Die 200 größten Sängerinnen und Sänger aller Zeiten
Von Sinatra bis SZA, von R&B über Salsa bis Alt-Rock – die 200 größten Sängerinnen und Sänger.
180 SZA
Ende 2022 landete SZA – Solána Rowe, das Mädchen aus New Jersey, das schmutzige Schuhe und schmutzige Männer liebte und solche Eigenheiten in Musik verwoben hat, die den Grundstein für die Popularität des „alternativen R&B“ legte – mit ihrem zweiten Projekt SOS ihr erstes Nummer-eins-Album. Diese brillante LP zeigt, wie sich ihre Stimme seit ihrem Debütalbum CRTL (2017) entwickelt hat. Ihre Silben sind ausgeprägter, aber ihre Worte behalten die Wirbel und Kurven, die sie zusammenlaufen lassen und gelegentlich verführerisch schwer zu entziffern sind. Aber das ist nur ein Teil der Magie einer Stimme, die kraftvoll, fesselnd und ganz und gar ihre eigene ist. -M.C.
179 Martha Wash
Die Queen of Clubland erlangte ihren ersten Ruhm als Backgroundsängerin des Disco-Königs Sylvester und als eine Hälfte der Weather Girls, deren „It’s Raining Men“ ein Camp-Klassiker bleibt. In den 1990er Jahren trieb ihre dröhnende Powerhouse-Stimme die weltweit bekanntesten Dance-Songs an, darunter „Strike It Up“ und „Everybody Everybody“ von Black Box und „Gonna Make You Sweat“ von C+C Music Factory. Doch Wash sah häufig, wie andere, dünnere Frauen ihre Stimme in Videos nachsangen und ohne ihr Wissen auf Albumcovern erschienen, und sie verklagte schließlich mehrere Plattenfirmen wegen Betrugs. Infolgedessen begannen die Plattenfirmen, alle Alben und Musikvideos mit dem richtigen Gesang zu versehen, und Wash wurde unfreiwillig zur Pionierin der Branche. „Sie nimmt es jedes Mal mit in die Kirche, wenn sie singt“, sagte Paul Shaffer, der „It’s Raining Men“ mitgeschrieben hat, 2014 dem Rolling Stone. „Sie ist einfach ein reiner musikalischer Geist.“ -J.N.
178 Tabu Ley Rochereau
The Voice of Lightness (Die Stimme der Leichtigkeit) heißt der zweibändige, fünfstündige Überblick über den beliebtesten Sänger und Bandleader des Kongo von den Sechzigern bis zu den Neunzigern; dieser Titel ist eine treffende Bezeichnung für einen Tenor, dessen Töne hypnotisch in der Luft zu schweben scheinen. Seine Stimme war fast verblüffend süß – aber er sang mit so viel reinem Schwung, dass er nie erlahmte. Tabu Ley war auch zutiefst funky – siehe sein Meisterwerk „Aon Aon“ von 1973, dessen Titel übersetzt „Wah-Wah“ bedeutet: Jawohl, es geht um das Gitarrenpedal, das hier mit betörender Wirkung eingesetzt wird. Rochereau passt nicht nur zu seinem mühelosen Gleiten, er übertrifft es auch stimmlich. Es ist eine absolute Freude. -M.M.
177 Patty Loveless
Von den späten 1980er bis zu den 1990er Jahren mit Garth und Shania punktete Loveless mit eingängigen Modern-Country-Hits wie „Chains“ und „Timber, I’m Falling in Love“, während ihr klagendes Geschrei das Genre mit den Vorbildern George Jones und Ralph Stanley im Gespräch hielt. Im 21. Jahrhundert hörten die Hits auf, aber Loveless wurde noch besser und veröffentlichte eine Reihe von Bluegrass-Alben über Grenzen und Verluste, in denen ihr Stoizismus die tiefsten Leidenschaften zum Ausdruck brachte. Bei der im Fernsehen übertragenen Beerdigung von Jones drückte sie Trauer und Trost zugleich aus und brach kürzlich ihr öffentliches Schweigen, indem sie bei den CMA Awards das Haus zum Beben brachte. Beste lebende Country-Sängerin. -D.C.
176 Iggy Pop
Selbst wenn er nicht diesen sehr sinatrahaften Bariton in petto gehabt hätte, wäre der als James Osterberg geborene Wilde aus Detroit einer der aufmerksamkeitsstärksten Sänger aller Zeiten gewesen, dank seines zu allem bereiten, szenenfressenden Gebrülls. Iggys vollmundiges Kreischen war die musikalische Verkörperung seiner „Dead-End-Kid“-Persönlichkeit, ein unverzichtbarer Bestandteil des Rock ’n‘ Roll und das Vorbild für den Punkgesang der Zukunft. Wie Lenny Kaye in seiner Rolling Stone-Rezension des 1973er-Klassikers Raw Power von Iggy and the Stooges schrieb, deckt Iggy’s „doppelt und sogar dreifach bespannte Stimme einen Frequenzbereich ab, den nur ein (I wanna be your) Hund richtig zu schätzen weiß.“ -M.M.
175 Lana Del Rey
Als Lana Del Reys Durchbruchssong „Video Games“ 2011 im Internet kursierte, hob sich die eindringliche Melancholie in den tiefen Lagen ihrer Stimme meilenweit von den grellen Pop-Hits dieser Zeit ab. Ihr Stil schwebt zwischen Glamour und Offenheit, ihre Worte werden manchmal lässig vorgetragen, um zu betonen, dass sich hinter dem Melodrama eine Banalität verbirgt. In ihrer umfangreichen Diskografie stößt sie immer wieder in beide Richtungen vor, wie auf „Brooklyn Baby“ von 2014, wo sie mit ihrer gespielten Unschuld einen koketten Charakter spielt, oder auf „White Dress“ von 2021, wo sie alle Kratzer und Unvollkommenheiten ihrer luftigen Kopfstimme offenbart. -M.K.
174 Buddy Holly
Schluckauf und Erstickungsanfälle, ein überstürzter Vortrag hier und ein langsames Abbremsen einer Silbe dort – Buddy Hollys Gesangsstil war so unberechenbar und aufregend wie die junge Form des Rock & Roll selbst. Seine Karriere war tragischerweise kurz – Holly war erst 22 Jahre alt, als er bei dem Flugzeugabsturz ums Leben kam, der unter anderem Don McLeans „American Pie“ inspirierte -, aber vom unverblümten Knurren des Rockers „Oh, Boy!“ bis zu den dezent fleischlichen Schwüngen der Ballade „Raining in My Heart“ reifte Hollys Gesang in Sprüngen. Davon gibt es eine ganze Menge zu hören; zwischen 1956 und 1959 nahm er ununterbrochen auf. -M.M.
173 Marianne Faithfull
Faithfull begann ihre Karriere als Mitglied der Rolling Stones in den sechziger und frühen siebziger Jahren. Ihr damaliger Gesang – den der Kritiker Greil Marcus als „süß, zitternd, wohlerzogen“ beschrieb – war nur ein Vorspiel für die Stilistin, die sie wurde. Ab Broken English von 1979 war Faithfulls Stimme verwittert und brüchig geworden – und voll von großem Charakter: „die perfekte klassische „Woman Wronged“-Stimme“, wie der NME schrieb. Sie wurde zur Rockversion einer großen Charakterdarstellerin und schuf faszinierende Alben wie She Walks in Beauty (2021), auf dem sie bezaubernde Interpretationen romantischer Gedichte vortrug. -M.M.
172 Juan Gabriel
Juan Gabriels Frechheit, sein Charisma und seine angeborene Fähigkeit, das Schlimmste vom Schlimmsten in seinen Gesang und sein Songwriting einfließen zu lassen, machten ihn zu einem der beliebtesten Künstler für Generationen von mexikanischen Musikliebhabern. Seine extravagante Erscheinung, seine bunten Umhänge und sein Pompadour sorgten sofort für Aufsehen, und der mexikanische Patriotismus in seinen Liedern gab allem, was er tat, ein Gefühl von Größe. Gabriel, der Popsongs mit Banda- und Ranchera-Musik mischte, hatte große Hits mit gefühlsbetonten Balladen wie „Adios, Amor, Te Vas“ von 1978 und „Querida“ von 1984. Aber als schwuler Künstler, der in den siebziger und achtziger Jahren zu Ruhm gelangte, lag seinen Auftritten immer ein Gefühl des Schmerzes zugrunde. Als er nach seiner Sexualität gefragt wurde, inspirierte er die LGBTQ-Gemeinschaft mit einer brillanten und geschätzten Antwort: „Man muss nicht nach dem fragen, was man bereits sehen kann.“ -T.M.
171 Odetta
Ausgebildet in der Oper und aufgewachsen mit Folk, beeinflusste Odettas kraftvolle Altstimme Leute wie Bob Dylan und Nick Cave und führte dazu, dass sie zur „Königin der amerikanischen Folkmusik“ gekrönt wurde. Sie konnte mit Jazz und Blues umgehen, und ihr großartiges Album Odetta Sings von 1970 enthielt Neuinterpretationen von Liedern von Paul McCartney, Randy Newman, den Rolling Stones und anderen. Odettas Können beruhte sowohl auf der Kraft und Entschlossenheit ihrer Stimme als auch auf ihrem interpretatorischen Geschick, das die Zuhörer zwang, jeder Silbe, die sie sang, besondere Aufmerksamkeit zu schenken. „Nur wenige … besitzen jenes feine Verständnis für die Bedeutung eines Liedes, das es von einer Melodie in ein dramatisches Erlebnis verwandelt“, schrieb Harry Belafonte in den Liner Notes zu ihrem 1959 erschienenen Album My Eyes Have Seen. -M.J.
170 Chris Stapleton
Obwohl er die Country-Musik sein Zuhause nennt, hat Chris Stapleton stimmlich mehr mit Otis Redding und Aretha Franklin gemeinsam als mit George Jones oder Hank Williams. Der knurrende, raue Ton des aus Kentucky stammenden Sängers wird durch Kontrolle und Kraft verstärkt und ermöglicht es ihm, die Country-Kastanie „Tennessee Whiskey“ in eine leichtfüßige R&B-Ballade zu verwandeln oder „Sometimes I Cry“ mit schillernden Läufen zu versehen. „Er kann etwas so Wiedererkennbares in etwas völlig anderes verwandeln, so dass es fast nicht wiederzuerkennen ist, und das auf die bestmögliche Weise“, sagte seine Frau und Gesangspartnerin Morgane dem Rolling Stone. Er kann sicherlich mit den Besten heulen und schreien, aber Stapleton ist genauso gut, wenn er sich zurückzieht und leise singt. Selbst wenn er nicht versucht, die Fenster zu sprengen, verleiht Stapleton seiner Arbeit ein tiefes Gefühl – wie es jeder gute Soulsänger tun sollte. -J.F.
169 Sylvester
Sylvester James, der 1988 an AIDS starb, war in jeder Hinsicht ein Vorreiter – ein geouteter Schwuler zu einer Zeit, als selbst Elton John sich nur zu seiner Bisexualität bekannte, ein schwarzer Innovator, dessen Tanzhits aus den siebziger und achtziger Jahren zu den ersten im komplett synthetisierten, „hochenergetischen“ Disco-Stil gehören. Vor allem aber war Sylvester der übernatürlich begabteste männliche Disco-Sänger – von überraschend heiseren Spoken-Word-Passagen bis hin zu einem hochtönenden Falsett, das all die Synthies vermenschlichte. Und die Kirche verließ nie seine Phrasierung – ob er nun Jesus auf dem ekstatischen „I Need You“ pries oder mit seinen Backgroundsängern („Got yourself a friend“) auf der 12-Inch-Version von „Over and Over“ riffte. -M.M.
168 Debbie Harry
Die mühelose Coolness, die von Fotos von Deborah Harry in ihrer Blondie-Zeit – und auch heute noch – ausgeht, wird nur noch übertroffen, wenn man sie auf Platte hört. Die ersten beiden Blondie-Alben sind gewinnend, aber zaghaft, und das gilt auch für den Gesang. Aber mit dem 1978er Album Parallel Lines wurde Harry zu einem Scharfschützen für die Ewigkeit, egal ob sie in Heart of Glass“ jemanden luftig küsste oder in Hanging on the Telephone“ den Satz I can’t control myself“ auf drei völlig unterschiedliche, fabelhaft kontrollierte Arten wiederholte. Selbst als sie sich 1980 in „Rapture“ als Rapperin versuchte, war ihr Noo Yawk-Charme unwiderstehlich. -M.M.
167 Marc Anthony
Es war „Vivir Lo Nuestro“, ein glühendes Duett mit La India aus dem Jahr 1994, das den Nuyorican Sonero Marc Anthony zum Aushängeschild für das Salsa-Revival am Ende des Jahrhunderts machte. Antony fühlte sich in dem sirupartigen Romántica-Stil gleichermaßen zu Hause – er singt wie ein Drama-Prinz auf Hasta Ayer“ – und teilte die Bühne mit Celia Cruz. 1999 wechselte er in den Pop-Mainstream, blieb aber seinen Salsa-Wurzeln hartnäckig treu. Mit „Vivir Mi Vida“ aus dem Jahr 2013 – einer tropischen Neuinterpretation eines Hits des algerischen Stars Khaled – war er auf dem Höhepunkt seines Könnens, während der raue Titeltrack seines Albums Pa’llá Voy aus dem Jahr 2022 ihn als einen der markantesten und ausdrucksstärksten Sänger im afro-karibischen Spektrum bestätigt. -E.L.
166 Morrissey
Wenn Morrissey nur die Stimme des Elends der achtziger Jahre sein wollte, hätte er das in den frühen Tagen der Smiths schon geschafft. Aber er wollte mehr. Er entwickelte sich schnell zu einem der gefühlvollsten Sänger der Popmusik, der seinen Witz in Klassikern wie „Cemetry Gates“ und „Suedehead“ zur Schau stellte und hohe Töne mit einem ironischen Kuss in den Himmel schickte. Moz wuchs als literarischer Einsiedler in Nordengland auf und verehrte Sängerinnen wie Dusty Springfield und Joan Armatrading, aber der Punkrock führte ihn zu seiner eigenen Stimme. Niemand kann Morrissey übertreffen, wenn es um extravagante, melancholische Balladen geht, in der Größe von „I Know It’s Over“, „Now My Heart Is Full“ oder seinem Erkennungslied „There Is a Light That Never Goes Out“. -R.S.
165 Ronnie James Dio
Ronnie James Dios Arbeit mit Elf in den späten Sechzigern und frühen Siebzigern zeigte ihn als robusten Blues-Rock-Shouter, aber irgendetwas machte klick, als er sich der Rainbow-Band von Ex-Deep Purple-Gitarrist Ritchie Blackmore anschloss, der Band, in der der Sänger die Kombination aus feurigem Gesang und fantastischen Themen fand, die ihn zu einer Heavy-Metal-Ikone machen sollte. Mit Epen wie Stargazer“ brachte er eine artusgleiche Pracht in das Genre, wobei er eine perfekte Balance zwischen aufsteigender Melodie und zermürbender Härte fand. Dann schloss er sich Black Sabbath an und verhalf ihnen nach der Trennung von Ozzy Osbourne mit dem 1980er Klassiker Heaven and Hell“ zu ihrem frühen Ruhm. Zu seinen besten Zeiten vermittelte seine Stimme stets eine seltene Mischung aus Leidenschaft, Verwunderung und unbändiger Entschlossenheit. -H.S.
164 Sandy Denny
Dennys butterweicher, mystischer Gesang ist so zeitlos, dass er Jahrhunderte älter klingt als das Folk-Revival der sechziger Jahre. Damit war sie die perfekte Wahl, um auf einem Song über Mittelerde aufzutreten (und den Preis für Led Zeppelins einzige Gastsängerin bei „The Battle of Evermore“ mit nach Hause zu nehmen). Sowohl bei Fairport Convention als auch in ihrem Solowerk vermittelte sie mit ihrer Phrasierung und ihrer federleichten Stimmlage ein Gefühl der Sehnsucht, das ihr eine ätherische Qualität verlieh, die mit anderen tragischen Folk-Ikonen wie Nick Drake und Judee Sill vergleichbar war. Sie starb 1978 im Alter von nur 31 Jahren, was ihre Unbekanntheit für diejenigen, die über ihren Katalog stolpern, nur noch verlockender macht. „Was man hörte, war eine Art Ehrfurcht vor der Zufälligkeit des menschlichen Lebens und der Schönheit der Welt“, schrieb Greil Marcus in ihrem Rolling Stone-Nachruf. „Eine gewisse Ehrfurcht vor der Vergangenheit und eine stete Entschlossenheit, ihren Platz in der langen Geschichte einzunehmen, die sie erzählte“. -A.M.
163 Bobby "Blue" Bland
Bobby „Blue“ Bland hat sich seinen Spitznamen nicht leichtfertig verdient. Hören Sie sich an, wie er seinen Klassiker „I’ll Take Care of You“ aus dem Jahr 1959 eröffnet – „I know you’ve been hurt … by someone else/I can tell by the way … you carry yourself“, jede Pause durchdrungen von lebenslanger Beobachtung und Bedauern; es ist eine stimmliche Meisterleistung. Blands Katalog wimmelt von ähnlich perfekten Lesungen, von seinem unheimlichen Stöhnen bis zu seinem vogelähnlichen Kreischen; jeder, von Otis Redding über Van Morrison bis Bonnie Raitt, hat von ihm gelernt. „Es ist eine einzigartige Stimme“, sagte Gregg Allman. „Ich frage mich, wie viele Leute sich den Hals zerrissen haben, als sie versuchten, diesen Schrei zu imitieren“. -M.M.
162 Françoise Hardy
Françoise Hardy verkörperte französische Kühle und gallische Hitze zugleich, mit einer gehauchten, unbeweglichen Altstimme, die wie Gauloises Rauch waberte. Ihre Worte verstärkten ihren Ton: Sie schrieb ihr eigenes Material, was in der frühen Mitte der sechziger Jahre ungewöhnlich war, insbesondere für Frauen, und nahm auch Werke von Meistern wie Serge Gainsbourg auf, und ihre Interpretation von Leonard Cohens „Suzanne“ ist vielleicht die bewegendste, die je aufgenommen wurde, seine eingeschlossen. Dylan war von ihrer Kunstfertigkeit so beeindruckt, dass er sie in einem Gedicht auf der Rückseite von Another Side of Bob Dylan erwähnte (bei ihrem ersten Treffen brachte er ihr auch ein Ständchen mit „I Want You“ – ohne Erfolg). Hardy nahm auf Englisch, Deutsch und Italienisch auf und wurde ein internationaler Superstar. Doch ihre Magie war in ihrer Muttersprache am stärksten ausgeprägt, wie sie auf Dutzenden von Veröffentlichungen bewies, die den Existenzialismus immer noch unfassbar elegant klingen lassen. -W.H.
161 Brenda Lee
Lees Vermächtnis als erste Frau, die sowohl in die Country Music als auch in die Rock & Roll Halls of Fame aufgenommen wurde, spricht für sich selbst. Als 11-Jährige stürzte sie sich 1956 auf Hank Williams‘ „Jambalaya (On the Bayou)“ und zeigte eine bereits ausgefeilte Mischung aus Bubblegum-Süße und knurrender Intensität, die sie in frühe Hits wie „That’s All You Gotta Do“ und „Dum Dum“ einbringen sollte. Ihr umfangreiches Songbuch ist ein Beweis für die erstaunliche Vielseitigkeit ihrer Stimme, die sich sowohl an die zeitlose Weihnachtsstimmung von „Rockin‘ Around the Christmas Tree“ als auch an den tiefen Schmerz von „Emotions“ perfekt anpasst. Zu Lees zahlreichen Bewunderern zählen Dolly Parton, Elton John und Taylor Swift, die sie einmal als „die Sängerin, die den Klang des Herzschmerzes so perfekt beherrscht, dass sie das Publikum dazu bringt, sich nicht nur mit ihr zu identifizieren, sondern ihr auch zu glauben“ bezeichnete. -H.S.
