Die 200 besten Country-Songs aller Zeiten
Von Johnny Cash bis Beyoncé: Das sind die 200 besten Country-Songs aller Zeiten.
150 The Chicks, „Travelin’ Soldier“
„Travelin’ Soldier“ spielt während des Vietnamkriegs und wurde während des Irakkriegs veröffentlicht, aber eigentlich handelt der Song von einem anderen Krieg. 1990 begann Bruce Robison seine Songwriting-Karriere und arbeitete als Frittierkoch, als ein Kollege in den Golfkrieg zog. Jahre später, als Country-Künstler wie Toby Keith und Darryl Worley Pro-Kriegs-Songs veröffentlichten, brachten die Chicks dieses herzzerreißende Porträt von Liebe, Jugend und tragischem Verlust heraus. Nach umstrittenen Kommentaren der Leadsängerin Natalie Maines über Präsident George W. Bush wurde der Song von Radiosendern verbannt und aus den Charts geworfen. Aber sein Erbe ist offensichtlicher denn je – man muss nur eine Live-Performance ansehen und die Tränen und Schreie des Publikums beweisen es.
149 Merle Haggard, „I Take a Lot of Pride in What I Am“
Merle Haggard verbrachte die späten Sechziger damit, die Schattenseiten der amerikanischen Kultur zu erkunden, mit seinem zornigen, arbeiterklassenhaften Zorn, von „Hungry Eyes“ bis „Okie From Muskogee“. Aber „I Take a Lot of Pride in What I Am“ könnte die Geschichte sein, die im Laufe der Jahre am härtesten und wahrsten klingt. Er singt mit der Stimme eines umherziehenden Vagabunden, der von Ort zu Ort driftet und immer auf der Flucht ist. „I keep thumbin’ through the phone books/Lookin’ for my daddy’s name in every town“ – die Art, wie Hagg diese Zeile trifft, ist der Inbegriff seiner harten, kochenden vokalen Genialität. Es ist der Song, der bei der Beerdigung von Lynyrd Skynyrd’s Ronnie Van Zant gespielt wurde. Nur Haggard konnte einen so uramerikanischen Ton von Außenseiter-Defiance und Underdog-Resilienz einfangen.
148 Jerry Reed, „East Bound and Down“
Ob man nun am Steuer eines großen LKWs oder eines Volvos sitzt, es ist unmöglich, nicht das Gaspedal durchzudrücken, wenn „East Bound and Down“ über die Lautsprecher läuft. Jerry Reeds Titelsong zum 1977er Kultklassiker Smokey and the Bandit (in dem Reed als Schmuggler und LKW-Fahrer Snowman mitspielte) war gemacht, um Temposünder zu verführen. Während die Texte im Wesentlichen nur die Handlung des Films zusammenfassen, macht das den Song nicht weniger großartig. Angetrieben von einer schwungvollen Banjo-Linie, liefert Reed seine Vocals mit einem breiten Grinsen und legt ein chicken-pickin’ Gitarrensolo hin, bevor das Ganze in weniger als drei Minuten endet.
147 Patty Loveless, „Blame It on Your Heart“
Ein Klassiker der Neunziger, der thematisch Dolly Partons „Jolene“ mit Carrie Underwoods „Before He Cheats“ verbindet, dieser Country-Pop-Abschiedsgruß sprengt eine Trennungsbombe auf das „lügende, betrügende, kalte, tote schlagende, zweifach spielende, doppelt dealende, gemein behandelnde, liebende Herz“ eines Ehebrechers. Das Patty Loveless-Team lehnte den von den erfahrenen Songwritern Harland Howard („I Fall to Pieces“) und Kostas Lazarides geschriebenen Song zunächst ab, aber als er von Deborah Allen in dem Peter Bogdanovich-Film The Thing Called Love gesungen werden sollte, änderten sie ihre Meinung. Der Song wurde ein absoluter Sensationserfolg.
146 Marty Stuart and Travis Tritt, „This One’s Gonna Hurt You (For a Long, Long Time)“
Marty Stuart war ein virtuoser Musiker und Bindeglied zur Bluegrass-Ära, da er in Lester Flatt’s Band gespielt hatte, während Travis Tritt der soulvollere, radiofreundliche Newcomer war. Zusammen klangen sie wie ein paar alte Freunde im Gespräch. Ein gemütlicher Honky-Tonk-Song, der von Stuart geschrieben wurde, „This One’s Gonna Hurt You“ kam mit einem augenzwinkernden Sinn für Humor über eine Beziehung auf den Felsen. „You can’t walk away from true love, leave all your feelings behind/This one’s gonna hurt you for a long, long time“, singen sie abwechselnd und verbergen dabei kaum ihre eigenen verletzten Gefühle. In einer Zeit, in der sich Country-Musik größer und weiter ausdehnte als je zuvor, trafen Stuart und Tritt Gold, indem sie sich an die Grundlagen hielten.
145 Steve Earle, „Guitar Town“
Angetrieben von Drogen, Alkohol und einer bösen Scheidung von seiner dritten Frau, lieferte Steve Earle diese Road-Hymne mit einem Knurren und Bellen ab, indem er seine Art als Rock & Roll-Rebell mit der Autorität eines Mannes, der mit 31 Jahren schon alles gesehen (und geschnupft) hatte, durch Zeilen über Geschwindigkeitsfallen und Raststätten schnarrte. Jahre des harten Lebens forderten schließlich ihren Tribut an Earle, der drei Nachfolger zu Guitar Town veröffentlichte, bevor er die erste Hälfte der Neunziger in einem Heroinnebel verbrachte. Als er 1995 seinen Akt säuberte, war die Alt-Country-Bewegung in vollem Gange, und Earle schloss sich einer neuen Generation von Musikern an – viele von ihnen hatten zu einer Guitar Town-Kassette mitgesungen – im Bemühen, die Grenzen zwischen Country und Rock abzubauen.
144 Clint Black, „Killin’ Time“
Clint Black verbrachte Jahre damit, in leeren Bars in Houston zu spielen, verdiente seinen Lebensunterhalt mit Bauarbeiten und Köder-Schneiden, bis er schließlich mit seinem 1989er Album Killin’ Time durchbrach. Mit seinem frechen Grinsen und schwarzem Hut debütierte Black im selben Jahr wie sein Kollege und Neo-Traditionalist Garth Brooks, beide setzten das Tempo für die bevorstehende Country-Explosion der Neunziger. „Killin’ Time“ ist ein klassisches Honky-Tonk-Melodrama, geschrieben von Black mit seinem langjährigen Mitarbeiter Hayden Nicholas. Er singt davon, seine Sorgen auf dem Boden des Barrooms zu ertränken, in einem trunken-existentialistischen Showdown mit dem Tod. Es war der zweitgrößte Country-Hit von 1989 – direkt hinter einem weiteren Black-Hit, „A Better Man“.
143 Pistol Annies, „Got My Name Changed Back“
Supergroup-Projekte sind oft inspirationsarme Einmal-Cashgrabs. Nicht die Pistol Annies, die ihr drittes scharfes Album mit dieser urkomischen, frechen Hymne des neu gefundenen Singledaseins krönten, ein Kandidat für ihren bisher besten Track. Er wurde von Miranda Lambert geschrieben, die nach ihrer hochkarätigen Scheidung von Blake Shelton im Jahr 2015 und ihrem seelensuchenden 2016er Album The Weight of These Wings, einem der kraftvollsten Trennungsalben aller Zeiten, bereit war, ein wenig zu lachen. Aber Lamberts Co-Annies, Angaleena Presley und Ashley Monroe, wussten auch eine Menge über Scheidungen – Presley aus erster Hand – und gemeinsam verwandelte das Trio den Track in einen campy Roadhouse-Rocker mit einem Tennessee-Two-Rhythmus, der seinen Höhepunkt in ihrem freudigen unisono Schrei findet: „I broke his heart and I took his money!“ Dass der Song effektiv die Gelübde einer Partnerschaft erneuerte, die zwei ihrer Ehen überdauerte, machte die badass Schwesternschaft noch süßer.
142 Sturgill Simpson, „Turtles All the Way Down“
Als Sturgill Simpson 2014 Metamodern Sounds in Country Music veröffentlichte, machte sein widerspenstiger Sinn für Unabhängigkeit ihn zum perfekten Antihelden in der Ära des Bro-Country. Aber er war kein Standard-Outlaw. „Turtles All the Way Down“ landete irgendwo zwischen klassischem Country und Psychedelia, nahm seinen Titel von einem Sprichwort über die Bedeutungslosigkeit am Grund der Existenz. Simpson brachte seine Botschaft mit säuregetränkten Gitarren, Visionen von Jesus in Flammen und einem Bariton rüber, der gleichzeitig die Furcht und die Liebe Gottes in dich hineinbringen konnte. „Es ist immer noch eine schöne Idee“, sagte Simpson damals gegenüber Rolling Stone, „dass alles von einem Punkt ausgeht und dass wir alle ein universelles, geteiltes Bewusstsein sind.“
141 Deana Carter, „Strawberry Wine“
Deana Carters Coming-of-Age-Ballade über eine Sommerromanze auf einer Farm war 1996 ein Hit, hat sich aber im Laufe der Zeit zu einem Country-Standard entwickelt, zu deinem Karaoke-Song, bei dem du bei der Zeile „I still remember when 30 was old“ zusammenzuckst. Der Song wurde von Matraca Berg und Gary Harrison geschrieben und nach dem Wein-Cooler Boone’s Farm Strawberry Hill benannt. „‘Strawberry Wine’ war meine Geschichte“, sagte Carter 2016 gegenüber Rolling Stone. „Es ist ihre Geschichte, es ist meine Geschichte, es ist die Geschichte aller Fans. Wir haben ihn aufgenommen und sie haben die Steel-Gitarre vorne draufgelegt, um ihn ein wenig country-mäßiger zu machen. Sie wollten die Brücke herausnehmen und das war ein riesiger Kampf, weil sie dachten, es wäre zu Beatles-haft und zu riskant, aber ich habe nicht nachgegeben.“ Wir sind froh, dass sie es nicht getan hat.
140 Jessi Colter, „I’m Not Lisa“
Die texanische Künstlerin Jessi Colter verlieh dieser Geschichte einer Frau, die im Schatten der toten Ex ihres Liebhabers steht, mit ihrer intensiven Darbietung und einer Grabesmelodie, die sie selbst am Klavier spielte, eine lebensechte Herzschmerzqualität. Mit einem verlängerten instrumentalen Intro, einer Strophe und zwei Refrains machte der Song einen unwahrscheinlichen Hit, aber er landete an der Spitze der Country-Charts und erreichte die Top Five der Billboard Hot 100. Colter verkaufte über Nacht mehr Platten als ihr damaliger Freund Waylon Jennings und „I’m Not Lisa“ wurde zu einem Standard, der von Künstlern wie Lynn Anderson, Faith Hill und Marianne Faithfull gecovert wurde.
139 Keith Whitley, „I’m No Stranger to the Rain“
Trotz einer tragisch kurzen Karriere hinterließ Keith Whitley einen unauslöschlichen Abdruck in der Country-Musik, bevor er 1989 im Alter von 33 Jahren an einer Alkoholvergiftung starb. Als jugendlicher Bluegrass-Picker war er gut genug, um in Ralph Stanleys Band mitzuspielen. Und als Sänger war sein resonanter Ton unvergleichlich. „I’m No Stranger to the Rain“, die letzte Single, die vor seinem Tod veröffentlicht wurde, zeigt Whitleys unverwechselbare Stimme und das großartige Songwriting von Sonny Curtis und Ron Hellard. „I’ll put this cloud behind me“, erklärt Whitley, „that’s how the man designed me/To ride the wind and dance in a hurricane.“ Es ist eine bemerkenswerte Aufnahme, voller Trotz und ein wenig bittersüßer Resignation – genau wie Whitley selbst.
138 Lil Nas X feat. Billy Ray Cyrus, „Old Town Road (Remix)“
Als das Debütsingle des Atlanta Rapper-Produzenten Lil Nas X, „Old Town Road“, gleichzeitig in den Billboard Hot 100, den Hot Country Songs und den Hot R&B/Hip-Hop Songs Charts landete, erweckte sein unwiderstehlicher „Hick-Hop“-Riff und das Remix mit dem Nashville-Veteranen Billy Ray Cyrus schnell die alte Debatte „Ist es Country?“ zu neuem Leben. Ein Teil dieses Geredes war nur dünn verhüllter oder gar offener Rassismus, aber nichts davon schmälert den Song selbst, der Banjo-Twang und rattelnde Bässe zu einem unbestreitbaren Hit verschmilzt, mit einem unvergesslichen Refrain und cleveren Texten.
137 Dwight Yoakam, „Guitars, Cadillacs“
Dwight Yoakam wird oft als Kritiker von Nashville dargestellt, aber in „Guitars, Cadillacs“ wird die Hillbilly-Musik, die Tennessee einst produziert hat, zur einzigen Sache, die Tinsel Town für diesen „naiven Narren, der nach Babylon kam und feststellte, dass der Kuchen nicht so süß schmeckt“, erträglich macht. Natürlich war Los Angeles trotz seiner Haltung der perfekte Ort für den gebürtigen Ohioer. In L.A., der Heimat des Country-Rocks seit den Byrds und den Flying Burrito Brothers, fand der ambitionierte Sänger seine Entsprechung in lokalen, roots-orientierten, post-punk Acts wie den Blasters, Lone Justice und den Knitters. Der größte Einfluss auf „Guitars, Cadillacs“, jedoch, der dem Song seine prägnante Gitarre und den Walking Bass-Linie verlieh, blieb zwei Stunden nördlich. Sein Name war Buck Owens, und zwei Jahre später würde Yoakam ihm mit „Streets of Bakersfield“ seinen 21. Chart-Topper bescheren.
136 Ray Price, „Crazy Arms“
Nach Perioden, in denen er sowohl den glatten Eddy Arnold als auch den honky-tonkin’ Hank Williams (dessen Drifting Cowboys Band er nach Williams’ Tod leitete) nachahmte, kehrte Ray Price (auch bekannt als „der Cherokee Cowboy“) mit diesem 1956er Megahit, der 20 Wochen an der Spitze der Billboard-Country-Charts verbrachte, zu seinen texanischen Wurzeln zurück. Co-Autor Ralph Mooney schrieb den Song, nachdem seine Frau ihn wegen seines Trinkens verlassen hatte, und die Texte suggerieren tiefe emotionale Verwirrung und Paranoia. Die Musik hingegen spiegelte Prices neuen Shuffle-Stil wider, mit Single-String-Geige, Pedal-Steel-Gitarre und verdoppelten akustischen und elektrischen Bässen. Sechs Monate nach Prices Veröffentlichung war Jerry Lee Lewis’ erste Sun Records-Seite eine deutlich delirischere Rock-Coverversion, die viele Köpfe verdrehte.
135 Alison Krauss, „Baby Now That I’ve Found You“
Alison Krauss – eine brillante Sängerin und Bluegrass-Geigen-Wunderkind, die mit 15 Jahren einen Plattenvertrag hatte – war jahrelang nicht weitläufig bekannt. Das änderte sich, als Rounder Records 1995 eine Compilation alter Tracks ihrer virtuosen Stringband Union Station sowie Nebenprojekte und Coverversionen unter Krauss’ eigenem Namen veröffentlichte. Das Highlight war ihre Version des Foundations-Soul-Pop-Hits „Baby, Now That I’ve Found You“ von 1967, ein schwungvolles Liebesversprechen, das sie in ein zartes, James Taylor trifft Dolly Parton Kissen-Gespräch verwandelte. Es stieg in die oberen Ränge der Country-Charts auf, getragen von Krauss’ makellosem Sopran, und brachte ihr den ersten von vielen Grammys ein – so viele, dass sie eine Zeit lang die am meisten ausgezeichnete Frau bei den Grammys war, bis Beyoncé sie 2021 entthronte.
134 Lyle Lovett, „If I Had a Boat“
In den mittleren Achtzigern tauchte Lyle Lovett am buchstäblichen, volkigen Rand eines neuen Traditionalismus auf, der auf die Pop-Tendenzen der Urban Cowboy-Ära reagierte. „If I Had a Boat“ besteht aus wenig mehr als Gitarren – eine gezupfte Akustik und eine aufsteigende Slide – und ist nichts, worauf man auf einem mechanischen Bullen reiten kann. Und die abstrakten Texte, die sich Roy Rogers als überzeugten Junggesellen und Tonto als ungeduldigen Lone Ranger vorstellen, erforderten Konzentration. Absurd und meditativ wie der Song auch ist, er basiert auf einer wahren Geschichte. Lovett behauptet, er habe einmal versucht, auf einem Pony über einen Teich zu reiten. Er wünschte, er hätte ein Boot gehabt.
133 Skeeter Davis, „The End of the World“
Diese tragische Ballade für die Ewigkeit startete die Solokarriere einer Frau, die Tragödien nur allzu gut kannte: Ihr bahnbrechendes Country-Duo The Davis Sisters endete, als ein Autounfall die Gesangspartnerin Betty Jack Davis tötete. Für diese klassische Aufnahme wurde Skeeter (geboren als Mary Francis Renick) von Piano-Legende Floyd Cramer in Nashvilles RCA Studio B begleitet, mit Produzent Chet Atkins hinter der Glasscheibe. Es war ein Crossover-Hit im Jahr 1963 und wurde von Acts wie Herman’s Hermits bis Patti Smith oft gecovert. Aber niemand hat das Original übertroffen, das bis heute nachhallt: Man denke an die Episode über die Ermordung von John F. Kennedy in Mad Men, in der der Song vielleicht den mächtigsten musikalischen Moment der gesamten Serie markiert.
132 Don Williams, „Tulsa Time“
Ein Schneesturm hielt Songwriter Danny Flowers in einem Hotel in Oklahoma fest, während er mit Don Williams auf Tour war, und Flowers schrieb diesen Country-Funk-Klassiker in etwa 30 Minuten. Williams fand sofort Gefallen daran – aber auch Eric Clapton, als sie den Gitarristen in Nashville trafen. Williams und Clapton stritten sich spielerisch darüber, wer den Song zuerst aufnehmen durfte. „Ich hob beide Hände und sagte: ‚Halt! Wenn ihr darüber streitet, lasse ich keinen von euch beiden das machen‘“, erzählte Flowers der Tulsa World. Während eine Live-Aufnahme von Claptons treibender Barrelhouse-Rock-Version ein kleiner Pop-Hit wurde, war es Williams’ einzigartig groovende Disco-Twang-Version, die auf Platz eins der Country-Charts landete.
131 Don Gibson, „Sea of Heartbreak“
„Ich denke, er war ein wenig gequält“, sagte Rosanne Cash über Don Gibson. „Und er hatte ein etwas schwieriges Leben, und all seine Erfahrungen, sein Verlangen und sein eigener Herzschmerz sind in seinen Gesang wirklich offensichtlich.“ „Sea of Heartbreak“ war einer der wenigen Songs, die Gibson nicht selbst schrieb, seine düstere nautische Metapher stammt von Hal David und Paul Hampton, inspiriert von Letzterem stürmischer Scheidung. Gibsons Interpretation bleibt die maßgebliche, aber der Song tauchte immer wieder in den Country-Charts auf. „Sea of Heartbreak“ erhielt in den Neunzigern neues Leben, als Johnny Cash ihn mit Tom Petty and the Heartbreakers aufnahm. Tochter Rosanne sagte: „Wissen Sie, ohne illoyal zu sein, aber ich muss sagen, ich bevorzuge immer noch die Don Gibson-Version.“
130 Bellamy Brothers, „Old Hippie“
Diese unwiderstehlich glatten Opportunisten hatten immer ein scharfes Auge für kulturelle Verschiebungen: „If I Said You Had a Beautiful Body Would You Hold It Against Me“ behandelte den Übergang der Country-Musik von den Honky-Tonks zu den Single-Bars als beschlossene Sache, und „Country Rap“ von 1987 ist selbsterklärend. „Old Hippie“ ist der kluge Blick der Bellamy Brothers darauf, wie einstige Gegenkultur-Rebellen, die sich von Disco und New Wave entfremdet fühlten, in den Achtzigern zur Country-Musik fanden, mit einer altersmüden Abgeklärtheit: „He ain’t tryin’ to change nobody/He’s just tryin’ real hard to adjust.“ Zehn Jahre später brachte „Old Hippie (The Sequel)“ uns in die Clinton-Ära, und 2007, in „Old Hippie III (Saved)“, wurde unser Held wiedergeboren. Unterdessen bietet zeitgenössische Country-Musik einen ähnlichen Zufluchtsort für viele alternde Neunziger-Rock-Fans. Wer wird „Old Slacker“ schreiben?
129 Trisha Yearwood, „She’s in Love With the Boy“
Trisha Yearwoods Debüt-Hit beginnt mit einem Mädchen namens Katie, das auf ihrer Veranda sitzt und „den Hühnern zusieht, wie sie den Boden picken“. Diese Zeile mag für die mehrgenerationale Geschichte von Liebe, Flucht, Rebellion und Softeis nebensächlich erscheinen, aber für den Autor Jon Ims war die Darstellung der ländlichen Langeweile das Zentrum des Songs. Es dauerte 32 Entwürfe, bis er den Rest richtig hatte. Der Höhepunkt, als Katies Mutter sich selbst in der Beziehung ihrer Tochter sieht, kam aus einer Erfahrung, die Ims selbst in seinen frühen Zwanzigern gemacht hatte. „Ich mochte einfach die Geschichte, und das ist ein großer Grund, warum sie erfolgreich war“, sagte Yearwood. „Jeder kann sich mit einer der Figuren identifizieren.“
128 O.B. McClinton, „Don’t Let the Green Grass Fool You“
Nach gescheiterten Versuchen im R&B waren die Country-Weiden für Osbie Burnett McClinton weitaus grüner. Als der gebürtige Mississippianer in den frühen Siebzigern zum „Chocolate Cowboy“ wurde, veröffentlichte er eine Reihe von Chart-Hits, die seine reiche Baritonstimme, fähige Background-Sänger und einen trockenen Sinn für Humor präsentierten. („The Other One“ korrigierte jeden, der ihn mit Charley Pride verwechselte.) McClintons größter Song, aus dem Jahr 1972’s Obie From Senatobie (über das Stax-Sub-Label Enterprise), war eine twangier Wiederaufnahme des R&B-Hits „Don’t Let the Green Grass Fool You“, der Platz 37 in den Country-Charts erreichte. Ursprünglich eine Wilson Pickett-Single, resoniert die Perspektive eines verlassenen Liebhabers, der versucht, die alte Flamme wieder zu entfachen, in jedem Genre.
127 Webb Pierce, „There Stands the Glass“
„There Stands the Glass“ ist ein perfektes Beispiel für die Art von Country-Song, die das Trinken mehr wie eine Arbeit als ein Abenteuer erscheinen lässt. Webb Pierce, eine legendäre Honky-Tonk-Stimme, die das Country-Radio der 1950er Jahre praktisch dominierte, brachte diese Ode an die Flasche 1953 drei Monate lang an die Spitze der Country-Charts. Es wurde von Künstlern wie Loretta Lynn bis zum Indie-Rocker Jon Spencer gecovert, einschließlich einer 1982er Version, in der ein älterer Pierce mit Willie Nelson duetiert. Wenige Songs in jedem Genre haben die Zyklen von Selbstmitleid und Sucht direkter ausgedrückt: „There stands the glass, fill it up to the brim/ Until my troubles grow dim, it’s my first one today.“ Es wird absolut, positiv nicht sein letzter sein.
126 Taylor Swift, „Tim McGraw“
Für ihre Debütsingle füllte die 15-jährige Taylor Swift Nostalgie in einen Song. „Tim McGraw“ beginnt mit einem funkelnden Arpeggio und einem Couplett, das für Swifts Teenager-Fähigkeiten weise über ihre Jahre hinaus erscheint: „He said the way my blue eyes shined/Put those Georgia stars to shame that night/ I said ‘That’s a lie.’“ Der 2006er Track ist sowohl ein berührender Liebesbrief an „einen Jungen in einem Chevy-Truck“ als auch eine Ode an die Kraft der Country-Musik selbst. Swift griff auf Erinnerungen zurück, die sie mit McGraws „Can’t Tell Me Nothin’“ verband, und strukturierte ihren Song clever wie ein McGraw-Tune, um ihren eigenen Beitrag zum Kanon der sehnsüchtigen Country-Songs zu leisten.
125 Guy Clark, „L.A. Freeway“
Einer der wohl respektiertesten Songwriter in der langen Geschichte der texanischen Musik, Guy Clark, ging 1971 nach Nashville und landete direkt mit dieser Ode ans Verlassen von Los Angeles einen Treffer, wobei er so gut wie den Outlaw-Country-Folk-Fusion-Sound, den wir heute als „Americana“ kennen, erschuf. Der Song wurde zuerst 1972 von Jerry Jeff Walker für sein selbstbetiteltes Album aufgenommen. Während Walker den berühmten Refrain des Songs („If I can just get off of this L.A. freeway/Without gettin’ killed or caught“) wie eine Wette klingen lässt, suggeriert Clarks melancholischerer Ansatz auf seinem wegweisenden 1975er Debüt, Old No. 1, dass das Ende nahe ist.
124 George Strait, „The Chair“
Bis 1985 war George Strait die Verkörperung einer mächtigen und beliebten Strömung der Country-Musik – bodenständig in seinen Arrangements und direkt in seiner Darbietung, nur wenige Menschen konnten den Song selbst besser bedienen. Strait klingt geradezu elegant auf diesem langsamen Tanzhit, der ersten Single aus seinem fünften Studioalbum, Something Special. Kein Refrain und nur Strophen bedeuten, dass es nichts als Geschichte ist: Eine Frau in einer Bar sitzt versehentlich auf seinem Platz, ein Getränk wird gekauft, ein Tanz beginnt, und er darf sie nach Hause fahren, abschließend mit einem glaubwürdigen Twist. Strait ist so ein Profi, dass er eine alberne Zeile wie „Thank you, could I drink you a buy?/Oh, listen to me, what I mean is, can I buy you a drink?“ perfekt verkaufen kann.
123 Willie Nelson, Waylon Jennings, Kris Kristofferson und Johnny Cash, „Highwayman“
Diese Jimmy-Webb-Geschichte, die die Reinkarnationen eines Geistes durch vier verschiedene Charaktere nachzeichnet, wurde in den 70er Jahren sowohl von Webb als auch von Glen Campbell aufgenommen. Aber die Outlaw-Supergruppe The Highwaymen machte sie kanonisch, indem sie sowohl ihren Bandnamen als auch, in gewisser Weise, ihre Identität davon ableiteten. Mit Anklängen an The Band und The Temptations in ihren Tag-Team-Vocals war es ein Country-Nummer-Eins-Hit, gewann einen Grammy und belebte die Karriere aller Beteiligten wieder. Jahrzehnte später half sie auch Amanda Shires, The Highwomen mit Brandi Carlile, Maren Morris und Natalie Hemby zu gründen, und den Song mit Webbs Hilfe (und einem Yola-Cameo) zu überarbeiten, um einen Outlaw-Geist zu kanalisieren, der sich weigert zu sterben.
122 Brothers Osborne, „Younger Me“
Als TJ Osborne Anfang 2021 als schwul herauskam, wurde der Brothers-Osborne-Vokalist – und bleibt – einer der wenigen offen queeren Musiker in der populären Country-Musik. Zwei Monate später veröffentlichte das Duo „Younger Me“, eine emotionale Abrechnung von TJs Weg zur Selbstakzeptanz. Während der Song zutiefst persönlich ist, hoffte Osborne, dass er queeren Fans Trost und Inspiration bieten würde, sich selbst zu finden, sowie das Genre für eine breitere Palette von Menschen einladender zu machen. Der Schritt zahlte sich auch kritisch aus, da der Song 2022 die Trophäe für die Beste Country-Duo/Gruppen-Performance erhielt und der Band ihren ersten Grammy-Sieg nach sieben vorherigen Nominierungen einbrachte.
121 Ray Wylie Hubbard, „Redneck Mother“
Dieser zweitklassige Texas-Outlaw schreibt, tritt auf und nimmt immer noch auf, aber Ray Wylie Hubbard träumte seinen einzigen klassischen Tune (der am berühmtesten von Jerry Jeff Walker aufgenommen wurde, obwohl die Alt-Rocker Cracker der Neunziger eine Killer-Version haben) früh in seiner Karriere, während er in New Mexico umhertrieb. „Redneck Mother“ dreht einen beliebten Slogan unter Revolutionären (wie in „Up against the wall…“) um und zeigt dem Mutterkult im Country die lange Nase. Egal, was Merle gesagt hat – Mama hat sich nicht genug angestrengt, suggeriert Hubbard. Wenn sie es hätte, gäbe es vielleicht nicht so viele nichtsnutzige Trunkenbolde, die „Hippie-Ärsche treten und die Hölle auf Erden bringen“.
120 The Charlie Daniels Band, „The Devil Went Down to Georgia“
Charlie Daniels war der selbsternannte „Long Haired Country Boy“, der auf beiden Seiten der Country/Rock-Grenze arbeitete. Nach seinem Start in der Bluegrass-Musik wurde er zu einem Session-Katze in der Music Row, dessen erster großer Durchbruch war, 1969 auf Bob Dylans Nashville Skyline zu spielen. Er unterstützte auch Ringo Starr und Leonard Cohen. Aber der bärtige Southern-Rock-Grizzly landete mit „The Devil Went Down to Georgia“ an der Spitze der Country-Charts und machte für Luftgeige das, was „Free Bird“ für Luftgitarre tat. Es ist die ruppige Geschichte eines Hinterwäldlers namens Johnny, der zu einem Geigenduell vom Prinzen der Dunkelheit herausgefordert wird. Spoiler: Nachdem Johnny gewinnt, beleidigt er den Teufel: „I done told you once, you son of a bitch, I’m the best that’s ever been!“
119 Moe Bandy, „I Just Started Hatin’ Cheatin’ Songs Today“
Moe Bandy war der Inbegriff des Honky-Tonk-„Jedermann“ der Siebziger mit seinem Themensong „Hank Williams, You Wrote My Life“. Er verbrachte seine Teenagerjahre auf dem Rodeozirkus – er ist in der Texas Rodeo Hall of Fame. Aber er wechselte zur Musik, versetzte alle seine Möbel, um eine $900-Aufnahmesession zu bezahlen, und das Ergebnis war sein Barhocker-Geständnis „I Just Started Hatin’ Cheatin’ Songs Today“. „Ich denke wirklich, meine Songs handeln vom Leben“, sagte Bandy. „Es gibt Betrügen, Trinken und Scheidungen überall, und darum geht es in der Hardcore-Country-Musik.“ Er blieb dem Betrügen-Thema mit Hits wie „I Cheated Me Right Out of You“, „Soft Lights and Hard Country Music“ und einem von Lefty Frizzell geschriebenen Nicken zu seiner früheren Karriere, „Bandy the Rodeo Clown“, treu.
118 Faith Hill, „This Kiss“
Es ist unmöglich, „This Kiss“ zu erklären, ohne diese Szene in Practical Magic zu erwähnen, in der Sandra Bullocks Tanten einen Liebeszauber auf sie wirken, und sie abrupt aufhört, ihren Garten zu pflegen und in die Arme eines heißen Kerls auf einem Bauernmarkt rennt. Es fasst genau zusammen, wie es war, „This Kiss“ 1998 zu hören, von dem wirbelnden Gitarrenriff bis zu Zeilen wie „It’s centrifugal motion/It’s perpetual bliss.“ „This Kiss“ war Faith Hills Durchbruchhit, der den Mainstream erreichte und auf Platz sieben der Billboard Hot 100 landete. Sie würde viele weitere optimistische Perlen veröffentlichen („The Way You Love Me“, „Mississippi Girl“), aber nichts trifft ganz so wie „This Kiss“, wo sie eine einfache Liebeshandlung in eine Country-Pop-Hymne verwandelte.
117 Harry Choates, „Jole Blon“
Einer von Bruce Springsteens weniger bekannten Einflüssen ist der verstorbene, trinkfeste Texas-Geigenspieler Harry Choates. Nach Auftritten für Trinkgeld als Teenager in den Dreißigern begann Choates in seinen frühen Zwanzigern, Platten aufzunehmen, und seine schmerzvolle 1946er Neuinterpretation der sogenannten „Cajun-Nationalhymne“ erreichte Platz vier der Billboard-Country-Charts. „Jole Blon“, ein traditioneller Cajun-Walzer mit kaum erkennbaren Texten über eine hübsche Blondine, ritt auf dem kommerziellen Erfolg durch mehrere Neuinterpretationen und blieb während des Jahrzehnts im Country-Lore. Er ging durch die Hände von Roy Acuff, Warren Zevon und Springsteen (der eine Version aus den frühen Achtzigern mit Gary U.S. Bonds aufnahm), unter vielen anderen. Ruhm und Reichtum kehrten jedoch nie zu Choates zurück. Der Legende nach verkaufte er „Jole Blon“ für $100 und eine Flasche Whiskey und starb im Alter von 28 Jahren.
116 Statler Brothers, „Flowers on the Wall“
Vier Highschool-Freunde aus Virginia, die sich beim Singen in der Kirche trafen, waren die Statler Brothers jahrelang Johnny Cashs Backup-Sänger und wurden auf Cashs Drängen Mitte der Sechziger bei Columbia Records unter Vertrag genommen. Geschrieben vom Tenorsänger Lee DeWitt, berührte ihr Durchbruch-Hit „Flowers on the Wall“ von 1966 einen Crossover-Nerv mit seinen absurden Texten über einen post-Trennungs-Zusammenbruch, besonders die klassische Zeile „Smokin’ cigarettes and watchin’ Captain Kangaroo/Now don’t tell me, I’ve nothin’ to do.“ Der Romanautor Kurt Vonnegut liebte den Song so sehr, dass er die Band „amerikanische Dichter“ nannte, und Quentin Tarantino setzte ihn sehr effektiv in Pulp Fiction ein.
115 Ronnie Milsap, „Smoky Mountain Rain“
Diese Geschichte der Rückkehr nach Hause von der Stadt wurde durch donnerndes Klavierspiel (inspiriert von Ronnie Milsaps Session-Arbeit auf Elvis Presleys „Kentucky Rain“) und die sich windenden Streicher von Produzent Tom Collins erzählt. Natürlich wäre „Smoky Mountain Rain“ nicht auf dieser Liste, wenn die Worte nicht ebenso erschütternd wären: Beachten Sie zum Beispiel, dass der Protagonist, bevor er nach North Carolina zurückkehrt, keine Planänderung, sondern eine „Traumänderung“ hat. Geschrieben von Kye Fleming und Dennis Morgan, die von Collins angewiesen wurden, einen Song über seinen tatsächlichen Heimatstaat zu schreiben, war „Smoky Mountain Rain“ Milsaps vierter Nummer-Eins-Hit des Jahres 1980 allein.
114 K.T. Oslin, „’80’s Ladies“
Die verstorbene K.T. Oslin schlug mit diesem Hit die Chancen in mehr als einer Hinsicht. Zum einen wurde Nashvilles typische Marketingstrategie auf den Kopf gestellt, als ein Song einer Frau in ihren Mittevierzigern an die Spitze der Billboard-Country-Charts schoss, ebenso wie das nach ihm benannte Album. Zum anderen war es ein Frauen-Power-Song in einer Zeit, in der Feminismus kein weitverbreitetes Songthema war. Oslins riesiger, unwiderstehlicher Refrain feierte beides: „We were the girls of the ’50s/Stone rock and rollers in the ’60s.“ Die wuchtige Produktion ist sehr ’80er, genau wie der Titel verspricht.
113 Tracy Chapman, „Fast Car“
Fünfunddreißig Jahre nachdem Tracy Chapman ihre Ballade über die Flucht aus einer düsteren Existenz erstmals veröffentlichte, wurde sie die erste schwarze Frau, die als alleinige Autorin einen Nummer-Eins-Country-Song hatte, und dann die erste schwarze Songwriterin, die den CMA Award für den Song des Jahres gewann. Luke Combs, natürlich, half, „Fast Car“ wiederzubeleben, indem er eine exquisite (und treue) Version für sein Album Gettin’ Old aufnahm. Aber der Country-Star wusste, dass das Verdienst ganz Chapman gebührt: Als Combs bei den CMAs den Preis für die Single des Jahres gewann, begann er seine Dankesrede, indem er sie namentlich für das Schreiben „eines der besten Songs aller Zeiten“ dankte.
112 Johnny Cash und June Carter, „Jackson“
Johnny Cash und June Carter waren noch kein Paar, als sie „Jackson“ im Winter 1967 aufnahmen, aber mehr als jede ihrer legendären Zusammenarbeiten knistert dieser Song vor Chemie. Geschrieben, nachdem Co-Autor Billy Edd Wheeler das Drehbuch zu Wer hat Angst vor Virginia Woolf? gelesen hatte, hatte „Jackson“ auch mit der verschlafenen Version von Nancy Sinatra und Lee Hazelwood Erfolg, aber Cash und Carter machten ihn ganz zu ihrem eigenen, angetrieben von einer Peitschenknall-Gitarrenlinie und einem knisternden Schlagabtausch. Cashs unstillbare Leidenschaft für Carter half zweifellos; in den schlimmsten Phasen seiner Drogensucht hatte er wiederholt um ihre Hand angehalten, und sie lehnte immer ab.
111 Garth Brooks, „The Dance“
Die zweite Nummer-Eins-Single aus Garth Brooks’ Debüt-LP „The Dance“ ist ein langsames Lied über das Thema „lieber geliebt und verloren zu haben“, das Co-Autor Tony Arata seit ein paar Jahren bei Open-Mic-Nächten spielte, nachdem er nach Nashville gezogen war. „Die einzigen Zuhörer waren jedoch andere Songwriter“, erinnert sich Arata. Als Brooks ihn zum ersten Mal „The Dance“ spielen hörte, schwor er, den Song aufzunehmen, wenn er jemals einen Vertrag bekommen würde.
110 Tim McGraw, „Something Like That“
Es wird oft als „The BBQ Stain Song“ bezeichnet, aber das ist viel mehr als ein eingängiger Song über Ketchup-Flecken. Veröffentlicht im Jahr 1999, überquerte „Something Like That“ nicht nur Genre-Grenzen, sondern verbrachte das nächste Jahrzehnt damit, eine halbe Million Radio-Spins zu sammeln und wurde zu einem von Tim McGraws vielen Nummer-Eins-Songs in den Country-Charts. Das liegt daran, dass dieser Song nichts als eine gute Zeit ist, ein Track voller freudiger Energie, der mit den Details einer Sommerromanze gefüllt ist – eine Sonnenbräunungslinie, ein Minirock und jede Menge roten Lippenstift. Viele Country-Songs versuchen zu sehr, dieses Gefühl der jugendlichen Liebe einzufangen. Alles, was McGraw tun musste, um dieses Gefühl genau richtig zu treffen, war auf die Kirmes zu gehen.
109 Crystal Gayle, „Don’t It Make My Brown Eyes Blue“
Loretta Lynns kleine Schwester ist auch eine Kohlenbergarbeiter-Tochter, aber eine, die in einer Kleinstadt in Indiana aufwuchs und nicht in einem Kentucky-Holler, und die mit dem Nashville-Sound aufwuchs. Ihr charakteristischer Country-Hit, der Platz zwei der Pop-Charts erreichte, spiegelt diese veränderten Umstände wider. „Don’t It Make My Brown Eyes Blue“ erzählt eine altbekannte Liebesgeschichte („Sag alles, nur nicht auf Wiedersehen“), und sein Sound ist sowohl vertraut als auch einzigartig. Es ist der Nashville-Sound, aber es ist auch fast Yacht-Rock mitten in der Outlaw-Ära, sowie ein Easy-Listening-Juwel mit Pig Robbins, der ein von Verlusten geprägtes Klavier beisteuert. Nennen wir es Crystalpolitan.
108 Gram Parsons, „$1000 Wedding“
Anhänger rätseln seit über 40 Jahren über die Bedeutung dieses rätselhaften Meisterwerks, aber es hat noch keine endgültige Interpretation hervorgebracht. Gram Parsons’ Protagonist ist ein nicht allzu heller Bräutigam bei einer Billig-Hochzeit (möglicherweise eine Schrotflinten-Hochzeit), bei der er aus unbekannten Gründen versetzt wird. Vielleicht ist die Braut gestorben, vielleicht ist sie mit jemand anderem davongelaufen – es wird nie spezifiziert. Also gehen er und seine Trauzeugen auf einen so epischen Besäufnisbummel, dass „sie Glück hatten, zu überleben.“ Die Hochzeit scheint in eine Beerdigung überzugehen, was zu der traurigsten Schlusszeile in der gesamten Country-Musik führt: „It’s been a bad, bad day.“ Trotz aller ungesagten Worte gibt es keinen Zweifel an Parsons’ Ton von stoischer, belustigter Resignation. Duettpartnerin Emmylou Harris segnet das Geschehen mit der perfekten Note von engelhafter Traurigkeit.
107 Merle Haggard, „If We Make It Through December“
Der größte Crossover-Hit von Merle Haggards Karriere durchkreuzt Erwartungen auf ganzer Linie: Es ist ein Weihnachtslied ohne jegliche Feiertagsstimmung. Es ist eine Arbeiterklasse-Hymne über das „Entlassenwerden“ in den Stagflations-Siebzigern. Es zeigt sogar Haggard, geboren und aufgewachsen im rauen Bakersfield, Kalifornien, wie er den Nashville-Sound umarmt. Hübsches Schneefall-Klavier, frostige „ooh-ooh“-Background-Sänger und ein Geiger, der verdächtig wie ein Violinist klingt – sie alle kombinieren, um Haggards amerikanischen Traum von einem besseren Leben in einem wärmeren Klima zu befeuern. Gerade jetzt verdient jedoch seine kleine Tochter ein paar Geschenke, die er sich einfach nicht leisten kann. Haggards Stimme zittert hilflos, und nicht, weil es kalt ist.
106 C.W. McCall, „Convoy“
Dieser liebevolle, jargonreiche Noveltätensong brachte die insulare Welt der Trucker-Kultur 1976 an die Spitze der Country- und Pop-Charts. „Convoy“, eine Ode an das CB-Funkgerät, verschaffte dem Iowa-Sänger C.W. McCall den einzigen Nummer-Eins-Hit seiner Karriere, verkaufte 2 Millionen Exemplare, startete eine CB-Funkwelle und inspirierte sogar einen erfolgreichen Actionfilm mit demselben Namen. „Die Trucker bildeten Dinge, die sie Konvois nannten, und sie sprachen über CB-Funkgeräte miteinander“, erklärte McCall, der den Song zusammen mit Chip Davis schrieb. „Sie hatten einen wunderbaren Jargon. Chip und ich kauften uns ein CB-Funkgerät und gingen hinaus, um ihnen beim Reden zuzuhören.“ Das ist ein 10-4, guter Kumpel.
105 Merle Travis, „Sixteen Tons“
Dieser klassische Arbeiter-Song entstand, als Capitol Records den Sänger und Songwriter Merle Travis beauftragte, auf den Folk-Boom der Mitte der 1940er Jahre aufzuspringen. Travis kochte schnell das dunkel-humorvolle Original „Sixteen Tons“, inspiriert von seiner Kindheit im Kohlebergbauregion Muhlenberg County, Kentucky. Obwohl das dazugehörige Konzeptalbum Folk Songs of the Hills von 1947 kein Chart-Erfolg war, wurden Songs wie „Sixteen Tons“ und „Dark as a Dungeon“ zu Standards, und Travis kehrte als Held zurück, als der nächste Folk-Boom in den 1960er Jahren seinen Höhepunkt erreichte. Laut Travis’ Sohn Tom Bresh pflegte der Songwriter regelmäßig zu witzeln: „Ich habe diesen Song nie gemocht, bis Tennessee Ernie Ford etwa 5 Millionen Exemplare verkaufte. Dann habe ich angefangen, ihn zu lieben.“
104 Kenny Rogers und Dolly Parton, „Islands in the Stream“
Geschrieben von den Bee Gees, war das Country-Crossover-Ereignis von 1983 ursprünglich ein Motown-ähnlicher R&B-Song für Diana Ross. Schließlich landete er bei Kenny Rogers, der vier fruchtlose Tage in einer L.A.-Session verbrachte, um den Song allein zu versuchen. Um den Song zu retten, schlug Barry Gibb von den Bee Gees vor, Dolly Parton zu Hilfe zu holen, die zufällig in der Nähe war. Die spontane Zusammenarbeit führte zu einer kreativen Beziehung, die Jahrzehnte andauerte – und romantische Gerüchte, die ebenso lange zu bestehen scheinen. „Dolly und ich wurden in den letzten 30 Jahren beschuldigt, eine Affäre gehabt zu haben“, sagte Rogers in CBS This Morning. „Und wir haben es nie getan. Was wir getan haben, ist, dass wir 30 Jahre lang miteinander geflirtet haben. Ich mache es vor meiner Frau, weil ich weiß, dass es harmlos ist.“
103 Billy Joe Shaver, „Old Five and Dimers Like Me“
Von allen Künstlern, die in den Siebzigern als Outlaws bezeichnet wurden, kam keiner dem echten Outlaw-Leben so nahe wie Billy Joe Shaver, ein ehemaliger Fabrikarbeiter aus Waco, Texas, der bei der Arbeit ein paar Finger verlor, einen Herzinfarkt auf der Bühne überlebte und während einer Schlägerei einem Mann ins Gesicht schoss. Aber bei all diesem wilden Leben hatte er ein Talent für tiefgründiges, introspektives Songwriting, das die Umgangssprache des Genres veränderte. Auf seinem charakteristischen Song hat Shavers zitternde, brüchige Stimme die perfekte schlichte Qualität für seine Geschichte eines kleinen Gauners, der nicht anders konnte, als von Größerem zu träumen. „I’ve spent a lifetime making up my mind to be/More than the measure of what I thought others could see“, singt er, und man weiß, dass er das auch wirklich gelebt hat.
102 Juice Newton, „Queen of Hearts“
Ursprünglich Mitglied der kurzlebigen Band Silver Spur, hatte Juice Newton seit zwei Jahren eine stetige Ausgabe von Solo-Pop- und Rockmaterial veröffentlicht – mit anständigen Kritiken, aber wenigen Verkäufen. Als sie für das Album „Juice“ von 1981 zu einem eher countrylastigen Sound wechselte, erzielte sie drei Top-10-Hits. Der Durchbruchstrack war „Queen of Hearts“, der unwiderstehlich eingängige, Fleetwood Mac-ähnliche Country-Pop-Track, geschrieben von Hank DeVito. Newton hatte den Song ein Jahr lang bei ihren Live-Auftritten gespielt, bevor Richard Landis ihn für das Album produzierte. Von da an ging es nur noch bergauf: Das Album wurde in den USA platin- und in Kanada dreifach platinzertifiziert und brachte ihr zwei Grammy-Nominierungen in jenem Jahr ein.
101 Jerry Jeff Walker, „Desperados Waiting for a Train“
Schon 1970 wurde Austin, Texas, immer seltsamer, und Jerry Jeff Walker – ein New Yorker Zuwanderer, der von einer Band namens Lost Gonzos unterstützt wurde – führte den Übergang an. Auf seinem 1973er Live-in-Luckenbach-Album „¡Viva Terlingua!“ nahm er als Erster „Desperados Waiting for a Train“ auf, einen Track, den ein anderer Austin-Zuwanderer, Guy Clark, schrieb, während er in einer Dobro-Fabrik in Kalifornien arbeitete. Nebenberuflich als Songwriter kam er auf den Titel und baute darum die Geschichte eines Großvater-Figuren, zu der er einst eine enge Beziehung hatte. „Er landete in West-Texas und arbeitete für Gulf Oil“, erinnerte sich Clark. „Für mich als Kind war er ein echter Desperado, das wahre Original. Man kann sich das nicht ausdenken.“
