Die 100 besten TV-Episoden aller Zeiten
In jeder großartigen Show steckt eine 22- bis 60-minütige Geschichte, die einem für immer im Gedächtnis bleibt.
50 „The Last of Us“, „Long Long Time“ (Season 1, Episode 3)
Das Ende der zweiten Staffel von Justified endet mit der Bootleggerin Mags Bennett – sublim gespielt von Margo Martindale –, die von ihrem eigenen vergifteten Schnaps trinkt und sich das Leben nimmt, nachdem sie und zwei ihrer Söhne von Timothy Olyphants Raylan Givens überlistet wurden. Als ihr Leben schwindet, flüstert sie: „Beende meine Sorgen. Ich werde meine Jungs wiedersehen. Ich werde das Mysterium kennenlernen.“ „Bloody Harlan“ lässt die Zuschauer das Mysterium von Justified und die Gründe kennenlernen, warum die Serie weit über den Standard-Polizeikrimi hinauswuchs. Die endlosen Kämpfe zwischen Givens, einem US-Marshall, und Walton Goggins‘ schurkischem Boyd Crowder bekommen tiefere Nuancen, als die großartigen Bennetts als neue kriminelle Gegenspieler eingeführt werden. Manchmal sind Boyd und Raylan widerwillige Verbündete, was ihrer Beziehung eine Tiefe verleiht, die der Serie über sechs Staffeln hinweg dienen wird; manchmal wollen sie sich gegenseitig mit Blei vollpumpen. Aber am Ende ist es die Schauspielerei, die uns fesselt. Neben Olyphant, Goggins und Martindale gibt es Jeremy Davies als humpelnden, schlagfertigen Bennett-Sohn und die frühreife Kaitlyn Dever als 14-jähriges Mädchen, das zwischen Kindheit und dem Wunsch, Mags für den Tod ihres Vaters zu erschießen, hin- und hergerissen ist. Der Abspann läuft nach Mags’ Tod. Der einzige Trost ist, dass Justified noch vier weitere Staffeln hat. – Stephen Rodrick
49 „Justified“, „Bloody Harlan“ (Season 2, Episode 13)
Das Ende der zweiten Staffel von Justified endet mit der Bootleggerin Mags Bennett – sublim gespielt von Margo Martindale –, die von ihrem eigenen vergifteten Schnaps trinkt und sich das Leben nimmt, nachdem sie und zwei ihrer Söhne von Timothy Olyphants Raylan Givens überlistet wurden. Als ihr Leben schwindet, flüstert sie: „Beende meine Sorgen. Ich werde meine Jungs wiedersehen. Ich werde das Mysterium kennenlernen.“ „Bloody Harlan“ lässt die Zuschauer das Mysterium von Justified und die Gründe kennenlernen, warum die Serie weit über den Standard-Polizeikrimi hinauswuchs. Die endlosen Kämpfe zwischen Givens, einem US-Marshall, und Walton Goggins‘ schurkischem Boyd Crowder bekommen tiefere Nuancen, als die großartigen Bennetts als neue kriminelle Gegenspieler eingeführt werden. Manchmal sind Boyd und Raylan widerwillige Verbündete, was ihrer Beziehung eine Tiefe verleiht, die der Serie über sechs Staffeln hinweg dienen wird; manchmal wollen sie sich gegenseitig mit Blei vollpumpen. Aber am Ende ist es die Schauspielerei, die uns fesselt. Neben Olyphant, Goggins und Martindale gibt es Jeremy Davies als humpelnden, schlagfertigen Bennett-Sohn und die frühreife Kaitlyn Dever als 14-jähriges Mädchen, das zwischen Kindheit und dem Wunsch, Mags für den Tod ihres Vaters zu erschießen, hin- und hergerissen ist. Der Abspann läuft nach Mags’ Tod. Der einzige Trost ist, dass Justified noch vier weitere Staffeln hat. – Stephen Rodrick
48 „All in the Family“, „The Draft Dodger“ (Season 7, Episode 15)
CBS strahlte diese kraftvolle Folge von Norman Lears bahnbrechender Sitcom passenderweise am Weihnachtsabend 1976 aus. Archie (Carroll O’Connor) und Edith (Jean Stapleton) freuen sich darauf, Archies alten Freund Pinky (Eugene Roche) zum Weihnachtsessen zu empfangen, da Pinky sich seit dem Tod seines Sohnes Steve in Vietnam einsam fühlt. Es gibt nur ein Problem: David (Renny Temple), den Mike seit Davids Flucht nach Kanada, um dem Militärdienst zu entgehen, nicht gesehen hat, taucht auf und wird eingeladen, am Essen teilzunehmen, wobei nur Mike und Gloria (Sally Struthers) sein Geheimnis kennen. Was folgt, ist so unausweichlich angespannt wie komisch, mit Archie, der sich wie gewohnt durch seine eigene Ignoranz zum Narren macht, während Mike schwitzt, wie alle darauf reagieren werden, dass David ein Flüchtling ist und warum. Am Ende ist Archie lautstark empört über das, was er als unpatriotische Feigheit ansieht. Es bleibt überraschenderweise Pinky überlassen, die Situation zu entschärfen, indem er anerkennt: „Mein Sohn hasste den Krieg auch. Aber er tat, was er für richtig hielt. Und David hier tat, was er für richtig hielt. Aber David lebt, um mit uns Weihnachten zu feiern. Und wenn Steve hier wäre, würde er mit ihm zusammensitzen wollen. Und genau das will ich auch tun.“ Es ist ein seltener und besonderer Moment in All in the Family, in dem Archie Bunker völlig sprachlos gemacht wird. – A.S.
47 „Veep“, „Testimony“ (Season 4, Episode 9)
Sicher, die Episode handelt vordergründig von der Untersuchung eines Bundesdatenlecks durch den Justizausschuss des Repräsentantenhauses und der Frage, ob das Weiße Haus sein eigenes Familiengesetz blockiert hat. Aber eigentlich haben wir hier eine reine, ungeschnittene Lieferung einiger der brillantesten Einzeiler, die jemals in eine 30-minütige Episode Fernsehen verpackt wurden. Selbst für Veep, wo absurde, hyperbolische Metaphern und Beleidigungen so scharf sind, dass sie mit einem Tourniquet geliefert werden sollten, ist dies eine atemberaubende Leistung. Allein die „Jonad Files“ (eine Sammlung von Zingers, die auf Timothy Simons‘ Jonah abzielen) könnten in einer Comedy-Hall-of-Fame sein: Jizzy Gillespie, Jack and the Giant Jackoff, Tinkerballs, Wadzilla, One Erection, der 60-Fuß-Virgin, Hagrids Nutsack, Scrotum Pole … und ja, die Liste geht weiter. Es ist garantiert, dass man „Testimony“ alle paar Minuten pausieren muss, um den Witz zu fangen, den man beim lauten Lachen über den vorherigen verpasst hat. – L.T.
46 „Taxi“, „Reverend Jim: A Space Odyssey“ (Season 2, Episode 3)
Zu den Freuden von Taxi gehörte, dass die Sitcom es schaffte, Küchen-Realismus mit Cartoon-Logik koexistieren zu lassen. Einige Charaktere, wie Judd Hirschs vernünftiger Berufstaxifahrer Alex Rieger, waren völlig bodenständig, während andere, wie Andy Kaufmans Einwanderer-Mechaniker Latka Gravas, aus einer anderen Dimension zu kommen schienen. Dieser Zusammenprall der Sensibilitäten erreicht einen köstlichen Höhepunkt in dieser Episode, die Christopher Lloyds Jim Ignatowski – einen liebenswerten, drogenvernebelten Mann, der sich selbst als „die lebende Verkörperung der Sechziger“ beschreibt – zu einem dauerhaften Teil der Besetzung machte. Alex und die Gang wollen Jim einen Job bei ihnen in der Sunshine Cab Company verschaffen, aber dazu müssen sie zuerst die Verteidigungen des grausamen Disponenten Louie DePalma (Danny DeVito) überwinden, wo eine Probe aus Jims umfangreichem Drogenvorrat zu einem Duett zwischen Louie und Jim auf „Moonlight Bay“ führt. Noch wichtiger ist, dass der strauchelnde Schauspieler Bobby Wheeler (Jeff Conaway) Jim durch seinen Führerschein-Test führen muss, in einer Komödien-Szene, die so einfach und doch so grundlegend urkomisch ist, dass man Hirsch und die anderen Schauspieler im Hintergrund sieht, wie sie sich bemühen, das Lachen zu unterdrücken. Solange es Fernsehen gibt, muss jede Montage großer Comedy-Momente Bobby zeigen, wie er versucht, Jim zu erklären, was ein gelbes Licht bedeutet. – A.S.
45 „Barry“, „ronny/lily“ (Season 2, Episode 5)
Barry-Star und Co-Schöpfer Bill Hader hatte bereits während der ersten Staffel seiner HBO-Dramedy – über einen Profikiller, der Schauspieler werden will – Episoden inszeniert, gab aber zu, dass er sich bei seinen ersten Regieversuchen noch nicht richtig sicher fühlte. Als er jedoch bei diesem Highlight der zweiten Staffel Regie führte, hatte Hader eindeutig an seinen Fähigkeiten gefeilt. In dem Versuch, ein neues, weniger gewalttätiges Leben zu beginnen, verschont Barry ein geplantes Opfer, einen Mann namens Ronny (Daniel Bernhardt). Was er nicht weiß: Ronny ist ein Weltklasse-Taekwondo-Meister. Nachdem Barry es nur knapp schafft, dem Tod zu entkommen, steht er einem noch größeren Feind gegenüber: Ronnys mörderischer Tochter Lilly (Jessie Giacomazzi). Es ist eine wahrhaft surreale, halsbrecherische halbe Stunde, die eine ganze neue Stufe des Wahnsinns erreicht, als die wilde Jugendliche Stephen Roots Gesicht beißt. Hader, der sich als Kino-Nerd bekennt, bediente sich bei einer Vielzahl von Einflüssen, von Hongkong-Actionfilmen bis hin zu den Werken des polnischen New-Wave-Regisseurs Andrzej Wajda. Doch das völlig verdrehte, ha-ha-bang-bang-Sensibilität, die diese Episode zu einem solchen Genuss macht, ist ganz und gar Hader. – D.F.
44 „How I Met Your Mother“, „Slap Bet“ (Season 2, Episode 9)
Die frühen Staffeln von How I Met Your Mother – bevor die Serie mit der Art und Weise, wie sie mit der titelgebenden Mutter umging, ihren letzten Fehltritt machte – waren vollgepackt mit cleveren Ideen über das Leben in den späten Zwanzigern und frühen Dreißigern, egal ob man wie Marshall (Jason Segel) und Lily (Alyson Hannigan) verheiratet ist, wie Ted (Josh Radnor) und Robin (Cobie Smulders) datet oder wie Barney (Neil Patrick Harris) trotzig Single bleibt. „Slap Bet“ führt zwei verschiedene Konzepte ein, die wunderbar zusammenkommen. Das eine ist die sogenannte „Slap Bet“, bei der Marshall und Barney eine Wette abschließen, bei der der Gewinner den Verlierer so oft ohrfeigen darf, wie er will. Das andere ist das Thema der Wette: Warum weigert sich Robin so sehr, über ihr Leben in Kanada zu sprechen? Der schmierige Barney vermutet, dass sie in Pornofilmen mitgewirkt hat. Der eigentliche Grund ist jedoch weitaus bizarrer: Sie war kurzzeitig ein Teenie-Popstar namens Robin Sparkles, deren Hit „Let’s Go to the Mall“ Tiffany, Debbie Gibson und sogar die junge Alanis Morissette beschwört. Sowohl die Ohrfeigen als auch Robin Sparkles waren so beliebt, dass die Serie immer wieder darauf zurückkam, aber nie mit dem spektakulären komischen Effekt, der hier erreicht wurde. – A.S.
43 „Star Trek: The Next Generation“, „The Inner Light“ (Season 5, Episode 25)
In der ersten Minute von „The Inner Light“ trifft ein Energiestrahl Captain Picard und schlägt ihn bewusstlos auf der Brücke der Enterprise. Als er erwacht, befindet er sich im Körper eines Mannes namens Kamin auf einem fernen, außerirdischen Planeten. Während die Crew der Enterprise versucht, ihn aufzuwecken, vergeht auf dem fremden Planeten schnell die Zeit. Picard gründet eine Familie, bekommt Enkelkinder und wird ein vollwertiges Mitglied der Gesellschaft, wobei sein Leben bei der Sternenflotte nur noch eine ferne Erinnerung ist. Als er schließlich auf der Enterprise erwacht und erfährt, dass das Ganze eine Simulation eines sterbenden Planeten war, der versucht, seine Kultur zu bewahren, hat Picard 40 volle Jahre als Kamin gelebt. Die letzte Szene, in der er melancholisch auf einer Flöte aus seinem anderen Leben spielt, ist vielleicht der bewegendste Moment in der Geschichte von Star Trek. – A.G.
42 „black-ish“, „Hope“ (Season 2, Episode 16)
Wie All in the Family, The Jeffersons und andere Norman Lear-Sitcoms, die früher auf dieser Liste erscheinen, hatte black-ish ein Talent dafür, spezielle Episoden zu machen, die zwar ein wichtiges soziales Thema behandelten, aber trotzdem nicht vergaßen, lustig zu sein. Die Familienkomödie mit Anthony Anderson und Tracee Ellis Ross hat im Laufe der Jahre viele solcher Episoden geliefert, darunter eine musikalische Folge über den Ursprung von Juneteenth. Das beste Beispiel für diesen Ansatz gab es relativ früh, in der zweiten Staffel mit „Hope“, wo sich die Johnson-Familie um den Fernseher versammelt, um über den Ausgang eines Prozesses zu diskutieren, bei dem ein Polizist wegen Polizeigewalt gegen einen afroamerikanischen Teenager angeklagt ist. Während der halben Stunde verwebt black-ish-Schöpfer Kenya Barris auf geschickte Weise lustige Familiendiskussionen mit sozialer Kritik über die Black Lives Matter-Bewegung, die lange und schreckliche Geschichte weißer Polizisten, die schwarze Zivilisten schikanieren, und sogar – in einem Monolog, den Anderson mit rohem Schmerz vorträgt – Dres Enttäuschung darüber, dass die Wahl von Barack Obama zum Präsidenten der Vereinigten Staaten keines der grundlegenden Ängste beseitigt hat, die Dre als Schwarzer in Amerika hat. – A.S.
41 „Hill Street Blues“, „Trial By Fury“ (Season 3, Episode 1)
Die meisten Menschen brauchen Zeit, um sich in einem neuen Beruf zurechtzufinden. Nicht so David Milch. Der ehemalige Yale-Professor für Literatur legte einen Blitzstart mit seinem allerersten Fernsehdrehbuch hin, dem Staffelauftakt der dritten Staffel dieses paradigmatischen Ensemble-Polizeidramas. Die Vergewaltigung und Ermordung einer Nonne schockiert das Revier, überschattet andere Verbrechensermittlungen und bringt den moralisch integren Captain Frank Furillo (Daniel J. Travanti) so sehr zum Kochen, dass er mit Lynchjustiz droht, um die Hauptverdächtigen zu einem Geständnis zu zwingen. Das unerschrockene Drehbuch brachte Milch einen Emmy, einen Preis der Writers Guild und den Humanitas-Preis ein (als eingefleischter Spieler nutzte er das Preisgeld, um ein Rennpferd zu kaufen) und leitete eine Hall-of-Fame-TV-Karriere ein, die schließlich zu NYPD Blue (dessen „Closing Time“ knapp diese Liste verfehlte) und Deadwood führte. – A.S.
40 „The Office“, „The Dundies“ (Season 2, Episode 1)
Alles, was die US-Adaption von The Office nach der katastrophalen, verkürzten ersten Staffel brillant machte, ist in dieser Auftaktfolge von Staffel 2 zu sehen, in der die Dunder-Mifflin-Truppe zu Chili’s fährt, um Auszeichnungen wie „Heißeste im Büro“, „Längste Verlobung“ und „Feine Arbeit“ zu erhalten. Steve Carrell stellte den Regionalmanager Michael Scott in der ersten Staffel als unverbesserlichen Arsch dar, aber hier wird er als gut gemeinter, aber verzweifelt einsamer Mann dargestellt, der seine Mitarbeiter als Ersatzfamilie ansieht. Und sie scharen sich zum ersten Mal um ihn, als ein paar Typen in der Bar beginnen, ihn mit Servietten zu bewerfen, während er seine Elton-John-Parodie „Tiny Dundie“ aufführt. Die Episode gibt jedem in der Besetzung einen Moment zum Glänzen, bringt die Beziehung zwischen Jim und Pam weiter voran (sie teilen sogar einen kurzen, betrunkenen Kuss) und liefert uns zeitlose Zitate wie „Ich fühle Gott in diesem Chili’s heute Abend.“ Vor dieser Episode drohte die US-Version von The Office zu einem kleinen Fußnote in der Fernsehgeschichte zu werden. Nach den Dundies war sie auf dem Weg, das britische Original zu übertreffen. – A.G.
39 „Lost“, „The Constant“ (Season 4, Episode 5)
Der schiere Ehrgeiz von Lost und die Vermischung von Genres und Tönen sind nie beeindruckender und rührender zur Schau gestellt als in „The Constant“, einer schwindelerregend romantischen Liebesgeschichte, die nicht chronologisch erzählt wird, dank der Sci-Fi-Eigenschaften der mysteriösen Insel der Show. Mehr als eine Staffel lang war der schottische Abenteurer Desmond (Henry Ian Cusick) in der Zeit verloren, sah flüchtige Einblicke in die Zukunft, besuchte aber auch gelegentlich seine eigene Vergangenheit. Hier werden die Flashs so überwältigend, dass sie drohen, Desmond zu töten, und der einzige Weg, zu überleben, ist, seine eigene „Konstante“ zu finden, um sich emotional im Jetzt zu verankern. Ein Problem: Seine Konstante ist seine verlorene Liebe Penny (Sonya Walger), deren Telefonnummer er sich in der Vergangenheit besorgen muss, als sie nichts mehr mit ihm zu tun haben will. Ihr dramatisches Telefonat ist genau das, was Desmond braucht, um am Leben zu bleiben, und alles, was Lost-Fans an dieser verrückten, großartigen Show lieben. – A.S.
38 „The Bear“, „Forks“ (Season 2, Episode 7)
Nirgendwo wird das Genie von The Bear deutlicher als in „Forks“, in dem ein Charakter durch die einfache Handlung des Polierens von Besteck eine große Veränderung durchmacht. Richie (Ebon Moss-Bachrach), der charmante, aber hitzköpfige Chef im Beef, wird zum Training in Ever geschickt, das gehobene Restaurant mit Michelin-Stern, das von Chef Terry (Olivia Colman) geführt wird. Es ist das genaue Gegenteil des Sandwich-Ladens, in dem er jahrelang mit den Einheimischen diskutierte – ruhig, durchorganisiert, makellos und streng. Seine Tage beginnen um 6 Uhr morgens in der Küche, wo er stundenlang Gabeln poliert, verärgert, wenn er angewiesen wird, sie erneut zu polieren, wenn sie Streifen haben. Aber im Laufe der Episode – die nur eine Woche in Richies Leben umfasst – lernt er, was „Exzellenz“ wirklich bedeutet und vor allem, wie er sich selbst respektieren kann. Am Ende (und nach einer mitreißenden Autofahrt nach der Arbeit, bei der er Taylor Swifts „Love Story“ mitsingt) erkennt Richie, dass es einen Platz für ihn in Carmens neuem Restaurant gibt – und wie selbstbewusst er sich in einem Anzug fühlt. – A.M.
37 „Freaks and Geeks“, „Discos and Dragons“ (Episode 18)
Dieses emotionale Finale war nicht nur das Ende der ersten Staffel, sondern der unfair abgesetzten Serie insgesamt, die zeigte, wie die Highschool im echten Leben ist und nicht in irgendeinem bizarren Aaron-Spelling-Fantasieuniversum, wo alle 25 Jahre alt und wunderschön sind. Daniel (James Franco) freundet sich mit den Geeks an, tritt dem AV-Club aus Strafe bei, bevor er sich bei den Weirs zu einer Runde Dungeons & Dragons gesellt und es liebt („Grüß dich, Prinzessin. Ich bin es, Carlos der Zwerg. Der Drache wurde erschlagen, und du bist frei, dein Königreich zu regieren“). Nick (Jason Segel) kommt endlich über Lindsay (Linda Cardellini) hinweg und nimmt mit seiner neuen Freundin Sara (Lizzie Caplan) an einem Disco-Wettbewerb teil. Aber am wichtigsten ist, dass Lindsay ihren Eltern vorgibt, dass sie zum akademischen Gipfel fährt, und stattdessen mit den Grateful Dead auf Tour geht. Ihr tränenreicher Abschied – wissend, dass sie bald herausfinden werden, dass sie gelogen hat, was ihre Beziehung für immer verändern wird – und ihr Einsteigen in den VW-Bus bleibt einer der bewegendsten Momente im Fernsehen. Und als sie ihre grüne Armeejacke anzieht, während der Bus wegfährt, wissen wir, dass Lindsay endlich ihren Platz in der Welt gefunden hat. – A.M.
36 „30 Rock“, „Apollo Apollo“ (Season 3, Episode 16)
Mehr noch als andere ikonische Folgen von 30 Rock ist „Apollo Apollo“ überladen mit urkomischen Ideen für die gesamte Besetzung. Unter anderem wird dies die Episode, die 1) etabliert, dass Kenneth (Jack McBrayer) alle anderen Menschen in der Welt als Muppets sieht; 2) Dennis Duffy (Dean Winters) behauptet, ein Sexsüchtiger zu sein, aber gleichzeitig Liz (Tina Fey) von seinem neuen Geschäftsmodell erzählt („Ein Wort: Kaffee“, sagt er zu Liz. „Ein Problem: Woher bekommt man ihn?“ „Überall“, antwortet sie. „Du bekommst ihn überall!“); 3) Dennis macht den Hurrikan Katrina dafür verantwortlich, dass er mit Jenna (Jane Krakowski) geschlafen hat, aber nicht so, wie man vielleicht denkt („Was die Leute mit dem Superdome gemacht haben …“); 4) „Lizzing“ (gleichzeitig Lachen und Wasserlassen) und „Jacking“ (so stark lachen, dass man sich übergibt) als nützliche Terminologie einführt; 5) Tracy (Tracy Morgan) auf eine gefälschte Weltraummission schickt; und 6) uns einen Einblick in eine junge Liz gibt, die in einem Werbespot für eine Telefonsex-Hotline mitspielt. Doch über all das hinaus bietet „Apollo Apollo“ gerade genug echte Emotionen von Liz (verärgert, dass Dennis mit Jenna geschlafen hat) und von Alec Baldwins Jack (der sich besessen einen alten Heimfilm ansieht, um sich an einem weiteren Geburtstag glücklich zu fühlen), um all diese Witze noch resonanter zu machen. – A.S.
35 „The X-Files“, „Clyde Bruckman’s Final Repose“ (Season 3, Episode 4)
Die FBI-Agenten Scully (Gillian Anderson) und Mulder (David Duchovny) hatten es in The X-Files mit vielen paranormalen Phänomenen zu tun. Doch sie trafen nie auf jemanden, der so unvergesslich war wie Clyde Bruckman. Peter Boyle spielt einen exzentrischen Versicherungskaufmann aus Minnesota, der die seltsame Gabe besitzt, vorauszusehen, wie andere Menschen sterben werden. Er entdeckte diese Fähigkeit 1959, als das Flugzeug von Buddy Holly abstürzte. (Obwohl er eher ein Fan des Big Bopper war.) Es gab verschiedene Arten von X-Files-Abenteuern – Mythologie-Episoden über die Alien-Verschwörung, Monster-of-the-Week-Thriller, Folgen für die Scully-Mulder-Fans – doch die Fans haben eine besondere Vorliebe für die humorvollen Perlen, die von Darin Morgan geschrieben wurden. Er schrieb nur vier Episoden, aber es ist eine Serie von Klassikern, zu der auch „Humbug“, „Jose Chung’s From Outer Space“ und das unterschätzte „War of the Coprophages“ gehören („Ihr Name ist Bambi?“). „Clyde Bruckman’s Final Repose“ ist nicht nur sein größter Hit, sondern auch der emotionale und dramatische Höhepunkt der Serie, wobei Boyle einen Emmy als mürrischer Einzelgänger gewann, der den Agenten bei der Suche nach einem Mörder hilft. Die Episode erforscht die großen Themen von The X-Files: Tod, Isolation und den Wunsch zu glauben. Ganz zu schweigen von einer Warnung an Mulder vor den Gefahren der autoerotischen Erstickung. – R.S.
34 „NewsRadio“, „Arcade“ (Season 3, Episode 4)
Diese Ensemble-Komödie über das verrückte Personal eines New Yorker Radiosenders erhielt nie die Aufmerksamkeit wie andere NBC-Kollegen der 90er Jahre wie Friends und Seinfeld, aber auf ihrem Höhepunkt konnte sie es mit beiden aufnehmen. „Arcade“ ist das beste Beispiel dafür und präsentiert drei ineinandergreifende Geschichten, die perfekt harmonieren: Lisa (Maura Tierney) entscheidet, dass sie und Dave (Dave Foley) ihre SAT-Prüfungen wiederholen sollten, damit sie beweisen kann, dass sie mit dem Alter nicht dümmer wird – nur beschließt sie, dies zu tun, während Beth (Vicky Lewis) den alten Pausensnackautomaten im Büro durch ein Arcade-Spiel ersetzt hat, das dazu geführt hat, dass Dave bei seinem ersten SAT-Test total versagt hat – während Bill (Phil Hartman) in Entzug von den widerlichen Snacks des Automaten gerät, die, wie selbst er zugibt, nicht „konventionell lecker“ sind. Eine Präzisions-Komödienmaschine. – A.S.
33 „The West Wing“, „Two Cathedrals“ (Season 2, Episode 22)
Eine Tour de Force für eine Figur, die eigentlich gar nicht im Mittelpunkt der Serie stehen sollte. Als Aaron Sorkin The West Wing konzipierte, war die Idee, eine Serie über all die Menschen zu machen, die dem Präsidenten dienen, aber nicht über den Präsidenten selbst. Dann besetzten sie Martin Sheen, und alle Wetten waren hinfällig. Sheen war eine so unvergessliche Präsenz auf der Leinwand als Präsident Jed Barlet, dass er zum Dreh- und Angelpunkt der Serie wurde. Zu Beginn des Finales der zweiten Staffel steht kurz davor, bekannt zu werden, dass Barlet die unheilbare degenerative Krankheit Multiple Sklerose vor der amerikanischen Öffentlichkeit verheimlicht hat. Die dramatischen Spannungen werden noch erhöht, als Barlets unverzichtbare persönliche Sekretärin Mrs. Landingham, die auch als Sekretärin seines strengen Vaters am Internat von Barlet fungierte, bei einem Autounfall ums Leben kommt. Nahtlos verwoben mit Rückblenden in Barlets Schulzeit ist die Episode eine Meditation über Väter (göttliche, menschliche und die Gründerväter), Pflicht und Charakter. Es ist vielleicht Sorkin auf seinem sorkinischsten Niveau – theatralisch, gelehrt, sentimental – und alles funktioniert in atemberaubender Weise. Der Höhepunkt ist ein Monolog von Barlet, der in die Annalen eingehen wird: Nach der Beerdigung von Mrs. Landingham bleibt Barlet im National Cathedral zurück, um ein Mano-a-Mano mit Gott zu führen. Auf dem Weg zum Altar, mit wachsender Wut, zitiert er Graham Greene, verflucht den Herrn für eine Liste kürzlicher Tragödien, beschimpft ihn auf Latein und raucht eine Zigarette, die er dann auf dem Boden ausdrückt. Finde uns ein besseres Aufeinandertreffen von Dramatiker und Schauspieler. – M.F.
32 „Reservation Dogs“, „Mabel“ (Season 2, Episode 4)
31 „Deadwood“, „Sold Under Sin“ (Season 1, Episode 12)
Als David Milchs Western-Drama vor 20 Jahren debütierte, drehten sich die ersten Reaktionen um die übermäßige Vulgarität und die brutale Darstellung des Bergarbeiterlagers in den Tagen, als es noch ein illegaler Siedlung in den Dakota-Territorien war. Doch schon bald wurde klar, dass Milch eine Geschichte darüber erzählt, wie Gemeinschaften sogar an den widerwärtigsten Orten entstehen können, und dass wir alle letztlich aufeinander aufpassen müssen, um mehr aus dem Leben herauszuholen als nur das Überleben. Nirgendwo wird diese Idee schöner zum Leben erweckt als im Finale der ersten Staffel, als der Wirt von Deadwood, Al Swearengen (Ian McShane), der als rücksichtsloser Bösewicht der Serie eingeführt wurde, es auf sich nimmt, das Leiden des sterbenden Reverend Smith (Ray McKinnon) zu beenden. Bereits wussten wir, dass Swearengens verstorbener Bruder ähnliche Anfälle erlitten hatte wie der Reverend. Und zu diesem Zeitpunkt verstehen wir, dass Al, trotz seiner Habgier und seiner üblen Sprache, besser als jeder andere um ihn herum versteht, dass es notwendig ist, Teil einer Gesellschaft zu sein. Als Al schließlich dem Reverend ein Tuch über das Gesicht hält, ihn fest umarmt, um seine Zuckungen zu kontrollieren, und ihm sanft zuflüstert: „Du kannst jetzt gehen, Bruder“, sagt das Bände über diesen Mann und noch mehr über die fundamentale Botschaft dieser erstaunlichen Show. – A.S.
