Die 100 besten Albumcover aller Zeiten
Diese Albumcover haben die Art und Weise, wie wir Musik sehen, für immer verändert.
Joni Mitchell, „Hejira“
1976
Joni Mitchell schrieb „Hejira “ , als sie quer durchs Land reiste. Sie hätte also ein Foto von einer offenen Straße auf das Cover drucken können und es damit gut sein lassen können. Stattdessen war das erst der Anfang. Die glatte Straße ist in ein Schwarz-Weiß-Porträt von Norman Seeff eingebettet, das Mitchell mit Baskenmütze und Zigarette in der Hand „wie eine Bergman-Figur“ zeigt. Für das Cover und den Umschlag wurden etwa 14 Fotos verwendet – darunter der Eiskunstläufer Toller Cranston auf dem Eis, um die winterliche Stimmung zu unterstreichen – und ein Airbrush-Verfahren, damit die Bilder auf dem Cover wie eine einzige Illustration aussehen. Die Mühe hat sich gelohnt, denn so entstand ein wunderschönes, kompliziertes Albumcover, das so filigrane Titel wie „Amelia“ und „Song for Sharon“ repräsentiert. Rückblickend sagt Mitchell , dass es ihr Lieblingscover ist: „Da steckt eine Menge Arbeit drin.“ -A.M.
Sonic Youth, „Goo“
1990
Da Sonic Youth lange Zeit die offizielle Band der amerikanischen Avantgarde-Kunstszene waren, ist ihr Katalog voll von ikonischen Bildern wie dem Kerzenbild vonGerhard Richter auf Daydream Nationoder der Stoffpuppe vonMike Kelley auf Dirty. Aber keines ist so nachhaltig wie die Schwarz-Weiß-Skizze, die die SoCal-Punk-Legende Raymond Pettibon zu Goo beisteuerte . Die beiden unfassbar coolen jungen Soziopathen und ihre Neo-Noir-Geschichte von Sex und Tod wurden seither endlos gememt, aber damals, 1990, machten sie die Verantwortlichen des neuen Major-Labels der Band nervös – und das war auch der Sinn der Sache. „Das war damals so wichtig“, sagte Lee Ranaldo später dem Biografen David Browne. „In gewisser Weise waren wir immer noch in der Welt, die unsere ‚Szene‘ geschaffen hatte. -S.V.L.
Rosalía, „El Mal Querer“
2018
Rosalía wandte sich an ihren langjährigen Internetfreund, den kroatischen Künstler Filip Ćustić, um ein „visuelles Universum“ für ihr Flamenco-Pop-Meisterwerk „ El Mal Querer“ (2018) zu entwerfen. Die beiden chatteten über Whatsapp, um für jeden Track ein Bild zu entwerfen, das „die spanische Bildsprache ins 21. Passend zum Thema des Albums stellt Ćustić Rosalía als ätherische Königin der Seraphen dar, ein Symbol des göttlichen Weiblichen, das von der Tyrannei eines kontrollierenden Mannes befreit wurde. „Sie taucht nackt aus dem Himmel auf, als wäre sie eher eine Göttin als eine Jungfrau, und sagt: ‚Das bin ich, und das war mein Lernprozess‘“, erklärte Ćustić in der spanischen Zeitung El Pais. -S.E.
Lana Del Rey, „Norman Fucking Rockwell“
2019
Auf dem Cover ihres sechsten Albums scheint uns Lana Del Rey in ihre Welt der dekonstruierten amerikanischen Mythen zu ziehen, denn sie hält sich an die Kennedy-eske Figur von Jack Nicholsons Enkel Duke Nicholson. Vom in Öl gemalten blauen Himmel bis hin zu Del Reys leuchtend grüner Nylonjacke spiegelt das Bild mit seinem retro-modernen Flair perfekt die Art und Weise wider, wie die Musik darin ihre eigene Vision des verblassenden Laurel Canyon aus dem Jahr 2010 bietet. Das Coverfoto wurde von Del Reys Schwester Caroline „Chuck“ Grant aufgenommen, die mit der Sängerin bereits bei einer Reihe von Musikvideos und Fotoshootings zusammengearbeitet hat (u. a. 2023 auf dem Cover des Rolling Stone UK). „Sie fängt das ein, was ich als visuelles Äquivalent zu meiner musikalischen Arbeit betrachte“, sagte Del Rey 2014 in einem Interview. -G.M.
T. Rex, „Electric Warrior“
1971
Nur wenige Rockhüllen wirken so zielstrebig und karg wie das Cover von „Electric Warrior“ , auf dem der Glam-Gott Marc Bolan zusammen mit seiner Gitarre und seinem Verstärker in einer interstellaren Leere schwebt. Die Hipgnosis-Designer Storm Thorgerson und Aubrey Powell verwendeten ein Live-Bild von Kieron Murphy und fügten einen auffälligen goldenen Heiligenschein hinzu, der dazu beitrug, Bolan genau zu dem Zeitpunkt zu einer visuellen Ikone zu machen, als er seine Verwandlung vom Blumenkind zum vollendeten Rock & Roll-Dandy vollzog. „Schwarz und Gold, der Metal-Guru in voller Kraft“, schrieb Beck einmal über eines seiner Lieblingsbilder. „So soll ein Rockcover aussehen.“ -H.S.
A Tribe Called Quest, „The Low End Theory“
1991
Das Cover des zweiten Albums von A Tribe Called Quest zeigt ein namenloses Model, das von Joe Grant fotografiert wurde. Sie kniet in schwarzen Schatten, ihr Körper ist mit grüner und roter Farbe bedeckt. Das Bild ist zum Teil von den Ohio Players inspiriert, die in den 1970er Jahren eine Reihe von Covern mit Frauen in verrückten und anzüglichen Positionen veröffentlichten. Ich wollte einen weißen Hintergrund für die Aufnahme, aber sie haben ihn umgedreht und schwarz gemacht“, sagte der Anführer der Gruppe, Q-Tip, 2005 in dem Buch ‚ Rakim Told Me‘. Alle visuellen Elemente der Low End Theory( ), von der Frau in Körperbemalung bis hin zum rot-schwarz-grünen Farbschema, das an die panafrikanische Flagge erinnert, wurden zu prägenden Elementen für Tribe und zu einem Markenzeichen für ihren tief verwurzelten und vom Jazz geprägten Bohemien-Sound. -M.R.
Björk, „Homogenic“
1997
Die Entstehung von „Homogenic“ war eine schwierige Zeit für Björk, denn sie musste sich an den neuen Weltruhm und den Selbstmord von Ricardo López gewöhnen, einem verstörten Fan, der eine Briefbombe an ihr Londoner Haus schickte. Nachdem sie ein auffälliges Modefoto des Fotografen Nick Knight und des Designers Alexander McQueen entdeckt hatte, beauftragte sie die beiden damit, die verschiedenen emotionalen Strömungen in ihrem Leben in einem fesselnden hyperrealen Porträt zusammenzufassen. Die Mischung aus kulturellen Elementen – ein japanischer Kimono, eine europäische Maniküre, Maasai-Halsringe und eine Hopi-Frisur mit Schmetterlingswirbel – spiegelt Björks Selbstverständnis als Weltbürgerin wider. Wie sie später sagte: „Wir haben versucht, eine Person zu kreieren, die sehr zurückhaltend ist: lange Maniküre, Halsschmuck, Kopfbedeckung, Kontaktlinsen – und trotzdem versucht, ihre Stärke zu behalten.“ -H.S.
Judas Priest, „British Steel“
1980
Der Gitarrist von Judas Priest, Glenn Tipton, arbeitete fünf Jahre lang bei der British Steel Corporation, bevor seine Band – die eine andere Art von Heavy Metal produziert – beschloss, ihr sechstes Album „ British Steel“ zu nennen. Der Titel passte zu Art Director Rosław Szaybo und Fotograf Bob Elsdale, die eine riesige Rasierklinge aus Aluminium mit dem Bandlogo darauf entwarfen. Szaybo meldete sich freiwillig, um die Klinge für die Aufnahme zu halten. „Viele Leute sahen es sich an und waren ziemlich entsetzt“, sagte Elsdale zu Revolver. „Die Kanten der Klinge schienen sich in Rosławs Fleisch zu schneiden, denn er hielt die Klinge ziemlich fest in der Hand. Aber das war nicht der Fall – die Klinge hatte tatsächlich stumpfe Kanten. Es war nicht blutig, aber es hatte etwas Dramatisches.“
-K.G.
Sleater-Kinney, „The Hot Rock“
1999
„Es ist eine labyrinthische Platte“, schrieb Carrie Brownstein in ihren Memoiren über die vierte LP von Sleater-Kinney, The Hot Rock, „traurig, zerrissen, keine Siegesrunde, sondern eine Rede der Unsicherheit“. Nach ihrem Durchbruch von 1997, Dig Me Out, arbeiteten Brownstein, Corin Tucker und Janet Weiss an zwischenmenschlichen Konflikten und sahen sich gleichzeitig mehr denn je einer kritischen Prüfung ausgesetzt. Das Coverfoto von Marina Chavez, das die Band an einer Straßenecke in Portland, Oregon, zeigt, fängt diese schwere Energie ein: Tucker und Weiss starren beide auf den Bordstein, der Schlagzeuger sieht fast ängstlich aus, während Brownstein die Hand hebt und mit verärgertem Gesichtsausdruck ein Taxi ruft. Wie die Juwelendiebe in dem Film von 1972, der dem Album seinen Namen gab, hatte das Trio keine andere Wahl, als sich zu beeilen und den richtigen Moment abzuwarten. -H.S.
David Bowie, „Diamond Dogs“
1974
David Bowie beendete seine Glam-Ära mit dem dekadenten, apokalyptischen Exzess von Diamond Dogs, einem Konzeptalbum, das in einem zerfallenden Amerika der Zukunft spielt. „Als wir bei Diamond Dogs ankamen“, sagte er später, „da geriet alles außer Kontrolle. Der gestörte Geist erstreckte sich auch auf das vom belgischen Künstler Guy Peellaert gestaltete Cover, auf dem Bowie als grotesker Halb-Mensch/Halb-Hund abgebildet war, inklusive Genitalien auf seinem verdrehten Körper. Bowies Pose auf dem Cover wurde von einem Foto der Sängerin Josephine Baker aus dem Jahr 1926 inspiriert. Gerade als das Album an die Einzelhändler verschickt werden sollte, zog Bowies Plattenfirma das Cover zurück und ließ es in etwas weniger Anstößiges umgestalten. Einige Exemplare wurden dennoch verkauft, und Diamond Dogs bleibt das provokanteste Albumcover in Bowies Karriere. -G.M.
