Die 200 größten Sängerinnen und Sänger aller Zeiten
Von Sinatra bis SZA, von R&B über Salsa bis Alt-Rock – die 200 größten Sängerinnen und Sänger.
120 Charlie Rich
Ein leichter Südstaaten-Tenor mit viel natürlicher Schale – natürlich konnte Charlie Rich mit Elvis Presley verglichen werden, und wurde es auch oft.Aber seine etwas sandigere Tonalität und die Tatsache, dass er Jazz ebenso gekonnt sang wie Country und Rockabilly, gaben ihm eine ganz eigene Note. Das wurde besonders bei Balladen deutlich: Richs langgezogene Vokale bei „Life’s Little Ups and Downs“ sind pure Dramatik, die einen aus dem Sessel reißt. Und er lässt die absolute Resignation von „Feel Like Going Home“ wie einen Zustand der Anmut erscheinen.-M.M.
119 Barrington Levy
Wenn eine Hupe singen könnte, würde sie wie Barrington Levy klingen: schneidend, befehlend und ein Signal dafür, dass der nächste Song gleich gewaltig sein wird. Levy wurde mit 14 Jahren ein jamaikanischer Dancehall-Star. Es folgten eine Reihe von lokalen Hits. Es folgten klassische Alben wie „Shaolin Temple“ von 1979 und „Poor Man Style“ von 1982. Dann folgten internationale Hits wie „Black Roses“ und das kultige „Under Mi Sensi“. In den folgenden vier Jahrzehnten wurde Levys Klasse von Dancehall-Brüdern immer kleiner. Aber irgendwie schaffte es Levy, sein Horn verdammt laut und sehr gut gestimmt zu halten. -N.S.
118 John Fogerty
Bei Creedence Clearwater Revival, deren Erfolgsserie von 1969 bis 1971 nach wie vor atemberaubend ist, klang John Fogerty dank seines aus dem Bauch heraus geschriebenen Songwritings und seiner Fähigkeit, Haken zu schlagen, wie ein Jedermann.Aber das galt auch für seine Stimme, einen Tenor, der von einem fröhlichen Tuckern zu einem bedeutungsvollen Brüllen wechseln konnte.Sie ist auch ein wenig nuancierter, als es zunächst scheint.Der Mann, der in „Fortunate Son“ wütet und in „Bad Moon Rising“ den Hinterwäldler-Propheten spielt, vermittelt in „Lookin‘ Out my Back Door“ lässige Freude und in „Have You Ever Seen the Rain?“ echten Kummer.Ein nützliches Instrument für einige der Klassiker des Classic Rock.-J.G.
117 Patti Smith
Während ihrer frühen Tage in Brooklyn mit dem Künstler Robert Mapplethorpe sang Patti Smith ihn in den Schlaf. Er mochte ihre Stimme, auch wenn sie es noch nicht tat. „Ich schätze, ich habe eine Menge Mut, aber ich hatte nie eine wirklich tolle Stimme“, sagte Smith kürzlich gegenüber NPR.Damals wollte sie Dichterin werden, nicht Sängerin – aber mit der Veröffentlichung von Horses (1975) wurde ihr klar, dass sie beides sein konnte.Beeinflusst von der Oper und Edith Piaf ebenso wie von Jim Morrison und Dylan, inspirierte ihre unkonventionelle Herangehensweise an den Rockgesang Generationen von Künstlern, die es satt hatten, dass man ihnen sagte, wie sie nicht singen sollten.Als Grenzgängerin zwischen Dichterin und Sängerin hat Smith die Grenzen dessen, was Musik sein und aussagen kann, mit ihrer fetten Stimme verschoben. Es ist Musik, sie reden zu hören, und es ist Geschichtenerzählen, sie singen zu hören. -B.E.
116 Chet Baker
Chet Bakers zurückhaltender Seufzer ist eine kühle Oberfläche, hinter der sich ein Reservoir zerbrochener Emotionen verbirgt, eine Stimme, die als ihr eigener Stummschaltungsmechanismus fungiert.Diese brodelnde Introvertiertheit – die durch Bakers auffallend hohe Wangenknochen nicht beeinträchtigt wird – wurde zu seiner Visitenkarte, mehr noch als sein ebenso schattenhaftes Trompetenspiel.“Niemand, am allerwenigsten Baker, scheint die weit verbreitete, langfristige Anziehungskraft seines Gesangs vollständig ergründet zu haben“, schrieb der Historiker des American Songbook, Will Friedwald, in seinem Buch The Great Jazz and Pop Vocal Albums und wies darauf hin, wie Bakers kraftvolle Zurückhaltung „brasilianische Anhänger wie Joao Gilberto beeinflusste, die seinen Gesangsstil in sich aufnahmen.“ -M.M.
115 Erykah Badu
Die Neo-Soul-Pionierin Erykah Badu hat eine geschmeidige, wissende Stimme und einen präzisen, aber oft überraschenden Zugang zu ihren Texten, der dafür sorgt, dass Songs wie ihr kurvenreicher Durchbruchshit „On & On“ aus dem Jahr 1997 und ihr ausladender, verträumter Track „Window Seat“ von 2010 wie auf einer Wolke schweben.Badus musikalische Mischung aus Jazz, Hip-Hop, Soul und zukunftsorientierter Mystik schmiegt sich wunderbar an ihr Instrument, das die Bandbreite und Tiefe von Größen der alten Schule wie Nina Simone und Billie Holiday hat, aber auch einen trotzigen kreativen Funken des 21. Jahrhunderts besitzt.-M.J.
114 Chrissie Hynde
Die Frontfrau der Pretenders hat es nie gemocht, als Punkrock-Leitfigur bezeichnet zu werden.“Es bedeutet nur, dass ich älter bin als sie, dass ich schon vor ihnen da war.Ich war keine Pionierin“, sagte sie 2006.Aber eine gewisse Old-Soul-Qualität war schon immer ein großer Teil ihrer Mystik – von der Art und Weise, wie sie auf „Precious“ wilde Angeberei mit kühler Zurückhaltung mischte, bis hin zu der zarten Intimität von „Kid“ und „Stop Your Sobbing“.Es sagt etwas über ihre einzigartige musikalische und emotionale Bandbreite aus, dass sie sich auch im Duett mit Sinatra und Cher wohlfühlt oder auf ihrem 2019er Album „Valve Bone Woe“ Songs von Brian Wilson, Nick Drake und Hoagy Carmichael covert.Diese Mischung aus Stil, Kraft und Tiefe hat im Laufe der Jahre unzählige Künstler beeinflusst, von Madonna bis zu den Linda Lindas. -L.T.
113 La India
Linda Caballero, bekannt als La India, ist bekannt für ihren mächtigen Gurt, und die Art und Weise, wie sie ihre Stimme über komplizierte Salsa-Arrangements entlässt, fühlt sich oft so befriedigend an wie ein lang gehaltenes Ausatmen.Die in Puerto Rico geborene und in der Bronx aufgewachsene Sängerin erregte die Aufmerksamkeit von Salsa-Koryphäen wie Eddie Palmieri, der eines ihrer ersten Alben produzierte, und Tito Puente, mit dem sie mehrere Swing-Klassiker neu interpretierte.Und obwohl sie ihre Vielseitigkeit in allen Musikstilen unter Beweis gestellt hat, ist ihr stimmliches Können am wirkungsvollsten bei ungeschminkten Salsa-Hits wie „Mi Mayor Venganza“ und „Ese Hombre“, wo sie ihre atemberaubenden Fähigkeiten einsetzt, um Frauen einige der beständigsten spanischsprachigen Hymnen der Selbstermächtigung und Unabhängigkeit zu geben.-J.L.
112 Ozzy Osbourne
Ozzy Osbourne hat nicht das, was die meisten Leute eine gute Stimme nennen würden, aber er hat eine großartige. Sein bombastisches Geschrei erinnert an Bohrer und E-Gitarren-Feedback, seine Phrasierung ist nicht gerade geschmeidig, aber die Art und Weise, wie er klingt wie kein anderer, ist eine Superkraft.Indem er diese einzigartigen Grenzen theatralisch umarmt und sich voll und ganz auf die Rolle einlässt – ein Grand-Guignol-Karnevalist, ein verrückter Zugführer -, gelingt es Ozzy nicht nur, Gitarrengötter wie Tony Iommi und Randy Rhoads zu übertrumpfen, sondern er erweist sich auch als fesselnder Heavy-Metal-Spinner, bedrohlich, aber voller guter Laune.-D.C.
111 Fiona Apple
Obwohl es einfach ist, sich auf die brillanten Texte von Fiona Apple zu konzentrieren, ist die Art und Weise, wie sie ihre Stimme einsetzt, der Punkt, an dem ihre Superkraft am stärksten zum Tragen kommt.Sie fühlt sich tief in ihre Songs ein und trägt sie fast wie Showtunes vor. Dabei erinnert sie an zwei ihrer frühesten Einflüsse, die Jazz-Sängerinnen Ella Fitzgerald und Billie Holiday.Bei einem frühen Karrierehit wie „Shadowboxer“ klingt ihre Stimme tief und zähflüssig, gleitet zwischen ihren grüblerischen und hoffnungsvollen Stimmungen hin und her.Bei „Fast as You Can“ zittert sie in Halbtönen wie eine schwingende Feder.Bei „Shameika“ rappt sie fast, bleibt aber auf der Tonhöhe und bringt ein wenig Leichtigkeit in ihren Vortrag.“Ich habe nicht das Gefühl, dass ich eine großartige Sängerin mit einer schönen Stimme bin, aber ich habe das Gefühl, dass ich gut mit meiner Stimme spielen kann“, sagte sie kürzlich. „Sie ist jetzt nur noch ein Instrument. Aber es ist das beste Instrument. Es macht so viele Geräusche.“-K.G.
110 The Weeknd
Als Abel Tesfaye Anfang der 2010er Jahre zum Kultstar wurde – und als er ein paar Jahre später den Durchbruch zum Pop-Superstar schaffte – waren seine leichte Beherrschung von Melodien und seine Vorliebe für dunkle, drogenlastige Bilder einer der Gründe dafür.Aber seine Stimme war der X-Faktor, der ihn zu einem der einflussreichsten Acts seiner Generation machte: ein hoher, einsamer Klargesang, der den Nebel der Pop-Charts durchbricht.Tesfaye hat sein einzigartiges Timbre den äthiopischen Künstlern zu verdanken, die er als Kind in Toronto gehört hat, Ikonen wie Aster Aweke und Mulatu Astatke.“Ich bin nicht hier, um Luther-Vandross-Runs zu machen“, sagte er 2015 in einem Interview. „Ich kann nicht das machen, was Jennifer Hudson macht. Aber das Gefühl in meiner Musik und in meiner Stimme ist sehr äthiopisch und sehr afrikanisch und viel kraftvoller als alles, was technisch ist.“ -S.V.L.
109 Roger Daltrey
Pete Townshend hat den größten Teil des Who-Katalogs geschrieben, aber es war Roger Daltreys Gesang, der sie zum Leben erweckte. Das war für ihn nicht selbstverständlich, bis sie die Rockoper Tommy aufnahmen. „Tommy gab mir eine Leinwand, die groß genug war, um wirklich etwas zu wagen“, sagte er 2013 dem Rolling Stone. „Sobald wir auf Tour waren und den Song live sangen, entwickelte er sich von selbst und meine Stimme wuchs mit ihm.“Dieses Selbstvertrauen kann man bei seinem Urschrei am Ende von „Won’t Get Fooled Again“ und dem aufsteigenden Höhepunkt von „Love, Reign O’er Me“ gut hören.-A.G.
108 Caetano Veloso
Caetano Veloso ist der erste brasilianische Singer-Songwriter, das heimische Äquivalent zu Dylan, ein revolutionärer Rocker mit einer starken literarischen Veranlagung. Er ist ein meisterhafter Performer, dessen samtiger Kehlkopf und spürbare Intelligenz ihm einen Schub geben, selbst – oder gerade – wenn er sich zurücklehnt und murmelt.Aber er ist auch entzückend, wenn er das Tempo anzieht und aufgeregte Juchzer und Triller einstreut – und er bringt das alles sowohl auf Englisch als auch auf brasilianischem Portugiesisch rüber.“Ich glaube, was für uns im Norden schwer zu akzeptieren ist, ist, dass jemand politisch, kulturell und musikalisch radikal sein kann und trotzdem romantisch sein und eine schöne, sinnliche Melodie lieben kann“, bemerkte David Byrne 1999.“Caetano kann das schaffen.“-M.M.
107 Lou Reed
Natürlich würde niemand Lou Reeds Gesang für sich genommen als virtuos bezeichnen. Aber wenn es um Persönlichkeit, Ansichten und eine einzigartige Stimme geht, die wiederum Generationen von Sängern nach ihm geprägt hat, war Reed tatsächlich der Mann. Bands von den Feelies über Yo La Tengo bis hin zu Parquet Courts haben sich Lous groovig-flachen Gesangsstil zu eigen gemacht, nicht nur seine aufgewühlte Rhythmusgitarre – verdammt, allein der Gesang auf dem dritten Velvet Underground-Album erfand einen Substil des College-Radio-Croonings.Und im galoppierenden Rocker-Modus beflügelte seine nervöse Flachheit oft seine Songs – „Sweet Jane“ und „Rock & Roll“ sind nur der Anfang.-M.M.
106 Bill Withers
Manche Sänger lassen sich gehen; Bill Withers musste das nie. Ohne in Theatralik zu verfallen, vermittelte seine Stimme absolute Autorität und Aufrichtigkeit, ob er nun von Sehnsucht („Ain’t No Sunshine“), Lust („Use Me“) oder familiärer Liebe („Grandma’s Hands“) sang.Seine maßvolle Darbietung ließ die Grenzen zwischen Folk und Funk, Gospel und AM Gold verschwinden, schuf eine neue Spur des bodenständigen R&B auf Still Bill und veredelte Disco auf Menagerie.“Er hat nicht nur großartige Songs geschrieben“, sagte Stevie Wonder über Withers, als er ihn in die Rock & Roll Hall of Fame aufnahm, „er hat sie auch unglaublich gut gesungen.“-H.S.
105 Eddie Vedder
Eddie Vedder war ein Surfer aus Kalifornien, den es nach Seattle verschlug, wo er sich zu einer der kultigsten und einflussreichsten Rockstimmen der letzten 40 Jahre entwickelte.Mit Pearl Jam lässt Vedder seinen kräftigen Bariton in schmerzhaften Balladen wie „Daughter“, „Nothingman“ und „Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town“ erklingen. Aber er kann auch in den wütenden Songs „Black“ oder „Not for You“ heulen. Historisch gesehen ist er das Bindeglied zwischen dem Knurren im Stil von Springsteen aus den 1970er Jahren und der Wut des Punks von der Westküste. Auch auf den Country hat er großen Einfluss – man kann ihn bei Sängern wie Chris Stapleton hören. Seine legendärste Darbietung ist vielleicht „Hunger Strike“ von Temple of the Dog, in seinem epischen Call-and-Response mit Chris Cornell. Der ultimative Grunge-Soul-Mann. -R.S.
104 Aaron Neville
Die flatterhaften Kanten von Aaron Nevilles Tenor sind subtil, aber raffiniert und manchmal aufregend dramatisch.Hören Sie sich an, wie er das Ende jeder Zeile von „Yellow Moon“ der Neville Brothers, dem Titelsong ihres Meisterwerks von 1989, leicht anhebt, oder gehen Sie zurück zu seinem Soloklassiker von 1966, „Tell It Like It Is“.Es liegt eine tiefe Menschlichkeit und Anmut in seinem Gesang – eine essentielle Süße, wie Ahornsirup, der sich über einen Stapel Pfannkuchen verteilt.“Die Leute sagen, sie wünschten, sie könnten mir sagen, was meine Stimme mit ihnen macht“, sagte er 1989, „und ich sage, ich wünschte, ich könnte ihnen sagen, was es mit mir macht, singen zu können.“-M.M.
103 Leonard Cohen
Der Kult um Leonard Cohen konzentriert sich zu Recht auf sein lyrisches Genie, aber ohne seine Stimme, dieses düstere, quasi biblische Grollen, hätten seine Worte nie die gleiche Schwere gehabt.Sogar auf seinen frühen Alben, als seine Stimme noch am geschmeidigsten war, hatte sie eine einzigartige, gespenstische Qualität, die sich nur noch vertiefte, als sein Tonumfang seine reife Form annahm, dieses köstlich unheimliche, halb krächzende, halb krächzende Geräusch, das den schneidigen, pechschwarzen Witz von Alben wie I’m Your Man und The Future ergänzte.Am Ende seines Lebens – vor allem auf seinem letzten Album You Want It Darker, das nur wenige Wochen vor seinem Tod 2016 erschien – erzählte er mehr, als dass er sang, seine Bandbreite war im Grunde nicht vorhanden, aber es war genau das richtige Medium für den existenziellen Bluesman, der er schon immer im Begriff war zu werden. -H.S.
102 Taylor Swift
Man könnte einen ganzen Kurs über Swifts stimmliche Entwicklung halten – so faszinierend ist sie.Vor einem Jahrzehnt wäre es noch umstritten gewesen, sie in diese Liste aufzunehmen, aber mit den jüngsten Veröffentlichungen wie Folklore, Evermore und Midnights ist der Streit offiziell beigelegt.Dieses gehauchte Timbre birgt so viel Vielseitigkeit in sich – man denke nur an die Bandbreite vom triumphalen „State of Grace“ über das selige „Lover“ bis zum Knaller „Look What You Made Me Do“.Oder die Phrasierung bei dem nachdenklichen „You’re on Your Own Kid“.Oder auch „Seven“, wo sie uns mit einer zarten Oberstimme verblüffte, die das Wort „Pleaaaase“ so engelsgleich klingen ließ wie jedes jemals gesungene „Pleaaaase“.Mit jedem Jahr ihrer fast zwei Jahrzehnte währenden Karriere wird ihr Songwriting besser und besser – eine nicht enden wollende Suche, bei der ihre einzige Konkurrenz sie selbst ist. Das Gleiche gilt für ihre Stimme. -A.M
101 Gladys Knight
Gladys Knight erhält nie den ihr gebührenden Respekt.Ihr Crossover-Hit „I Heard It Through the Grapevine“ wurde im öffentlichen Bewusstsein sofort durch Marvin Gayes Cover ersetzt, und sie wurde eher nicht als Königin von irgendetwas gefeiert.Ihre kirchlich geschulte Stimme, warm und weise, war viel zugänglicher als das.In Klassikern wie „Neither One of Us“ und „Midnight Train to Georgia“ spielte sie eine Frau, die schon viel erlebt hatte und von der man wusste, dass sie (dank der Call-and-Response-Community der Pips) dort geblieben war. Die Königin des Liebens und Verlierens, aber dauerhaft. -D.C.
