe der Jahre entwickelte es sich weiter, wobei Hibbert Einflüsse aus Gospel und Soul aufnahm, die ihm halfen, das Versprechen zu erfüllen, das er im Titelsong seines klassischen Albums Funky Kingston von 1973 gab: „Ich will, dass du jedes Wort glaubst, das ich sage/ Ich will, dass du alles glaubst, was ich tue.“ -M.J.
93 Stevie Nicks
Die Mythologie von Stevie Nicks ist so vielschichtig, dass man leicht den Edelstein im Zentrum des Ganzen übersieht: ihre herrliche Rauchquarzstimme, die ihren kristallinen Visionen schon immer eine beunruhigende Kraft verliehen hat. Ihre Jünger sind Legion, von Harry Styles bis Florence Welch, aber vor allem jede Sängerin, die einen rauen Gesangsstil an den Tag gelegt hat – Lorde, Sheryl Crow, Courtney Love – steht in ihrer Schuld. „Ich finde, sie hat wahrscheinlich die sexieste Stimme von allen, die mir einfallen“, sagte Love einmal. Es ist eine Stimme, die einen Fleetwood-Mac-Klassiker wie „Gold Dust Woman“ oder „Sara“ eher wie einen Zauberspruch als einen Song wirken lässt, oder – im Fall der unsterblichen Trennungshymnen „Dreams“, „Silver Springs“ und „Wild Heart“ – wie ein unwiderstehlicher Zauber.-H.S.
92 Anita Baker
Anita Baker war eine Verehrerin der Gospel-Legende Mahalia Jackson und der Jazzsängerin Sarah Vaughan, und ihre aus voller Kehle vorgetragenen Lieder – mit dem Feuer des Gospels und dem improvisatorischen Charakter des Jazz – waren zum Teil eine Hommage an die Kunstfertigkeit dieser Sängerinnen. „Obwohl ich mir nicht anmaßen würde, die Fackel weiterzutragen, kann ich sie immer noch hochhalten“, sagte Baker 1986 der New York Times. Baker war bescheiden, obwohl ihr Gesang alles andere als bescheiden war. Das Vamping, mit dem ihre gewaltige Ballade „Sweet Love“ von 1986 endet, ist nur ein Beispiel dafür, wie sie auf dem Erbe ihrer Idole aufbaute und es dann mit ihrem beträchtlichen Talent und ihrem scharfen Wissen über die sich entwickelnden Ideale des R&B kombinierte, um ihren Platz im Pantheon der Soulmusik zu festigen.-M.J.
91 Nusrat Fateh Ali Khan
Wenn man sich Archivaufnahmen des verstorbenen pakistanischen Meisters des Gesangs, Nusrat Fateh Ali Khan, ansieht – einer Ikone im Bereich des Qawwali, einer Art Sufi-Andachtslied, dessen musikalisches Erbe Hunderte von Jahren zurückreicht -, verliert man leicht die Zeit aus den Augen und hört, wie seine Musik in den achtziger Jahren, als er anfing, im Ausland aufzutreten und Aufnahmen für Peter Gabriels Label Real World zu machen, leicht ein weltweites Publikum erreichte. Zu seinen vielen berühmten Fans zählten Madonna, Eddie Vedder (der mit ihm ein Duett auf dem Soundtrack zu Dead Man Walking aufnahm) und Jeff Buckley (der den Sänger „meinen Elvis“ nannte und Urdu lernte, um ihn richtig covern zu können). „Wenn ich singe, singe ich aus tiefstem Herzen“, sagte Khan 1996, ein Jahr vor seinem Tod im Alter von 48 Jahren, einem Interviewer.-H.S.
90 Gal Costa
1971 nahm Gal Costa „Sua Estupidez“ auf, eine rührselige Balade des Schlagersängers Roberto Carlos, und verwandelte sie in eine herzzerreißende Erklärung von Schönheit und Reue.So groß war die transformative Kraft ihrer Stimme. Wie eine leuchtende Königin Midas verwandelte die Diva aus Bahia alles, was sie anfasste, in Gold: Tropicália mit großen Augen („Baby“, ein brasilianischer Klassiker der späten 60er Jahre), sexy Samba-Rock („Flor de Maracujá“), überschwänglichen Karnevalsfrevo („Festa Do Interior“) und funkigen Bossa (ihre 1979er Interpretation des Standards „Estrada do Sol“ ist so üppig und mystisch, dass sie ans Surreale grenzt). Sie war die transzendenteste Sängerin der Post-Bossa-Ära und hat bis zu ihrem Tod im Alter von 77 Jahren weiter Musik gemacht. -E.L.
89 Selena
Nach den Überlieferungen der Familie Quintanilla war Selena etwa sechs Jahre alt, als sie in den Gitarrenunterricht ihres Vaters geriet und ihre natürliche, fast unheimliche Fähigkeit zu singen unter Beweis stellte.“Ihr Timing und ihre Tonlage waren perfekt“, sagte ihr Vater 1995 in einem Interview.Als sie älter wurde und mit der Familienband Selena y Los Dinos zum kulturübergreifenden Megastar aufstieg, prägten ihr heiseres Vibrato und ihre beeindruckende Stimmgewalt Cumbia-Hits, die Generationen von Tejano-Musik prägten. Auch wenn ihr Leben traurigerweise kurz war, hat ihre Musik nichts von ihrer Kraft eingebüßt: Auch Jahrzehnte nach ihrem Tod führt sie die Charts an, und ein posthumes Album enthielt kürzlich neue, digital erstellte Songs für Fans, die gerne mehr von ihr gehört hätten. -J.L.
88 Jimmie Rodgers
Jimmie Rodgers war kein überwältigender Sänger, sondern ein erstaunlich gewiefter – selbst durch das Knistern von gealtertem Schellack wirkt er wie der schärfste, hippste Typ im Raum.Das heißt aber nicht, dass er kein Gefühl hatte:Seine Blue Yodel-Serie, die Platten, die ihn zur Legende machten, sind durchdrungen von dem hoch-einsamen Sound, der sein Markenzeichen war.Aber schon damals schien sich Rodgers ein wenig zurückzuhalten – und dieser Mangel an Theatralik lässt seine durchdringenden Jodler und leicht rollenden Rhythmen noch stärker wirken.Wenn er mit seinen Fähigkeiten im Bett prahlte, konnte man ihm das glauben, weil er sich nicht zu sehr in Szene setzte.-M.M.
87 Diana Ross
„Ich entschied, wer die Leadsängerin war, und meine Meinung war immer, dass Diana die Magie besaß“, sagte Berry Gordy über Motowns größten Act, die Supremes. Und ja, Berry und Miss Ross waren ein heimliches, aber echtes Paar.Nichtsdestotrotz hatte er ein gutes Gespür für das Geschäft.Diana Ross‘ schiere Lebendigkeit, ganz zu schweigen von ihrem cremigen Timbre und ihrer koketten Unbekümmertheit, machte sie nicht nur zum Star, sondern auch zu einem einzigartigen Gesangsstil.Sie kann den Eindruck erwecken, als würde sie genauso viel reden wie singen, was ihrer Fashionista-Fassade die Qualität eines Everygirls verleiht und den Weg für zukünftige Diven wie Janet Jackson ebnet.-M.M.
86 Michael Jackson
Jacksons beste gesangliche Momente gediehen in ihrer Fähigkeit, Stile zu transzendieren und Erwartungen zu verändern – die Art, wie „I Want You Back“ von den Jackson 5 James Brown in Bubblegum verwandelt, der Überschwang mit Biss von „Wanna Be Startin‘ Somethin'“, die Art, wie „Human Nature“ von Verbundenheit träumt, während es in der Isolation zittert.Das, was wir heute über sein Leben wissen, macht es schwieriger, seine Musik zu genießen, und es wurde behauptet, dass sich seine Stimme mit der Verdunkelung seiner Welt in ein parodistisches Arsenal von Ticks verwandelte.Aber selbst gegen Ende, in der richtigen musikalischen Umgebung (wie bei den leichtfüßigen Höhepunkten auf Invincible von 2001), blieb seine Fähigkeit, in einem Song zu versinken und gleichzeitig über ihm zu schweben, unvergleichlich.-J.D.
85 Johnny Cash
In den fünfziger Jahren lernte die Country-Größe June Carter auf einer Tournee mit Elvis Presley ihren zukünftigen Ehemann kennen, weil, wie sie sagte, „Elvis davon geschwärmt hatte, was für ein großartiger Sänger Johnny Cash sei“.In der Tat ist Cashs kilometerweiter, wundervoll fließender Bariton für viele der beste Klang der Country-Musik.Seine Schroffheit und sein guter Humor lagen immer nah beieinander – „One Piece at a Time“ aus dem Jahr 1976 ist ein Beispiel dafür, wie man einen albernen Song noch lustiger machen kann, indem man ihn lebensecht spielt.Und seine Outlaw-Seite – vom „Folsom Prison Blues“ von 1955 bis zu „Hurt“ von 2002 – war meist reumütig und immer überzeugend. -M.M.
84 Lata Mangeshkar
Die kristallklare, ewig mädchenhafte Stimme der „Melody Queen“ ist ein Eckpfeiler der indischen Popmusik und hat über die Bollywood-Filme, deren goldene Ära sie prägte, einen weltweiten Einfluss.Lata war die Kaiserin der Playback-Sängerinnen und -Sänger, der Stimmzauberer, die in aufwändigen Filmmusicals Lieder für die Darsteller singen, die sie von den Lippen ablesen. Schätzungen zufolge hat sie über 7.000 solcher Lieder aufgenommen.Sogar Asha Bhosle, ihre jüngere Schwester und einzige wirkliche Ebenbürtige unter den Playback-Sängerinnen, betrachtete „Lata Didi“ als ihre „Lieblingssängerin“ – und wenn Bhosle auch vielseitiger und produktiver war, so blieb ihre ältere Schwester doch das Maß aller Dinge für die durchdringende Brillanz ihres Tons.Das Songbook von Lata Mangeshkar hat Lieder weit über Bollywood hinaus beeinflusst, von Britney Spears‘ „Toxic“ (in dem das Lata-Duett „Tere Mere Beech Mein“ aus dem Jahr 1981 gesampelt wurde) bis hin zu elektronischen Jams von Madlib und Four Tet (der einen Teil von Lata’s exquisitem „Main Teri Chhoti Bahna Hoon“ zum Herzstück seines 2015 erschienenen „Morning Side“ machte). -W.H.
83 Amy Winehouse
Amy Winehouse‚ satter und rauchiger Ton war sowohl nostalgisch als auch zeitlos.Sowohl in ihrem Image als auch in ihrer Musik zollte der britische Star Girlgroups aus den Sechzigern wie den Ronettes Tribut, doch ihr eigener Geschmack war zu sehr vom Hip-Hop der Neunziger und der frühen Achtziger geprägt, als dass er der Vergangenheit verhaftet geblieben wäre.Die beiden Alben, die sie in ihrem viel zu kurzen Leben veröffentlichte, waren eine sublime Verschmelzung von klassischem Soul mit modernem R&B. Ihr herrlich tiefer und herzzerreißender Ton schlängelte sich durch unausweichlichen inneren Aufruhr, romantisches Chaos, feuchte Londoner Straßen und Jahrzehnte der Musikgeschichte und formte eine der stärksten und einzigartigsten Stimmen des Pop aller Zeiten.-B.S.
82 Steve Perry
Steve Perry kanalisierte seine frühe Vorliebe für Sam Cooke und die Drifters in einen rauchigen und doch schwebenden Gürtel, der zum Goldstandard der Arena-Rock-Theatralik wurde. Wie auch immer man zu dem schamlosen Melodrama stehen mag, das Journey zu einem ewigen Bestandteil des UKW-Senders gemacht hat, es ist unmöglich, Perrys majestätische Darbietung bei Rockern wie „Don’t Stop Believin'“ und „Separate Ways (Worlds Apart)“ oder die Zärtlichkeit, die er Balladen wie „Open Arms“ und „Faithfully“ verleiht, zu leugnen. Perry hat seit 1991 nicht mehr mit Journey gesungen oder seit fast 30 Jahren keine richtige Show mehr gespielt, aber die Fans halten immer noch ihre Feuerzeuge für den als „The Voice“ bekannten Mann hoch. -H.S.
81 João Gilberto
Der Bossa Nova ist eine der stärksten kulturellen Bewegungen, die in Lateinamerika entstanden sind, und stützt sich auf drei Gründer:Antônio Carlos Jobim war der Komponist, Vinicius de Moraes der Texter und João Gilberto der unaufdringliche Sänger und Gitarrist.Der aus Bahia stammende Meister der kosmopolitischen Subtilität murmelte und flüsterte mit einer Leichtigkeit, die jedes Lied wie ein zwangloses Treffen unter Freunden erscheinen ließ.Dieser Stil – seine Poesie und Wärme – passte perfekt zu den Bossa-Erzählungen über das Leben am Strand der Copacabana.Gilbertos Debütalbum von 1959 gab den Ton für die folgende Revolution an, und der jazzige Klassiker von 1964, „Garota de Ipanema“, den Getz/Gilberto zusammen mit dem gebrochenen Englisch seiner Frau Astrud vortrugen, fasste die Energie dieser Revolution zusammen.-E.L.
