Die 200 größten Sängerinnen und Sänger aller Zeiten
Von Sinatra bis SZA, von R&B über Salsa bis Alt-Rock – die 200 größten Sängerinnen und Sänger.
20 Marvin Gaye
Interviewer haben oft die Präzision von Marvin Gayes Sprechstimme hervorgehoben, und diese Qualität scheint auch in seinem Gesang durch – jede improvisierte Silbe ist kristallklar, selbst wenn er den Ton verschleift. Es ist sein Reichtum, der ins Ohr geht: samtig, sehnsüchtig, unendlich sicher, mit einer sandpapierartigen Rauheit, die er in Schlüsselmomenten einsetzt, um sein ohnmächtiges Kopf-Falsett auszugleichen.Und sein Talent für Dramatik ist erstklassig:Hören Sie sich noch einmal an, wie er den Text von „I Heard It Through the Grapevine“ auswalzt oder mit „Let’s Get It On“ spürbare erotische Wärme erzeugt.Und dann hören Sie noch mehr.Es ist unwiderstehlich. -M.M.
19 Frank Sinatra
Die Kontrolle des Atems, das sorgfältige Studium jedes Textes, die unermüdliche Suche nach stimmlicher Perfektion – Sinatra war ein Titan hinter dem Mikrofon, bevor er etwas war.Nur wenige Sänger haben eine solche Gefühlstiefe vermitteln können wie Sinatra:“How Insensitive“, seine Zusammenarbeit mit Antônio Carlos Jobim aus dem Jahr 1967, ist so mürrisch, wie ein Mann nur klingen kann, wenn er noch aufrecht steht, während er bei dem unsterblichen „I’ve Got You Under My Skin“ von 1956 die Überschwänglichkeit des Songs mit einer entspannten Reife unterlegt, die den Amerikanern der Nachkriegszeit, die mit Frankie im Radio aufgewachsen waren, das gute Leben vermittelte.Sinatras schneidiger Charme und seine Fähigkeit, den emotionalen Kern eines Songs herauszuarbeiten, können immer noch verblüffen.-M.M.
18 Celia Cruz
In der Stimme von Celia Cruz spiegelt sich viel von ihrer Lebensgeschichte wider: Ihr satter, unnachahmlicher Ton fängt die Wärme und Lebendigkeit Havannas ein und erinnert oft an die Rufe der Straßenverkäufer und die Kraft der afrokubanischen Santero-Lieder aus ihrer Kindheit. Obwohl sie in Kuba zu Ruhm gelangte, wurde sie in New York City zum Star, wo sie ihr unendliches Charisma und ihre gewaltige Stimmkraft an der Seite der größten Salsa-Acts der Geschichte zur Schau stellte. Egal, mit wem sie auftrat, Cruz strahlte immer, und ihre Magie lag in ihrer Fähigkeit, die Menschen zu berühren:Sie konnte Nostalgie und Sehnsucht einfangen, oder sie konnte „Azúcar!“ rufen und die Lebensfreude verkörpern, die sie bis heute zu einer der überragendsten Sängerinnen aller Zeiten macht.-J.L.
17 Elvis Presley
Elvis Presleys Stimme war ein Instrument sui generis: weinerliche Höhen und satte Tiefen, mit denen er 1956 mit „Don’t Be Cruel“ auf Platz 1 der US-amerikanischen Pop-, R&B- und Country-Charts landete. Zu Elvis‘ Vorbildern gehörten Fats Domino, Roy Orbison und Dean Martin, aber er sang nicht wie einer von ihnen. Orbison sagte sogar: „Es gibt eine Menge Leute, die gute Schauspieler sind, wenn sie singen … bei Elvis lebt er es ganz und gar“. Frühe Seiten wie „That’s All Right, Mama“ waren freudige Explosionen der Begeisterung.Seine Palette erweiterte sich in den sechziger und siebziger Jahren: Can’t Help Falling in Love“ von 1961 ist ein überragendes Beispiel für seine Fähigkeiten als Crooner, und seine Leidenschaft für den Gospel zeigt sich in How Great Thou Art“, einem donnernden Live-Stück.Aber „Suspicious Minds“ von 1969 könnte der ultimative Elvis-Moment sein. Von der kontrollierten Eröffnung bis zum explosiven Refrain treibt Elvis diesen Moloch mit unermüdlichem Schwung an. Er hat sie alle gelebt. -J.G.
16 Prince
Es gibt keinen Chor wie einen Chor von Prince. Spielen Sie „Adore“, den himmlischen Höhepunkt des 1987er Albums „Sign o‘ the Times“, und schwelgen Sie in dieser plüschigen Ansammlung von Overdub-Stimmen in verschiedenen Registern, die mit hörbarem Vergnügen von dem Mann zusammengestellt wurden, der auch die Leadstimme singt und die meisten Instrumente spielt. Singen scheint für Prince eine persönliche Angelegenheit gewesen zu sein – er befahl seinen Tontechnikern routinemäßig, den Raum zu verlassen, wenn er eine Stimme schneiden wollte – und auf dem meisterhaften „When Doves Cry“ oder dem Emancipation-Highlight „The Holy River“ erreicht er eine seltene, atemberaubende Intimität, die Showman-Moves wie das fließende Falsett von „Kiss“ nur noch vertieft.-M.M.
15 Bob Dylan
Für manche Hörer wird Bob Dylans Stimme, insbesondere die keuchenden und/oder aggressiv zuckenden Töne, die er in seinen frühen Jahren bevorzugte, immer wie eine Karikatur seiner selbst klingen. Aber das Selbstvertrauen, mit dem er sich seine hässliche Stimme zu eigen machte und sie zu etwas ebenso Ausdrucksstarkem formte wie seine wild-erfinderischen Texte, hat ihn zu einem der großen stimmlichen Exzentriker Amerikas gemacht. Sobald er sein Instrument vollständig beherrschte, konnte er damit alles ausdrücken, von ironischer Verachtung („Like a Rolling Stone“) über tiefe Hingabe („If Not for You“) bis hin zu erschütterndem Pathos (das Basement Tapes-Meisterwerk „Goin‘ to Acapulco“) und sardonischer Bosheit („Idiot Wind“). (Auf dem 1969 erschienenen Album Nashville Skyline verwandelte er sich sogar in einen stimmgewaltigen Crooner.) Und in seinen späteren Jahren hat er aus seinem zunehmend rauhen, kehligen Sound einen ganzen reifen Stil entwickelt, der sich frei zwischen wehmütiger Romantik (siehe Triplicate-Lesungen wie „My One and Only Love“) und derber schwarzer Komik („False Prophet“) bewegt.-H.S.
14 Freddie Mercury
Freddie Mercurys mitreißendes Vibrato und sein Stimmumfang von vier Oktaven sowie sein überwältigendes Charisma haben die Musik von Queen beflügelt und ihren Artrock zu einem fesselnden Spektakel gemacht. „Bohemian Rhapsody“ bietet einen Crash-Kurs in Mercurys Größe, dank der balladesken Stützen, der kämpferischen Rockmomente und des opernhaften Mittelteils – einschließlich des Breakdowns, bei dem Mercurys Gesang, begleitet von Gitarrist Brian May und Schlagzeuger Roger Taylor, zu einem riesigen Chor synchronisiert wurde. Der Katalog von Queen ist voll von anderen Momenten, die zeigen, wie talentiert Mercury war:“Somebody to Love“ schwebt in der Luft, während Mercury mühelos durch Oktaven und Stimmungen schwebt, „Another One Bites the Dust“ ist voller Schwung und Schwung, und „The Show Must Go On“ ist ein reumütig passender Abschluss, bei dem Mercury aus voller Kehle singt, auch wenn er von seiner sich verschlechternden Gesundheit spricht.-M.J.
13 Patsy Cline
Die Karriere der Country-Pop-Pionierin Patsy Cline war kurz – sie starb im Alter von 30 Jahren bei einem Flugzeugabsturz -, aber ihre starke und doch geschmeidige Stimme ist der Grund, warum sie in Nashville und darüber hinaus als Vorbild für aufstrebende Chronisten des Herzschmerzes gilt.Cline führte den Reichtum ihrer Altstimme auf eine besonders grausame Erkrankung an rheumatischem Fieber zurück, die sie im Alter von 13 Jahren erlitten hatte: „Man könnte sagen, dass es meine Rückkehr ins Leben nach einigen Tagen war, die mich als Sängerin ins Leben rief“, bemerkte sie 1957 augenzwinkernd.Aber die nuancierte Art und Weise, wie sie ihr liebestrunkenes Material interpretierte – ihre bärbeißige Herangehensweise an das sich selbst geißelnde „Crazy“, ihr besessenes Brodeln bei „I Fall to Pieces“ – gab ihren Auftritten emotionales Gewicht und ist ein wichtiger Grund dafür, warum sie auch sechs Jahrzehnte nach ihrem Tod noch immer die Herzen der Menschen berührt.-M.J.
12 John Lennon
John Lennons Stimme war wie sein Geist – beweglich, hell wie eine Glocke, verblüffend lebendig. Von seiner geschrienen Version von Barrett Strongs „Money (That’s What I Want)“, in der die Beatles das Motown-Original übertrumpfen, bis hin zum schäumenden Motormouth von „Instant Karma!(We All Shine On)“ bis hin zu einem weniger bekannten späteren Rocker wie „What You Got“ – das Singen mit allem, was er hatte, war Lennons Markenzeichen.Sein erstes Soloalbum, Plastic Ono Band aus dem Jahr 1970, ist immer noch erstaunlich – wie der Kritiker Robert Christgau es ausdrückte, „eine komplette Tour des Rock-Timbres vom Schrei bis zum Wimmern“.Dasselbe gilt für das Weiße Album – insbesondere für den Übergang von „Julia“ zu „Everybody’s Got Something to Hide Except Me and My Monkey“.-M.M.
11 Little Richard
Little Richard ist der Schutzpatron aller Sänger, die ihre Stimme bis zum Äußersten und darüber hinaus getrieben haben, um den Zuhörer in einen Rausch zu versetzen.Seine unsterblichen Hits sind ein Lehrstück dafür, wie man durch ständige Steigerung des Stimmeinsatzes Spannung erzeugt:Bei „Long Tall Sally“ brüllt er mit einem düsteren Schrei los, bevor er zu einem schwindelerregenden Falsett „whoo-oo-oo-oo!“ wechselt, und bei „Good Golly, Miss Molly“ jagt er weiteren Extremen überladener Intensität hinterher, um sich in einem Spitzenknurren einzurichten, das sich gefährlich anhört, wenn man versucht, es nachzuahmen, und um sich vor dem Saxophonsolo mit einem Proto-Punk-Schrei auszutoben, der jeden von Prince bis Iggy Pop vorausahnen lässt.-H.S.
10 Al Green
Al Greens Stimme hat etwas Katzenhaftes an sich – eine gewundene Flexibilität, die an Stellen aufflackert, an denen der Hörer es nicht erwartet, was immer willkommen ist.Nur wenige Sänger schaffen es wie er, die Illusion zu erwecken, von dem Lied, das sie singen, mitgerissen zu werden.Egal, ob er in einem harten Memphis-Funk-Groove liegt wie eine Python, die zum Sprung bereit ist (siehe das frühe „I’m a Ram“), oder ob er mehrere ätherische Falsettos übereinander legt (wie auf dem Höhepunkt von „Have You Been Making Out OK“), Rev. Green kann entrückte Begeisterung hervorrufen, als ob es mühelos wäre.Die Wahrheit war ganz anders – er arbeitete hart an seinen Klassikern – aber ob er nun über Gott oder Eros singt, Green ist der ultimative Soulman. -M.M.
9 Otis Redding
Auf der Bühne – angefangen bei seinem beeindruckenden Auftritt beim Monterey Pop Festival 1967 – war Otis Redding so grenzenlos und aufgedreht, dass er eine Bühne buchstäblich zum Beben bringen konnte.Aber vor allem im Studio war seine gefühlvolle Stimme ein Wunder an kontrollierter Zurückhaltung.In seinen eindringlichsten Soul-Balladen wie „Try a Little Tenderness“, „Mr. Pitiful“ und „(Sittin‘ on) The Dock of the Bay“ genoss Redding jedes gequälte Wort und fügte am Ende der Sätze Ausrufe hinzu, die er aber nie übertrieb. Ein weiterer Beweis für seine Stärke: die Art und Weise, wie er Rock & Roll-Hits wie „(I Can’t Get No) Satisfaction“ und „A Hard Day’s Night“ covern konnte und einen vergessen ließ, dass sie vor ihm schon jemand gesungen hatte. -D.B..
8 Beyoncé
In der Stimme von Beyoncé liegt die gesamte Geschichte der schwarzen Musik.Sie ist eine der großen Historikerinnen des Pop, eine Künstlerin, die so sehr in die Helden verliebt ist, die sie geprägt haben, dass sie gar nicht anders kann, als Gelegenheiten zu finden, ihnen in ihrer Musik, ihrer Performance und natürlich ihrem Gesang zu huldigen.Aber Beyoncé hat nichts Abgeleitetes an sich: Stattdessen hat sie die Lektionen beherzigt, die sie von Prince, Tina, Diana, Michael, Janet, Donna und anderen gelernt hat, und sich selbst zu einer Ikone geformt, die es wert ist, neben diesen Titanen zu stehen, selbst wenn sie immer noch an der Spitze ihres Spiels steht. Ob schamlos südländisch oder hymnisch, ihre Flexibilität und ihre Vorliebe für theatralische Gesangseinlagen haben es ihr ermöglicht, alles von Funk über Country bis hin zu Hard Rock (manchmal sogar auf demselben Album) erfolgreich zu interpretieren. Und sie ist eine ebenso gute Rapperin wie ein Singvogel, der jede Wendung mit unbeschreiblicher Kontrolle und Kraft meistert. -B.S.
7 Stevie Wonder
Welchen Ton Stevie Wonder auch immer anschlagen mag, von der romantischen Starallüre bis zum düsteren Realismus, seine Stimme kann ihn mit Leichtigkeit vermitteln.Nur wenige andere Sänger können sowohl die unverblümte Zärtlichkeit von „You Are the Sunshine of My Life“ oder „I Just Called to Say I Love You“ als auch die brodelnde Wut, die „You Haven’t Done Nothin'“ oder „Living for the City“ zugrunde liegt, so überzeugend vermitteln.Der letzte Song zeigt Wonders patentiertes Knurren, eine von vielen stimmlichen Taktiken, die er einsetzt, um einen Song in den Overdrive zu treiben (siehe auch: die melodische Akrobatik in den oberen Registern bei „Sir Duke“ oder die gospelartigen Schwünge auf dem Höhepunkt von „They Won’t Go When I Go“).In einem Interview von 2014 sprach D’Angelo über Sänger, die „schreien“ oder eine überhitzte Darbietung bevorzugen, und hob Wonder hervor. „Das Besondere an Stevie Wonder“, sagte er, „war, dass er diese stimmliche Mechanik in den Squall einbrachte, die andere Motherfucker einfach nicht hinbekamen.“ -H.S.
6 Ray Charles
„Die Leute nennen mich einen Jazz- und einen Bluessänger, aber ich kenne den Unterschied nicht wirklich“, sagte Ray Charles 1963 in einem Interview.“Ich versuche einfach, ein Lied zu singen, und ich singe nur Lieder, die ich gerne singe.Und ich versuche, in alles ein bisschen Soul zu stecken.“Er meinte alles – Charles war ein Titan des R&B, des Pop, des Jazz und des Country gleichermaßen, und der Grund, warum seine erste Retrospektive 1991 den Titel The Birth of Soul trug, liegt darin, dass es Rays Umschreibung eines Gospelsongs in das geradlinig laszive „I Got a Woman“ war, die die Soulmusik entstehen ließ. Und er verwandelte eine der langweiligsten Nationalhymnen, „America the Beautiful“, in ein seelenerschütterndes Epos. Der Mann konnte alles gefühlvoll machen. -M.M.
5 Mariah Carey
Umfang, dahhling, ist genau das, was Mariah Carey besitzt. Über fünf schwindelerregende Oktaven hinweg kann die „Elusive Chanteuse“ mühelos zwischen einem beißenden, spöttischen Knurren und einem unwirklichen Pfeifton wechseln, der so scharf ist, dass er Stahl schneiden könnte. Seit „Vision of Love“ aus dem Jahr 1990 hat die Singer-Songwriterin stets den Spagat zwischen Soul und R&B der alten Schule und modernem, oft zukunftsorientiertem Pop geschafft. Ihr Geheimnis ist seit langem eine Süße, die manchmal engelsgleich und manchmal teuflisch sein kann, je nachdem, wie sie die vielen geheimen Stimmwaffen einsetzt, die sie in ihrem Arsenal hat.Von schüchternem, gehauchtem Gurren bis hin zu gutturalen, vollmundigen Gürteln kann sie alles mit gleichermaßen elektrisierenden Ergebnissen einsetzen.Indem sie ihre Opernstimme mit einer harten Haltung und einem Hang zu viel Glamour und Drama kombinierte, brachte Carey Generationen von Nachahmern hervor.Aber diejenigen, die sie beeinflusst hat, können die Architektin des modernen Pop-Sounds immer noch nicht schlagen.-B.S.
4 Billie Holiday
Andere Jazzgesangslegenden wie Sarah Vaughan und Ella Fitzgerald setzten auf Raffinesse; Billie Holiday bevorzugte die emotionale Wahrheit.Diese Eigenschaft verlieh ihr einen besonderen Status unter ihren Künstlerkollegen, von ihrem langjährigen Saxophonpartner Lester Young bis hin zu Miles Davis, der in seiner Autobiografie schrieb, dass man, wenn Holiday eine Ballade wie „I Loves You Porgy“ über eine von einem missbrauchenden Liebhaber gequälte Frau sang, „die Scheiße, die sie fühlte, fast spüren konnte“.Es war wunderschön und traurig, wie sie das gesungen hat“.Sie wird immer als Dichterin der Düsternis bekannt sein, denn ihr langsamer, tropfender Vortrag eignet sich perfekt für das Verlorene („Lover Man“) oder geradezu Morbide („Strange Fruit“, eine treffende, widerliche Verurteilung der Lynchjustiz), aber sie konnte die Offenheit ihrer Stimme auch nutzen, um überschwängliche Freude zu vermitteln („Too Marvelous for Words“).“Billie Holiday lässt dich den Inhalt und die Absicht jedes Wortes hören, das sie singt – selbst auf Kosten ihrer Tonhöhe oder ihres Tons“, sagte Joni Mitchell einmal. „Billie ist diejenige, die mich am tiefsten berührt“. -H.S.
3 Sam Cooke
Es gibt amerikanische Popmusik vor Sam Cooke und Popmusik danach.Er war bereits ein Gospel-Superstar mit den Soul Stirrers, als er 1957 solo auftrat und sofort begann, die Idee der „Soul Music“ sowohl als Crossover-Star als auch als musikalischer Innovator zu definieren.Sein Tenor verführte bei „You Send Me“ von 1957, und er verzauberte bei „Wonderful World“, einem Song, der in weniger guten Händen vielleicht etwas kitschig geklungen hätte.Aber nur wenige Sänger genossen es so sehr, in einem Song zu sein, wie Cooke es tat. Er sang makellose Standards auf dem 1964 erschienenen Album Live at the Copacabana und eine geschmeidige Version des R&B auf One Night Stand – Live at the Harlem Square Club, einem knallharten Set von 1963, das erst 1985 veröffentlicht wurde. Und dann ist da noch sein Meisterwerk „A Change Is Gonna Come“ von 1964. Als Bürgerrechtler, der von Bob Dylans „Blowin in the Wind“ inspiriert wurde, singt Cooke „I was booorrrn by the river…“ über ansteigenden Streichern und trifft die Musik mit jedem Gefühl.-J.G.
2 Whitney Houston
Whitney Houston war die Vorreiterin des R&B-Gesangs und verfügte über einen ebenso kraftvollen wie zarten Sopran.Nehmen wir ihre Coverversion von Dolly Partons „I Will Always Love You“, die zu einer der prägenden Singles der 1990er Jahre wurde. Zu Beginn grübelt sie sanft vor sich hin, und ihre unbegleitete Stimme klingt, als würde sie den Gedanken, ihren Geliebten zurückzulassen, mit Leichtigkeit verdrängen.Am Ende verwandelt sich der Song in ein Schaufenster für ihr geschmeidiges, muskulöses oberes Register; sie singt die Titelphrase zu gleichen Teilen mit tiefem Gefühl und technischer Perfektion und verwandelt die widersprüchlichen Gefühle im Herzen des Songs in einen Ausgangspunkt für den nächsten Schritt in ihrem Leben.
Houstons selbstbetiteltes Debüt von 1985 erschien etwas mehr als sechs Monate vor ihrem 22. Geburtstag und etablierte sie als eine der stärksten Sängerinnen der Popmusik.Das war kein Zufall:1993 erinnerte sich Houston daran, wie sie durch ihre Erziehung mit R&B-Größen wie Aretha Franklin und Roberta Flack sowie ihrer Mutter, der Gospelsängerin Cissy Houston, dazu gebracht wurde, ihre Gefühle herauszuschreien. „Das hatte einen großen Einfluss auf mich als Sängerin, als Performerin, als Musikerin. Wenn man damit aufwächst, kann man einfach nicht anders“, sagte sie. „Ich habe mich sofort damit identifiziert.Es war etwas, das so natürlich für mich war, dass es fast wie Sprechen war, als ich anfing zu singen.Houstons natürliche Vortragsweise sorgte für die Momente, in denen sie in rekordverdächtige Gesangsläufe ausbrach; „Saving All My Love for You“ von ihrem Debütalbum aus dem Jahr 1985 fühlt sich an wie ein zermürbendes Gespräch mit einem unbeherrschten Liebhaber, selbst wenn sie hohe Töne anschlägt, während die Art und Weise, wie ihre mürrische Einsamkeit auf dem traurig-fröhlichen Standardtitel „I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)“ in kichernden Jubel übergeht, auch beim 100sten Hören noch genauso entzückend ist wie beim ersten Mal.Houstons Stimme wird noch Jahrzehnte nach ihrem Tod 2012 nachhallen.-M.J.
1 Aretha Franklin
Eine Naturgewalt. Ein geniales Werk. Ein Geschenk des Himmels. Aretha Franklins Stimme ist all das und noch mehr, weshalb sie auch Jahre nach ihrer letzten Verbeugung die unangefochtene Königin ist.Ihr Gesang ist der großartigste Klang, den Amerika hervorgebracht hat – universeller als Coltranes Horn, kühner als Hendrix‘ Gitarre.Mit ihrem Hit Respect“ aus dem Jahr 1967 gelang ihr ein weltweiter Durchbruch, der sie auf den Thron der größten Pop-, Rock- und Soulsängerin aller Zeiten hievte.Mary J. Blige sagte dem Rolling Stone: „Sie ist der Grund, warum Frauen singen wollen“.
Aretha konnte Jubel ausdrücken, wie in ihrer Gospel-Doku Amazing Grace.Sie konnte den tiefsten Herzschmerz heraufbeschwören, in Balladen wie „Ain’t No Way“.Ihr künstlerisches Schaffen ist die größte Errungenschaft der amerikanischen Musik, wenn nicht sogar der amerikanischen Geschichte. Aber ihre Stimme ist der Kreuzungspunkt, an dem sich die verschiedensten Musiktraditionen treffen, vom Gospel über Funk und Rock bis hin zum Blues. Wie sie sagt: „Ich denke, man könnte sagen, dass ich mit meiner Stimme viel reise“.
Sie wuchs als Detroiter Gospelkönigin auf und erhielt ihren Unterricht in der Kirche von Mahalia Jackson.Zunächst versuchte ihr Label, sie zu einer aalglatten Lounge-Sängerin zu formen, aber sie gab das Crossover-Spiel auf, nachdem sie auf dem Label einen anderen jungen Außenseiter traf, dessen Stimme nicht in die Pop-Form passte:Bob Dylan.Wie sie der Schriftstellerin Gerri Hirshey erzählte, „war keiner von uns beiden das, was man – ah – Mainstream nennt.“
Aretha ging nach Muscle Shoals und wurde zur Lady Soul, die ihren eigenen rauen, intensiven R&B-Sound kreierte.Sie zwang den Mainstream, zu ihr überzuwechseln, und veränderte seither die Art und Weise, wie Musik auf der ganzen Welt klingt.Ihre Genialität hat viele Formen angenommen: Gospel der 1970er Jahre, Glam-Disco der 1980er Jahre, ihre Kollabos mit Schülern wie Whitney Houston und Lauryn Hill. Oder die Nacht, in der sie die Grammys stahl, indem sie „Nessun Dorma“ ohne Probe sang.
Aber was auch immer sie sang, sie machte es sich zu eigen. Und so lange man lebt, wird man nie wieder etwas wie Aretha Franklin hören.Deshalb wird ihre Stimme auch weiterhin die Welt verändern.Die Sängerin der Sängerinnen.Königin der Königinnen.Gegrüßt sei Lady Soul.-R.S.
Dieser Artikel wurde von Kristina Baum aus dem Englischen übersetzt. Das Original finden Sie hier.
CONTRIBUTORS: Jonathan Bernstein, David Browne, David Cantwell, Mankaprr Conteh, Jon Dolan, Brenna Ehrlich, Michael Goldwasser, Andy Greene, Joe Gross, Kory Grow, Will Hermes, Maura Johnston, Michelle Hyun Kim, Kristine Kwak, Ernesto Lechner, Julyssa Lopez, Angie Martoccio, Michaelangelo Matos, Tomás Mier, Jason Newman, Mosi Reeves, Noah Shachtman, Rob Sheffield, Hank Shteamer, Brittany Spanos, Lisa Tozzi, Simon Vozick-Levinson, Ilana Woldenberg
