Die 200 besten Songs der Achtziger
Dies sind die größten Hits, die das wilde Musikjahrzehnt zu bieten hatte.
70 Van Halen, „Everybody Wants Some!!“
Eine Lesung aus dem Book of Dave: „Ich mag es, wie die Linie hinten an den Strümpfen hochläuft. Ich habe diese Art von High Heels auch immer gemocht. Nein-nein-nein-nein, zieh sie nicht aus!“ Edward Van Halen sagte dem Rolling Stone, er wolle, dass ihre Musik wie „Godzilla beim Aufwachen“ klingt, und „Everybody Wants Some!!!“ erfüllt diesen Wunsch, mit der Spitze von EVH, der Spitze von Alex, der Spitze von Michael Anthony und der Spitze von „ja, das ist es, ein bisschen mehr nach rechts“ Diamond Davery. Richard Linklater verwendete den Titel für einen ausgezeichneten Film über College-Baseballer, die an einem Tag im Jahr 1980 Musik hören, ohne dass ein einziger Song fehl am Platz wäre.
69 Shriekback, „Nemesis“
Die beste Gothic-Sex-Club-Disco-Hymne mit lila Haaren und der beste Hit mit dem Wort „Parthenogenesis“ im Refrain. Die Londoner Kunstperversen von Shriekback haben einen monströsen 12-Zoll-Hit voller schleimiger Synthie-Beats und gespenstischer Todesgesänge geschaffen, als wäre es der Soundtrack zu den dekadentesten Orgien des Römischen Reiches. Es gibt nicht viele Dance-Hits aus den Achtzigern mit Zentauren und Kannibalen, aber Shriekback füllen diese Lücke.
68 EPMD, „Strictly Business“
Erick Sermon und Parrish Smith tauchten im Hip-Hop-Sommer 1988 auf, zwei Vorstadtjungs aus Strong Island, mit ihrem eigenen entspannten Sound. „Strictly Business“ ist EPMDs Volltreffer, der den Startschuss für ihre herausragenden vier Alben gibt. Der Song ist bis auf die Knochen bekifft, mit genug Bass, um die Tieftöner in Jeeps zu zerschreddern oder Hinterhof-Grillpartys in die Luft zu jagen. Es ist der träge Beat, aus dem sich der G-Funk-Stil der Westküste entwickeln sollte. In einer echten konzeptionellen Meisterleistung sampeln sie „I Shot the Sheriff“ – nicht das rootsige Original von Bob Marley, sondern die Version von Eric Clapton, die Parrish zu ihrem eigenen Groove veredelt. Sermon sagte: „Während die Welt James Brown sampelte, haben wir uns hier an etwas anderes gewagt. Wir sampelten eine andere Art von Scheiße. Und doch klingt „Strictly Business“ nach niemand anderem als EPMD.
67 AC/DC, „Hell’s Bells“
Jedes Mal, wenn diese Glocken läuten, bekommt ein Teufel seine Flügel und Bon Scott zerdrückt eine Leere auf seiner Stirn. „Hells Bells“ ist der epische Opener von AC/DCs Back in Black, mit läutenden Glocken über den schädelzerquetschenden Doppelgitarren von Angus und Malcolm Young. Brian Johnston war gerade erst der neue Sänger, der nach Scotts tragischem Tod die Band übernommen hatte, aber er hält sich nicht zurück. „If you’re into evil, you’re a friend of mine“ (Wenn du auf das Böse stehst, bist du ein Freund von mir) ist so ein nachvollziehbares Gefühl.
66 The Weather Girls, „It’s Raining Men“
Die ganze Disco-Geschichte in einem epischen Song: Schwarze Frauen, schwule Eurodisco-Männer, Gospel, Sex, Regen, Donner, die Apokalypse. Die Weather Girls waren zwei Legenden: Martha Wash und Izora Rhodes Armstead, die langjährigen Backgroundsängerinnen von Disco-Queen Sylvester. Sie stürzen sich in „It’s Raining Men„, geschrieben von Produzent Paul Jabara und David Lettermans Sidekick Paul Shaffer, in einem Schwall von „Hallelujahs“ und „Amens“. Die Weather Girls liefern einen meteorologischen Bericht über einen bevorstehenden Sexsturm und raten: „Macht euch bereit, ihr einsamen Mädchen, und lasst die Regenschirme zu Hause!“ Aber die Wolken reißen wirklich auf, wenn sie den Höhepunkt anstimmen: „Gott segne Mutter Natur! Sie ist auch eine alleinstehende Frau!“ Amen.
65 John Waite, „Missing You“
Der gefühlvollste aller Arena-Rocker, mit einem der traurigsten AOR-Trennungslieder. Wie John Waite einmal sagte, ist sein Stil „Heathcliff mit einem Marshall-Stack“. In der Post-„Billie Jean“-Ära mussten alle Songs lange, lange, lange Fadeouts haben – es gab kein Konzept, dass man den Titel in der Coda zu oft wiederholen konnte. Aber „Missing You“ ist einer, bei dem man bis zum Ende durchhält, in der Hoffnung auf einen späten Hoffnungsschimmer. (Jeder DJ, der den Song vor dem letzten „Oh Nooo“ ausblendet, hat im Leben versagt.) Der verheerendste Moment: wenn er die Worte „heartbreak overload“ in den Mund nimmt.
64 The B-52s, „Private Idaho“
Die B-52s waren eine kitschige kleine Tanzband aus Athens, G-A, die Surfmusik, Girlgroup-Harmonien, Bienenkorbfrisuren und Post-Punk-Gitarren zu ihrem eigenen, einzigartigen Groove vermengte. Aber sie hatten ein emotionales Durchhaltevermögen, wie zum Beispiel in dem loopigen Freakout „Private Idaho“. Fred Schneider schreit seine Warnungen über das Leben in Ihrem eigenen privaten Idaho („Runter von der Terrasse!“), während Kate Pierson und Cindy Wilson alle 16 Tänze und noch einige mehr aufführen.
63 Exposé, „Point of No Return“
Der „Smells Like Teen Spirit“ des Freestyle, von dem Miami-Mastermind Lewis Martinée. Wie in allen großen Freestyle-Hits, von Miami (Trinere, Sequel, Company B) bis New York (The Cover Girls, Sweet Sensation, Corina, Lisette Melendez), singen die Sängerinnen und Sänger mit roher Emotion über den Bangs und Booms und Whooshes der Rhythmusmaschinen und halten sich nicht zurück, bis der ganze Song den Point of no Return erreicht.
62 Fugazi, „Waiting Room“
Die Debüt-EP von Fugazi aus dem Jahr 1988 war ein Schock – eine Band von Punkern aus D.C. mit einer wilden DIY-Ethik, die sich weigerte, still zu sein oder sich auf ihren Lorbeeren auszuruhen. Ihre ganze Geschichte ist ein Zeugnis für neue künstlerische Inspiration und politische Solidarität. Ian MacKaye von Minor Threat stimmte zusammen mit Guy Picciotto von Rites of Spring in „Waiting Room“ ein, ihrem wütenden und doch fröhlichsten gemeinsamen Schrei, mit dem sie sich auf die lange Bank schoben. Fugazi machten alles auf ihre Weise und ließen Kompromisse wie ein Kinderspiel aussehen. Stellen Sie sich vor, Sie würden in das Jahr 1988 zurückgehen und den Leuten sagen, dass „Waiting Room“ im Jahr 2023 berühmter sein würde als praktisch alle Pop-Hits des Jahres.
61 Cameo, „Word Up“
Larry Blackmons Band von Atlanta Funkateers hatte bereits viele Hits, von „Shake Your Pants“ bis „She’s Strange“. Aber „Word Up“ ist ein Monster, das eine Brücke zwischen der Disco- und der Hip-Hop-Ära schlägt und doch zu keiner von beiden gehört. Nur ein fieser Gitarrengroove, Spaghetti-Western-Pfeifen, echte Hörner, die vorgeben, Synthie-Hörner zu sein, und eine nasale Punk-Rock-Stimme, die so unverwechselbar ist wie sein roter Leder-Codpiece. Blackmon teilt seinen Geburtstag mit Bob Dylan, aber wir warten immer noch darauf, dass dieser Dichter den Nobelpreis erhält, den er für Zeilen wie „Gebt uns Musik, wir können sie brauchen, wir müssen tanzen! Wir haben keine Zeit für psychologische Romantik!“
60 Indeep, „Last Night a DJ Saved My Life“
Die ultimative „trauriges Mädchen hört Disco im Radio“-Hymne. Indeeps unsterblicher One-Shot fängt einen Moment ein, in dem Club-Sounds, Rap, New Wave und R&B sich vermischten. Reggi Magloire und Rose Marie Ramsey beten zum DJ, dass er ihre gebrochenen Herzen heilen möge, und zwar über diesen Low-Budget-Chic-Beat, bis der DJ kommt und verspricht: „Es gibt kein Problem, das ich nicht lösen kann, denn ich kann es im Mix machen.“ „Last Night a DJ Saved My Life“ ist ein Klassiker, denn er spricht jeden Fan an, der schon einmal die Erlösung in seiner Lieblingsbasslinie gesucht und gefunden hat.
59 Bruce Springsteen, „Atlantic City“
„Atlantic City“ ist das Herzstück von Bruce Springsteens Nebraska, nur der Mann und seine akustische Gitarre. Ein Mann aus Jersey hat Schulden, die kein ehrlicher Mann bezahlen kann, und eine Frau, die kein gebrochener Mann halten kann, also tut er der Mafia einen kleinen Gefallen. All die Dinge, die früher einmal so wichtig waren – nun, Mister, sie sind toter als der Chicken Man. Alles, was er seiner Frau auf dem Weg nach draußen sagen kann, ist: „Alles stirbt, Baby, das ist eine Tatsache / Aber vielleicht kommt alles, was stirbt, eines Tages zurück.“
58 De La Soul, „Eye Know“
De La Soul eröffnen das D.A.I.S.Y.-Zeitalter des Rap. Posdnous, Maseo und der verstorbene, großartige Trugoy the Dove hatten ihren eigenen, frischen Stil und ließen sich von überall her inspirieren, wobei ihr Produzent Prince Paul die Samples beisteuerte. „Eye Know“ war nur ein Highlight aus ihrem Native Tongues Meisterwerk 3 Feet High and Rising, mit ein wenig Hilfe von Steely Dan, zu einer Zeit, als die Dan nicht unbedingt die angesagteste Band waren. Aber wie Posdnous dem Rolling Stone erzählte: „Als ich und Dave [Trugoy] im Einkaufszentrum arbeiteten, hörten wir nur Songs aus den Lautsprechern. Sie spielten immer Steely Dans ‚Peg‘ und wir wollten schon damals eine Gruppe werden und dachten uns: ‚Yo, das könnte ein toller Song sein.'“ Würden Sie also nicht für die Kamera lächeln?
57 Hüsker Dü, „Celebrated Summer“
Das Punk-Trio aus Minnesota verbrachte die achtziger Jahre damit, mit Meilensteinen wie Metal Circus, Zen Arcade und New Day Rising die wildesten und emotionalsten Rockplatten zu machen. Die Hüskers haben die Grenzen der Hardcore-Szene verschoben und die Gemüter der Mohawks zu einer Zeit aufgewühlt, als es noch kontrovers war, einen vierten Akkord zu lernen. „Celebrated Summer“ ist ihr intensivster, kathartischer Song, in dem Bob Mould über die Art von Sommer wütet, die in einem Augenblick vorbei ist, aber ein Leben lang dauert, bis man darüber hinweg ist. Auf halbem Weg macht sein Gitarrensummen eine Pause, und er holt seine 12-saitige Akustikgitarre für einen stillen Moment der Einsamkeit hervor. Seine Frage: „Erinnern Sie sich, als der erste Schnee fiel / Als der Sommer kaum eine Chance hatte?“ Harter Tobak.
56 Bonnie Tyler, „Total Eclipse of the Heart“
Power-Ballade Armageddon. In dieser Ecke: Bonnie Tyler, die walisische Popsängerin mit der Sandpapierstimme. In dieser Ecke: Jim Steinman, der Herr des Mega-Pop-Overkills, Komponist der Opernrocker von Meat Loaf und Air Supply, der Typ, der sich selbst „Little Richard Wagner“ nennt. Das Ergebnis: „Total Eclipse of the Heart“, eine Nummer-Eins-Ballade, die sich durch etwa 12 Höhepunkte windet, mit dem ultimativen Karaoke-Credo „Once upon a time I was falling in love/Now I’m only falling apart“. Mörderisches Ende: Der Kerl mit den leuchtenden Augäpfeln zwitschert ein letztes Mal „Turn around, bright eyes!“
55 Adam and the Ants, „Stand and Deliver“
„Ich bin der dandyhafte Wegelagerer, den Sie nicht erwähnen wollen! Ich gebe mein Geld dafür aus, auffällig auszusehen und Ihre Aufmerksamkeit zu erregen!“ Adam Ant war der große New-Wave-Provokateur seiner Zeit, der sich als Pirat verkleidet hat. In Klassikern wie „Prince Charming“, „Antmusic“, „Zerox“, „Goody Two Shoes“, „Jolly Roger“ und dem tatsächlich entstandenen „Ant Rap“? hat er allem Langweiligen der Achtzigerjahre den Kampf angesagt. Aber „Stand and Deliver“ ist sein ultimatives Glam-Manifest, in dem Adam über Tribal-Drums und Mega-Twang-Gitarre seine Botschaft an die Welt kläfft und heult: Wenn Sie nicht gerade ein bizarres Spektakel aus sich machen, was machen Sie dann überhaupt mit Ihrem Leben? Oder wie Adam beklagt: „Es ist ziemlich schwer, einem Wüstling zu sagen, was für einen großen Fehler er macht!“
54 Funky Four Plus One, „That’s the Joint“
Der überschäumendste Sugarhill-Rap der alten Schule, von einer Gruppe von Kindern aus der South Bronx. „Wir haben goldene Stimmen und ein Herz aus Stahl“, prahlen die Funky Four mit Plus One, dem bahnbrechenden weiblichen MC Sha-Rock. Sie geben das Mikrofon Strophe für Strophe weiter, über dem Funk-Groove der Sugarhill House Band und dem Bass von Doug Wimbish. „That’s the Joint“ fängt den Geist des frühen Rap in seiner utopischsten Form ein. Lil Rodney C bringt auf den Punkt, worum es hier geht: „Einfach hart chillen, im Luxus leben und sehr stolz darauf sein, ein MC zu sein.“
53 Pixies, „Debaser“
Die Pixies beginnen ihr zweites Album, Doolittle, mit „Debaser“, das die Formel laut-leise-laut durchbricht, aber ohne den leisen Teil. Frank Black schreit über die berühmt-berüchtigte Szene mit den aufgeschnittenen Augäpfeln im Luis Buñuel/Salvador Dali-Film Un Chien Andalou, während Kim Deal dem Refrain ihre unbeschreibliche Midwest-Coolness hinzufügt. Das Beste, was dem Wort „groovy“ seit der Trennung von Simon und Garfunkel passiert ist.
52 Rosanne Cash, „Seven Year Ache“
„Face down in a memory, but feelin‘ alright“ – solche Nächte haben Sie sicher auch schon erlebt. Roseanne Cash erhebt Anspruch auf die Krone mit einer Country-Rock-Geschichte, in der sie einen aalglatten Frauenhelden, der durch ganz L.A. streift, in Stücke reißt. („Heartaches are heroes when their pockets are full“ – das stimmt.) Ich werde nie verstehen, warum dieser Song nicht so berühmt ist wie „You’re So Vain“, aber er ist ein absoluter Casanova-Killer und der beste L.A. Single-Bar-Song einer sehr L.A. Single-Bar-Ära. Was für ein Refrain: „Die Jungs sagen: ‚Wann macht er uns endlich Platz?’/Die Mädchen sagen: ‚Gott, ich hoffe, er kommt bald zurück.'“
51 Eddy Grant, „Electric Avenue“
Eddy Grant schrieb „Electric Avenue“ nach den Unruhen in Brixton 1981, wo afrokaribische Jugendliche gegen die Polizei kämpften. Aber es wurde ein weltweiter Hit, ein radikaler Mix aus Reggae, Synth-Pop, Punk und Funk, mit einem Drumloop, der so verzerrt ist, dass er wie ein aufheulendes Motorrad dröhnt. Seine Stimme trifft die Wut der Arbeiterklasse auf eine erwachsene Art und Weise, indem er knurrt: „Can’t get food for the kid – good gaaaawd!“
