Die 100 besten TV-Episoden aller Zeiten
In jeder großartigen Show steckt eine 22- bis 60-minütige Geschichte, die einem für immer im Gedächtnis bleibt.
10 „Atlanta“, „Teddy Perkins“ (Season 2, Episode 6)
Donald Glovers FX-Serie liebte nichts mehr, als ihre Erkundungen von Ruhm, Erfolg, Ethnie, Klasse und dem andauernden halluzinatorischen Trip, der das Leben im modernen Amerika ist, mit surrealer Absurdität zu ergänzen. (Ein Hoch auf das unsichtbare Auto!) Diese eigenständige Episode über die Suche von Darius (LaKeith Stanfield) nach einem alten Klavier ist jedoch wie ein reiner Horrorfilm in Miniaturformat - teils Whatever Happened to Baby Jane? und teils ein Alptraum, den man nur schwer abschütteln kann.
Es ist nicht der Ort, an dem unser kiffender Reiseleiter das Musikinstrument abholt, der so gruselig ist, obwohl der Truckerhut mit der Flagge der Konföderierten, den er an einer Tankstelle findet, darauf hindeutet, dass er sich nicht gerade in 100 Prozent freundlichem Gebiet befindet. Es geht darum, von wem er es kauft: von einem unheimlichen, möglicherweise hautbleichen Einsiedler namens Teddy Perkins, dem Bruder des einst berühmten Musikers Benny, der vielleicht echt ist, vielleicht aber auch nicht. Regisseur Hiro Murai gibt zu, dass er hier viele Anleihen bei The Shining gemacht hat, und die sepulkrale Kulisse wirkt weniger wie Teddys Traum von einem Museum, das großen Vätern gewidmet ist (als Beispiele nennt er den problematischen Patriarchen der Jackson-Familie, Joe, bis hin zu „dem Vater, der Emilio Estevez am Anfang von The Breakfast Club abgesetzt hat“), sondern eher wie ein Mausoleum. Glover selbst spielt den Gastgeber, unter Prothesen und einer perversen Menge an Pfannkuchen-Make-up; nach allem, was man hört, hat er die ganze Zeit am Set die volle Methode angewandt und ist in der Rolle geblieben, wobei im Abspann „Teddy Perkins als er selbst“ aufgeführt ist. Die blasse Haut und das zerklüftete Kinn luden zu Vergleichen mit Michael Jackson ein, doch in den Perkins-Brüdern kann man den Wert einer ganzen Musikindustrie an verdorbenen Träumen, gebrochenen Seelen und Wahnsinn erkennen. Bonuspunkte gibt es auch für den besten Needle-Drop in der Geschichte der Show: Stevie Wonders „Evil“, ein Song voller rhetorischer Fragen, der wie für Teddy geschrieben scheint. -D.F.
9 „The Shield“, „Family Meeting“ (Season 7, Episode 13)
Konsequenzen, Konsequenzen, Konsequenzen. Wohin man im Serienfinale des bahnbrechenden Basic-Cable-Dramas auch blickt, die Charaktere - insbesondere der korrupte Cop Vic Mackey (Michael Chiklis) und die überlebenden Mitglieder seines Strike-Teams, Shane (Walton Goggins) und Ronnie (David Rees Snell) - sind gezwungen, sich mit den schrecklichen Dingen auseinanderzusetzen, die sie seit Beginn von The Shield getan haben.
Sechs Staffeln lang hatten sich die Zuschauer gefragt, ob Vic sterben, ins Gefängnis gehen oder irgendwie mit allem davonkommen würde. Zu den brillanten Aspekten von „Family Meeting“ gehört, wie Shield-Schöpfer Shawn Ryan es schafft, diese bekannten Ergebnisse unter den Strike Teamern auf unerwartete, oft völlig verheerende Weise zu mischen und anzupassen. (Viel Glück bei der schrecklichen Entscheidung, die Shane hier trifft, und bei der Art und Weise, wie Goggins die Szene spielt, in der der Titel der Episode ausgesprochen wird.) Sogar Vics Schicksal ist viel komplizierter, als man hätte erwarten können. Bei dieser Art von Serien fällt es oft schwer, einen befriedigenden Abschluss zu finden, aber „The Shield“ hat das perfekt hinbekommen und ist damit das beste Drama-Finale von allen. -A.S.
8 „Roots“, „Part II“
Sonntag, 23. Januar-Sonntag. 30. Januar 1977, Die 12-stündige Walt Disney Television via Getty Images Novel for Television „Roots“, die an acht aufeinanderfolgenden Abenden ausgestrahlt wurde, ist nach wie vor eines der Wahrzeichen des Fernsehens.
Basierend auf dem Bestseller-Roman von Alex Haley verfolgte „Roots“ 100 turbulente Jahre und mehrere Generationen der afrikanischen Vorfahren des Autors, von der Ankunft von Kunta Kinte (LeVar Burton, rechts), dem westafrikanischen Jugendlichen, der in die Sklaverei entführt und nach Amerika verschifft wurde, bis zur Emanzipation nach dem Bürgerkrieg, im Bild: Der in Amerika geborene Sklave Fiddler (Louis Gossett Jr.) trifft Kunta Kinte.
Die Miniserie nach dem Bestseller von Alex Haley, der sich von den Geschichten über die Sklaverei inspirieren ließ, die seit Generationen in seiner Familie weitergegeben wurden, kam genau zum richtigen Zeitpunkt ins Fernsehen. Es war 1977, als das Fernsehen noch ein Massenmedium war und das halbe Land die Geschichte des Mandinka-Kriegers Kunta Kinte (gespielt von LeVar Burton als jungem Mann und John Amos als Mann mittleren Alters), der aus seiner Heimat entführt und zu einem Leben in Sklaverei und Knechtschaft gezwungen wurde, ganz oder teilweise sah. Und das zu einem Zeitpunkt, der gerade weit genug vom Höhepunkt der Bürgerrechtsbewegung entfernt war, dass die Zuschauer bereit waren, sich mit der Hässlichkeit von Amerikas Erbsünde auseinanderzusetzen (1977 waren wohl viel mehr bereit als heute). ) Das Ganze ist außergewöhnlich, aber der Teil, der sich in das Gedächtnis aller, die den Film gesehen haben, eingebrannt hat, ist das zweite Kapitel, das mit einer gewaltsamen, gescheiterten Revolte auf dem Schiff beginnt, das Kunta und seine Mitgefangenen über die Mittlere Passage bringt, in das völlig banale Übel einer Sklavenauktion übergeht und damit endet, dass Kunta immer wieder grausam ausgepeitscht wird, weil er von der Plantage geflohen ist - und, was für seine Entführer ebenso wichtig ist, weil er sich weigert, den Namen „Toby“ anzunehmen, den sie von ihm verlangt haben. Die Wut und der Schmerz in den Augen von Burton und Lou Gossett Jr. (der Fiddler, einen älteren, in Amerika geborenen Sklaven, spielt) sind ein unauslöschliches Bild, wie es noch nie über einen Fernsehbildschirm gelaufen ist. -A.S.
7 „Cheers“, „Showdown, Part 2“ (Season 1, Episode 22)
Das Finale der ersten Staffel der beliebten Sitcom brachte die seit langem schwelende romantische Spannung zwischen dem Ex-Barkeeper Sam Malone (Ted Danson) und der angeberischen Kellnerin Diane Chambers (Shelley Long) zu einem wunderbaren Siedepunkt. Nachdem Diane sich ein Jahr lang gegen Sams Annäherungsversuche gewehrt hat, geht sie nun mit Sams erfolgreicherem Bruder Derek (George Ball) aus, aber Sam hofft weiterhin, dass er der Malone ist, den sie wirklich begehrt.
Nachdem Diane seinen Verdacht bestätigt hat, kommt es zu einem Streit zwischen den beiden, der zu einem kultigen Wortwechsel führt, der seither in jeder Liebeskomödie vorkommt, in der es um die Frage geht: Willst du oder willst du nicht? Diane sagt zu einem wütenden Sam: „Du ekelst mich an. Ich hasse dich.“ Er fragt: „Bist du genauso erregt wie ich?“ „Mehr!“, ruft sie aus, und sie küssen sich, während das Studiopublikum bei diesem lang erwarteten Höhepunkt explodiert. -A.S.
6 „Mad Men“, „The Suitcase“ (Season 4, Episode 7)
5 „Seinfeld“, „The Contest“ (Season 4, Episode 10)
Larry David glaubte so sehr an diese Folge, dass er kündigen wollte, wenn NBC sie nicht ausstrahlen würde - aber zu seiner großen Überraschung erkannten die Verantwortlichen des Senders schon damals, wie bahnbrechend sie sein würde. Nachdem im November 1992 18,5 Millionen Menschen - damals 20 Prozent der amerikanischen Fernsehzuschauer - eingeschaltet hatten, entwickelte sich Seinfeld von einer dürftigen Sitcom über eine Gruppe narzisstischer New Yorker zu einer Serie, die jeder, unabhängig von der Zielgruppe, verfolgen musste.
Die Prämisse - die in Davids Notizbuch stand, seit er in den 1980er Jahren an einem realen „Wettbewerb“ teilgenommen hatte, von dem er aber dachte, dass er die Zensur nie passieren würde - war einfach: Nachdem Georges Mutter (Estelle Harris, die in dieser Folge vorgestellt wird) ihn in flagranti mit sich selbst erwischt, stürzt und ins Krankenhaus eingeliefert wird, schwört George der Sucht auf unbestimmte Zeit ab. Jerry glaubt nicht, dass er es schaffen kann und macht aus der Herausforderung eine Wette. Dann steigen Elaine und Kramer in den Spaß mit ein. Plötzlich gibt es auf Schritt und Tritt Gründe, geil zu sein: die heiße Nudistin auf der anderen Straßenseite, die Kramer nicht aus den Augen lassen kann; die Jungfrau (Jane Leeves von Frasier), mit der Jerry ausgeht; die Schwammbäder von Mädchen zu Mädchen, die George im gemeinsamen Krankenzimmer seiner Mutter beobachtet; John F. Kennedy Jr., der (aus dem Off) mit Elaine in einem Aerobic-Kurs flirtet. Alles stimmt, von Davids Emmy-prämiertem Drehbuch bis zu Jerrys Interpretation von „The Wheels on the Bus“, Kramers schnellem Einlenken („Das war einer der größten Lacher, die wir je hatten“, so David) und Elaines wehmütiger Vorstellung ihres neuen Ehenamens („Elaine Benes-Kennedy Junior“, flüstert sie praktisch, nachdem sie zugegeben hat, dass sie aus dem Rennen ist). Aber das Beste ist, dass die Serie, indem sie das Wort „Masturbation“ in ihren 23 Minuten komplett weglässt, uns den besten sexuellen Euphemismus schenkt, der in den neun Staffeln der Serie entstanden ist: „Master of your Domain“. -EGP
4 „The Sopranos“, „College“ (Season 1, Episode 5)
Wenn dies nicht die einflussreichste Fernsehserie aller Zeiten ist, so steht sie doch ganz oben auf einer sehr kurzen Liste. Als Tony Soprano (James Gandolfini), der Boss der Mafia von Jersey, seine Teenager-Tochter Meadow (Jamie-Lynn Sigler) auf eine Tour durch Colleges in Maine mitnimmt, ist er überrascht, Febby Petrulio (Tony Ray Rossi) wiederzuerkennen, einen ehemaligen Mitarbeiter der Familie, der zur Ratte wurde und ins Zeugenschutzprogramm aufgenommen wurde.
Tonys Entscheidung, Febby zu stalken und zu ermorden, nur um sich selbst zu befriedigen, war eine Grenze, die kein TV-Protagonist je zuvor überschritten hatte - die Idee erschreckte sogar die Verantwortlichen bei HBO! Die anhaltende Zuneigung des Publikums zu Tony ermutigte nicht nur „Die Sopranos“, sondern alle Dramen, die sie in den letzten 25 Jahren inspirierten. Abgesehen von diesem bahnbrechenden Moment ist „College“ unglaublich. Der Tony-Meadow-Plot fängt die Spannung zwischen den beiden Leben, die Tony führt - mit der ihn Meadow hier zum ersten Mal konfrontiert - so gut ein wie keine andere Sopranos-Folge. Und die B-Story, in der Carmela (Edie Falco) eine denkwürdige, verführerische Nacht mit Pater Phil (Paul Schulze) verbringt, ist praktisch ein Bühnenstück, das Carmela dazu zwingt, ihre Bedenken gegen den Beruf ihres Mannes auf eine Weise zu artikulieren, wie sie es sich danach fast nie mehr erlaubt. -A.S.
