Die 100 besten Songwriter aller Zeiten: das Ranking

ROLLING STONE präsentiert: die 100 besten Songwriter aller Zeiten. Übersetzung von Bernd Gockel.

von RS 10.08.2023

John Lennon

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Platz 89: Felice and Boudleaux Bryant. Es brauchte ein Ehepaar-Team – mehr als vier Jahrzehnte verheiratet und erst durch den Tod getrennt -, um eine der verheerendsten Geschichten des Rock über gebrochene Herzen zu schreiben: „Love Hurts“. Das Werk, das 1960 von den Everly Brothers – für die die Byrants eine Reihe von Hits schrieben, von denen jeder ein kompakter Roman über das Verlangen und den Kampf von Teenagern war – ins Leben gerufen und von Roy Orbison in den Opernstatus erhoben wurde, wurde zu einem der Gründungsdokumente von Alt-Country, als Gram Parsons 1974 darüber berichtete. Ein Jahr später wurde es von den britischen Hardrockern Nazareth in eine bahnbrechende Power-Ballade verwandelt, die es auf Platz acht der Billboard Hot 100 brachte.

R.E.M. wurden im März 2007 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.

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Anfang der siebziger Jahre zog er nach Austin, Texas, und erfand sich selbst neu als Bindeglied zwischen der Tradition Nashvilles und dem Imperativ der persönlichen Freiheit im Rock. Er machte Konzeptalben wie „Phases and Stages“ und „Red Headed Stranger“, half bei der Pionierarbeit für die Outlaw-Country-Bewegung und wurde zum größten Interpreten amerikanischer Lieder abgesehen von Frank Sinatras. Niemand außer Dylan hat den endlosen Highway mit mehr künstlerischem Erfolg begangen – so wie in „On the Road Again“, einem Top-20-Grammy-Gewinner von 1980, verdeutlicht. Seine Studiokarriere ist ebenso endlos und reicht von Texas-Swing über Reggae bis hin zu Standards mit Streichern.

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Robbie Robertson mit The Band auf der Bühne

1000 Inhaftierte sahen den Man In Black, der gleich mit dem "Folsom Prison Blues" begann -und erkannten ihn als ihresgleichen, einen mit sich selbst und der Welt hadernden Mann, der nie aufgab. Die unsterblichen Zeilen "I shot a man in Reno/ Just to watch him die" wurden wohl selten so gut verstanden.

Ich saß dort im Halbdunkel und hatte meine Erleuchtung. Ich verstand plötzlich, was alle großen Songwriter irgendwann einmal entdeckt haben: dass man mit Worten Berge versetzen kann.“ Dass Dylan und The Band von Kritikern über den grünen Klee gelobt wurden, habe ihn zeitweise schon etwas eifersüchtig gemacht, gestand er später einmal. Dabei lieferte seine Herangehensweise nicht minder relevante Einblicke in den damaligen Zeitgeist, etwa in „Fortunate Son“, seiner klassenkämpferischen Abrechnung mit dem Vietnamkrieg – oder aber im dräuenden Menetekel „Bad Moon Rising“, das die anstehende Apokalypse in einen unwiderstehlich pumpenden Rock’n’Roller verwandelte.

Platz 37. Jackson Browne. Musikalisch (und vielleicht auch optisch) war er der kalifornische Liedermacher aus dem Bilderbuch, bewies im Laufe einer langen Karriere aber auch, dass er die Grenzen des Songschreibens ständig neu vermass. Dabei nahm er sein eigenes Leben unter die Lupe – vom altklugen „These Days“ (das er mit 16 Jahren schrieb) bis hin zu neueren Songs wie „The Night Inside Me“ –, thematisierte aber auch soziale Ungerechtigkeit („Lawyers In Love“) oder politischen Protest („Lives In The Balance“). Doch mit welchem Sujet er sich auch beschäftigte: Immer hatte Browne einen nachdenklichen, sich selbst hinterfragenden Ansatz, den er einmal (in „Looking East“) als „the search for the truth“ bezeichnete.

Platz 36: Jerry Garcia & Robert Hunter. Der songschreibende Nukleus von Grateful Dead war das psychedelische Pendant zum Broadway-Team Rodgers & Hart, das vor fast hundert Jahren dem Modell des gleichberechtigen Komponisten und Texters zum Durchbruch verhalf. Frühe Kollaborationen wie „Dark Star“ waren noch in den unendlichen Weiten des Kosmos beheimatet, doch beginnend mit Alben wie „Aoxomoxoa“ (1969), „Workingman’s Dead“ und „American Beauty“ (1970) erforschten Garcia und Hunter ein mythisches Amerika, das besiedelt war mit verkrachten Glücksrittern, Kokain-schnupfenden Lokomotivführern, sprechenden Krähen, Karten-spielenden Wölfen und – nicht zu vergessen:

Insgesamt 38 Mal belegte er Platz eins der US-Country-Charts und lieferte dabei Klassiker wie „Okie From Muskogee“, „Mama Tried“ und „Sing Me Back Home“, die Autobiografisches mit dem Honkytonk eines Lefty Frizzell oder Hank Williams kombinierten. „Manchmal kamen die Songs so schnell, dass ich mit dem Schreiben gar nicht mehr nachkam“, sagte er 2010 dem Magazin American Songwriter. „Und manchmal tun sie das auch heute noch.“ Der arbeitswütige Haggard, der einmal acht Alben innerhalb von drei Jahren veröffentlichte, bediente mit seiner Hippie-Schelte „Okie From Muscogee“ zwar die erzkonservative Redneck-Klientel, beeinflusste gleichzeitig aber auch Rock-Meilensteine wie „Workingman’s Dead“ von Grateful Dead oder „Beggars Banquet“ von den Rolling Stones.

Dolly Parton 2014 in Glastonbury, England.

Platz 24: Elvis Costello. Nachdem er 1977 sein Debüt als staksiger Punk-Rocker mit losem Mundwerk gegeben hatte („Ich hab immer Songs mit vielen Worten geschrieben“, sagte er 2008. „Ich mag den Effekt, dass eine Vielzahl von Bildern an deinem geistigen Auge vorbeirast“), mauserte sich Costello zum Prototyp des substanziellen Songwriter, dessen enormes Spektrum nicht zuletzt auch ur-amerikanische Sensibilitäten adressierte: Nach der meisterlichen Soul- und R&B-Bonanza „Get Happy!“ von 1980 folgte der Country-Abstecher „Almost Blue“ sowie mit „Imperial Bedroom“ eine Verneigung vor dem musikalischen Erbe der Tin Pan Alley. Klassische Costello-Songs:

Sie schrieben Top 10-Hits für etablierte Größen wie Elvis Presley („Jailhouse Rock“), die Coasters („Yakety Yak“), Wilbert Harrison („Kansas City“), die Drifters („On Broadway“) und Dion („Ruby Baby“), liebten es aber auch, subversive Lyrics in ihren schmissigen R&B-Nummern zu verstecken: „Riot In Cell Block #9“, ein US-Hit für The Robins 1954, beschrieb eine Gefängnisrevolte, während mit „Poison Ivy“ – 1959 eine Nummer eins für die Coasters – unmissverständlich Geschlechtskrankheiten und die Gefahr ihrer Übertragung gemeint waren. Wenn sie sich zum Songschreiben zusammensetzten, „hatte ich oft nur zwei, drei Zeilen“, erklärte Leiber einmal. „Mike hockte am Klavier und klimperte vor sich hin, bis mir eine neue Zeile einfiel. Dann machte er sich umgehend daran, die Worte rhythmisch und metrisch in Form zu bringen.“ Ihr Einfluss auf den frühen Rock’n’Roll in Amerika war unermesslich, doch auch die „British Invasion“ kam an ihnen nicht vorbei: Die Beatles, Stones, Hollies und Searchers waren nur die Speerspitze zahlloser englischer Bands, die auf Songs von Leiber & Stoller nicht verzichten mochten.

Neil Young entspannt sich in einem Hotel in Tokio, 1976

fünf weitere schafften den Sprung im Jahr seines vorzeitigen Todes. Sein Spektrum reichte dabei vom gut gelaunten Party-Kracher („Hey Good Lookin‘“ oder „Settin‘ The Woods On Fire“) zum Lamento über das Ende einer Beziehung („I’m So Lonesome I Could Cry“), von der religiösen Erleuchtung in „I Saw The Light“ zur existenziellen Ausweglosigkeit in „Lost Highway“ oder „I’ll Never Get Out Of This World Alive“ – seiner letzten zu Lebzeiten veröffentlichten Single. Doch unabhängig davon, wie seine Gemütslage gerade aussah, schrieb Williams mit einer ökonomischen Präzision, von der andere Songschreiber nur träumten. „Wenn sich ein Song nicht in 20 Minuten schreiben lässt, sollte man ihn gar nicht erst schreiben“, sagt er einmal – und lieferte damit auch gleich das Argument, warum die lakonische Wortgewalt seiner Songs von nachfolgenden Generationen so verehrt wurde.

Doch als er sich Anfang der Siebziger stilistisch weiterentwickelte, nahmen Marleys Songs auch inhaltlich neue Dimensionen an. Mit seinen Attacken gegen gesellschaftliche Ungerechtigkeiten in der Dritten Welt avancierte er zum Sprachrohr und Fahnenträger einer untypischen Zielgruppe. „Ich möchte etwas bewegen, weil ich die Ausbeutung mit eigenen Augen sehe“, sagte er über „Get Up, Stand Up“, seinem unmissverständlichen Ruf zu den Waffen. Doch Marley war auch in den Zwischentönen zuhause, propagierte die Macht des Marihuanas und predigte spirituelle Erleuchtung („Lively Up Yourself“, „Stir It Up“), schrieb wundervolle Lovesongs („Waiting In Vain“, „Is This Love“) oder beschwor die Zukunft der Rastas und der pan-afrikanischen Einheit („Exodus“, „Zimbabwe“).

Wonder war immer willens, die Gesamtheit aller menschlichen Erfahrungen im Auge zu behalten. Musik, nicht zuletzt auch das Songschreiben, war seine zweite Natur. Bereits in den Sechzigern – damals noch Motowns Wunderkind – schrieb er sein eigenes Material und lieferte 1966 mit „Uptight (It’s Alright)“ sogar einen ausgewachsenen Hit. Mit Alben wie „Talking Book“ (1972) und „Innervisions“ (1973) machte er das Studio zum Canvas seiner inneren Expeditionen und dokumentierte den Willen, die musikalischen Formeln von Motowns Hitfabrik endgültig abzuschütteln. „Ich arbeite wie ein Maler“, sagte er einmal, „ich greife auf Erfahrungen zurück, die schmerzhaft sein können oder erhebend. Wobei am Anfang eigentlich immer ein Gefühl unendlicher Dankbarkeit steht –

King war primär für die Melodien zuständig, während Goffin die Lyrics schrieb. „Als Paul und ich mit dem gemeinsamen Schreiben anfingen“, sagte John Lennon einmal, „wollten wir die britischen Goffin & King werden.“ Nach der Scheidung arbeitete Goffin an Hits für Diana Ross („Theme From Mahagony“), Whitney Houston („Saving All My Love For You“) oder Gladys Knight („I’ve Got To Use My Imagination“), während King vor allem als Interpretin ihres eigenen Materials glänzte. 1971 lieferte sie mit „Tapestry“ eins der erfolgreichsten Alben aller Zeiten ab und sprach damit eine ganze Generation junger Frauen an, die nach einer neuen Identität jenseits der Kleinbürgerlichkeit suchten.

Jagger hingegen will wissen, dass Oldham allenfalls verbal Druck ausgeübt habe: „Er schloss uns vielleicht symbolisch in einem Raum ein, doch real ist das nie passiert.“ Wie Lennon & McCartney schrieben auch Jagger & Richards nicht alle Songs gemeinsam. „Happy“ etwa stammte komplett von Keith, „Brown Sugar“ von Mick. Aber beide waren an Bord, als die größten Stones-Hits entstanden. „Ich denke, dass diese Partnerschaft ein Konstrukt ist, das einen grundlegenden Vorteil hat“, sagte Jagger einmal dem ROLLING STONE. „Die Leute lieben diese Art von Drama, weil sie sich immer mit einem der beiden Partner identifizieren können – und das gibt ihrer Neugier stets neue Nahrung.“

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