Die 200 größten Sängerinnen und Sänger aller Zeiten
Von Sinatra bis SZA, von R&B über Salsa bis Alt-Rock – die 200 größten Sängerinnen und Sänger.
160 Mercedes Sosa
Die aus der argentinischen Provinz Tucumán stammende Mercedes Sosa verkörperte den gefühlvollen Idealismus linker Politik, den sie als Anführerin der Nueva-Canción-Bewegung durch ein reiches Repertoire an Volks- und militanten Protestliedern zum Ausdruck brachte. Ihre zarte, aber auch unbestechliche Stimme verwandelte Violeta Parras Ode an das Leben „Gracias a La Vida“ in eine intime Hymne. In ihrer Heimat zensiert und während der argentinischen Diktatur Ende der 1970er Jahre ins Exil gezwungen, wurde Sosa zu einer internationalen Konzertattraktion und strahlte auf der Bühne wie eine südamerikanische Mutter Erde. Auf ihrem letzten Album Cantora, das 2009 erschien, sang sie Duette mit jüngeren Stars, die sie in Ehrfurcht versetzten. -E.L.
159 Mississippi John Hurt
Mississippi John Hurt, die seltene Delta-Blues-Legende, die nicht mit roher Kraft, sondern mit Anmut, Großzügigkeit und Wärme besticht, wurde 1893 geboren und machte seine ersten Aufnahmen in den 1920er Jahren. Doch der Sharecropper und Vater von 14 Kindern fand erst mit dem Blues-Revival der 1960er Jahre Anerkennung, als er mehrere wunderbare Alben aufnahm. Ob er nun über Sex, den Tod, die Freuden des Maxwell-House-Kaffees oder den Schrecken des „funky butt“ sang, sein geduldiger Vortrag, sein brünierter Bariton und die Art und Weise, wie er es schaffte, dass sich lyrische Wiederholungen eher beruhigend als bedrohlich anfühlten, sorgten dafür, dass sich alles entspannt und freundlich anfühlte, so als würde er einen lächelnd zum Frühstück in seine Küche einladen. -J.D.
158 Carrie Underwood
Carrie Underwood hätte aus American Idol hervorgehen und als Fußnote der Popkultur enden können wie unzählige andere. Stattdessen ist sie einer der beständigsten modernen Stars der Country-Musik, und das liegt nicht zuletzt an ihrer bemerkenswerten Stimme. Sie ist ein Instrument mit Kraft, Präzision und erstaunlicher Bandbreite und war das zentrale Merkmal ihres Debütalbums Some Hearts und von Hits wie „Jesus, Take the Wheel“, „Before He Cheats“ und „Wasted“. Fünfzehn Jahre und zahlreiche Hits später singt sie immer noch so, als ob sie etwas zu beweisen hätte – Denim & Rhinestones von 2022 hat eine aggressivere Rockkante als einige ihrer früheren Arbeiten und bietet einige ihrer bisher anspruchsvollsten Gesangsleistungen. -J.F.
157 Robert Smith
Robert Smith ist die Gothic-Sade. Bei The Cure ist er ein Meister der gehauchten Intimität und des erotischen Witzes, als würde er bei Kerzenlicht Geheimnisse ausplaudern, selbst wenn er über Katzen und Spinnen singt. Er macht seine trübe Stimme zu einem ausdrucksstarken Instrument, egal ob er auf sexy Elend („Close to Me“), selbstironisches Elend („Let’s Go to Bed“) oder jämmerliches Elend („One Hundred Years“) setzt. „Just Like Heaven“ ist zu Recht sein berühmtestes stimmliches Schaufenster, das die emotionalen Extreme von romantischer Glückseligkeit bis hin zu einsam-einsamer Verzweiflung abdeckt. Und verdammt, wie er die Zeile „Must have been asleep for daaaays“ säuselt – die ganze Philosophie von Robert Smith in einem Moment. -R.S.
156 George Strait
Schon früh wurde George Strait häufig mit Frank Sinatra verglichen, was durchaus Sinn macht. Abgesehen davon, dass er ein bekennender Sinatra-Fan ist, passte Strait den butterweichen Crooning-Stil des Chairman gekonnt an die Country-Instrumentierung an und bahnte sich damit einen breiten Weg durch die Achtziger und Neunziger Jahre. Gepaart mit einem unvergleichlichen Gespür für großartige Songs – normalerweise schreibt er nicht viele eigene – konnte Strait alles, was er aufnahm, glaubhaft verkörpern. Ganz gleich, ob es sich um klassische Country-Balladen („Fool Hearted Memory“), verschlagenen Two-Step („The Fireman“), Western-Swing („Right or Wrong“) oder Honky-Tonk („All My Ex’s Live in Texas)“ handelte, er fühlte sich in allem zu Hause. Kein Wunder, dass Country-Fans ihn immer noch „King George“ nennen. -J.F.
155 Corin Tucker
Punk ist voll von lauten Stimmen, aber Corin Tuckers Stimme sticht selbst in diesem Genre hervor. Die Sängerin und Gitarristin von Sleater-Kinney hat die markanteste Heulstimme in der Musik, mit viel Vibrato, aber immer kontrolliert, selbst wenn sie emotionale Stürme überträgt. Ihre Bandkollegin Carrie Brownstein beschrieb Tuckers Stimme in ihren Memoiren als „ein Heulen nicht der Trauer, sondern des Mordes“. Und es gab so viel, was ich zerstören wollte“. Aber es gibt noch viel mehr als die schiere Kraft – auf dem Album 1.000 Years der Corin Tucker Band zum Beispiel ist sie genauso ausdrucksstark und einnehmend, wenn auch in geringerer Lautstärke. -M.M.
154 Dion
In den frühen Sechzigern wurde Dion DiMucci oft mit den anderen Teenie-Idolen dieser Zeit in einen Topf geworfen. Aber kaum einer von ihnen konnte es mit der Härte, dem Straßenstil und der Bandbreite der Einflüsse aufnehmen, die er in seine Musik einbrachte. Wir hörten ihn zuerst als Doo-Wop-Sänger („A Teenager in Love“), aber seine Liebe zu Blues, R&B und Folk-Musik verlieh seinem Repertoire und seiner Stimme zusätzliche Tiefe. Dion hatte den Schwung eines jugendlichen Sinatra („Runaround Sue“), aber er hatte auch das Herz einer veralteten alten Seele („Abraham, Martin and John“). In seinen Achtzigern macht er weiterhin ungeschminkte Blues- und R&B-Platten mit einer Stimme, die immer noch knurren und schlendern kann. -D.B..
153 Mahlathini
Sie nannten ihn den „Löwen von Soweto“, seinen Gesangsstil nannten sie manchmal „Ziegenstimme“. Wenn die Leute zwei verschiedene Tiere brauchen, um deinen Stil zu erfassen, machst du es richtig. Simon „Mahlathini“ Nkabinde war eine unvergleichliche Figur in der Geschichte der südafrikanischen Musik, begabt mit einem wolkenbrechenden Basso profundo-Stöhnen und einem wissenden, spielerischen, manchmal teuflisch scharfen Gespür dafür, was man damit machen kann. Mit den überschwänglichen Mahotella Queens und der elastischen Makgona Tsohle Band im Rücken war Mahlathini in den Sechziger- und Siebzigerjahren maßgeblich an der Entstehung des als Mbaqanga bekannten Township-Stils beteiligt. Paul Simons Graceland hat diesen Sound in die Welt getragen, aber es geht doch nichts über das Original. -J.D.
152 Michael Stipe
Als R.E.M. anfingen, schlugen sie Wellen, auch weil ihr Sänger Michael Stipe sich weigerte, sich klar auszudrücken. Es ist kein Zufall, dass R.E.M. genau dann zum Pop wurde, als Stipe anfing, deutlich zu sprechen, oder dass die kommerziellen Höhepunkte der Band in den frühen Neunzigern, „Out of Time“ und „Automatic for the People“, virtuose Vorführungen von Stipes honigsüßer Stimme sind. Sein fröhliches Plätschern bei „The Sidewinder Sleeps Tonite“ von letzterem Album und seine stählerne Schärfe bei „Me in Honey“, dem Abschlussstück des ersten Albums, erzählen die Geschichte ebenso gut wie die Hits. Und bei Songs wie „Everybody Hurts“ und „Beat a Drum“, einem erhabenen Moment von „Reveal“ aus dem Jahr 2001, bewies er, dass er einer der strahlendsten Balladensänger seiner Generation ist. -M.M.
151 Martha Reeves
Diana Ross und die Supremes waren süß, aber Martha and the Vandellas waren stark, angefangen bei ihrer Leadsängerin. Martha Reeves‘ fröhliche, mädchenhafte und raue Stimme durchbrach die luftigen Harmonien ihrer Bandkollegen. Reeves hatte schon als Teenager angefangen, professionell zu singen, und arbeitete in Blues-Clubs in Toledo und in der Umgebung von Michigan. „Motown hat mich nicht kalt erwischt – ich wusste bereits, wie man es macht“, sagte sie. Und bei unsterblichen Hits wie „Heat Wave“, „Dancing in the Street“ und „Nowhere to Run“ hat Reeves es geschafft – Pop-Hits mit tiefem Soul zu singen oder Soul-Platten zu machen, die wie Mais aufgehen – so gut wie jeder andere. -M.M.
150 Bryan Ferry
Unbeholfen, kraus, hochtrabend – Bryan Ferry hat nicht gerade das, was wir uns unter einem klassischen Satz von Pfeifen vorstellen. Doch was seine Stimme zu leisten vermag, ist oft verblüffend. Siehe, Dracula als Soulman: kein Witz. Ferrys krächzendes Timbre und seine dramatische Intonation haben die distanzierte Stilisierung seines Kollegen David Bowie – nur dass Ferry sowohl ein kühleres Temperament hat (was sich in seiner Vorliebe für schmunzelnde Sprüche zeigt) als auch eine leidenschaftlichere Stimme. Er verwandelt das Material anderer völlig – siehe seine 1976 erfolgte Verwandlung von Wilbert Harrisons R&B-Plea „Let’s Stick Together“ in einen schweißtreibenden Disco-Stomp – und ist der buchstabengetreue Interpret seiner eigenen überladenen, überdramatischen, überwältigenden Texte. -M.M.
149 Wanda Jackson
Einer der vielen Spitznamen der Queen of Rockabilly war „die süße Lady mit der fiesen Stimme“, und dieser Zwiespalt ist der Grund, warum sie so kunstvoll die Tür des Boys‘ Club eintrat, der der frühe Rock & Roll war. Mitreißende Songs wie „Hard Headed Woman“ und das freche „Cool Love“ erhielten durch ihren raspelkurzen Gesang eine blitzschnelle Energie, aber ihre Vielseitigkeit zeigte sich auch in gefühlvolleren Stücken wie dem wehmütigen „In the Middle of a Heartache“. Jackson ging 2021 in den Ruhestand, aber ihr Vermächtnis lebt in vielen babygesichtigen Bösewichten weiter. -M.J.
148 Levon Helm
Levon Helm war das einzige amerikanische Mitglied der Band, und die in Sepia getönten Heimatvignetten des kanadischen Quintetts hätten ohne den arglosen Tonfall des Schlagzeugers und gelegentlichen Mandolinenspielers nie die gleiche Wärme und Lebendigkeit gehabt. Es ist schwer vorstellbar, dass eine andere Stimme als Helms „The Night They Drove Old Dixie Down“, eine historisch heikle Geschichte über den fiktiven Konföderationssoldaten Virgil Caine, mit echtem Pathos versieht oder den müden Reisenden, der zu Beginn von „The Weight“ in Nazareth einfährt, so überzeugend verkörpert. „Seine Wahrheit in dieser Stimme konnte einem das Herz herausreißen“, schrieb Bandleader Robbie Robertson in seinen Memoiren. Jahrzehnte später würde dieselbe Stimme auch dem Material von Bruce Springsteen, Steve Earle und den Grateful Dead neuen Reichtum verleihen. -H.S.
147 Barbra Streisand
Sie machte sich mit Standards und am Broadway einen Namen: „Sehen Sie, ich gelte als eine Art … Institution“, sagte sie 1971 dem Rolling Stone. „Ich spiele für ein Mittelklasse-Publikum in Vegas.“ Aber es gibt einen Grund, warum sie hier ist und ihre Show-Tune-Kollegen es nicht sind. Das fängt bei ihren Fähigkeiten an: ein unkonventioneller Mezzosopran, der Oktaven überbrücken kann, frech und frech ist und die Töne verblüffend lange halten kann. Und diese Stimme ist nicht nur in der Lage, Cabaret und Sondheim zu singen, sondern so ziemlich die gesamte Palette der amerikanischen Popmusik: Soundtrack-Balladen aus den siebziger Jahren, Disco-Kollaborationen mit Barry Gibb und Donna Summer und Klassiker der Rock-Ära von Laura Nyro, Carole King und sogar David Bowie. In ihren Händen klingen sie alle wie … butta. –D.B..
146 Ruth Brown
Ruth Brown war eine R&B-Shouterin mit Jazz-Fähigkeiten, die in der Mitte des Jahrhunderts ankam, als ihr aggressiver, aber immer spielerischer Angriff dazu beitrug, den Rock & Roll zu erfinden – die Art und Weise, wie sie ihre Zeilen mit einem Quietschen abspulte, trug speziell zur Erfindung von Little Richard bei – und ihre vielen Hits bei Atlantic Records führten dazu, dass die Leute das Label das Haus nannten, das Ruth gebaut hatte. Auf „(Mama) He Treats Your Daughter Mean“ erlauben diese entzückten Quietschlaute Miss Rhythm, wie sie genannt wurde, den neuen Big Beat festzunageln, auch wenn sie Mama und uns wissen lassen, dass „mean“ nicht die einzige Art ist, wie sie behandelt wird. -D.C.
145 PJ Harvey
„Für mich ist der Gesang wichtiger als das Gitarrenspiel – oder überhaupt alles“, sagte Polly Jean Harvey 1993 dem Rolling Stone. Sie meinte es ernst: Harveys stimmlicher Ansatz hat im Laufe der Jahre viele Male die Richtung gewechselt, und jedes Mal ist es auffällig. Das rockige Gebrüll von Dry und Rid of Me, ihren ersten beiden Alben von 1992 und 1993, neigte sich 1995 mit To Bring You My Love dem Blues zu, ging 2007 auf White Chalk zu einer leichteren, luftigeren, klareren Stimme über und fügte 2011 mit Let England Shake eine fast bahnbrechende Breite und Tiefe hinzu. Der Opernunterricht, den sie in der Mitte ihrer Karriere begann, war hilfreich. Aber sie waren nur das Sahnehäubchen auf einer Stimme, die von Anfang an souverän war. -M.M.
144 Darlene Love
Love ist vielleicht die größte Sängerin auf dieser Liste, deren bekannteste Lieder einem nicht sofort einfallen. Ihr Name erschien nicht auf ihrem ersten klassischen Album, dem 1962er „He’s a Rebel“ (es wurde den Crystals zugeschrieben, nicht Loves eigener Gruppe von Sessionsängern, den Blossoms). Und in ihrer Blütezeit erhielt sie nur selten Anerkennung dafür, dass sie bei Klassikern wie „He’s Sure the Boy I Love“ von den Crystals, „Be My Baby“ von den Ronettes und „You’ve Lost That Lovin‘ Feeling“ von den Righteous Brothers mitsang. Aber die durchschlagende Kraft ihres heiseren Alts kann nicht geleugnet werden. Obwohl Love keine ausgedehnte Solokarriere hatte, konnte niemand Phil Spectors Wall of Sound so durchbrechen wie sie, vor allem bei „Christmas (Baby Please Come Home)“, dem größten Festtagsepos des Rock ’n‘ Roll und ihrem unverkennbaren Song. -L.T.
143 Luciano
Ich habe noch nie eine schlechte Luciano-Performance live gehört, selbst wenn er einen Rückwärtssalto aus dem Lautsprecher macht.Und im Studio ist der jamaikanische Star nicht weniger dynamisch.Als ich Luciano zum ersten Mal produzierte, fiel mir seine Fähigkeit auf, sofort eine Melodie zu finden, die mir klassisch erschien.Als Luciano in den Neunzigern auf den Plan trat, wurden seine Songs wie „Sweep Over My Soul“ und „It’s Me Again Jah“ sofort in den Reggae-Kanon aufgenommen.Luciano sang einmal, er habe „die Stimme einer Trompete“.Wenn überhaupt, ist das eine Untertreibung; er hat einen Stimmumfang, der von einem satten Bariton bis zu einem starken Falsett reicht. Und er ist ein Meister der verlorenen Kunst des Harmonisierens – Luciano wäre ein Top-Gesangsarrangeur in N.Y. oder L.A., wenn er nicht so sehr den Wurzeln verpflichtet wäre. -M.G.
142 Russell Thompkins Jr.
Die Falsettstimme von Stylistics-Sänger Russell Thompkins Jr. war so hoch, dass sie fast quietschte – in seinem Glee-Club in der Junior High sagte er: „Es gab einen Mädchenchor, und ich war der einzige Mann darin.Seine Stimme hatte etwas Jenseitiges an sich, das seinen Liebeserklärungen sowohl Anmut als auch Kraft verlieh. (Sogar seine Einatmungen waren wunderschön – siehe das prickelnde Einatmen vor dem ersten Refrain von „People Make the World Go Round“). In den definitiven Liebesliedern der frühen siebziger Jahre wie „You Are Everything“, „You Make Me Feel Brand New“ und „Betcha By Golly, Wow“ definierte sein überirdisch präziser Gesang die R&B-Romantik und verhalf der Falsett-Tradition zu neuen Höhenflügen. -M.M.
141 Christina Aguilera
Christina Aguilera, die mit der größten Stimme unter den Teenie-Idolen des Jahres 2000 aufwarten kann, war zu Beginn ihrer Karriere ein Soul-Powerhouse und ein TRL-Star. Songs wie „What a Girl Wants“ und ihre Coverversion von „Lady Marmalade“, die von einer Gruppe von Musikern gecovert wurde, machten Platz für ihre vom Jazz inspirierten Gesangseinlagen.Aber als sie „Beautiful“ aufnahm, die selbstbewusst machende Ballade von ihrem 2002er Album Stripped, steigerte sie sich. Der Take der endgültigen Version war eigentlich nur als Demo gedacht, aber die rohe emotionale Kraft, die sie entfesselte, machte ihn der endgültigen Version würdig. Seitdem hat Aguilera die Vielseitigkeit ihrer Stimme unter Beweis gestellt. Songs wie die zarte Ballade Say Something“ zeigen, dass ihre zurückhaltenden Momente genauso kraftvoll sein können wie die Songs, die sie schmettert. -M.J.
