Die 100 besten Albumcover aller Zeiten
Diese Albumcover haben die Art und Weise, wie wir Musik sehen, für immer verändert.
Duran Duran, „Rio“
1982
Die geheimnisvolle Frau auf dem Cover von Duran Durans „ Rio “ wurde zu einem der prägenden Pop-Bilder der damaligen Zeit. Nick Rhodes von Duran Duran nennt siedie „Mona Lisa der achtziger Jahre “. Sie beauftragten den Künstler Patrick Nagel, der ihnen ein riesiges, fünf mal fünf Zentimeter großes Gemälde ihrer neoromantischen Muse mit ihrem selbstbewussten, allwissenden Lächeln schickte. „Da war sie“, erinnert sich John Taylor. „Das Mädchen, das auf dem Sand tanzte.“ Für eine Rockband war es 1982 ein gewagter Schritt, eine lächelnde Frau auf dem Cover abzubilden, aber wie Rhodes sagte: „Wir haben es alle angeschaut und das Mädchen angelächelt.“ Im Juni 2024 wurde der Star auf dem Cover schließlich als das Model Marcie Hunt identifiziert, das 1981 auf dem Cover der Pariser Vogue abgebildet war; sie ist jetzt eine Weingutbesitzerin aus dem Napa Valley und Duran Duran-Fan, die auf ihrer Hochzeit zu „Rio“ tanzte. -R.S.
Led Zeppelin, „IV“
1971
Die Musik von Led Zeppelin hatte schon immer eine gewisse rustikale Note unter ihrem Heavy-Metal-Donner. Das Cover ihrer mitreißenden, elegischen vierten LP erinnert auf subtile Weise an diesen Zwiespalt. Es zeigt ein altes Foto eines alten Mannes mit einem riesigen Bündel von Stöcken auf dem Rücken – ein Bild, das Robert Plant in einem Trödelladen in Reading, England, ausgegraben hat – und auf der Rückseite des Klappcovers ein modernes Wohnhaus. Jimmy Page sagte, diese Gegenüberstellung stehe für „die Zerstörung des Alten und das Entstehen des Neuen“. In einem anderen, zeitgenössischen Interview ging der Gitarrist näher auf die Notlage des mysteriösen „Stockmannes“ ein, der sich letztes Jahr als Dachdecker namens Lot Long herausstellte. „Der alte Mann, der das Holz trägt, ist im Einklang mit der Natur. Er nimmt von der Natur und gibt dem Land etwas zurück“, sagte Page. „Seine alte Hütte wird abgerissen und sie stecken ihn in diese städtischen Slums; alte Slums; schreckliche Orte.“ -H.S.
KISS, „Alive!“
1975
Du wolltest das Beste, und du hast es bekommen – die heißeste Band des Landes, Kiss, mit ihrem kultigsten Albumcover, Alive! Kiss verkauften zu diesem Zeitpunkt nicht viele Platten, aber das Cover von „Alive !“ machte sie zu Rockstars, wahrscheinlich mehr als das eigentliche Album es tat. Das Foto von Fin Costello stellt die vier Superhelden vor: Gene zieht aus, Ace rockt, Paul stellt seine sieben Zoll hohen Absätze zur Schau und irgendwo im Rauch sitzt eine Katze am Schlagzeug. Das ist die ultimative visuelle Mythenbildung von der Band, die die visuelle Mythenbildung praktisch erfunden hat. (Aber das ist kein echtes Konzertfoto – sie posieren in einem leeren Theater in Detroit – und die Bandmitglieder haben sich auch nicht dazu geäußert, ob die Musik live aufgenommen wurde. Gene Simmons sagte: „Wenn du es dir ansiehst, siehst du, dass Ace seine Gitarre verkehrt herum hält.“ -R.S.
Bob Dylan, „The Freewheelin‘ Bob Dylan“
1963
Wenn die gesamte Folkszene von Greenwich Village in den frühen Sechzigern durch ein einziges Bild definiert werden müsste, wäre es zweifellos das Cover von The Freehweelin‘ Bob Dylan. Es wurde vom CBS-Fotografen Don Hunstein aufgenommen und zeigt Dylan und seine Freundin Suze Rotolo, wie sie an einem kalten Februartag die Jones Street zwischen Bleecker Street und West 4th Street entlanggehen. „Ich fühlte mich wie eine italienische Wurst“, sagte Rotolo 2008. „Jedes Mal, wenn ich das Bild anschaue, denke ich, ich sehe fett aus. Für alle anderen war es ein kleiner Einblick in eine Welt voller Jugend, Freiheit und grenzenloser Kreativität. Als die Coen-Brüder 2013 Inside Llewyn Davis drehten, der in New York zur Zeit des Folk-Revivals spielt, haben sie sich stark an diesem Bild orientiert. „Das Cover vonFreewheelin‘ Bob Dylan war die Vorlage für die Farbpalette des Films“, sagt Joel Coen. „Es war auch die Vorlage für das allgemeine Gefühl des Films: grau, New York, matschig, kein Sonnenschein, kalt. -A.G.
Public Enemy, „Fear of a Black Planet“
1990
Zwei Welten verschmelzen … oder zwei Welten kollidieren? Das Cover von Public Enemys drittem Album „Fear of a Black Planet“ verdeutlicht diese ungelöste Spannung . Die Collage von B.E. Johnson zeigt einen schwarzen Planeten mit dem PE-Logo, der langsam die Erde verfinstert. „Chuck D war schon immer sehr eigenwillig, wenn es um seine Kunst ging“, erinnert sich Cey Adams, der zur internen Kunstabteilung von Def Jam, dem Drawing Board, gehörte. Def Jam wandte sich an Johnson, der Teil des Kunstprogramms der NASA war. „Der Hauptgrund, warum ich für dieses Cover angeheuert wurde, war mein Ruf in der [Luft- und Raumfahrt-]Industrie“, schrieb Johnson in seinem Blog Imperial Earth. „Ich erklärte die physikalischen Zusammenhänge und lieferte mehrere Skizzen und Diagramme, um das Wesentliche zu verdeutlichen. Chuck hat es verstanden und mir bei der Gestaltung freie Hand gelassen.“ -M.R.
The Wailers, „Catch a Fire“
1973
In den Sechziger- und Siebzigerjahren spielten die Albumdesigner eine Zeit lang mit der Form des Covers: Ein Rod Stewart-Album sah aus wie ein Schnapsglas, ein Traffic-Album hatte abgeschnittene Ecken und die Small Faces wählten ein rundes Cover, das mit spektakulärer Geschwindigkeit aus den Regalen der Plattenläden gerollt sein muss. Sogar in diesen Zeiten war die Originalhülle des ersten Albums von Bob Marley and the Wailers für Island ziemlich auffällig. Die von Rod Dyer und Bob Weiner entworfene Platte sah nicht nur aus wie ein Zippo-Feuerzeug: Die obere Hälfte hatte ein Scharnier, mit dem du sie wie ein Feuerzeug aufklappen und die LP herausziehen konntest. Die Verpackung war so kostspielig, dass sie schließlich durch ein Foto ersetzt wurde, das Marley beim Rauchen eines Joints zeigt. Zum Glück wurde bei der Neuauflage des Albums zum 50. Geburtstag im letzten Jahr das gefälschte Feuerzeug zumindest auf einem Foto abgebildet, so dass wir uns alle noch an die Zeit erinnern können, als geniale Ideen wie diese, die keine Kosten verursachen, in Rauch aufgegangen sind. -D.B.
Talking Heads, „Remain in Light“
1980
Als die Talking Heads 1980 ihr Art-Funk-Meisterwerk Remain in Light fertigstellten, besuchten die Bassistin Tina Weymouth und der Schlagzeuger Chris Frantz Weymouths Bruder Yann am MIT in Boston, wo er Software für das US-Verteidigungsministerium entwickelte. Mit Hilfe eines Kollegen von Yann begannen sie, einige Fotos – darunter Headshots der Band und Bilder von Grumman Avenger-Bomberflugzeugen – auf einem, wie Frantz es in seinen Memoiren 2020 nannte, „riesigen Großrechner“ zu bearbeiten. „Nach mehreren Versuchen mit verschiedenen Farben kamen wir zu einem Bild der vier Bandmitglieder mit grob gemalten roten Masken auf ihren Gesichtern“, schreibt Frantz. Der Designer Tibor Kalman drehte jedes „A“ im Bandnamen um und vervollständigte so ein fesselndes, leicht beunruhigendes Bild, das passenderweise genauso wie ein Poster für eine Kunstausstellung aussah wie ein Post-Punk-Albumcover. -H.S.
Elvis Presley, „50,000,000 Elvis Fans Can’t Be Wrong: Elvis’ Gold Records – Volume 2“
1956
Elvis sah noch nie so extravagant aus wie auf seiner Hitsammlung 50.000.000 Elvis Fans Can’t Be Wrong von 1959. Der King stolziert in seinem goldenen Lamé-Anzug, umgeben von doppelten Bildern von ihm selbst, dem Zentrum seines eigenen glitzernden Sonnensystems. Colonel Parker gab den Anzug bei dem legendären Hollywood-Schneider Nudie Cohn in Auftrag. Elvis trug den goldenen Smoking nur drei Mal auf der Bühne – er mochte die Hosen nicht, die ihn beim Wackeln einschnürten. Als die Platte herauskam, war er bereits in der Armee und der Anzug war im Lager. Aber es wurde sein kultigstes Albumcover und auch sein meist parodiertes, das von allen kopiert wurde, von The Fall (50.000 Fall Fans Can’t Be Wrong) über Bon Jovi (100.000.000 Bon Jovi Fans Can’t Be Wrong) bis zu Phil Ochs („50 Phil Ochs Fans Can’t Be Wrong“). Der Anzug ist jetzt in Graceland ausgestellt. -R.S.
Yes, „Relayer“
1974
In den letzten fünf Jahrzehnten hat der britische Künstler Roger Dean mit Yes zusammengearbeitet, um surreale Landschaftsbilder zu schaffen, die so kühn, komplex und eindrucksvoll sind wie ihre Musik. Es ist ein nebliges Universum aus schwebenden Inseln, massiven Felsformationen, die allen Gesetzen der Schwerkraft trotzen, und gelegentlich ein Drache mit Schmetterlingsflügeln. Seine Arbeit erreichte ihren Höhepunkt mit dem 1974 erschienenen Album Relayer, auf dem er zwei Männer auf Pferden zeichnete, die in die Öffnung einer massiven, farblosen höhlenähnlichen Struktur einritten, inspiriert von dem Song „Gates of Delirium“. „Ich spielte mit der Idee der ultimativen Burg“, sagt Dean, „der ultimativen Mauer einer befestigten Stadt. Das war eher eine fantastische Idee. Ich war auf der Suche nach Dingen, wie sie die Tempelritter gebaut haben oder wie man sie im aktuellen Film Herr der Ringe sieht – die geschwungenen, wirbelnden Ausleger, die bis in den Weltraum reichen.“ -A.G.
David Bowie, „The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars“
1972
David Bowie liebte es, mit jedem Albumcover seine neue Persönlichkeit zu zeigen: das Glam-Sternchen von Hunky Dory, den benommenen Außerirdischen von Low, den modernen Liebhaber von Let’s Dance. Auf Ziggy Stardust spielte Bowie einen außerirdischen Rockstar, aber für das Cover vermied er eine auffällige Nahaufnahme. Stattdessen ist Ziggy in einer Londoner Gasse in der Hadden Street in einer regnerischen Nacht zu sehen, mit seinem blauen Overall und seiner Gitarre. „Er wollte wie ein echter Fremder rüberkommen“, sagt Fotograf Brian Ward. „Wie in einem Science-Fiction-Film.“ Bowie posierte unter einem Schild mit der Aufschrift „K. West“, was die Fans zu endlosen Theorien inspirierte. „Die Leute haben so viel hineininterpretiert“, sagte er 1993 dem Rolling Stone. „Sie dachten, dass K. West eine Art Code für ‚Quest‘ sein muss. Es hatte einen mystischen Beigeschmack.“ Jahre später gab es eine andere Interpretation: Hatte Bowie eine zukünftige Hip-Hop-Legende vorhergesagt? Tut mir leid, aber K. West war ein erstklassiger Londoner Kürschner. -R.S.
