Die 100 besten Sänger aller Zeiten – Platz 10 bis 1

Die 100 größten Sänger aller Zeiten – Platz 10 bis 1. Texte u.a von Bono, Iggy Pop, Alicia Keys, Van Morrison, Robert Plant.

von Sassan Niasseri 29.03.2013

10. James Brown. Text von Iggy Pop: James Brown war für mich nie nur eine Stimme, sondern das ganze Paket. Aber die Wirkung dieser Stimme gab mir Hoffnung, weil sie ohne großen Firlefanz serviert wurde und nichts mit einer vermeintlichen Riesenstimme zu tun hatte. Und dieser Schrei, der von ganz tief drinnen zu kommen schien und die Rechte eines Urmenschen einforderte: „Ich bin lebendig, ich kann alles Mögliche tun!“ Seine Tanzbewegungen nannte er „afrikanische Nervensteuerung“. Das ergab Sinn. Auf seinen ganz frühen Platten versuchte er, Standards zu singen. Dafür reichte es aber nicht ganz. Ich hörte ihn das erste Mal auf „Live At The Apollo“, das war ein paar Jahre später. Ich arbeitete damals in einem Plattenladen. Auf „Apollo“ gibt es immer noch eine Menge traditioneller Songs – „Try Me“, „Lost Someone“. Foto: IM. All rights reserved.

Aber was mich vom Stuhl riss und mir neue Ideen gab, war die Kontinuität, mit der er diese Sachen brachte. Zuerst das lange Intro und diese unglaublich detaillierte Eingangsmusik. Und wenn James dann einsteigt, hält er sich erst mal sehr zurück, arbeitet mit dynamischen Effekten, laut und dann wieder ganz sanft. In „Lost Someone“ kommt diese rauschhafte Wiederholung, wo die Band ständig zwischen zwei Harmonien wechselt und er in einem fort sagt: „I’ll love you tomorrow.“ Und dann kommt es plötzlich – „Uh!“ – wie eine Ohrfeige, und die Band antwortet. Nichts davon ist zufällig, aber es klingt auch nicht forciert oder nach Zwangsjacke. Er war ein sagenhafter Arrangeur. Das Stück, das mich komplett ausrasten ließ – ich weiß noch, dass ich es im Auto hörte –, war „I Can’t Stand It“.

Er pfiff auf den Refrain, pfiff auf die Melodie, es war kaum mehr als ein Riff übrig, aber er trieb die Band an wie der Steuermann einer römischen Galeere: Rudert, ihr Wichser, uh! Seine Balladen haben immer irgendwo eine scharfe Kante, die einem zeigt, dass es um etwas Reales geht. Eine der weniger bekannten ist „Mama’s Dead“ auf „Black Caesar“. Die haut mich jedes Mal um. Am Ende, nachdem er all diese hammerharten Sachen erzählt hat, sagt er einfach: „Jeder hat eine Mutter, und du weißt, wovon ich rede.“ Oder im Refrain von „It’s a Man’s Man’s Man’s World“ – ein weniger genialer Künstler würde sagen: „It wouldn’t mean nothin’ without a woman“. Oder „without a girl“. Aber nicht beides. Das ist nicht nur einfach ein Text. Er singt über etwas Urtümliches und Grundlegendes.

Um Dylans Bedeutung als Sänger zu verstehen, muss man sich eine Welt ohne Tom Waits, Bruce Springsteen, Eddie Vedder, Kurt Cobain, Lucinda Williams und jeden anderen Vokalisten mit Reibeisenstimme, Straßenköterkläffen oder Bluesgeheul vorstellen. Die Liste ist lang, aber auch Dylan hatte eine ganze Menge Vorbilder, von Allen Ginsbergs Talmud-Rezitationen in „Howl“ bis zum staubtrockenen Humor Woody Guthries und dem Gemurmel von Lefty Frizell. In seiner Stimme liegt Eisenerz vergraben, und die bitterkalten Winde von Minnesota blasen darüber hinweg. Sie ist wie eine geballte Faust, was Dylan erlaubt, zutiefst melancholische Lieder zu singen, ohne sentimental zu werden. Interessanterweise öffnet sich die Faust mit dem Alter, lässt ein wenig Verletzlichkeit zu. Wenn er heute „Idiot Wind“ singt, klingt er manchmal wirklich wie ein Idiot.

Das erste Mal hörte ich Bob Dylans Stimme im Dunkeln, vom Plattenspieler meines Freundes. Ich war 13 Jahre alt. Es war das „Greatest Hits“-Album, sein erstes. Die Stimme sang über moderne Themen, klang aber gleichzeitig uralt. Für irische Ohren wirkte sie seltsam vertraut. Wir dachten damals, Amerika sei bevölkert von Superhelden, doch die Leute in seinen Songs waren alles andere als das – Bauern, Menschen, denen übel mitgespielt worden war. Das Ungewöhnliche an Bob Dylan war, dass er uns in den 60er Jahren für kurze Zeit wie die Zukunft erschien. Er war die Stimme einer Generation, die sich gegen die Generationen davor erhob. Doch dann wurde er zur Stimme aller Generationen, die Stimme der Geister – 30er Jahre, Dust Bowl, Gershwin und Varieté.

Als ich das als Teenager hörte, entsprach es genau meinem damaligen Gefühlszustand – ständig brennend vor sexueller Begierde, aber mit einem leisen Bedauern, dass man sich so wenig unter Kontrolle hat. John war sich seiner Gefühle sicher, und das konnte man in seinen Songs hören. Bei John Lennon und den Beatles wird oft übersehen, dass es für Angehörige der Liverpooler Arbeiterklasse ungewöhnlich war, in eine höhere Gesellschaftsschicht katapultiert zu werden und ihre Wurzeln, ihre Sprache und Stimme nicht zu verstecken. Es war mutig von ihnen, sich nicht zu ändern. Mit jedem Wort, das Lennon sang, sagte er, wer er war und woher er stammte. Er sang nicht sehr laut. Das wurde mir klar, als ich „Oh My Love“ von „Imagine“ lernte.

Der Song muss leise gesungen werden, und dafür braucht man eine Menge Kraft. Das ist paradox – um leise und hoch zu singen, muss man körperlich stark sein. In „I’m Only Sleeping“ von „Revolver“ klingt er schläfrig, als würde er gerade im Bett liegen. Oder „I’m So Tired“ auf dem Weißen Album – da wirkt er irgendwie gereizt. Diese Songs leben in einem weiter, weil der Sänger es schafft, einen bestimmten Moment in all seinen Facetten darzustellen. „Imagine“ ist eine Meisterleistung. Während er singt, macht er die Sehnsucht nach einer Welt, in der echter Friede herrscht, für uns lebendig. Und er singt mit einer Furchtlosigkeit, die Polemik ebenso verhindert wie Kitsch.

Sam Cooke The Keen Records Story Artwork

Er nahm das Grollen und verwandelte es in Gesang. Er nahm das Jaulen, das Keuchen, das Grunzen, das Stöhnen und machte daraus Musik. Und er konnte Klavier spielen. Das Klavier ist eigentlich ein Schlaginstrument, man muss es mit dem ganzen Körper spielen. Ray hatte Körperbewegungen drauf, die ich noch nie gesehen hatte. Aber ich hatte sie gehört, wenn er sang. Ich hörte seine linke Schulter ein bisschen nach oben gehen, hörte, wie er sich von seinem Stuhl erhob. Erst da wurde mir klar, dass die Stimme, die ich hörte, auch das Klavier spielte. Das Erste, was ich von Ray hörte, war „Modern Sounds In Country And Western Music“. Er hatte davor schon Hits gehabt, R&B-Sachen wie „What’d I Say“.

Doch auf einmal war da ein schwarzer Mann, der einem die weißestmögliche Musik in der schwärzestmöglichen Verpackung zu einem Zeitpunkt servierte, als die Bürgerrechtsbewegung alles auf den Kopf stellte. Wenn er „You Don’t Know Me“ sang, dachte ich: „Er singt nicht nur den Text. Er sagt: ‚Ihr kennt mich nicht. Ihr sollt mich kennenlernen.‘“ Ray konnte raffinierte Sachen mit einem Song anstellen. Seine Version von „America The Beautiful“ 1972 war richtungweisend. Er legte so viel Gefühl hinein. Es war seine Art zu sagen: „Dies ist auch mein Land. Wir haben euch die Musik gegeben, die ihr heute so gern hört. Sie gehörte uns, bevor sie euch gehörte.“ Ray hat den Blues in eine Sprache übersetzt, die jeder verstehen konnte.

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