Die 100 besten TV-Episoden aller Zeiten
In jeder großartigen Show steckt eine 22- bis 60-minütige Geschichte, die einem für immer im Gedächtnis bleibt.
70 „Master of None“, „Thanksgiving“ (Season 2, Episode 8)
Obwohl Aziz Ansari der Star, häufige Autor und gelegentliche Regisseur seiner Serie über einen Schauspieler namens Dev war, der versucht, einen Sinn in seinem Leben zu finden, übergab er in regelmäßigen Abständen Episoden aus den ersten beiden Staffeln an andere Charaktere und zeigte damit, dass deren Geschichten genauso viel Reichtum besaßen wie die von Dev, wenn nicht sogar mehr. „Thanksgiving“ begleitet den Feiertag über viele Jahre hinweg, während sich Devis beste Freundin Denise (Lena Waithe, die die Folge zusammen mit Ansari geschrieben hat) allmählich ihrer Familie gegenüber outet und den Widerstand ihrer Mutter (Angela Bassett), Tante (Kym Whitley) und Großmutter (Venida Evans) langsam aber sicher aufweicht. Die warmherzige und kenntnisreiche Folge, die teilweise von Waithes eigener Coming-out-Geschichte inspiriert ist, war ein solcher kreativer Erfolg, dass die Serie vier Jahre später für eine dritte Staffel zurückkehrte, die sich nun ganz um Denises Ehe drehte, wobei Dev nur noch eine Nebenfigur in seiner einstigen eigenen Show war. –A.S.
69 „For All Mankind“, „The Grey“ (Season 2, Episode 10)
Die zweite Staffel dieses Science-Fiction-Dramas, das in einer alternativen Zeitlinie spielt, in der die Sowjets Amerika auf dem Mond schlagen und damit einen nie endenden Wettlauf ins All auslösen, ist das platonische Ideal des stark serialisierten „10-Stunden-Film“-Ansatzes, den so viele dramatische Fernsehsendungen in den Jahren seit The Wire übernommen haben und den so wenige Sendungen tatsächlich gut umsetzen. Alles, was in der zweiten Staffel passiert, selbst die Teile, die beim ersten Ansehen langsam und sinnlos erscheinen, haben spannende Ausgänge im Finale, in dem die Erde am Rande eines nuklearen Armageddons zu stehen scheint, während amerikanische Astronauten und sowjetische Kosmonauten auf und um den Mond herum Krieg führen. Alle früheren Nebenhandlungen sind von Bedeutung, wie z. B. die, in der Gordo (Michael Dorman) seine neue Leidenschaft für das Joggen sinnvoll einsetzt, als er und seine Ex-Frau Tracy (Sarah Jones) nur mit Raumanzügen bekleidet, die aus Klebeband notdürftig geflickt wurden, über die Mondoberfläche rennen müssen, um eine Kernschmelze zu verhindern. –A.S.
68 „St. Elsewhere“, „Time Heals“ (Season 4, Episodes 17 and 18)
Dieses innovative Krankenhausdrama hat während seiner gesamten Laufzeit die Grenzen seines Formats erweitert. Eine Folge spielte größtenteils im Jenseits. Eine andere erzählte vier Geschichten über die Lebensabschnitte von der Geburt bis zum Tod. Die kühnste und befriedigendste davon ist der zweiteilige Film „Time Heals“, der an aufeinanderfolgenden Abenden ausgestrahlt wurde. Während sich St. Eligius auf sein 50-jähriges Jubiläum vorbereitet, erhalten wir Einblicke in das Krankenhaus im Laufe der Jahrzehnte und sehen, wie Dr. Westphall (Ed Flanders), Dr. Craig (William Daniels) und die anderen leitenden Mitarbeiter jeweils dazu kamen, dort zu arbeiten. Abgesehen von der Hintergrundgeschichte – einschließlich eines großartigen Gastauftritts von Edward Hermann als Pater McCabe, dem Priester, der das Krankenhaus gründete und half, den verwaisten Westphall großzuziehen – beeindruckt „Time Heals“ dadurch, dass jede Vignette aus der Vergangenheit im Stil von Filmen (oder in einigen Fällen von Fernsehsendungen) dieser Zeit präsentiert wird: Szenen aus den 1930er Jahren sind in Schwarz-Weiß, Szenen aus den 1960er Jahren sind viel heller ausgeleuchtet und so weiter. –A.S.
67 „The Larry Sanders Show“, „Flip“ (Season 6, Episode 12)
„Man konnte spüren, dass es nie wieder eine Sendung wie diese geben würde“, sagte die Schauspielerin aus ‚Larry Sanders Show‘, Ileana Douglas, über die letzte Szene der Sendung. ‚Und das ist auch so geblieben.‘ Als Rip Torn, Jeffrey Tambor und der Schöpfer der Show, Garry Shandling, sich in einem leeren Studio in die Arme schließen, durchdringt eine ergreifende Traurigkeit den beißenden Witz, den Shandlings revolutionäre Serie sechs Staffeln lang zeigte. Die mit dem Peabody Award ausgezeichnete Folge spielt rund um Larrys letzte Show und enthält Gags, die zeitlos bleiben: Jim Carrey singt Larry ein Ständchen auf Sendung, während er ihn hinter den Kulissen beschimpft, Tom Petty fordert Clint Black auf, „ruhig zu sein, Cowboy“, bevor er sich mit Greg Kinnear prügelt, und Carol Burnett und Ellen DeGeneres ertappen Larry bei einer Lüge, die sowohl die Show-in-der-Show selbst als auch Larrys zerbrechliches Ego zerstört. Es ist ein brillantes Ende, das Pathos („Ich weiß nicht genau, was ich ohne euch machen soll“, sagt Larry zu seinem Publikum, bevor ihm die Tränen kommen. „Gott segne euch. Ihr könnt jetzt umblättern") mit der für die Serie typischen Persiflage auf die Verlogenheit Hollywoods (Torn sagt einem angeschlagenen Bruno Kirby in der letzten Show instinktiv, dass ‚wir Sie ein anderes Mal dabei haben werden‘). Die Show, die die moderne Sitcom erfunden und die Landung perfekt hingelegt hat. –Jason Newman
66 „Orange Is the New Black“, „Toast Can´t Never Be Bread Again“ (Season 4, Episode 13)
Die Netflix-Gefängnisserie ist die einzige Sendung in der Geschichte der Emmys, die von den Comedy-Kategorien in die Drama-Kategorien umklassifiziert wurde, was zum Teil darauf zurückzuführen ist, dass ihr Ton selbst für die Macher der Serie so schwer zu fassen war. Aber wenn Orange vollkommen ernst werden wollte, war es unglaublich, wie in dieser Folge, die in der Zeit nach dem schockierenden Tod der geliebten Insassin Poussey durch die Hand eines Wärters spielt. Als Taystee (Danielle Brooks) und die anderen Frauen um Poussey trauern und dann wütend feststellen, dass der Wärter ungestraft davonkommt, während die meisten von ihnen für viel geringere Verbrechen hinter Gittern sitzen, entlädt sich ihr Schmerz und ihre Wut in einem Gefängnisaufstand, der die gesamte folgende Staffel in Anspruch nehmen wird. –A.S.
65 „The Andy Griffith Show“, „Opie the Birdman“ (Season 4, Episode 1)
Die Andy Griffith Show legte den Grundstein für einen breiten, leichten und hausbackenen Kleinstadt-Humor, aber die beste Folge der langjährigen Serie aus den 1960er Jahren ist so rau wie ein modernes Prestige-TV-Gefühlsfest. Nachdem der junge Opie Taylor (gespielt von dem neunjährigen Ron Howard) von Barney Fife, dem legendären, tollpatschigen Hilfssheriff von Don Knots, eine Steinschleuder geschenkt bekommen hat, tötet er versehentlich einen Vogel und macht dessen drei junge Nachkommen zu Waisen. „Krieg ich jetzt eine Tracht Prügel?“, fragt Opie seinen Vater, Sheriff Andy Taylor, gespielt vom Star der Serie, Andy Griffith. Diesmal nicht. Stattdessen öffnet der coolste Vater aller Zeiten einfach Opies Fenster, damit sein Junge den frisch mutterlosen Vogelbabys im Baum draußen lauschen kann, die die Nacht in Mayberry mit ihrem verzweifelten, traurigen Zwitschern erfüllen. Howard sagte später, dass die Tränen, die er in der Szene weinte, in der er den Vogel tötet, echt waren, weil er an seinen kürzlich verstorbenen Hund dachte. Die Folge bietet keine großen Lacher, ein mutiger Schritt, wenn man bedenkt, dass es sich um einen Staffelauftakt handelt. Aber indem sie mit dem Schema brachen, schufen sie einen herzzerreißenden Klassiker. –Jon Dolan
64 „Good Times“, „The I.Q. Test“ (Season 2, Episode 7)
Wie das ikonische Gospel-Titellied der Siebziger-Jahre-Sitcom schon sagt, gab es für die Familie Evans in den Cabrini-Green-Wohnprojekten in Chicago viel zu tun, um zu überleben. Und die Spin-off-Serie Maude war so geschickt darin, die vielen Hindernisse zu veranschaulichen, mit denen Florida (Esther Rolle), James (John Amos) und ihre Kinder zu kämpfen hatten. In „The I.Q. Test“ sind alle schockiert, als der begabte jüngste Sohn Michael (Ralph Carter) einen standardisierten Schultest nicht besteht, bis Michael erklärt, dass er sich geweigert hat, den Test zu beenden, nachdem er erkannt hat, dass der Test rassistisch voreingenommen ist und Fragen enthält, die auf die Erfahrungen einigermaßen wohlhabender weißer Kinder zugeschnitten sind. Die Folge behandelt auf geschickte Weise systemische Probleme auf eine Art und Weise, an die zu dieser Zeit nur wenige Serien gedacht haben, geschweige denn bereit waren, sie in ihre Drehbücher aufzunehmen. Und das, obwohl sie sich über die Situation amüsiert, und zwar durch die Ahnungslosigkeit des weißen Testleiters. –A.S.
63 „Moonlighting“, „Atomic Shakespeare“ (Season 3, Episode 7)
Als „Atomic Shakespeare“ in der dritten Staffel von Moonlighting ausgestrahlt wurde, hatte die Privatdetektiv-Comedy bereits zwei Dinge bewiesen: 1) Die Chemie zwischen den Hauptdarstellern Bruce Willis und Cybill Shepherd auf dem Bildschirm war so heiß wie bei keinem anderen Paar – selbst bei einem unverheirateten Paar wie diesem – im Fernsehen; und 2) die Autoren der Serie fühlten sich sich in keiner Weise an die Konventionen des Genres oder der Epoche gebunden fühlten, da sie bereits eine Hommage an den noiren Schwarz-Weiß-Film gedreht und Willis’ David in eine Musicalnummer unter der Regie von Stanley Donen, dem Regisseur von Singin’ in the Rain, gesteckt hatten. So war es nur natürlich, die vertraute Dynamik von David und Maddie in die Zeit Shakespeares zu übertragen, mit einer postmodernen Nacherzählung von Der Widerspenstigen Zähmung, in der Willis und Shepherd Petrucchio und Kate in einer David- und Maddie-Version spielen, und in der an verschiedenen Stellen Ninjas, ein Pferd mit Sonnenbrille und der Möchtegern-Blues-Sänger Willis auftreten, der den Classic-Rock-Hit „Good Lovin’“ zum Besten gibt. Die Folge kommt sogar damit durch, den Dichter umzuschreiben: Anstatt dass Kate sich Petruccios Beharren, die Sonne sei in Wirklichkeit der Mond, fügt, um ihren neuen Ehemann bei Laune zu halten, bleibt sie standhaft und bringt ihn dazu, zuzugeben: „Meine Frau hat es gesagt: Es ist die Sonne und nicht der Mond!“ –A.S.
62 „Severance“, „The We We Are“ (Season 1, Episode 9)
Bis zum Finale der ersten Staffel des satirischen Arbeitsplatz-Thrillers Severance haben die Mitarbeiter der Makrodaten-Veredelungsabteilung von Lumon Industries ihren Siedepunkt erreicht. Als Teil einer Kohorte, die sich freiwillig für einen chirurgischen Eingriff gemeldet hat, der ihr Arbeits-Ich, genannt „Innies“, von ihrem persönlichen Ich, genannt „Outies“, trennt, führen sie alle ein gespaltenes Leben, bei dem die eine Hälfte keine Ahnung hat, was die andere Hälfte tut. Aber jetzt haben die Innies, die sich benachteiligt fühlen, die Nase voll. Mit der Hilfe von Dylan (Zach Cherry), der sich in einen Kontrollraum hackt, finden Helly (Britt Lower), Mark (Adam Scott) und Irving (John Turturro) einen Weg, in die Rolle ihrer Outie-Persönlichkeiten zu schlüpfen – und erfahren dadurch allerlei Dinge über sich selbst, auf die sie nicht unbedingt vorbereitet sind. Mark muss sich dem Tod seiner Frau bei einem Autounfall stellen. Irving versucht, seine Romanze am Arbeitsplatz mit Burt (Christopher Walken), der sein Innie-Ich in den Ruhestand geschickt hat, wiederzubeleben. Und Helly ist schockiert, als sie erfährt, dass sie von der Familie abstammt, die sich für Lumons Entlassung eingesetzt hat. Die Folge ist ein Meisterkurs im Aufbau und Aufrechterhalten von Spannung und erreicht ein herzrasendes Crescendo, bevor sie abrupt mit einem Cliffhanger endet. Die Serie, die zwei Jahre nach der Pandemie Premiere feierte, als viele Angestellte mit veränderten Prioritäten und neuen Vorstellungen von „Work-Life-Balance“ ins Büro zurückkehrten, fängt etwas Wesentliches über unser modernes Unwohlsein ein. Aber wie das Spiegellabyrinth dieser Episode zeigt, ist die vollständige Trennung von Arbeit und Privatleben vielleicht nicht die Lösung, die wir uns erhoffen. –Kalia Richardson
61 „Review with Forrest MacNeil“, „Pancakes, Divorce, Pancakes“ (Season 1, Episode 3)
In dieser Kultkomödie spielt Andy Daly Forrest MacNeil, einen aufgeblasenen Trottel, der sich der selbstzerstörerischen Aufgabe verschrieben hat, alle Lebenserfahrungen zu machen und zu bewerten, die seine Zuschauer von ihm verlangen. In den Folgen zuvor wurde Forrest kokainsüchtig, handelte rassistisch und versuchte, ein Sexvideo zu drehen. Aber die wahre Torheit der Übung wird erst in der dritten Folge deutlich, in der zwei verschiedene Essanfälle um Forrest herum stattfinden, der sich von seiner Frau scheiden lassen muss, ohne ihr erklären zu dürfen, warum er das tut. Es ist ein klassischer Fall, in dem sich ein Witz immer weiter aufbaut, bis wir einen traumatisierten Forrest bekommen, der seinem schrecklichen Publikum erklärt: „Vielleicht habe ich einfach aus der dunkelsten Ecke meiner Seele heraus verstanden, dass diese Pfannkuchen mich nicht umbringen können, weil ich bereits tot war.“ –A.S.
60 „Homeland“, „Q&A“ (Season 2, Episode 5)
Als dieser Spionagethriller über inländischen Terrorismus seine erste Staffel beendete, ohne dass der einer Gehirnwäsche unterzogene Doppelagent Nicholas Brody (Damian Lewis) einen geplanten Selbstmordanschlag verübte, fühlte es sich an, als hätten die Macher einer Serie, die am besten als einmalige Sache gedient hätte, die Nerven verloren. Aber die erste Hälfte der zweiten Staffel, in der es zu einem andauernden Katz-und-Maus-Spiel zwischen Brody und der CIA-Analystin Carrie Mathison (Claire Danes) kommt, war ausgezeichnet und führte zur besten Folge der Serie, in der Brody verhaftet wird und Carrie nur ein begrenztes Zeitfenster zur Verfügung steht, um ihn zu verhören, in der Hoffnung, ihn als Agenten zu gewinnen. Danes und Lewis lieferten ein faszinierendes Schauspiel-Duett, das so stark war, dass man eine alberne Nebenhandlung über Brodys Tochter Dana (Morgan Saylor) und ihren Freund Finn (ein junger Timothée Chalamet), die in einen Unfall mit Fahrerflucht verwickelt sind, leicht ignorieren kann. Von da an ging es für Homeland weitgehend bergab, zumindest bis die Produzenten endlich bereit waren, Brody wirklich sterben zu lassen, aber das schmälert die Qualität von „Q&A“ in keiner Weise. –A.S.
59 „China Beach“, „Hello Goodbye“ (Season 4, Episode 16)
Lange bevor Kabel- und Streaming-Dramen begannen, mit gebrochenen Zeitlinien zu experimentieren, gab es die letzte Staffel dieser völlig unterschätzten Serie über das Personal eines US-Armeekrankenhauses während des Vietnamkriegs. Die Episoden wechselten zwischen Ereignissen an verschiedenen Punkten des Krieges und im Leben der Krankenschwester Colleen McMurphy (Dana Delany) und ihrer überlebenden Kollegen in den Siebzigern und Achtzigern hin und her. Ein Großteil des Serienfinales spielt im Jahr 1988, als die genesende Alkoholikerin McMurphy vorsichtig an einer China-Beach-Wiedersehensveranstaltung teilnimmt und sich dann ihren Freunden bei einem spontanen (und unglaublich ergreifenden) Besuch der Vietnam Veterans Memorial Wall in Washington, D.C. anschließt. C. Aber „Hello Goodbye“ führt uns auch ein letztes Mal nach China Beach zurück, um uns zu zeigen, wie McMurphy sich um einen sterbenden Soldaten kümmert, von dem sie weiß, dass sie ihn nicht retten kann, als abschließende Erinnerung an die Kosten des Krieges, unabhängig davon, ob man in ihm kämpft oder nicht. –A.S.
58 „The Jeffersons“, „Sorry, Wrong Meeting“ (Season 7, Episode 14)
All in the Family, die Mutter-Show von The Jeffersons, hatte bereits vier Jahre vor der KKK-Folge „Sorry, Wrong Meeting“ eine Geschichte über den Ku-Klux-Klan gedreht. Aber die Natur der Abspaltung und ihres Hauptdarstellers ließen die letztere Folge wie eine Neuauflage wirken. Ein rassistischer Nachbar beschließt, dass er die Anwesenheit schwarzer Mieter wie George Jefferson (Sherman Hemsley) nicht tolerieren kann, und veranstaltet eine Klan-Versammlung, um dieses unerwünschte Element aus dem Gebäude zu vertreiben. Aber er lädt den überaus WASPy Tom Willis (Franklin Cover) ein, ohne zu wissen, dass Tom mit George befreundet ist. Tom geht fälschlicherweise davon aus, dass es bei dem Treffen um eine Reihe von Einbrüchen in letzter Zeit geht, und schlägt George später vor, mit ihm zu kommen. Es ist eine perfekte Ausgangssituation für Komödie und Drama, als ein ahnungsloser George den Raum betritt und das, was er für Rhetorik hält, die sich ausschließlich gegen Kriminelle aus der Unterschicht richtet, und nicht gegen einen aufrechten Geschäftsmann wie ihn, bejubelt, während der abscheuliche Gastgeber des Treffens über seine Anwesenheit schockiert ist. Doch dann führt eine frühere Angelegenheit im Zusammenhang mit einer HLW-Schulung zu einem großartigen, dramatischen Höhepunkt: Dieses Spektakel löst beim Klanführer einen Herzinfarkt aus, und George erweist sich als der Einzige im Raum, der in der Lage ist, das Leben von jemandem zu retten, der ihn für weniger als menschlich hält. –A.S.
57 „What We Do in the Shadows“, „On the Run“ (Season 2, Episode 6)
Für eine Show, die sich auf absurden, unsinnigen Humor spezialisiert hat, heben Schöpfer Jemaine Clement und seine Kollegen mit „On the Run“ die Messlatte noch höher. Die Folge holt den aufgeblasenen Vampir Laszlo (Matt Berry, der im Juli endlich eine Emmy-Nominierung für seine Arbeit in dieser Show erhalten hat) aus Staten Island, wo er mit vier Mitbewohnern zusammenlebt – seiner untoten Frau Nadja (Natasia Demetriou), dem Energievampir Colin Robinson (Mark Prosch), dem 760 Jahre alten Nandor (Kayvan Novak) und Nandors Vertrautem Guillermo (Harvey Guillén) – und bringt ihn in eine Kleinstadt in Pennsylvania, wo er hofft, einem alten Freund (Mark Hamill) zu entkommen, der gekommen ist, um eine fast zweihundert Jahre alte Mietschuld einzutreiben. Als Fremder in einem fremden Land gibt sich Laszlo als „normaler menschlicher Barkeeper“ namens Jackie Daytona aus und wird natürlich ein begeisterter Unterstützer des örtlichen Mädchen-Volleyballteams. Seine Verkleidung aus dunkel gewaschenen Jeans und einem Zahnstocher reicht aus, um seinen Verfolger zu täuschen ... bis ein Spiegel (und das Entfernen des Zahnstochers aus seinem Mund) seine wahre Identität enthüllt. Völlig losgelöst von der üblichen trostlosen Kulisse der Serie spielt „On the Run“ auf humorvolle Weise Laszlos makabere Natur gegen seinen Wunsch aus, 14-jährigen Mädchen zu helfen, es bis zur Staatsmeisterschaft zu schaffen. Was will man mehr von einem Kleinstadt-Blutsauger, der das Salz der Erde ist? –CTJ
56 „Friday Night Lights“, „Mud Bowl“ (Season 1, Episode 20)
Als eine Zugentgleisung in der Nähe der Schule die Verlegung eines entscheidenden Playoff-Spiels erzwingt, entscheidet sich Coach Taylor (Kyle Chandler) auf der Suche nach einem neutralen Austragungsort für den retro-mäßigsten Ort: eine Kuhweide, die sich nach einem Regenguss während des Spiels in ein sumpfiges Chaos verwandelt. Während alle anderen denken, dass der Trainer den Verstand verloren hat, weil er eine moderne Anlage meidet, sieht er darin einen Ort, der sich auf das Wesentliche besinnt und es ihm, seinen Spielern und den Fans der Dillon High School ermöglicht, sich wieder mit dem reinen Wesen des Sports zu verbinden, statt mit all den üblichen zynischen Ablenkungen. Auf die gleiche Weise bietet „Mud Bowl“ die geballteste Ladung Emotionen, die dieses herzzerreißendste aller Dramen je geboten hat: die Freude, die Panthers trotz der Wetterbedingungen Spaß haben und gut spielen zu sehen, und das Grauen, dass Tyra (Adrianne Palicki) sich kaum gegen einen Vergewaltiger wehren kann, während sie das Spiel schwänzt, um zu lernen. –A.S.
55 „Better Things“, „Batceañera“ (Season 4, Episode 9)
Pamela Adlons atemberaubendes, halb-autobiografisches Comedy-Drama über Sam Fox, eine alleinerziehende Schauspielerin und Mutter von drei Töchtern, ist vollgepackt mit Episoden, die es verdienen, als die besten bezeichnet zu werden, aber „Batceñera“ fängt auf brillante Weise ein, was dieses unterschätzte Juwel von einer Serie so besonders macht. Es beginnt mit einer Überraschung: Frankie (Hannah Alligood), Sams eigensinnige mittlere Tochter, perfekt nachgespielt einen Jerry Lewis-Sketch aus Who’s Minding the Store? zu Leroy Andersons „The Typewriter“. Im Mittelpunkt der Folge steht die Verschmelzung einer Bat Mitzvah und einer Quinceañera für die 15-jährige Frankie und ihre Freundin Reinita. Die Folge hat alles: Carnitas und Knishes, eine Nachbildung von Frida Kahlos Anzug, eine rein weibliche Mariachi-Band, großartige Nadelstiche, ergreifende Mutter-Tochter-Gespräche mit jedem Mädchen, Sams Ex, der sich endlich ein bisschen dafür schämt, nicht für seine Kinder da zu sein, und vieles, vieles mehr. Es ist eine Batceañera, die nie enden soll. –Lisa Tozzi
54 „The Honeymooners“, „The Man From Space“ (Episode 14)
Für Fans von The Honeymooners ist es unmöglich, eine Lieblingsfolge auszuwählen, aber wie Jackie Gleason selbst ist „The Man From Space“ eine der ganz großen. Die Folge wurde ursprünglich an Silvester 1955 ausgestrahlt und zeigt Gleasons polternden Ralph Kramden, der beim Kostümwettbewerb in der Raccoon Lodge gegen seinen trotteligen Kumpel Ed Norton (Art Carney) antritt. Norton mietet sein Outfit – eine protzige französische Aufmachung, die an den Ingenieur erinnern soll, der die Kanalisation von Paris gebaut hat – während Ralph beweisen will, dass er es besser kann, indem er ein Kostüm aus Alltagsgegenständen herstellt: eine Taschenlampe, die Tür des Eisschranks, einen Kochtopf als Helm. Seine Vision ist „der Mann aus dem All“, aber weder seine leidgeprüfte Frau Alice (Audrey Meadows) noch Norton sehen das so. Als das Live-Publikum schließlich Ralph in all seiner Pracht erblickt, ist ihre Reaktion aus dem Häuschen, auch wenn Teile seines Raumanzugs unerwartet zu Boden fallen und eine klassische Gleason-Werbepause einleiten: „Gib mir das“, bellt er Alice an, „das ist mein Denaturierungsmittel.“ Die letzte Szene auf der Kostümparty, in der Norton mit einer Gasmaske von seiner Schicht in der Kanalisation hereinplatzt, ist eine Szene für die Ewigkeit. – Joseph Hudak
53 „Six Feet Under“, „Everyone´s Waiting“ (Season 5, Episode 12)
Alan Balls HBO-Drama begann seine Episoden normalerweise mit einem grausamen und/oder höchst ironischen Tod. Für das Serienfinale entschied sich der Showrunner jedoch für etwas anderes: Er begann das letzte Kapitel der Familie Fisher und ihrer Mitarbeiter nicht mit dem Auslöschen eines Lebens, sondern mit einer Geburt – und beendete die Show dann nicht mit einem Tod, sondern mit einem Dutzend. Nachdem der Großteil des Schwanengesangs damit verbracht wurde, alle losen Erzählenden zusammenzubinden, zeigt uns Six Feet Under dann, wie jede der überlebenden Hauptfiguren schließlich aus dem sterblichen Dasein scheidet: Matriarchin Ruth Fisher stirbt an Altersschwäche im Kreise ihrer Familie; Federico erleidet auf einem Kreuzfahrtschiff einen Herzinfarkt; Davids Ehemann Keith, der als Sicherheitsmann arbeitet, wird bei einem Raubüberfall ermordet usw. Zu dem Sia-Song „Breathe“ ist diese zu Recht gelobte Montage ein Frontalangriff auf Ihre Tränendrüsen. Sie spart Claires Tod für den Schluss auf, und bevor sie im Alter von 102 Jahren ihren letzten Atemzug tut, sehen wir überall um sie herum Beweise von Freunden, geliebten Menschen, berufliche Auszeichnungen und persönliche Erinnerungen. Für eine Serie, die sich so sehr dem plötzlichen Tod widmet, endet sie mit einer Hommage an ein langes, gut gelebtes Leben. –David Fear
52 „Columbo“, „Etude in Black“ (Season 2, Episode 1)
Als zerzauster Mordermittler Lt. Columbo war Peter Falk so übermenschlich charmant, dass er selbst mit einem Türknauf auf dem Bildschirm eine Chemie hätte erzeugen können. Aber die legendäre Krimiserie war immer dann am besten, wenn Falk einen starken Gegenspieler hatte. Diese Folge, in der der verbissene Polizist versucht zu beweisen, dass ein berühmter Orchesterdirigent seine Geliebte ermordet hat, hat in dieser Hinsicht einen Heimvorteil, da der Bösewicht von Falks engem Freund und häufigem Kollegen John Cassavetes gespielt wird. Abgesehen davon, dass die Schauspieler sich auf der Bühne wohlfühlen, knistert es in dieser Folge, weil die Formel von Columbo darauf beruht, dass die Mörder zu arrogant sind, um anzunehmen, dass dieser nuschelnde Trottel sie überlisten könnte – und Cassavetes hatte die Gabe, selbstgefällig und genervt zu spielen. –A.S.
51 „Friends“, „The One Where Everybody Finds Out“ (Season 5, Episode 14)
Die besten Momente von Friends kommen in Episoden, in denen das gesamte Ensemble mitwirkt (Staffel 3: „The One Where No One’s Ready“, Staffel 7: „The One With Monica’s Thunder“), in denen alle sechs Freunde zusammenarbeiten und eine Comedy-Show der Extraklasse abliefern. Das Ergebnis sind immer 22 spannende Minuten, in denen es nicht eine Sekunde langweilig wird, und „The One Where Everybody Finds Out“ ist das beste Beispiel für diese Dynamik. Das Geheimnis ist gelüftet: Alle haben von Monica und Chandlers Beziehung erfahren (OK, vielleicht ist Ross ein wenig spät dran), und die Clique spielt ein Spiel, bei dem sie sich gegenseitig herausfordern, um zu sehen, wer zuerst nachgibt. Phoebes Satz „Sie wissen nicht, dass wir wissen, dass sie wissen, dass wir es wissen!“ verkörpert alles, was an dieser Folge großartig ist, und den Witz und Wortwitz, der die Serie zu einem Klassiker macht. Kein Wunder, dass sie für drei Emmys nominiert wurde. –A.M.
