Die 100 besten Hiphop-Songs aller Zeiten
Was macht einen großartigen Hiphop-Song aus? Hier erfahren Sie es.
10 Eric B. und Rakim, „Paid in Full“
Beweisstück A für Rakim als John Coltrane des Hip-Hop. Sein leuchtender Gedankenblasen-Rap auf „Paid in Full“ ist reiner Fluss und listiges Ausweichen von Beats, eine Meditation über Gut gegen Böse, die ruhig das Gangsterleben in reale Wirtschaft einbettet (eine Vorliebe für „einen schönen großen Teller Fisch/Das ist mein Lieblingsgericht“) und ein Blick eines Romanciers für Details („Nichts außer Schweiß in meiner Hand“). In einer Ära, in der die meisten Hip-Hop-Songs mit lauten, übertriebenen Prahlereien explodierten, war Rakims nachvollziehbarer, zurückhaltender Fluss bahnbrechend. „Ich wollte immer irgendwie den Hörer dazu bringen, zu fühlen, dass ich über sie spreche, oder dass ich den Reim so sagen konnte und das Gefühl hatte, dass sie es sagen“, sagte er Jahre später. Der Beat von Eric B., gesampelt aus einem Break von „Ashley’s Roachclip“ von den Soul Searchers, war genauso bahnbrechend; er inspirierte das britische DJ-Team Coldcut dazu, „Paid in Full (Seven Minutes of Madness)“ zu kreieren, das bald zur definitiven Version des Songs und vielleicht zum besten Remix in der Geschichte des Hip-Hop wurde.
9 N.W.A, „Straight Outta Compton“
„Ein Mordrap, um dich zum Tanzen zu bringen, mit einer kriminellen Akte wie Charles Manson“, der explosive erste Track auf N.W.A.s Debüt von 1988, läutete die Ära des Gangsta-Raps mit einer rohen Bedrohung ein, wie es niemand zuvor gehört hatte. Ice Cube, Dr. Dre, MC Ren, DJ Yella und Eazy-E verlagerten den Fokus des Rap von New York nach South Central Los Angeles, obwohl MTV sich weigerte, das Video zu „Compton“ wegen seiner gewalttätigen Bilder zu zeigen. „Die Kids haben nur darauf gewartet“, sagte Bryan Turner von Priority Records, die schnell 2 Millionen Exemplare von Straight Outta Compton verkauften. Eines dieser Kinder war ein junger Chris Rock, der eine Kopie von L.A. mitbrachte, um sie seinen fassungslosen Freunden an der Ostküste vorzuspielen. „[N.W.A] waren wie die Britische Invasion für Schwarze“, sagte Rock.
8 The Notorious B.I.G., „Juicy“
Der größte Rapper, der je gelebt hat, in seiner absoluten Hochphase: witzig, präzise und wahnsinnig einfallsreich, während er städtischen Realismus („Geburtstage waren die schlimmsten Tage“) und spielerischen Exzess („Jetzt trinken wir Champagner, wenn wir durstig sind“) ausbalanciert. Die funky erste Single von The Notorious B.I.G.s weltbewegendem Debüt von 1994, Ready to Die, war ein Abweichen vom rauen Ostküsten-Rap-Sound seiner Debütsingle von 1993, „Party and Bullshit“, und weit entfernt vom gangsta-don Image, das er ursprünglich vermitteln wollte. Doch Executive Producer Sean „Puffy“ Combs bestand darauf, dass Big über eine einfache, clubfreundliche Schleife von Mtumes Dance-Party-Hit aus den frühen Achtzigern, „Juicy Fruit“, rappt. (Produzent Pete Rock sagt, Combs habe die Idee von ihm bekommen.) „Ich wollte Musik veröffentlichen, die den Leuten zeigte, dass er mehr war als nur ein Gangsta-Rapper“, sagte Combs später. „Er zeigte seinen Schmerz, aber am Ende wollte er die Leute glücklich machen.“
7 Public Enemy, „Fight the Power“
Hank Shocklee, eine Hälfte des Produktions-Teams der Bomb Squad von Public Enemy, sagte, die Gruppe wollte ihren Track für Spike Lees explosiven Film „Do the Right Thing“ von 1989 ein „aufsässiges, aggressives, ich-werde-es-nicht-hinnehmen-Gefühl“ verleihen. Sie haben es geschafft. Keine Band seit den Sex Pistols hatte die klanglichen und politischen Möglichkeiten der Popmusik so weit vorangetrieben wie Public Enemy mit „Fight the Power“. Chuck D attackierte „ganz klar rassistische“ Institutionen wie Elvis, John Wayne und die US-Post, während die Bomb Squad Schicht um Schicht von Samples (James Brown, the Dramatics, Uriah Heep) zu einem implosiven Kriegstanz-Funk verwebten. Chuck D entwickelte das Konzept des Songs während einer Tour mit Run-DMC in Italien, und Lee führte Regie in seinem hektischen protestorientierten Video, das auf den Straßen von Bed-Stuy, Brooklyn, gedreht wurde. Das Ergebnis war das komplette „In-your-face“-Paket. Im Sommer ’89 schien es, als könnte es eine regelrechte Revolution auslösen.
6 Dr. Dre feat. Snoop Doggy Dogg, „Nuthin’ but a ‘G’ Thang“
Als „Nuthin’ But a ‘G’ Thang“ Anfang 1993 auf Platz zwei der Single-Charts kletterte, machte es Dr. Dre zum unangefochtenen König des Westküsten-Hip-Hop und führte das Genre in den Mainstream, wodurch die kulturelle Dominanz New Yorks ernsthaft herausgefordert wurde. Die unwiderstehlich eingängige geheime Waffe des Songs war ein relativ unbekannter 21-jähriger Hund namens Snoop Doggy Dogg, dessen Verse mit mühelos zitierbaren Zeilen gefüllt sind. „ ‘ G’ Thang“ führte auch Dres meisterhaften „G-Funk“-Produktionsstil ein, der das Erbe von George Clinton aus den Siebzigerjahren mit langsamen, elastischen Grooves und vielschichtigen Synthie-Hooks aktualisierte. „Wir haben während der Crack-Ära Platten gemacht, in der alles aufgeputscht, beschleunigt und ausgezogen war“, erklärte Chuck D. „Dre kam mit ‚G’ Thang‘ und hat das ganze Genre verlangsamt. Er hat den Hip-Hop von der Crack-Ära zur Weed-Ära gebracht.“ Hören Sie sich die Erben des 21. Jahrhunderts an, von Kendrick Lamar bis Future, und es ist ziemlich klar, dass wir in seiner weltlichen Welt leben.
5 Geto Boys, „Mind Playing Tricks on Me“
Kurz bevor die Geto Boys ihr Album von 1991, „We Can’t Be Stopped“, veröffentlichten, wurde das Trio aus Houston von ihrem kleinwüchsigen Mitglied Bushwick Bill während eines suizidalen Ausrasters ins Auge geschossen. Er überlebte; ein Foto von ihm, auf dem er seine Wunde zeigt, erschien auf dem Cover des Albums. Dieser Top-30-Hit, aufgenommen vor, aber nach dem Vorfall veröffentlicht, offenbarte noch mehr von der manischen Depression und dem Todeswunsch tief in den gewalttätigen, misogynen Reimen der Geto Boys. Scarface, der den Song schrieb und produzierte, klang wie sein Namensvetter aus dem Film: aufgeputscht und voll bewaffnet an der Grenze zur Vernunft, über dunkel-treble Gitarre und einem Gunslinger-Walk-Rhythmus, der aus Isaac Hayes‘ Soundtrack zum Film von 1974, „Three Tough Guys“, gesampelt wurde. In einem Genre, in dem Angst nicht als männlich galt, war „Mind Playing Tricks on Me“ ein Klassiker der zerbrochenen Ghettorüstung und blutigen Kapitulation: der Beweis dafür, dass selbst die härtesten Typen besorgte Herzen haben.
4 Run-DMC, "Sucker M.C.s"
Am Anfang war Hip-Hop Clubmusik, ein Ableger von Disco, der normalerweise zum Tanzen und Feiern gedacht war. Nach „Sucker M.C.’s“ gehörte er den Teenagern auf der Straße. „Es gab nie eine B-Boy-Platte, bis wir ‚Sucker M.C.’s‘ gemacht haben“, erklärte der verstorbene DJ Jam Master Jay von Run-DMC. Tatsächlich schien der Track von 1983 – nichts als Reime und Scratches über harten Oberheim-DMX-Beats und Handklatschen – speziell für Breakdancer konzipiert zu sein. „Sucker“ wurde als B-Seiten-Wurfprodukt zum Debüt der Gruppe, „It’s Like That“, konzipiert, aber sein mitreißender Groove und die Reime für Jedermann waren noch radikaler. Run erzählt seinen Schöpfungsmythos, disst Konkurrenten, prahlt mit seinem Cadillac und seiner Anziehungskraft auf Mädchen. Dann stellt sich sein Partner vor mit „Ich bin DMC am richtigen Ort/Ich gehe zur St. John’s University!“ Tatsächlich: Eine neue Schule war angekommen. „Ich hatte keine Angst, darüber zu rappen, dass Schule cool ist“, sagte Darryl „DMC“ McDaniels Jahre später. „Das war stärkend. Das ist das Vermächtnis, wenn Leute sich Run-DMC ansehen.“
3 Afrika Bambaataa and the Soulsonic Force, "Planet Rock"
„Eins der einflussreichsten Lieder überhaupt“, sagt Rick Rubin. „Es hat die Welt verändert.“ Geleitet von einem rehabilitierten Mitglied einer South Bronx Gang, das sich zum Punk-Mystiker, Gemeindeführer und DJ wandelte, mit Hilfe von aufstrebenden Superstar-Produzenten Arthur Baker und John Robie, interpolierte diese Atom-Bombe von 1982 Teile von Kraftwerks „Trans-Europe Express“ und „Numbers“, verband Synthie-Stöße mit roboterhaften MC-Chants („Rock rock to the planet rock/Don’t stop!“) zu einer futuristischen Jam, die die Welt umkreiste. Es führte Roland 808-Beats in den Hip-Hop ein, wofür Acts von den Beasties bis Kanye West dankbar sein würden. Ebenso wichtig prägte es die klangliche Sprache von Electro, Detroit Techno, Freestyle R&B, Miami Bass und brasilianischem Favela-Funk – mit anderen Worten, einen Großteil der modernen Tanzmusik. „Zur damaligen Zeit betrachteten wir es kaum als Rap-Platte“, fügt Rubin hinzu. „Es ging eher um einen neuen Sound.“ In den Worten von Chuck D von Public Enemy: „Es gab kein Lied wie dieses im Hip-Hop seitdem.“
2 Sugarhill Gang, "Rapper’s Delight"
Es brauchte drei Jungs aus New Jersey, um Hip-Hop, ein noch unterirdisches, in New York geborenes Phänomen, zum ersten Mal ins Top-40-Radio zu bringen. Bronx-DJ Grandmaster Flash erinnerte sich daran, „Rapper’s Delight“ im Radio gehört und gefragt zu haben: „Die Sugarhill wer? Wer sind diese Leute?“ Sylvia Robinson, Gründerin von Sugar Hill Records, bekam die Idee für den Song, als sie einen DJ in einem Club in Harlem über eine Platte sprechen hörte, und gründete kurz darauf die Sugarhill Gang. Auf der originalen 12-Zoll-Single war „Rapper’s Delight“ 15 Minuten urbaner Playboy-Prahlen über einen Disco-Rhythmus, der die Basslinie in Chics Hit von 1979, „Good Times“, offensichtlich zitierte. Chip Shearin, der bei der Session von „Rapper’s Delight“ Bassgitarre spielte, erinnerte sich daran, „Schweißperlen“ vergossen zu haben, als er das körperbewegende Riff des Songs eine Viertelstunde lang spielte, ohne Änderungen oder Fehler. Shearin, damals 17, wurde mit 70 Dollar bezahlt. Chic’s Nile Rodgers und Bernard Edwards machten es viel besser, indem sie schließlich Schreibercredits und Tantiemen erhielten, nachdem sie mit rechtlichen Schritten gedroht hatten.
1 Grandmaster Flash and the Furious Five, "The Message"
„The Message“ war ein totaler Volltreffer“, sagt Chuck D von Public Enemy. „Es war die erste dominante Rap-Gruppe mit dem bedeutendsten MC, der etwas Bedeutendes sagte.“ Es war das erste Lied, das mit der rhythmischen und stimmlichen Kraft des Hip-Hop die Wahrheit über das moderne Leben in der amerikanischen Innenstadt erzählte. Über sieben Minuten hinweg, auf einem Seventies P-Funk-Jam, tauschten Rapper Melle Mel und Co-Autor Duke Bootee, ein Mitglied der Hausband von Sugar Hill Records, Zeilen und Szenen des Kampfes und des Verfalls aus, mit einer Warnung am Ende jeder Strophe: „Dräng mich nicht, denn ich bin nah dran am Rand/Ich versuche, nicht den Kopf zu verlieren.“ Der bahnbrechende DJ Grandmaster Flash von den Furious Five sagte später, dass „The Message“ bewies, dass ihre Musik „Dinge sagen konnte, die sozialen Stellenwert und Wahrheit haben“. Als sie Bootees Demo (ursprünglich mit dem Titel „The Jungle“) zum ersten Mal hörten, waren sie besorgt, dass Hip-Hop-Clubgänger den Inhalt und den verlangsamten Beat nicht mögen würden. Wie Melle Mel sich erinnerte, war er das Mitglied, das nachgab und zustimmte, es aufzunehmen. Die Leiterin von Sugar Hill Records, Sylvia Robinson, überredete ihn, mehr Texte zu schreiben und zu rappen, und der Studiomusiker von Sugar Hill, Reggie Griffin, fügte das unvergessliche Synthesizer-Riff hinzu. Trotz der Nennung auf der Platte traten Flash und die Five nur in einer Schlussszene auf, in der sie von der Polizei belästigt und verhaftet wurden. „The Message“ war ein Hit, aber seine chaotische Entstehung war tödlich für die Five, die sich bald trennten. Ihre bemerkenswerteste Wiedervereinigung war 2007, als sie die erste Rap-Gruppe waren, die in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen wurde.
Dieser Artikel wurde aus dem Englischen übersetzt – das Original finden Sie hier.
