Die 200 besten Country-Songs aller Zeiten
Von Johnny Cash bis Beyoncé: Das sind die 200 besten Country-Songs aller Zeiten.
170 Sugarland, „Baby Girl“ (2004)
Die Country-Musik liebt Geschichten über einen mutigen Außenseiter, der am Ende gewinnt. Im Fall von Sugarlands Debütalbum „Baby Girl“ aus dem Jahr 2004 handelt es sich tatsächlich um eine Geschichte über den Erfolg in der Country-Musik. Mit seiner hellen, klaren Melodie und den knackigen, dreistimmigen Harmonien liest sich der Refrain des Songs wie ein Brief (oder vielleicht eine E-Mail), in dem die Daheimgebliebenen um Geld gebeten werden, aber Jennifer Nettles, Kristian Bush, Kristen Hall und Co-Autor Troy Bieser üben in den Strophen auch pointierte Kritik an der mörderischen Musikindustrie. „Big town full of little white lies / Everybody’s your friend, you can never be sure“, sang Nettles. „Baby Girl“ diente als würdiger Einstieg in den Multi-Hyphenate-Star Nettles und sagte einen Weg in der Country-Musik voraus, der durch Carrie Underwood, Kelsea Ballerini und, ja, auch Taylor Swift weiterverfolgt wurde.
169 Luke Bryan, „Drink a Beer“ (2013)
Auf den ersten Blick sieht „Drink a Beer“ aus wie ein weiterer Tailgate-Song des einstigen Königs des Spring Breaks. Stattdessen geht die Ballade dem Hörer mit ihrer Geschichte über den Tribut an jemanden, der zu früh von uns gegangen ist, ans Herz. Bryan verkauft das Ganze mit einer tragischen Erfahrung - sowohl sein Bruder als auch seine Schwester starben früh - und seine anhaltende Trauer ist der rote Faden des Songs, der von Chris Stapleton und Jim Beavers geschrieben wurde. Bryans Darbietung von „Drink a Beer“ bei den CMA Awards 2013 (mit einem noch unbekannten Stapleton, der hinter ihm singt) strotzt nur so vor Emotionen. Aber es ist die Studioversion, die als Bryans Höhepunkt gilt, ein Moment seltener, spürbarer Traurigkeit von einem der fröhlichsten Künstler des Genres.
168 Brenda Lee, „I’m Sorry“ (1960)
Brenda Lee, die erste Frau, die in die Country- und Rock’n’Roll-Ruhmeshalle aufgenommen wurde, war erst 15 Jahre alt, als sie mit dem Produzenten Owen Bradley, den Anita Kerr Singers und den Studioprofis des A-Teams „I’m Sorry“ aufnahm. „I’m Sorry“ war eine Nummer Eins in der Popmusik, die es nie in die Country-Rangliste schaffte, und ist heute sowohl ein Musterbeispiel für den Nashville-Sound als auch eine weitere Erinnerung daran, dass Genres weitgehend willkürliche Konzepte sind. Die Platte ist in vielerlei Hinsicht ein Rätsel. Zunächst einmal: Wie hat Lee eine so tiefe emotionale Erschütterung geschafft, als sie noch so jung war? Sie entschuldigt sich immer wieder, bittet um Vergebung. Was genau hat sie getan? Wird sie sich jemals verzeihen können?
167 Margo Price, „Hurtin’ (on the Bottle)“ (2015)
Das Rezept für einen großartigen Country-Song? Mit Freunden auf einer Veranda abhängen und eine Flasche Bulleit Rye herumreichen. Margo Price schrieb „Hurtin’“ an einem Abend mit ihrem Mann Jeremy Ivey sowie Caitlin Rose und Mark Fredson und veröffentlichte es 2016 auf ihrem Debütalbum Midwest Farmer’s Daughter. Es ist immer noch ihr beliebtester Song, denn wer liebt nicht eine schwungvolle Hymne über Whiskey und Herzschmerz? Obwohl Price dem Alkohol inzwischen abgeschworen hat, macht es ihr nichts aus, „Hurtin’ (on the Bottle)“ aufzuführen. Tatsächlich begrüßt sie es sogar. Wie sie letztes Jahr dem Rolling Stone erzählte. „Jeremy meinte: ’Du trinkst doch gar nicht mehr. Willst du irgendein Trinklied spielen? Glaubst du überhaupt, dass dich das anspricht?’ Ich sagte: ’Es spricht mich jetzt mehr denn je an.’“
166 Brandy Clark, „Pray to Jesus“ (2013)
Brandy Clark war in Nashville bereits eine bekannte Songschreiberin (siehe u. a. Miranda Lamberts „Mama’s Broken Heart“), als mit „Pray to Jesus“, dem Eröffnungsstück von Clarks Solodebüt „12 Stories“, eine Singer-Songwriterin von Bedeutung vorgestellt wurde. Es ist eine Charakterstudie, die in der ersten Person im Namen von Leuten vorgetragen wird, die „zu Jesus beten“ und „Lotto spielen“, weil „es nur zwei Wege gibt / Wir können den morgigen Tag ändern“, und die ein wenig herablassend klingen mag, bis die Details auftauchen und man ihre wissende Empathie spürt. Clarks leichte Art, mit Worten umzugehen - witzig, weise, ergreifend und schmerzhaft - hat sie und ihren häufigen Co-Autor Shane McAnally durch ihre Arbeit an dem Musical Shucked bis an den Broadway gebracht.
165 Tony Joe White, „Polk Salad Annie“ (1969)
Obwohl der aus Louisiana stammende Tony Joe White den Begriff „Polk Salad“ zu Beginn für alle definiert, die „noch nie im Süden waren“, und die meiste Zeit damit verbringt, Geschichten über die in Ketten arbeitende Mutter, den zahllosen Vater und die alligatorfressende Oma („chomp, chomp“) der Titelfigur zu erzählen, ist dies in erster Linie ein Liebeslied - man beachte nur Whites geiles Grunzen, die geilen Gitarrenlicks und den schweißtreibenden Groove, wenn er sich an das wilde Kind Annie erinnert. „Polk Salad Annie“ wurde mit der originalen Muscle Shoals-Rhythmusgruppe aufgenommen, Jahre nachdem diese für Sessions nach Nashville umgezogen war, und war ein frühes Beispiel für ein rootsiges Subgenre, das als Country-Funk bekannt wurde. Jahrzehnte später ist es immer noch der funkigste Country-Song.
164 Wanda Jackson, „Hot Dog! That Made Him Mad“ (1956)
Wanda Jackson sang mit ihrem eigenen wilden Knurren, aggressiv sexuell, ein gefährliches Mädchen, geboren, um die Hölle zu erregen. Der Feuerwerkskörper aus Oklahoma verdiente sich in den fünfziger Jahren die Krone als Königin des Rockabilly. Sie wurde von ihrem Idol Hank Thompson entdeckt und tourte mit ihrem Freund Elvis Presley. Jackson brachte eine Reihe von libidinösen Songs wie „Fujiiyama Mama“, „Funnel of Love“ und „Tongue Tied“ heraus. Aber ihr ultimativer Klassiker ist die 1956er Single „Hot Dog! That Made Him Mad“, die feministische Gitarrenhymne, in der Jackson vom erotischen Nervenkitzel schwärmt, den sie beim Quälen der Männerwelt verspürt. Sie definierte den rebellischen Geist von Rockabilly-Pionierinnen wie Janis Martin und den Collins Kids. In späteren Jahren wandte sich Jackson dem Gospel zu („Jesus Put a Yodel in My Soul“), aber für ihr großartiges, reueloses Comeback 2011, The Party Ain’t Over, tat sie sich mit ihrem Fan Jack White zusammen.
163 Hank Snow, „I’m Moving On“ (1950)
Hank Snow singt „I’m Moving On“ mit seinem charakteristischen nasalen und überdeutlichen Twang. Er sagt, dass er so schnell wie möglich einen Zug zurück in den Süden nimmt, um der „hübschen Mama“ zu entkommen, die diesem „wahrheitsliebenden Daddy“ Unrecht getan hat. Der Grund dafür, dass sich sein Song lächerliche 21 Wochen lang an der Spitze der Country-Charts hielt, ist mit Sicherheit der rasante Rhythmus seiner Band - das Schaukeln der Eisenbahn, die Lonesome-Whistle-Stahlgitarre und seine eigene heiße Flat-Picked-Lead. „I’m Movin’ On“ war Mitte des letzten Jahrhunderts State of the Art im Country & Western, und hier in unserem neuen Album klingt Snow immer noch so, als würde er an Fahrt gewinnen.
162 The Band Perry, „If I Die Young“ (2010)
Dieser Ausbruch aus dem selbstbetitelten Debütalbum der Band Perry aus dem Jahr 2010 geht direkt über die Idee des schnellen Lebens hinaus und führt direkt zum jungen Sterben. Das von Leadsängerin Kimberly Perry geschriebene „If I Die Young“ bleibt unvergleichlich in seiner herzzerreißenden Darstellung eines zu früh beendeten Lebens, die „das scharfe Messer eines kurzen Lebens“ fast zu lebendig erscheinen lässt. Der mit siebenfachem Platin zertifizierte Song ist nach wie vor der größte Hit des Geschwistertrios und hat ein eigenes popkulturelles Leben geführt - er wurde in American Idol (in der 10. Staffel von Lauren Alaina) und Glee gespielt, wo er von der verstorbenen Naya Rivera zu Ehren ihres 2013 im Alter von 31 Jahren verstorbenen Mitstreiters Cory Monteith gecovert wurde. Rivera starb ebenfalls sehr jung, nämlich im Alter von 33 Jahren im Jahr 2020, woraufhin der Song eine neue Popularität erfuhr.
161 Dave Dudley, „Six Days on the Road“ (1963)
Bevor es „White Line Fever“, „Convoy“ oder „East Bound and Down“ gab, gab es „Six Days on the Road“, den Song, der das Image des hart arbeitenden Arbeiters im Country für immer mit dem Anhänger eines Sattelschleppers verband. „Six Days“ war zwar bei weitem nicht der erste Trucker-Song, aber ein früher Hit, der die Einsamkeit, Monotonie, Anforderungen und Kleinigkeiten des Truckerlebens meisterhaft einfing. „Ich glaube, es war einer der Songs, auf den die Lastwagenfahrer damals gewartet haben“, sagte Dave Dudley den Autoren von The All-American Truck Stop Cookbook. „Damals waren sie so etwas wie Geächtete. Nachdem der Song herauskam, bekam ich Briefe von diesen Jungs, in denen sie sich dafür bedankten, dass sie uns die Last abgenommen haben. Das hat irgendwie dazu beigetragen, ihr Image zu Rittern der Straße zu machen.
160 David Allan Coe, „You Never Even Called Me by My Name“ (1975)
Von allen Orten, an denen man „den perfekten Country & Western-Song“ schreiben könnte, wie es im Text dieses Liedes heißt, ist es schwer, sich einen unwahrscheinlicheren Ort als Paul Ankas persönliche Suite im Waldorf Astoria vorzustellen. Und doch war es der Ort, an dem Steve Goodman und John Prine zum ersten Mal den Stift zu Papier brachten, um diese Parodie auf die Klischees der Country-Musik zu schreiben und zu zelebrieren. „Ich fühlte mich ziemlich gut“, sagte Prine und bezog sich dabei auf einen erfolgreichen Überfall auf Ankas Schnapsschrank, „also sprang ich auf das Bett und tat so, als hätte ich eine imaginäre Fiedel und sagte: ’Aber du musst mich nicht Darlin’ nennen, Darlin’.’“ Die meisten Künstler wären vor der Frechheit des Songs davongelaufen. David Allan Coe jedoch spielte damit und fügte eine Bridge hinzu, in der Goodman selbst als Figur auftritt, und schrieb absichtlich mehr Klischees in den Text.
159 The Mavericks, „All You Ever Do Is Bring Me Down“ (1995)
Billboard hatte einen guten Ausdruck, um die Position der Mavericks gegenüber dem Nashville-Firmament Mitte der neunziger Jahre zu beschreiben: „Unorthodox, aber Platin“. Ihr größter Hit in den Billboard-Country-Charts - er erreichte 1996 Platz 13 - ist ein unwiderstehlich flotter Tex-Mex-Groover: Orgelspritzer auf der Zwei und der Vier, eindringliche Shaker und Hi-Hats im ganzen Stück, Raul Malos schön heiserer Tenor, der die Zeit seines Lebens hat. All das ist eine Bühne für das Akkordeon von Flaco Jiménez, das das Geschehen ständig kommentiert und einen bequemen Platz vor der Musik einnimmt, wann immer es in Hörweite aufflackert.
158 Jim Reeves, „He’ll Have to Go“ (1959)
Dieses verträumte, schwärmerische Liebesgespräch war der größte Gesangshit des Jahres 1960. Der vibraphonlastige Walzer, ein Klassiker des frühen Nashville-Sounds, spiegelte absichtlich das Arrangement wider, das der Rockabilly-Interpret Billy Brown im selben Jahr veröffentlicht hatte. Es war jedoch der tiefe, samtweiche Bariton von Gentleman Jim Reeves, der dem Song den letzten Schliff gab. „Ich kann Ihnen nicht wirklich sagen, was der Grund für die Popularität dieses Liedes war, außer dass ich das sehr pathetische Bild des alten Mannes habe, der in der Telefonzelle steht, halb besoffen, und mit seinem Mädchen spricht und sie bittet, den anderen Kerl zu verjagen“, sagte Reeves. „Ich denke, das ist ein ziemlich gutes Hörerlebnis.“
157 Kenny Chesney, „The Good Stuff“ (2003)
Ein frisch verheiratetes Paar hat seinen ersten Streit, woraufhin der Mann in eine Bar geht. Aber anstatt sich zu betrinken und sich mit dem Barkeeper zu trösten, bekommt er ein Glas Milch serviert. Chesney wendet mehrere Bedeutungen auf den Titel an: „The Good Stuff“ könnte ein steifer Drink sein, aber es bedeutet auch bedeutungsvolle Momente im Leben. Am Ende stellt sich heraus, dass der Barkeeper seine Frau durch Krebs verloren hat und die Erinnerung an sie stärker ist als alles, was Whiskey bieten kann. Die Songwriter Craig Wiseman und Jim Collins schrieben den Song, nachdem ihr Freund seine Ehefrau durch eine Krankheit verloren hatte. „Wir sprachen darüber, was wäre, wenn du einfach nur dasitzt und zusiehst, wie deine Frau stirbt?“ erinnerte sich Wiseman später. „Wir saßen beide einfach nur da und waren für eine Minute wie betäubt. Wir sagten: ’OK, lass uns eine Tasse Kaffee trinken und einen Song schreiben!’“
156 Barbara Mandrell, „(If Loving You Is Wrong) I Don’t Want to Be Right“ (1979)
Dies war zwar nicht die früheste Adaption des patentierten Boom-Swish-Beats der Disco, aber abgesehen von Dolly Partons „Nine to Five“ war es vielleicht die einfallsreichste Nummer dieser Ära, bei der Schlagzeuger Hayward Bishop diese clubtauglichen Akzente einsetzte, während er entschlossen an einem schwungvollen Two-Step-Rhythmus festhielt. Das Stück schwebt wie Philly Soul (die Streicher sind eher Barry White als Billy Sherrill) und bleibt doch eindeutig Nashville - aber der Song selbst stammt aus Memphis, ein Soul-Hit von 1972 auf Stax Records für Luther Ingram. Barbara Mandrell, die nach acht Alben bereit für die große Bühne war, nahm diesen schmerzhaften, schuldbeladenen, überwältigend geilen Text und lieferte einen Showstopper, der gleichzeitig subtil und aufbrausend war. Es war ihr größter Crossover-Moment und erreichte die Billboard Pop Top 40, ihr einziger Auftritt dort.
155 Florida Georgia Line, „Cruise“ (2012)
Es gab eine Zeit, noch gar nicht so lange her, da galt die Kombination von Country und Hip-Hop als blasphemisch, problematisch, gauche und vielleicht sogar als avantgardistisch. „Cruise“ war all das und noch mehr, ein Hochsommer-Liebeslied, in dem Trucks, Mädchen und die FGL-Jungs selbst abwechselnd zum Objekt der Zuneigung werden. Wie einige der anderen Platten auf dieser Liste wurde auch diese anfangs beschuldigt, die Country-Musik zu ruinieren. („Es gibt kein Label, das unsere Gefühle wirklich verletzen kann“, sagte Brian Kelley von FGL, als er in *60 Minutes* zum „Bro-Country“ befragt wurde.) Ein Jahrzehnt später jedoch klingt das zuckende Banjo, das während der Strophen gespielt wird, fast altmodisch - so wie der aufgebockte Silverado im Musikvideo fast klein aussieht.
154 Mickey Guyton, „Black Like Me“ (2020)
Mickey Guyton erfreut sich an der Tradition der Country-Musik; sie ist zufällig eine schwarze Frau, und sie hat ihre Erfahrungen in dieser bahnbrechenden Ballade festgehalten. „Wenn du glaubst, dass wir im Land der Freiheit leben, solltest du versuchen, so schwarz zu sein wie ich“, sang sie über Pedal-Steel-Schreie in dem Stück und kitzelte die Stränge von R&B und schwarzer Kirchenmusik heraus, die so wichtig für die DNA des Country im 21. Jahrhundert sind. Der Song lag in ihrem Regal, bis die Morde an Ahmaud Aubrey und George Floyd sie dazu brachten, Fragmente davon in den sozialen Medien zu posten. Die Reaktion kam schnell, und innerhalb eines Jahres sang sie den Song bei den Grammys - bemerkenswerterweise als erste schwarze Frau, die jemals für die beste Country-Solodarbietung nominiert wurde. Guyton hat nicht gewonnen. Aber ihr Song veränderte den Dialog über schwarze Country-Künstler und half, einer neuen Generation von Stimmen die Türen zu öffnen.
153 Emmylou Harris, „Boulder to Birmingham“ (1975)
Emmylou Harris stand an der Schwelle zum Ruhm und war eine der gefragtesten Sängerinnen in Nashville, als sie 1975 ihr zweites Album *Pieces of the Sky* veröffentlichte, aber sie war von Trauer geplagt. Ihr Gesangspartner, Mentor und enger Freund Gram Parsons war etwas mehr als ein Jahr zuvor an einer Überdosis Drogen gestorben. Harris kanalisierte diesen Herzschmerz in einen Song, der ihr Markenzeichen wurde. „Worte können so mächtig sein und einem helfen, etwas auszudrücken, das man sonst nicht ausdrücken kann“, sagte sie Jahre später. „Und jeder hat einen Verlust erlebt.“ Nur wenige Menschen konnten es jedoch so schön klingen lassen, ein rohes Geständnis der Trauer, das von ihrem schimmernden Sopran erhellt wurde, der dazu bestimmt war, eine der unverwechselbarsten Stimmen der Country-Musik zu werden.
152 Joe Diffie, „John Deere Green“ (1993)
Der Sänger Joe Diffie aus Oklahoma sang in „John Deere Green“ des legendären Songwriters Dennis Linde die ultimative Kleinstadtromanze. Es ist ein Juwel der Country-Geschichte, in dem Billy Bob seine Liebe zu Charlene erklärt, indem er ihre Namen in ein 10 Fuß hohes Herz am Wasserturm malt. Die Farbe des Traktors ist das entscheidende Detail, mit dem Aufhänger: „Die ganze Stadt sagte, er hätte Rot nehmen sollen, aber Charlene gefiel es, in John-Deere-Grün.“ Im März 2020 wurde Diffie tragischerweise eines der ersten Opfer der Covid-19-Pandemie, nur 61 Jahre alt, aber er hinterließ ein Leben voller Klassiker wie „Honky Tonk Attitude“, „Pickup Man“ und „Bigger Than the Beatles“.
151 Conway Twitty, „You’ve Never Been This Far Before“ (1973)
Conway Twitty war ein Rock’n’Roller, der in den sechziger und siebziger Jahren dazu beitrug, Balladen im Stile von Elvis Presley in den Country-Mainstream zu bringen, und der so offen und routiniert über Sex sang wie kein Country-Sänger vor ihm. „You’ve Never Been This Far Before“, in dem Twitty säuselt, dass seine zitternden Finger „verbotene Orte berühren“, wurde sogar, wenn auch nur kurz, von einigen großen Sendern boykottiert. Was diese Platte so gut macht, ist, wie unaufdringlich, ja sogar nackt sie klingt - das einzige Instrument, das die meiste Zeit über zu hören ist, ist ein pochender E-Bass - und die Art und Weise, wie Twittys wiederholtes „buh-buh-buh“ gleichzeitig Herzschlag und Hook ist.
