Die 100 besten TV-Episoden aller Zeiten
In jeder großartigen Show steckt eine 22- bis 60-minütige Geschichte, die einem für immer im Gedächtnis bleibt.
30 „Parks and Recreation“, „Flu Season“ (Season 3, Episode 2)
Was ist der lustigste Moment der lustigsten Parks and Rec-Folge überhaupt? Ist es, wenn der gesundheitsbesessene Chris Traeger (Rob Lowe), verraten von dem, was sein Körper tut, als er von der Grippe geplagt wird, seinem Spiegelbild befiehlt, aufzuhören zu kacken? Vielleicht ist es, als Andy Dwyer (Chris Pratt) einem Kollegen (in einer improvisierten Zeile von Pratt) sagt: „Ich habe deine Symptome in das Ding da oben eingegeben, und es sagt, du könntest Netzwerkverbindungsprobleme haben.“ Oder ist es alles, was Amy Poehler tut und sagt, sobald Leslie Knope auf Grippemedikamenten geladen ist, einschließlich des Moments, in dem sie glaubt, dass sich die Wand und der Boden gerade vertauscht haben? In einer Episode, in der so viele der Charaktere ernsthaft krank sind, erreicht die Besetzung komische Höhen. Und Leslie darf erneut ihre übermenschliche Energie demonstrieren, indem sie sich gerade lange genug zusammenreißt, um eine wichtige Präsentation über das Erntefest der Stadt zu halten. Als ein ehrfürchtiger Ben Wyatt (Adam Scott) danach beschreibt und perfekt die Serie und seine zukünftige Frau zusammenfasst: „Das war Leslie Knope.“ – A.S.
29 „Arrested Development“, „Good Grief“ (Season 2, Episode 4)
Diese Episode, ein Highlight aus der ursprünglichen dreijährigen Laufzeit der Serie, ist wahrscheinlich am besten bekannt wegen des „Charlie Brown“-Running-Gags, auf den sich der Titel bezieht: Fast alle Bluths, die mit schmerzhaften Enttäuschungen konfrontiert sind, nehmen die charakteristische gebeugte Haltung des Comicjungen an, während sie zu Vince Guaraldis „Christmas Time Is Here“ gehen (und es ist schwer, den Hund zu übersehen, der auf dem roten Hundehäuschen liegt). Doch das wahre Genie liegt unter den versteckten Anspielungen, mit George (Jeffrey Tambour), der seine eigene Beerdigung inszeniert und es jedem seiner Kinder ermöglicht, im Zuge seiner Trauer zu tun, was sie schon immer wollten: Lindsay (Portia de Rossi) nutzt es, um einen Mann zu beeindrucken; Michael (Jason Bateman) verwandelt es in einen berührenden, aber völlig hohlen Moment mit seinem eigenen Sohn; und Gob (Will Arnett) nutzt es, um eine „Illusion“ aufzuführen, bei der er scheinbar lebendig begraben wird. (Er ist es natürlich nicht.) Ob sich die bahnbrechende, zunächst unterschätzte Kultserie auch heute noch gut hält? Es ist so klar wie Anns Nase auf einem flachen Gesicht. – EGP
28 „Battlestar Galactica“, „33“ (Season 1, Episode 1)
Das neue Battlestar Galactica, das die kitschige Siebziger-Jahre-Sci-Fi-Serie als ernsthaftes Gleichnis über den Krieg gegen den Terror neu interpretierte, debütierte 2003 als Miniserie. Die Premiere der ersten regulären Staffel machte klar, dass Produzent Ronald D. Moore und sein Team keine Angst davor hatten, die Intensität und moralische Ambiguität dieses Ansatzes zu zeigen. „33“ setzt dort an, wo die Miniserie aufgehört hat, mit der Galactica und ihrer kleinen Flotte, die einem wiederkehrenden Alptraum ausgesetzt sind: Alle 33 Minuten tauchen ihre Feinde, die Cylon-Roboter, aus dem Nichts auf und greifen erneut an. Es gibt keine Pause, keinen Schlaf und scheinbar keine Hoffnung, bis Lee Adama (Jamie Bamber) und Kara Thrace (Katee Sackhoff) ausgesandt werden, um ein ziviles Schiff zu zerstören, das möglicherweise die Position der Flotte an die Cylonen weiterleitet. Selbst die Erleichterung über das Ende des Kreislaufs wird dadurch gemindert, dass unsere Helden nicht sicher sind, wie viele unschuldige Menschen sie dafür töten mussten. „33“ erklärte, dass dieses BSG ernsthafte, komplizierte Angelegenheit sein würde, und setzte die Messlatte für die nachfolgende Serie unglaublich hoch. – A.S.
27 „Frasier“, „The Ski Lodge“ (Season 5, Episode 14)
Wenn dies eine Episode von Friends wäre, hieße der Titel „Die, bei der jeder mit jedem schlafen will“. Als Frasier (Kelsey Grammer) eine kostenlose Reise zu einer schicken Berghütte bekommt, bringt er Daphne (Jane Leeves), Niles (David Hyde Pierce), seinen Vater (John Mahoney) und Daphnes schöne, aber nicht gerade brillante Freundin mit, die glaubt, der Matterhorn sei ein Musikinstrument. Beispiellose Fehlgeleitete Lust kommt ins Spiel. Natürlich gibt es brillantes Wortspiel („Lass es dir überlassen, das ‚Schwein‘ wieder in Pygmalion zu stecken“), Zitate aus Aphorismen („Dem Mutigen gehört die Welt“), und Frasiers fehlgeleitetes Selbstvertrauen („Ich sollte diesen Bademantel bei der Liebespolizei registrieren lassen“). Doch wo jede Sitcom Missverständnisse hat, benötigt nur Frasier ein Whiteboard auf Homeland-Niveau, um mitzuhalten. Die letzten fünf Minuten des Zimmer-Wechselns und Tür-Knallens bleiben ein Paradebeispiel für das Genie der Serie. – J.N.
26 „BoJack Horseman“, „Fish Out of Water“ (Season 3, Episode 4)
Was passiert, wenn du ein depressives, alkoholabhängiges Pferd zu einem Unterwasser-Filmfestival schickst, wo es zum ersten Mal in seinem Leben versucht, das Richtige zu tun, und irgendwie scheitert, aber auch ein wenig Erfolg hat? Raphael Bob-Waksbergs BoJack (Will Arnett) ist nie mehr er selbst als in dieser Episode, in der er nicht sprechen kann, die Sprache nicht versteht und nicht einmal seinen Alkohol bekommt, bis er am Ende Wodka-Suppositorien entdeckt. „Fish Out of Water“ ist größtenteils stumm, begleitet nur von Jesse Novaks passendem, düsterem elektronischen Score. BoJack versucht sich bei einer Regisseurin zu entschuldigen, weil er ihre Karriere ruiniert hat, aber er kann buchstäblich keine Worte im Wasserwelt herausbringen. Er wird von einer Gruppe Sardinen auf einen Meeresbus gedrängt und hilft widerwillig einem Seepferdchen-Mann bei der Geburt seiner Kinder. Er rettet ein Baby-Seepferdchen aus einer Toffee-Fabrik. Als er schließlich zurück zum Festival kommt, hat er die Premiere seines eigenen Films Secretariat verpasst, und seine herzliche Entschuldigung an die Regisseurin – nach früheren flapsigen Versuchen – wird vom Ozean weggespült. Egal. BoJack hat gleichzeitig nichts und alles erreicht – eine epische Reise, die die menschliche (oder eher pferdige) Bedingung zusammenfasst. Es gibt etwa 6.000 visuelle Gags und Wortspiele, die die düstere Komik durchbrechen. Man könnte nur diese eine Episode der Serie sehen, und diese 25 Minuten würden einen zu Tränen rühren. – S.R.
25 „Homicide: Life on the Street“, „Three Men and Adena“ (Season 1, Episode 6)
Das Polizeidrama (Homicide) unterschied sich von seinen Kollegen dadurch, dass es den Fokus stark auf die Vernehmungen von Mordverdächtigen und die bemerkenswerte verbale Fertigkeit seiner Polizisten legte. „Three Men and Adena“ bringt diese Idee auf die Spitze. Nachdem sie wochenlang den Mord an einem kleinen Mädchen, Adena Watson, nicht aufklären konnten, wagen Frank Pembleton (Andre Braugher) und Tim Bayliss (Kyle Secor) einen letzten Versuch, ihren Hauptverdächtigen, den Obstverkäufer Risley Tucker (Moses Gunn), zu einem Geständnis zu bewegen. Fast die gesamte Episode spielt sich im Verhörraum, dem sogenannten „Box“, ab, wobei die widerwilligen Partner jede erdenkliche Taktik anwenden, um den sturen alten Mann dazu zu bringen, das furchtbare Verbrechen, das er begangen hat, zu gestehen. Es ist ein so bemerkenswertes Porträt dieses mentalen Duells, dass Jahre später, als Braugher einen ganz anderen Polizisten in der Sitcom Brooklyn Nine-Nine spielte, diese Serie ihre eigene episodenlange Vernehmung als Hommage drehte, die natürlich „The Box“ hieß. – A.S.
24 „Fleabag“, „Episode 1“ (Season 2, Episode 1)
Die erste Staffel von Fleabag war so brillant, dass man fast dachte, Schöpferin und Hauptdarstellerin Phoebe Waller-Bridge hätte nach einer Staffel aufhören sollen. (Sie ist Britin, und dort ist man bekanntlich ein Fan davon.) Dann kam die zweite Staffel mit einem Paukenschlag: einem Familienessen, das nukleare Level an Dysfunktionalität zeigt, und – was noch wichtiger ist – die Einführung eines neuen Charakters, des „heißen Priesters“, gespielt von Andrew Scott, der die Hochzeit von Fleabags Vater leiten soll. (Die Folge führt auch den „Jumpsuit“ ein, das schicke Dinner-Outfit von Fleabag, das nach der Ausstrahlung dieser Episode überall ausverkauft war.) Während sich eine absurde Farce um sie herum entfaltet, die in einer Serie von Ohrfeigen und Schlägen gipfelt, bei denen mehr als eine blutige Nase entsteht, kreisen Fleabag und dieser sehr unpriesterliche Priester – er flucht, raucht, trinkt und trägt nicht einmal seine „kleinen Hundedings“ – mit einer Zentrifugalkraft umeinander. Die Chemie zwischen den langjährigen Freunden Scott und Waller-Bridge ist so heiß, dass man ein Ei auf dem Bildschirm braten könnte. Aber ihre echte Quelle ist die tiefe Intimität, die sie von ihrem ersten gemeinsamen Zigarette im Hinterhof des Restaurants an kultivieren. „Das ist eine Liebesgeschichte“, erklärt Fleabag mit einem Augenzwinkern in ihrem vierten Wanddurchbruch-Stil etwa zwei Minuten in der Episode. Und wie alle großartigen Liebesgeschichten, erweist sich die, die sich über diese transzendente zweite Staffel entfaltet, als freudig, rein, kompliziert, bittersüß und lebensverändernd. – M.F.
23 „M*A*S*H“, „Abyssinia, Henry“ (Season 3, Episode 24)
Als der ursprüngliche MASH*-Darsteller McLean Stevenson beschloss, die Serie zu verlassen, um andere Möglichkeiten zu verfolgen (rückblickend keine weise Karriereentscheidung), entschieden sich die Verantwortlichen Larry Gelbart und Gene Reynolds, sein Ausscheiden wirklich bedeutungsvoll zu gestalten. Das Finale der dritten Staffel der Korean War-Dramedy beginnt damit, dass Stevenson als Henry Blake erfährt, dass er genug Dienstpunkte gesammelt hat, um nach Hause geschickt zu werden. Was folgt, ist eine Mischung aus Wärme und Albernheit, als sich alle von Henry verabschieden. Doch dann kommt die letzte Szene, in der ein erschütterter Radar (Gary Burghoff) den OP betritt und seinen Kollegen mitteilt: „Ich habe eine Nachricht. Das Flugzeug von Lieutenant Colonel Henry Blake wurde über dem Japanischen Meer abgeschossen. Es ist ins Trudeln geraten. Es gab keine Überlebenden.“ Es war eine kraftvolle Erinnerung daran, dass der Krieg, trotz all der Albernheiten, die Hawkeye (Alan Alda) und Co. veranstalteten, letztlich ernst ist und dich auch dann noch töten kann, wenn du kurz davor bist, heil davonzukommen. Gelbart, der Regie führte, hielt die Skriptseiten für diese letzte Szene bis kurz vor der Aufnahme zurück, um sicherzustellen, dass seine Schauspieler fast genauso schockiert waren wie die von ihnen gespielten Figuren. – A.S.
22 „Buffy the Vampire Slayer“, „The Body“ (Season 5, Episode 16)
Es gab unzählige Darstellungen von Todesfällen, Untoden und anderen Formen der Konfrontation mit dem Sensenmann in Buffy, von albern bis grotesk. Als es jedoch an der Zeit war, sich von einer Hauptfigur zu verabschieden, war der Ton ernst – und die Auswirkungen dauerhaft. „The Body“ beginnt damit, dass Buffy nach Hause kommt und ihre Mutter unerwartet tot vorfindet. Von dem Moment an, in dem Sarah Michelle Gellar leise „Mommy?“ sagt, erwartet die Zuschauer eine wirklich erschütternde Stunde Fernsehen. Der Tod von Joyce Summers (Kristine Sutherland) ist nicht das Ergebnis wütender Dämonen, rachsüchtiger Vampire oder irgendeiner übernatürlichen Macht; sie erliegt einfach einem Aneurysma. Und die junge Frau, die die Welt unzählige Male gerettet hat, stellt fest, dass sie die Person, die ihr am meisten bedeutet, nicht retten kann. Drehbuchautor und Regisseur Joss Whedon konzentriert sich auf die alltäglichen Details des Umgangs mit dem Tod, vom Transport des Leichnams bis zum Autopsiebericht, und auf den Schock und die Betäubung, die damit einhergehen, wenn man plötzlich merkt, dass ein geliebter Mensch, der einen Moment lang noch da war, im nächsten fort ist. „Ich wollte keine Lektionen, keine Katharsis“, gab Whedon Jahre nach der Ausstrahlung der Episode zu. „Ich wollte einfach nur eine Geschichte über Trauer erzählen, insbesondere über ihre seltsamen Eigenheiten.“ – D.F.
21 „Curb Your Enthusiasm“, „Mister Softee“ (Season 8, Episode 9)
Einige Episoden von Curb können so peinlich sein, dass es schwer ist, sie anzuschauen, aber wenn Larry David es schafft, seine charakteristische Cringe-Comedy mit schnellen Einzeilern, schneidender Gesellschaftskritik und echter Herzenswärme zu balancieren, ist es ein wahres Kunstwerk. „Mister Softee“, die David selbst als „eine meiner absoluten Lieblingsepisoden“ bezeichnete, ist vielleicht das beste Beispiel. Die Handlung ist zu kompliziert, um sie hier vollständig zu erklären, aber zu den Höhepunkten gehören Larrys Obsession mit Mister Softee (die wir in einem seltenen Rückblick erfahren und die in peinlichen sexuellen Experimenten in einem Eiswagen als Teenager in Brooklyn wurzelt); ein defekter Beifahrersitz in seinem Auto, der Frauen zum Orgasmus bringt („Dieser Stuhl ist eine Fickmaschine!“, erklärt JB Smooves Leon); und ein Nachmittag, den er mit seinem neuen Freund Bill Buckner (der sich selbst spielt) verbringt, dem ehemaligen MLB-Spieler, dessen kritischer Fehler die Red Sox 1986 die World Series kostete. Leon entdeckt auch, dass er als Schwarzer mit Brille ganz anders behandelt wird. – EGP
20 „The Americans“, „The Magic of David Copperfield V: The Statue of Liberty Disappears“ (Season 4, Episode 8)
Es ist verlockend, die abschließende Episode START der Serie zu wählen, die alle narrativen und thematischen Fäden so gut zusammenführt wie kaum eine andere Serienfinale. Aber die Wahl fällt auf „The Magic of David Copperfield“, die wie keine andere Episode die emotionalen Kosten des Doppellebens von Philip (Matthew Rhys) und Elizabeth Jennings (Keri Russell) als tief vergrabene KGB-Agenten darstellt. In dieser Folge geht alles schief: Philip muss seine andere Frau Martha (Alison Wright) in die Sowjetunion schicken, nachdem das FBI herausgefunden hat, dass sie ihm geholfen hat. Elizabeth muss einen Informanten töten, der droht, zur Polizei zu gehen. Paige hat genug davon, den Pastor auszuspionieren, dem sie die Wahrheit über ihre Eltern erzählt hatte. – A.S.
19 „I Love Lucy“, „Job Switching“ (Season 2, Episode 1)
Auch wenn du noch nie eine einzige Folge von I Love Lucy gesehen hast, kennst du wahrscheinlich die ikonische Szene aus der zweiten Staffel: Lucy und Ethel stopfen sich verzweifelt Schokoladenpralinen in die Hemden und Münder, während ein immer schneller werdendes Fließband auf sie zukommt. (Die Schauspielerinnen verbrachten tatsächlich einen Tag bei See’s Candies in L.A., um zu beobachten, wie die Arbeiterinnen die Süßigkeiten herstellten.) Es gibt eine ganze Nebenhandlung, in der Ricky und Fred versuchen, den Haushalt zu führen – die Ehemänner und Ehefrauen tauschen die Rollen, sodass die Männer kochen und putzen, während die Frauen Jobs annehmen, und so weiter – aber es sind die perfektionierten Slapstick-Einlagen von Lucille Ball und Vivian Vance, die an ihrem neuen Arbeitsplatz bei Kramer’s Kandy Kitchen verzweifeln, die sich in das kollektive Gedächtnis eingebrannt haben; die meisten Leute nennen dies einfach die „Schokoladenfabrik-Episode“. Keine Rede davon, ob sie all die Schokolade mit Vitameatavegamin herunterspülten. – D.F.
18 „Better Call Saul“, „Fun and Games“ (Season 6, Episode 9)
Für die meiste Zeit der Breaking-Bad-Ablegerserie fragten sich die Zuschauer, wann und warum Jimmy McGill (Bob Odenkirk) die ruchlose Identität von Saul Goodman annehmen würde und wie die Serie das darstellen würde. Niemand hätte jedoch erwartet, dass es so und auf diese Art und Weise in dieser Episode geschehen würde, die meisterhaft den prägenden Moment markiert, in dem die Serie ihren Fokus von der Pre-Breaking Bad-Ära zu den endgültigen Verstrickungen im späteren Leben von Saul Goodman wendet. Nachdem Kim (Rhea Seehorn) erkannt hat, dass ihre Ehe mit Jimmy zu toxisch geworden ist und immer mehr Menschen in ihrer Umgebung verletzt, beschließt sie, ihn zu verlassen. „Ich liebe dich“, fleht er. „Ich liebe dich auch“, antwortet sie mit einer traurigen Niederlage, „aber was soll’s?“ Als Jimmy dann zusehen muss, wie die Liebe seines Lebens ihre Koffer packt und aus seinem Leben verschwindet, springt die Episode abrupt in die Zukunft, zu Saul Goodman, der in seinem Bett mit einer Prostituierten aufwacht. Es war der Moment, auf den so viele Fans spekuliert hatten, doch „Fun and Games“ – das auch Abschied von Gus Fring (Giancarlo Esposito) nimmt und seltene persönliche Einsichten in den „Chicken Man“ gewährt – zeigte es auf eine Art, die niemand erwartet hatte. Und nach all den Investitionen, die man in das Paar getätigt hatte, wünschte man es sich am Ende gar nicht mehr. Eine Tragödie für die Charaktere und für die Zuschauer. – A.S.
17 „The Mary Tyler Moore Show“, „Chuckles Bites the Dust“ (Season 6, Episode 7)
Ruhe in Frieden, Chuckles der Clown – du warst wirklich der Stolz der Clown-Community von Minneapolis. Diese Nebenfigur tauchte einige Male in James L. Brooks‘ Sitcom auf, bevor Lou Grant (Ed Asner) eines Tages in den WJM-TV-Newsroom geht und die Mitarbeiter darüber informiert, dass der beliebte Darsteller auf tragische Weise ums Leben kam: Er führte eine Parade in seinem Kostüm als Peter Peanut an, als ein „abtrünniger Elefant versuchte, ihn zu knacken.“ Jeder macht sich über Chuckles Tod lustig, außer Mary. Er war ein Mensch, erklärt sie ihren Kollegen, und verdient Tränen, nicht Spott! Doch während seiner Beerdigung macht Mary genau das, was man auf einer Beerdigung nie tun sollte: Sie beginnt unkontrolliert zu lachen. Selbst für eine Serie wie diese, die bekannt für ihre konstanten One-Liner war, hat die Episode eine extrem hohe Zinger-Dichte. Ted Baxter (Ted Knight) fragt besorgt, ob es nicht er hätte sein können, und Murray (Gavin MacLeod) antwortet: „Irgendwo da draußen wartet ein Elefant mit deinem Namen darauf.“ Aber das Besondere an dieser Folge ist, wie sie den perfekten Balanceakt zwischen Humor und Pathos meistert und es irgendwie schafft, eine peinliche Reaktion in etwas sehr Menschliches zu verwandeln. Und Moore, die verzweifelt versucht, ihr Lachen während einer absurden Trauerrede zu unterdrücken, nur um am Ende in Tränen auszubrechen, gehört zu den frühesten Beispielen von Cringe-Comedy in ihrer besten Form. – D.F.
16 „ER“, „Love’s Labor Lost“ (Season 1, Episode 19)
ER beschleunigte das Tempo des Fernsehdramas drastisch und fühlte sich weniger wie eine Krankenhausserie an als wie ein Actionfilm, mit treibender Musik, hektischer Kameraführung und adrenalingeladenen Trauma-Sequenzen. Das erschütternde Wunder von „Love’s Labor Lost“ liegt darin, wie es gleichzeitig im üblichen ER-Tempo voranschreitet und doch jede Phase seiner Tragödie – ein übermütiger Dr. Greene (Anthony Edwards) übernimmt eine Geburtshilfe, bei der alles schiefgeht und die Mutter stirbt – so quälend langsam erzählt. Die Show bot im Laufe der Jahre größere Katastrophen, aber diese Episode bringt eine kleine, schmerzvolle Geschichte so lebendig und erschreckend zur Geltung, dass sie all diese großen Krisen übertrifft. – A.S.
15 „Community“, „Remedial Chaos Theory“ (Season 3, Episode 4)
Wenn Sie jemals erklärt haben, dass wir in der „dunkelsten Zeitlinie“ leben, oder dieses Meme verwendet haben, um eine WTF-Reaktion zu unterstreichen, müssen Sie dieser herausragenden Folge von Dan Harmons Sitcom danken. Troy (Donald Glover) und Abed (Danny Pudi) schmeißen eine Einweihungsparty, ein Würfelwurf lässt sechs alternative Realitäten entstehen, und bumm - es herrscht das reinste Chaos! Einige Dinge bleiben immer gleich: Jeff (Joel McHale) wird sich immer den Kopf an einem Deckenventilator stoßen, Pierce (Chevy Chase) wird immer damit prahlen, wie er in einer Flugzeugtoilette mit Eartha Kitt Sex hatte, und Britta (Gillian Jacobs) wird nie die zweite Zeile von „Roxanne“ singen können (vorausgesetzt, sie heiratet nicht impulsiv den Pizzaboten an der Tür). Jeder andere Aspekt ist das Äquivalent zu, sagen wir, einem Schmetterling, der in Peru mit den Flügeln schlägt und dafür sorgt, dass einer aus der Lerngruppe einen Schuss ins Bein bekommt oder die Wohnung in Brand steckt. Lange bevor Marvel anfing, Zeitlinienvarianten zu stapeln, war dies das Paradebeispiel für moderne Multiversum-101-Geschichten und wurde zu einem der prägenden Momente einer Serie, die gewillt war, anspruchslose Comedy mit intellektuellen Situationen mit hohem Konzept zu mischen. Außerdem, fürs Protokoll: Eine norwegische Trollpuppe ist ein furchtbares Einweihungsgeschenk, egal in welcher Zeitlinie man lebt. -D.F.
14 „Succession“, „Connor’s Wedding“ (Season 4, Episode 3)
Sie sind herzlich eingeladen, der Hochzeit von Connor Roy (Alan Ruck) und Willa Ferreyra (Justine Lupe) beizuwohnen - und damit dem wohl schlimmsten Tag in der Geschichte der Familie Roy. Dreieinhalb Staffeln lang haben wir dem Medienmogul Logan Roy (Brian Cox) dabei zugesehen, wie er mit seinen Kindern König Lear spielt, seine Untergebenen in permanente Wutanfälle treibt und sich generell wie ein rasender Ein-Prozent-Terror verhält. Jetzt stellt sich heraus, dass der Patriarch, der in der Welt dieser HBO-Serie Gott gespielt hat, nur allzu menschlich ist. Anstatt der Hochzeit seines ältesten Sohnes beizuwohnen, hat Logan beschlossen, nach Schweden zu fliegen, um ein Geschäft abzuschließen. Der Rest der Roys ist jedoch anwesend, und es herrscht die übliche Zickigkeit, bis Kendall (Jeremy Strong) und Roman (Kieran Culkin) einen Anruf von ihrem Schwager Tom (Matthew Macfadyen) erhalten. Ihrem Vater ist während des Fluges etwas zugestoßen. Etwas sehr Schlimmes. Unter der Regie von Serien-Stammgast Mark Mylod und dem Drehbuch von Showrunner Jesse Armstrong durchläuft „Connor’s Wedding“ schnell alle Kübler-Ross-Phasen der Trauer, wobei der Schwerpunkt nicht auf Logan liegt (wir sehen kaum sein Gesicht, als sie versuchen, ihn wiederzubeleben), sondern auf seinen Kindern, die versuchen, mit der Nachricht fertig zu werden. Succession war schon immer eine Ensemble-Serie, aber hier steht das Trio der nächsten Generation im Mittelpunkt - gespielt von Strong, Culkin und Sarah Snook als Siobhan Roy - und sie liefern mit Abstand ihre besten Leistungen in der gesamten Serie ab, während sie versuchen, das Geschehene zu verarbeiten. In einem einzigen, einseitigen Telefongespräch spielt sich eine ganze Geschichte von familiärer Liebe und Missbrauch ab. Es ist das erschütterndste Beispiel für die Fähigkeit der Serie, Tragik und Absurdität gleichermaßen zu vereinen und in einem wahren Moment der Gnade zu enden: Kendall, Roman und Shiv in einer engen Umarmung, verbunden durch Trauer, Blut und die Erkenntnis, dass sowohl ihr Ernährer als auch ihr Albtraum nicht mehr unter ihnen weilt. -D.F.
13 „Twin Peaks“, „Northwest Passage“ (Season 1, Episode 1)
Palmer (Sheryl Lee) wird tot an ein Flussufer gespült, eingewickelt in Plastikplanen. FBI-Spezialagent Dale Cooper wird hinzugezogen, um gemeinsam mit dem örtlichen Sheriff Harry S. Truman den grausamen Mord in der kleinen Stadt Twin Peaks im Nordwesten Washingtons aufzuklären.
Vor Twin Peaks gab es schon andere Mystery-Dramen - andere Krimiserien, andere Kleinstädte mit großen Geheimnissen auf kleinen Bildschirmen. Aber David Lynch brachte ein gewisses Unbehagen und eine gewisse Seltsamkeit in das Genre ein und machte diese Serie zur vielleicht seltsamsten, die jemals im Fernsehen lief - und durch die Zusammenarbeit mit dem ehemaligen Hill Street Blues-Autor Mark Frost war sie realitätsnah genug, um ein sofortiger Erfolg zu werden. Als die Leiche der beliebten Teenagerin Laura Palmer (Sheryl Lee) an die Küste von Twin Peaks, einer Holzfällerstadt im pazifischen Nordwesten, fünf Meilen südlich der kanadischen Grenze, gespült wird, wird FBI-Agent Cooper (Kyle McLaughlin, frisch aus Lynchs Blue Velvet) zu den Ermittlungen hinzugezogen. Es folgen seltsam witzige Dialoge, surrealistische Traumsequenzen und eine Stadt voller Cartoon-Figuren. Auch wenn es später einen Prequel-Film und ein Reboot aus dem Jahr 2017 gab, war es diese erste Episode in doppelter Länge, die das Publikum in die unbequeme, absurde Welt hineinzog und Lynchs charakteristische verdrehte Realität ein wenig zugänglicher machte. -EGP
12 „The Wire“, „Middle Ground“ (Season 3, Episode 11)
11 „The Twilight Zone“, „The Monsters Are Due on Maple Street“ (Season 1, Episode 22)
Ein Sommernachmittag in der Maple Street: Grillpartys, Eiswagen, Schaukeln auf der Veranda, spielende Kinder, erwachsene Menschen. Doch all das wird gestört, als ein Schatten, ein dröhnendes Geräusch und ein Lichtstrahl schnell über die Straße huschen und das Vorstadtparadies in paranoides Chaos versinkt.
War es ein Meteor, oder sollten sie auf den comicbesessenen Jungen hören, der glaubt, dass nach einer Geschichte, die er gelesen hat, Außerirdische gekommen sind? Schon bald zeigen die Nachbarn mit dem Finger aufeinander und schimpfen über jede Angewohnheit oder jedes Verhalten, das sie plötzlich für nicht normal halten: Vielleicht bist du ja der Außerirdische. The Monsters Are Due on Maple Street“ wurde im März 1960 ausgestrahlt, eine beeindruckende erste Staffel, die dem Publikum zeigte, dass Rod Serling keine Angst davor hatte, den McCarthyismus frontal zu konfrontieren oder die Zuschauer tief ins Unbekannte zu führen. Was die wertvollen Erkenntnisse betrifft, so sollten Sie immer eine gute Erklärung parat haben, wenn Ihr Auto zufällig anspringt, OK? -A.M.
