Die 200 größten Sängerinnen und Sänger aller Zeiten
Von Sinatra bis SZA, von R&B über Salsa bis Alt-Rock – die 200 größten Sängerinnen und Sänger.
140 Bono
Es ist leicht, Bono für selbstverständlich zu halten, da sein lobenswerter Aktivismus und seine überragende Bühnenpersönlichkeit oft den Grund überschatten, warum er überhaupt diese Plattformen hat: seine Stimme.Seit den frühen Achtzigern hat Bono seine Stimme bis zum Äußersten getrieben, als er sich der Kunst des Singens angenähert hat.In „Pride (In the Name of Love)“, seinem Liebesbrief an Dr. Martin Luther King Jr., singt, trällert, singt und summt er, während er Dr. Kings Leidenschaft berechnet.Bei Who’s Gonna Gonna Ride Your Wild Horses“ windet und biegt sich seine Stimme, wobei er auch ein wenig echte Härte einfließen lässt.Und in der gefühlvollen Ballade „In a Little While“ fleht er mit der gleichen Intensität wie Marvin Gaye, bevor er in sein unverwechselbares Bono-Falsett gleitet, das sowohl den Ton als auch die Emotion abdeckt.-K.G.
139 Rocío Dúrcal
Rocío Dúrcal gilt als „la Española más Méxicana“ (die mexikanischste Spanierin). Ihre gefühlvollen Interpretationen von Rancheras, ihre Arrangements mit Mariachi und ihre löwenhafte Theatralik bei Auftritten machten Dúrcal in den achtziger und neunziger Jahren zu einer der beliebtesten Künstlerinnen Lateinamerikas.Dúrcal verstand es, die warme Sanftheit ihres Mezzosoprans mit intensivem, dunklem Gurtgesang zu vereinen, und zwar bei Karrierehöhepunkten wie dem wunderschönen „Amor Eterno“ aus der Feder von Juan Gabriel oder der romantischen Ballade „La Gata Bajo la Lluvia“, bei der die tiefe Leidenschaft in ihren herrlichen Läufen das Gefühl der Sehnsucht nach einem verlorenen geliebten Menschen heraufbeschwört, wie es nur wenigen Sängern gelingt.-T.M.
138 Merle Haggard
Nur wenige Sänger in der amerikanischen Populärmusik sangen mit mehr Einfühlungsvermögen als Merle Haggard, der die Geschichten der rastlosen Wanderer, treibenden Betrunkenen, lüsternen Einzelgänger und verurteilten Sträflinge, die seine Lieder bevölkerten, mit der Intensität eines Methodendarstellers vortrug.Hören Sie sich Haggards Phrasierung bei „If We Make It Through December“ an, wie er bei Wörtern wie „December“ und „coldest“ verweilt, um die Härte zu vermitteln, während er beim Singen der Wörter „California“ und „summertime“ durch eine weit entfernte Fantasie gleitet.Mit seinem reichen, ausdrucksstarken Bariton nutzte Haggard Raum, Atem und Vibrato, um die Universen von Schmerz und Sehnsucht in seinen Liedern zu vermitteln.Aber mehr noch als sein immenses technisches Können verstand es Haggard wie kein anderer, seine Stimme als tiefgründiges Mittel zum Erzählen von Geschichten einzusetzen.-J.B.
137 El DeBarge
„Ich neige dazu, die Menschen und das Publikum zu scheuen, und ich muss zugeben, dass ich mich unwohl fühle, wenn man mich ins Rampenlicht stellt“, gab El DeBarge 1992 zu.Glücklicherweise erstreckte sich diese Zurückhaltung nicht auf das Aufnahmestudio, wo El’s Stimme aufblühte, zuerst in der Familiengruppe DeBarge und dann auf eigene Faust – schlank und elastisch, mit scheinbar atemberaubender Leichtigkeit ins Falsett zoomend.Die Notenbänder, die er im Finale von „All This Love“ der Gruppe loslässt, sind wie Karamell; fast drei Jahrzehnte später sang er das Solo „Second Chance“ mit solch geschmeidiger Anmut, dass seine Stimme am Ende ein wenig brach und den Zuhörer mitriss.-M.M.
136 Lauryn Hill
Einer der vielen Gründe, warum Lauryn Hill eine Ikone ist, liegt darin, dass ihre Pfeifen so makellos sind wie ihre hochkarätigen Takte.Ihre Gesangsstimme ist erdig und robust, aber auch zart, was oft in krassem Gegensatz zu ihrer kühnen und bissigen Darbietung als MC steht. Damit hat sie eine ganze Generation von Künstlern dazu ermutigt, ihre Dualität zu nutzen. Vor der Veröffentlichung ihres echten Klassikers (und einzigen Albums), The Miseducation of Lauryn Hill von 1998, soll sie einer der Background-Sängerinnen des Projekts, Lenesha Randolph, gesagt haben, dass die Leute noch nicht bereit seien für ihren Ansatz, zu singen und zu rappen. „Ich weiß nicht, ob die Leute dieses Album mögen werden, weil ich nur singe, und niemand will Rapper singen hören“, sagte sie.Randolph war schockiert: „Denn wenn man sie singen und dann sprechen hört – das hatte so viel Kraft und Volumen und Raspeln.Das war etwas, wonach man streben musste.“-M.C.
135 IU
Seit ihrem Durchbruchshit „Good Day“ aus dem Jahr 2010 (der für seinen großartigen dreistimmigen Höhepunkt verdientermaßen gelobt wurde) hat sich IU zu einer der angesehensten Sängerinnen der südkoreanischen Musikszene entwickelt. Trotz ihrer sanften Stimme verfügt sie über einen großen Tonumfang, eine kraftvolle Stimme und eine Vielseitigkeit, die es ihr ermöglicht, sich mühelos von Bossa Nova zu Kammerpop der Neunzigerjahre und von Jazz zu Balladen zu bewegen.Im Jahr 2022 war sie die erste koreanische Solistin, die ein Konzert im Olympiastadion von Seoul anführte, das innerhalb von fünf Minuten ausverkauft war. Kollegen und Bewunderer wie Jung Kook von BTS, Jihyo und Jeongyeon von Twice und Soobin und Beomgyu von TXT waren da, um ihren Triumph zu feiern.-K.K.
134 Axl Rose
Alles an Guns N‘ Roses fühlte sich schmutziger und rücksichtsloser an als alles, was vorher da war, und das Herzstück ihres Sounds war eine der unverschämtesten Stimmen, die je im Rock zu hören waren. Während ihres 1987er Klassikers Appetite for Destruction verändert Axls Stimme ständig ihre Gestalt, vermittelt eine totenbleiche Bedrohung in den tiefen Tönen („It’s So Easy“, „Mr. Brownstone“) und dämonische Wut in den hohen Tönen („Welcome to the Jungle“, „Out ta Get Me“), während sie auch androgyne Sehnsucht („Sweet Child o‘ Mine“) und pure, großspurige Überheblichkeit („Paradise City“) anklingen lässt.Balladen wie „Patience“ und „November Rain“ erweiterten seine Palette und erinnerten die Fans daran, dass in seiner stimmlichen DNA ebenso viel Elton John wie Freddie Mercury und Janis Joplin steckt.-H.S.
133 Neil Young
Youngs Falsett hat so viel emotionalen Ballast, dass es das schwerste in der Popmusik ist. Sein Instrument ist unverwechselbar und komplex, manchmal schwindelerregend zart („After the Gold Rush“, „Mellow My Mind“, „Expecting to Fly“), aber auch weise und unerschütterlich („Powderfinger“, „Ambulance Blues“ und das stark unterschätzte „Touch the Night“). Es hat viele beeinflusst – am bekanntesten ist vielleicht der junge Thom Yorke – doch Young selbst versteht seine Größe nicht. „Meine eigene Stimme ist ein verdammtes Rätsel für mich“, sagte er Jimmy McDonough in der Young-Biografie Shakey.“Ich weiß nicht, wo sie ist.Sie klingt die ganze Zeit so unterschiedlich.Ich kann leise singen und es klingt wie der eine Typ, ich kann laut und schreiend singen und es klingt wie ein ganz anderer Typ. Ich habe mehrere verschiedene Stimmen in mir. Und je lockerer ich werde, je mehr ich singe – desto besser werde ich.“ -A.M.
132 Loretta Lynn
Der Begriff „Hard Country“ wurde nicht in Anlehnung an Hard Rock, sondern an harten Schnaps geprägt – das stärkste Zeug im Regal – und Loretta Lynns Stimme war 190er-fest.Sie war ein geradliniger Schütze, deklamatorisch im besten Sinne: Man hörte nicht nur die Sichtweise einer Frau, sondern die dieser Frau, und die ließ Ungerechtigkeiten jeglicher Art nicht unkommentiert. Dass sie in ihren Liedern eine erstklassige Komikerin war, machte die wütenden Sachen nur noch überzeugender – siehe „Fist City“ für die kämpferische Version und „One’s on the Way“ für die Jedermann-Version. Und ihre späte Karriere war eine echte stimmliche Renaissance; die Remakes auf „Still Woman Enough“ von 2021 sind beeindruckend. -M.M.
131 Jeff Buckley
Jeff Buckley, der seine Wurzeln von Led Zeppelin und Yes bis hin zu Edith Piaf und Barbra Streisand widerspiegelt, war der seltene Sänger seiner Ära – der Neunziger Jahre -, der nicht nur in Alt-Rock-Klagen schwelgte.Wie Robert Plant, einer seiner Vorbilder, konnte er einen Song leise mit einem Flüstern beginnen, bevor er sich zu einer fast fleischlichen, wilden Intensität hocharbeitete (siehe „Mojo Pin“ von seinem einzigen vollendeten Studioalbum, Grace).Er fügte auch Schichten von Verletzlichkeit, Zärtlichkeit und Melodrama hinzu, die ihn als Chanteur auszeichneten, und zwar als einen mit einer Stimme, die mehrere Oktaven umfasst.Mit seinem Tod 1997 im Alter von 30 Jahren wurde der Pop um einen Künstler beraubt, dessen Stimme sicherlich noch viele weitere Gefilde erobern sollte. -D.B..
130 Courtney Love
Courtney Love entstammte einer Punk-Tradition von Frauen, die sich nicht darum scherten, schön zu singen, und sie brachte diese Sensibilität näher an den Rock-Mainstream als jede andere Sängerin der letzten 30 Jahre.Ihr Einfluss war unmittelbar, vor allem auf ihren Ehemann, Kurt Cobain.Loves unverwechselbarer Tonfall verkörpert die Qualen und die Ekstase des Frauseins, und das auf eine Art und Weise, dass es Spaß macht, dazu zu schreien.Von der fast unerträglichen Intensität des 1991er Albums Pretty on the Inside über Hole’s Durchbruch Live Through This bis hin zu neueren Singles wie der 2015er Toxic-Friendship-Hymne „Miss Narcissist“ singt niemand so wie Courtney.“Ich war immer die Einzige, die sich getraut hat, zu singen, und so blieb ich dabei hängen“, sagte sie einmal zu MTV.Und sie hat Recht.Niemand hat den Mut, so roh zu bleiben. -B.E.
129 Rob Halford
Judas Priest-Frontmann Rob Halford hat mit seinem schwindelerregenden Eröffnungsgesang auf „Victim of Changes“ von 1976 („Whiskey woman, don’t you know that you are driving me in-saaaaaane!“) einen ledernen Fehdehandschuh hingeworfen, und in den Jahrzehnten seither hat der als „Metal God“ bekannte Mann seine Stimme immer weiter zum idealen Instrument für das Genre geschliffen, das er so stolz verkörpert.Von dem rauen, haltungsbetonten Stil, den man in den frühen Achtzigern bei Klassikern wie „You’ve Got Another Thing Comin'“ und „Living After Midnight“ hörte, bis hin zu dem Banshee-Kreischen von „Painkiller“ aus dem Jahr 1990.Kerry King von Slayer sagte dem Rolling Stone, dass Halford „Töne trifft und Töne für eine Dauer hält, die fast unmenschlich ist.Das ist wie Eddie Van Halen beim Gitarrenspiel; das ist Rob Halfords Gesang“. -H.S.
128 Florence Welch
Die Frontfrau von Florence + the Machine ist eine der großen Stimmen dieses Jahrtausends und eine Powerhouse-Diva der alten, aber immer noch kraftvollen Schule: ein lederbekleidetes Dynamo mit Reichweite, Charakter, Gefühl und Wagemut.Mit einem unerschrockenen Sinn für Frechheit, der zur schieren Größe ihrer Stimme passt, ist Welchs schiere Begeisterung für ihre Arbeit beeindruckend:Jede übergroße Emotion ist echt gespielt, aber ihre Verspieltheit untermauert alles. „Singen gibt mir das Gefühl, die Kontrolle zu haben und stärker zu sein“, sagte sie einmal. „Auf der Bühne verstehe ich mich selbst am besten. Es fühlt sich echt an und wie etwas, das ich tatsächlich tun kann.Es bestätigt mich, definiert mich … Ich wüsste wirklich nicht, was ich ohne es tun würde.“-M.M.
127 Tammy Wynette
Der zittrige Unterton in Tammy Wynettes Stimme war sowohl ein Effekt als auch ein raffiniertes Interpretationsmittel – er ließ ihre Geschichten von Hausfrauen auf dem Land und den Männern, denen sie zur Seite standen, direkt und eindringlich wirken.Es hat auch ein spezifisches Country-Instrumental-Analogon:Wynette ist wie eine vokale Version der Pedal-Steel-Gitarre, mit ihrer weinerlichen Tonalität.(Ihre frühen Hits waren praktisch Duette zwischen ihr und der Steel-Gitarre.) Aber „Stand by Your Man“ war nicht alles, was sie sang.Nicht nur bei schwungvollen Nummern wie „Your Good Girl’s Gonna Go Bad“ zeigte sich ihr eiserner Wille, sondern auch bei dem unsterblichen Schmachtfetzen „D-I-V-O-R-C-E“. -M.M.
126 Donny Hathaway
Donny Hathaway, der für immer mit dem Weihnachtsstandard „This Christmas“ in Verbindung gebracht wird, vermittelte die Sinnlichkeit, das gesellschaftspolitische Bewusstsein und die spirituellen Ängste der schwarzen Erfahrung der siebziger Jahre.Er studierte Musik und Klavier an der Howard University, und diese Ausbildung strahlt in Liedern wie „The Ghetto“, wo seine Stimme inmitten der funkigen, lateinisch angehauchten Arrangements der Band den Takt hält.Hathaway verkörperte Wärme und Verletzlichkeit, die Art, die von einem glühenden, stürmischen Moment wie „The Closer I Get to You“, einem Duett mit Roberta Flack, zu dem brillant gequälten Gospelgebet „Lord Help Me“ übergehen konnte.Er war vielleicht aufgewühlt, aber er gab seinen Zuhörern das Gefühl, beschützt zu werden. -M.R.
125 Joe Strummer
Joe Strummer trug sein Herz immer auf der Zunge.Bei The Clash konnte er einen mit seinem mächtigen Gebrüll umhauen, aber er konnte noch viel mehr als das – sein täuschend schroffer Schrei war ein erstaunlich flexibles Instrument, weshalb er eine so große emotionale Bandbreite abdecken konnte.Strummer konnte wütend sein, sicher, aber er hatte auch eine einzigartige Gabe für eine fröhliche, ausgelassene Wärme, die sich in den komischen Höhenflügen von „Bank Robber“ oder „Safe European Home“ zeigte.Er konnte elegische Zärtlichkeit, wie in „Spanish Bombs“ oder „Straight to Hell“.Oder er könnte sich einfach in die Stimme des Untergangs verwandeln, wie in „Armagideon Time“. Wenn Sie jemals an seinen Fähigkeiten als Sänger gezweifelt haben, hören Sie sich „London Calling“ an, in dem er seine Emotionen von Wut („Now get this!“) über Heiterkeit bis hin zu Schrecken ausbreitet. Es ist eine dreiminütige stimmliche Meisterleistung. -R.S.
124 Robert Johnson
So wie Robert Johnson wie zwei Gitarristen in einem klingen kann, so zeigt auch die Stimme der Delta-Blues-Legende aus den 1930er Jahren bei seinen Auftritten verschiedene Facetten.Viele der Johnson-Mythen stellen seine Talente als elementar dar, aber in Momenten wie dem bittersüßen wortlosen Stöhnen, das jeder Strophe von „Sweet Home Chicago“ vorausgeht, oder der Art, wie er seine sehnsüchtigen Zeilen im oberen Register mit den reumütigen Zeilen im unteren Register von „Hellhound on My Trail“ wiedergibt, kann man erkennen, wie wichtig ihm die Nuancen eines Songs waren.Andere Delta-Blueser klangen rauer (Charley Patton) oder verzweifelter (Skip James); Johnsons Gabe als Sänger war es, seine Solodarbietungen wie Miniaturdramen im Kopf des Zuhörers ablaufen zu lassen.-H.S.
123 Karen Carpenter
Vögel können buchstäblich jedes Mal, wenn sie in der Nähe ist, auftauchen oder auch nicht. Aber wenn sie es nicht tun, ist das ihre Sache, denn Karen Carpenter ist die ultimative Easy-Listening-Thrush-Queen. Sie hatte eine der schönsten Seventies-Stimmen der siebziger Jahre – geschmeidig, leer und beruhigend, mit genau dem richtigen Hauch von emotionalem Unbehagen, um die zwei Autos, die versunkene Höhle und den Vorstadttraum in Klassikern wie „We’ve Only Just Begun“ und „(They Long to Be) Close to You“ hervorzuheben.So wie die rein orchestralen Pop-Arrangements ihres Bruders Richard einen Einfluss auf Indie-Pop-Bands der neunziger Jahre wie St. Etienne und Stereolab hatten, so war es auch die glühende, gebieterische Distanz in allem, was Karen sang.-J.D.
122 Donna Summer
Donna Summer, die sich selbst als „methodische Schauspielerin“ bezeichnete, die sich in einen Song hineinarbeitete, indem sie sich in seine Gefühle vertiefte, hatte die Stimme einer Broadway-Sängerin, aber sie machte ihr Glück – und Musikgeschichte -, indem sie sinnlich über einige der köstlichsten Disco-Songs säuselte.Ihr stimmlicher Höhepunkt ist nicht einmal „I Feel Love“, das unsterblich ist, sondern „Try Me, I Know We Can Make It“.Sie war auch eine meisterhafte Erzählerin – ihre stahlharte Darbietung von „She Works Hard for the Money“ (oder sollte das heißen „steel-toed“?) hätte auch in Hill Street Blues funktionieren können.-M.M.
121 Jackie Wilson
Jackie Wilson hatte die stimmlichen Voraussetzungen, um es als Opernsänger zu schaffen, aber er brachte seinen vier Oktaven umfassenden Tonumfang in die Welt des R&B ein und schuf Klassiker wie „Lonely Teardrops“, „(Your Love Keeps Lifting Me) Higher & Higher“ und „Baby Workout“.Elvis Presley und Michael Jackson waren beide große Fans, und sie waren am Boden zerstört, als er 1975 bei einer Show in Cherry Hill, New Jersey, ins Koma fiel, während er „Lonely Teardrops“ sang. „Jackie Wilson hat entscheidend dazu beigetragen, die Kluft zwischen dem R&B im alten Stil und einer neuen Inkarnation des Soul zu überbrücken“, sagte J. Geils Band-Frontmann Peter Wolf. „Selbst Elvis Presley wusste, warum Wilson ‚Mr. Excitement‘ genannt wurde: Ich habe gehört, dass sich der King bei einem Auftritt von Wilson unter dem Tisch verstecken wollte.“-A.G.
