Die 200 besten Songs der Achtziger
Dies sind die größten Hits, die das wilde Musikjahrzehnt zu bieten hatte.
150 Young MC, „Bust a Move“
Du willst es, Baby, du bekommst es. „Bust a Move“ fasst jenen kurzen Moment in den späten Achtzigern zusammen, als der Hip-Hop die Popwelt eroberte und absolut niemand darüber sauer war – The Source liebte „Bust a Move“ genauso wie Downtown Julie Brown. Die Reime des jungen MCs wie „You say neato, take your libido/Go to the church in your new tuxedo“ waren zu clever, um ihnen zu widerstehen, und das zu einem knallenden Delicious Vinyl-Beat, während Flea am Bass ausrastet. Weiß jemand, wie lange die Ehe seines besten Freundes Harrys Bruder Larry gehalten hat?
149 Paul McCartney, „Here Today“
„Ein Liebesbrief an John, geschrieben sehr kurz nach seinem Tod“, nennt Paul McCartney diese Ballade. Macca hätte seinen Lennon-Abschied in einen großen Nummer-Eins-Hit verwandeln können, aber er gab sich Mühe, „Here Today“ klein und intim wirken zu lassen. Er singt es immer noch jeden Abend live, als Hommage an seinen alten Freund, und sagt dem Publikum: „Wenn Sie jemandem etwas Nettes zu sagen haben, dann sagen Sie es.“ Aber auch 40 Jahre später wird die Liebesgeschichte zwischen Paul und John weitergeschrieben. McCartney verwandelt das Gespräch zwischen den beiden in „Now and Then“ und beweist damit, dass niemand diese beiden Jungs so gut hört wie sie sich gegenseitig.
148 Taylor Dayne, „Tell It to My Heart“
Miami Freestyle erobert Long Island auf einer Bar-Mitzvah, um Mittelamerika zu erobern. Das Ergebnis: ein permanenter Disco-Floor-Filler. Wir alle verdanken Taylor Dayne so viel. Lassen Sie mich gar nicht erst mit „Love Will Lead You Back“ anfangen.
147 Sisters of Mercy, „This Corrosion“
Andrew Eldritch und Patricia Morrison, das spaßigste Nicht-Spaß-Paar der Gothic-Szene, tun sich mit dem König des Mega-Pop-Bombastes, Jim Steinman, zusammen, um diesen herrlich schmierigen, dekadenten Power-Perv-Disco-Knaller zu schreiben. Steinmans übertriebene Ästhetik war perfekt für die Sisters of Mercy, wobei Eldritch schnaufte und schnaubte, als wäre er gerade aus dem Sarg gekrochen. Er führt die Kinder der Nacht an und singt „Sing this corrosion to me!“. „‚This Corrosion‘ ist lächerlich“, sagte Eldritch. „Es soll ja auch lächerlich sein. Es ist ein Lied über Lächerlichkeit. Also rief ich Steinman an und erklärte ihm, dass wir etwas brauchten, das wie eine Disco-Party der Borgias klang. Und genau das haben wir bekommen.“
146 Erasure, „A Little Respect“
Stellen Sie sich vor: Nach Jahren der Synthie-Pop-Hits, bei denen der queere Subtext versteckt oder verleugnet oder nur zum Kichern gespielt wird, gibt es plötzlich einen Song wie diesen. Eines der radikalsten Dinge an „A Little Respect“ ist, dass es um ein schwules Paar geht, das so langweilige Probleme hat, obwohl der Song auf jeder politischen Ebene mitschwingt. Es ist wohl nicht einmal der exquisiteste Erasure-Song („Oh, L’Amour“? „Blue Savannah“? Vielleicht „Drama!“ oder „Victim of Love“?), aber er verdient es trotzdem, der berühmteste zu sein, vor allem, wenn Andy Bell das abschließende „I hear you caaaall-ing“ über den Zaun wirft.
145 The Pogues, „The Body of an American“
Die größte Geschichte von Shane MacGowan, der mit Akkordeon, Pfeifen und Tin Whistle die Hölle auf Erden erregt, im selben Jahr, in dem die Pogues ihren rebellischen keltischen Folk-Punk-Klassiker Rum, Sodomy, and the Lash veröffentlichen. „The Body of an American“ mag durch all die Szenen in The Wire mit tanzenden Iren etwas geschmälert werden, aber es ist eines der realistischsten Lieder, die je über Immigration geschrieben wurden, auch eines der besten Beerdigungslieder, auch eines der besten Trinklieder. Aber es ist auch der wahrhaftigste Song über das Verlassen der Heimat und das Lachen darüber, wenn Sie in Ihrem Herzen wissen, dass Sie nie wieder zurückkehren werden und nie über die wahre Liebe hinwegkommen werden, die Sie zurückgelassen haben, und dass Sie nie wieder ein richtiges Zuhause haben werden.
144 The Commodores, „Nightshift“
Nachdem Lionel Richie als Solostar in die Ewigkeit gegangen war, hätten die Commodores aufgeben können. Stattdessen überraschten sie alle und meldeten sich mit „Nightshift“ stärker denn je zurück. Es ist eine Hommage an die gefallenen R&B-Pioniere Marvin Gaye und Jackie Wilson, die beide 1984 gestorben sind. Die Commodores stoßen auf ihre realen Freunde und Helden an und halten ihre Namen für immer im Pop-Radio lebendig, indem sie die süßen Klänge von „Nightshift“ anhören.
143 Lou Reed, „New Sensations“
Lou Reed zelebriert die zarte Liebe zwischen einem Mann und einem Motorrad und macht aus den alltäglichsten Details Poesie: „Ich fuhr nach Pennsylvania in der Nähe des Delaware Gap / Manchmal habe ich mich verfahren und musste auf der Karte nachsehen.“ (Der Inbegriff dessen, was Lester Bangs „die Lou Reed ‚I walked to the chair/Then I sat in it‘-Schule der Lyrik“ nannte.) Aber er holt echte Emotionen aus den billigen Synthesizern heraus – es ist nur logisch, dass Reed eine so großartige Nachahmung von Depeche Mode machen würde, genau zu der Zeit, als Depeche Mode (und alle anderen) einfach Lou Reed sein wollten. Eine seltsame Enthüllung aus der neuen Reed-Bio von Will Hermes: Er wählte den Produzenten, weil er den Schlagzeugsound von Air Supplys „Making Love Out of Nothing at All“ liebte.
142 Roxette, „The Look“
„Was in aller Welt kann ein Mädchen mit braunen Augen dazu bringen, blau zu werden?“ Für die Antwort auf diese und andere Fragen wenden wir uns an ein schwedisches New-Wave-Jungen-Mädchen-Duo mit klebrigem Haar, zweifelhaften Englischkenntnissen („Her loving is a wild dog“?) und dem brennenden Wunsch, über ein Sex-Roboter-Mädchen zu rappen, das ein Wundermann und ein jugendlicher Betrüger ist – aber sie hat den Blick.
141 Fleetwood Mac, „Gypsy“
Der Blitz schlägt ein – vielleicht einmal, vielleicht zweimal. Stevie Nicks hatte in den Achtzigern einen fabelhaften Lauf, sowohl solo als auch mit Fleetwood Mac, von „Bella Donna“ über „Stand Back“ bis zu „Ooh My Love“. Aber „Gypsy“ ist ihre berührendste Autobiographie, vor allem wenn sie darüber singt, wie ihr wildes Herz „der Freiheit mit ein wenig Angst gegenübersteht“. Die Art und Weise, wie sie das Wort „Angst“ trifft – zweimal – ist ein Seminar über alles, was sie zu Stevie Nicks macht.
