Wolfgang Doebelings 25 vergessene & verkannte Meisterwerke

Herausragende wie vernachlässigte Alben aus allen Epochen. Mit Merle Travis, The Shadows und Rainy Day.

von Benjamin Jungert 01.08.2013

Merle Travis - The Merle Travis Guitar Die bare Selbstverständlichkeit, mit der Merle Travis den Saiten seiner Gitarre diese unerhörten Töne entlockte, muss für weniger befähigte Gitarristen einschüchternd gewirkt haben. Die talentierteren begriffen sie als Herausforderung. "Merle zuzuhören, war schon ungeheuer inspirierend", so Chet Atkins, "seinen Fingern dabei zuzusehen, wie sie scheinbar anstrengungslos die Saiten zum Schwingen brachten, war Ansporn." Im Spiel von Travis trafen sich musikalische Traditionen, die einander eher fremd waren. Der melodische Twang des Country und der subversive Swing des Jazz wurden mit Verve und Virtuosität zum Tanzen gebracht, als "Travis Picking" bereichert diese stilbildende Technik seither den Musiker-Wortschatz.

Merle Travis – The Merle Travis Guitar Die bare Selbstverständlichkeit, mit der Merle Travis den Saiten seiner Gitarre diese unerhörten Töne entlockte, muss für weniger befähigte Gitarristen einschüchternd gewirkt haben. Die talentierteren begriffen sie als Herausforderung. „Merle zuzuhören, war schon ungeheuer inspirierend“, so Chet Atkins, „seinen Fingern dabei zuzusehen, wie sie scheinbar anstrengungslos die Saiten zum Schwingen brachten, war Ansporn.“ Im Spiel von Travis trafen sich musikalische Traditionen, die einander eher fremd waren. Der melodische Twang des Country und der subversive Swing des Jazz wurden mit Verve und Virtuosität zum Tanzen gebracht, als „Travis Picking“ bereichert diese stilbildende Technik seither den Musiker-Wortschatz.

Buffalo Springfield – Buffalo Springfield Again Die umfangreiche Dankesgrußliste auf dem Cover beginnt mit Hank B. Marvin, einst erstes Idol von Neil Young. Die Tracklist eröffnet mit Youngs „Mr. Soul“, einem Song über Entfremdung und die Hohlheit der Star-Maschinerie zum Riff von „Satisfaction“. Der überragende Track, das von Jack Nitzsche orchestrierte, traumhaft-transzendenale Epos „Expecting To Fly“ ist eigentlich Neil Young solo, der finale und längste Track schließlich ist „Broken Arrow“, eine Suite in drei Akten, hochambitioniert und ebenfalls aus Youngs Feder. Selbst Richie Furays „A Child’s Claim To Fame“ erklärt sich erst als Replik auf Neils Song „I Am A Child“. Eine gefühlte Dominanz freilich nur, denn Young steuerte bloß drei der zehn Songs bei, Steve Stills derer vier, darunter mit dem Fuzz-Jazz-Juwel „Everydays“ und dem erdgebundenen, dann jäh auffliegenden „Bluebird“ immerhin zwei seiner besten.

Wir wollten die Rock-Rhythmen auflockern, mit traditionellen akustischen Instrumenten wie Fiddle, Mandoline und Banjo, zu einer Art Appalachian Mountain Surf Music“. Gewagt, gewonnen: Was das Quintett im Studio aus dem Ärmel schüttelte, klang abenteuerlich, ja bisweilen bizarr. Barock und Bluegrass, Rags und Rock’n’Roll fanden aufs Wunderlichste zueinander. Buddy Hollys „Rave On“ folgt einem Old-Timey-Backstep, danach intonieren Gitarre und Mandoline ein Fiddle-Tune. Auch zeitgenössisches Liedgut von Michael Nesmith und Randy Newman erfährt superbe Bearbeitung. Das eklektische Vergnügen gipfelt in einem magischen Moment, wenn Onkel Charlies Harmonica und Teddys begleitendes Jaulen aus grauer Vorzeit übergeht ins Jetzt von Jerry Jeff Walkers ansteckend walzerndem „Mr. Bojangles“. Ergreifend, jedesmal.

The Beach Boys – Holland Im Beach-Boys-Camp hielten die Egos einander eifersüchtig in Schach, für kreative Entfaltung fehlte es an Kraft und Konzentration, und um Brian Wilson in seiner Umnachtung zu erreichen, brauchte es mehr als gute Worte. Ein radikaler Ortswechsel, so Manager Jack Rieleys Spekulation, könnte inspirativ wirken und Brian aus der Depression reißen. Also verbrachte man den Sommer ’72 in Holland, wo im teuer nachgebauten Heimstudio tatsächlich eine ganze Reihe exzellenter Aufnahmen entstanden, ohne großes Zutun von Brian, der zwar widerwillig mitgeflogen war, sich aber vornehmlich mit einer gut zehnminütigen Petitesse titels „Mount Vernon And Fairway“ beschäftigte, die dem Album äußerlich blieb und als 7inch-Beilage verschenkt wurde.

Carl Wilson übernahm die Regie, steuerte selbst mit dem anti-kolonialistischen „The Trader“ den besten Song bei. Auch Bruder Dennis‘ herrlich rumorendes „Steamboat“ und das naturselige Heimweh-Epos „California Saga“ von Mike Love und Al Jardine überzeugen. Dasselbe lässt sich nur bedingt von „Leaving This Town“ behaupten. Obschon sich der ausufernde kompositorische Beitrag von Ricky Fataar und Blondie Chaplin schön ins Sequencing fügt und somit kaum stört, ist er doch eine Konzession an das seit Brians Ausfall angestrebte Konzept der Band als demokratischere, herrschaftsfreie Zone. Weil keiner der Tracks zur Single taugte, bestand Reprise auf geeigneter Ergänzung. So kam ein alter, halbfertiger Song von Brian Wilson zu späten Ehren, das wogende Album maritim verankernd: „Sail On, Sailor“.

Old & In The Way – Old & In The Way Die Evolution des Bluegrass schien zu Beginn der siebziger Jahre in Richtung Elektrik zu gehen, selbst die Dillards machten längst Country-Rock, als in San Francisco fünf befreundete Musiker mit Bluegrass-Background zusammenkamen, um gemeinsam ihrer Spielfreude Ausdruck zu verleihen. Alle hatten sie auch andere musikalische Interessen, alle hatten sie sich wegentwickelt vom klassischen Hoedown, alle hatten ihre eigene, besondere Stilgeschichte. Jerry Garcia mit den Grateful Dead, David Grisman und Peter Rowan mit Jugband-Folk oder Psychedelic Blues, und Vassar Clements auf halber Strecke vom Bluegrass zum Hillbilly-Jazz. Was beim Gipfeltreffen der Virtuosen an Banjo, Mandoline, Gitarre, Fiddle und Bass herauskam, war demgemäß nicht Bluegrass in Reinkultur.

Hier waren Freigeister am Werk. Garcias Improvisationslust und Grismans Dawg-Swing trafen auf John Kahns Standbass-Stoizismus und die Trad-Versiertheit von Clements und Rowan. Die hatten einst bei Bill Monroe Disziplin gelernt, integriert im rigiden Ensemble-Spiel der legendären Bluegrass Boys. Eine Tugend, auf die sie bei Bedarf zurückgreifen konnten, so auch am 8. Oktober 1973, als diese live auf Tape gemixten Aufnahmen in San Franciscos Boarding House vor kleinem, aber enthusiastischem Publikum entstanden. Ein phänomenales, völlig zwangloses Vergnügen fernab fader Traditionspflege, souverän Genre-Grenzen unterpflügend. „Panama Red“, Rowans frivole Heroisierung eines gesetzlosen Lüstlings, wird hier nicht im Galopp erzählt, sondern akustisch gezügelt, „White Dove“ und „Wild Horses“ klingen, als hätten die Stanley Brothers und die Rolling Stones sie aus demselben Holz geschnitzt.

Oasis – Be Here Now Auf „Morning Glory“ konnten sich alle einigen, die Weltherrschaft winkte, doch Oasis wollten mehr. Ein gewaltigeres, noch imposanteres Monument wurde in Angriff genommen, präpotent und vollgedröhnt, ohne Maß und Muse. Ein Gitarrensturm braust auf, Helikopter-Donner und manisches Feedback verdichten sich apokalyptisch. „All my people right here, right now“, sammelt der Tribun die Getreuen, „d’you know what I mean?“. Eine rhetorische Frage, die Antwort gibt er selbst: „Yeah, yeah“. Dies war keine museale Veranstaltung, sondern der gottverdammte Turmbau zu Babel, Schicht für Schicht aufgetragen, Spur um Spur hochgezogen, mehr Limiter, mehr Loops, mehr Reverb. Natürlich verprellte „Be Here Now“ die Freunde gefällig-beatlesker Liedkunst.

Themen aus dem Artikel:

Lightnin Hopkins Merle Travis Doebeling meisterwerke cannonbal adderley

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