Die 100 besten TV-Episoden aller Zeiten
In jeder großartigen Show steckt eine 22- bis 60-minütige Geschichte, die einem für immer im Gedächtnis bleibt.
Das, was das Geschichtenerzählen im Fernsehen schon immer von seinem Pendant auf der großen Leinwand unterschieden hat, ist die Existenz einzelner Episoden. Auch wenn wir Serien in einem Rutsch durchschauen, konsumieren wir sie dennoch in klar abgegrenzten Teilen. Das Medium erreicht seinen Höhepunkt, wenn es genau dies akzeptiert. Die Freude am Anschauen einer fortlaufenden Serie kommt genauso sehr von den einzelnen Schritten auf dem Weg wie vom Ziel selbst – wenn nicht sogar mehr. Es gibt nur wenige Popkultur-Erlebnisse, die befriedigender sind, als wenn deine Lieblingsserie mit einer einzigen Folge alles richtig macht, sei es eine Episode, die stark von der Norm der Serie abweicht, oder einfach eine unglaublich gut ausgeführte Version der bekannten Formel.
Diese episodische Natur sorgt jedoch auch dafür, dass TV grundsätzlich inkonstant ist. Die größte Dramaserie aller Zeiten, The Sopranos, konnte gelegentlich auch mal danebenliegen, wie etwa mit der Folge über den Columbus Day. Und selbst mittelmäßige Serien können gelegentlich eine einzelne Episode auf dem Niveau deutlich stärkerer Serien hervorbringen.
Für diese Liste der 100 besten Episoden aller Zeiten von Rolling Stone haben wir sowohl die Höhepunkte klassischer Serien als auch Beispiele von weniger bekannten Shows berücksichtigt, die es geschafft haben, kurzzeitig über ihre Verhältnisse hinauszuwachsen. Wir haben Episoden von den 1950er Jahren bis heute aufgenommen. Wir haben uns dabei auf narrative Dramen und Komödien beschränkt – also keine Nachrichten, keine Reality-TV-Shows, keine Sketch-Comedy, Talkshows usw. In einigen Fällen haben wir Doppelfolgen berücksichtigt, aber meist haben wir einzelne Episoden ausgewählt. Obwohl die Liste größtenteils aus amerikanischen Shows besteht (die von unserem amerikanischen Team geschaut wurden), haben es auch einige internationale Serien in die finale Auswahl geschafft.
100 „Fargo“, „Bisquik“ (Season 5, Episode 10)
Unsere Liste der klassischen Episoden beginnt mit dem neuesten Eintrag aus einer Folge des großartigen FX-Anthologiedramas, das von den Werken der Coen-Brüder inspiriert wurde, aus dem Januar 2024. In der fünften Staffel von Fargo ging es um die zunehmende Polarisierung in Amerika und die Schulden – sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne –, die jeder von jedem anderen zu haben glaubt. All dies gipfelt in einer langen, überraschenden und absolut großartigen Szene, in der unsere Heldin Dot Lyon (Juno Temple) dem unsterblichen Sündenesser Ole Munch (Sam Spruell) gegenübersteht, der für eine Revanche ihres Zusammenstoßes in der Staffelpremiere gekommen ist. Da ihr Ehemann und ihre Tochter bei ihr im Haus sind, weigert sich Dot, gegen diesen furchterregenden Mann zu kämpfen, und erklärt stattdessen geduldig und mit spürbarer Freundlichkeit, dass Ole Munch vielleicht eine Welt bevorzugen würde, die sich weniger auf Groll und mehr auf Liebe konzentriert. –Alan Sepinwall
99 „The Cosby Show“, „Theo´s Holiday“ (Season 2, Episode 22)
Bei solchen Listen ist man versucht, alles, was mit wahren Monstern wie Bill Cosby in Verbindung steht, sofort zu disqualifizieren. Aber seine Verbrechen sollten nicht die wunderbare Arbeit aller anderen Beteiligten an „Theo´s Holiday“ aus den Geschichtsbüchern löschen, in der die Huxtables zu einer ausgeklügelten Rollenspielübung zusammenkommen, um Theo (Malcolm Jamal-Warner) eine Lektion über die Ökonomie des Lebens in, wie er es ausdrückt, „der realen Welt“ zu erteilen. Alle Schauspielerinnen und Schauspieler schlüpfen in diese überlebensgroßen Charaktere, wie Clair (Phylicia Rashad) als fröhliche Restaurantbesitzerin und als schnell sprechende Möbelverkäuferin oder der kleine Rudy (Keshia Knight Pulliam) als mächtige Geschäftsfrau. Die Idee, dass sich der ganze Clan zusammenschließt, um Theo sowohl zu verspotten als auch ihm zu helfen, ist so mitreißend, dass selbst sein bester Freund Kakerlake (Carl Anthony Payne II) zugibt: „Ich wünschte, bei uns zu Hause würden sie solche Sachen machen!“ –A.S.
98 „South Park“, „Scott Tenorman Must Die“ (Season 5, Episode 4)
Eine Serie, in der ein vermenschlichter Scheißhaufen mit Weihnachtsmütze und mindestens eine Szene mit Erbrochenem pro Folge vorkommen – South Park war noch nie für anspruchsvolle Unterhaltung bekannt. Und doch gibt es in „Scott Tenorman Must Die“, einer Folge aus der fünften Staffel, in der es um Cartmans ausgeklügelten Racheplan gegen einen Highschool-Schüler geht, der ihn betrogen hat, indem er ihm seine Schamhaare verkauft hat, Elemente, die nichts weniger als virtuos sind. Da ist die Handlung selbst, eine Nacherzählung von Shakespeares Titus Andronicus, die (Spoiler-Alarm, denke ich) damit gipfelt, dass der Protagonist eine Frau zwingt, unwissentlich ihre eigenen Kinder zu essen. Da ist der exquisite Cameo-Auftritt von Radiohead, der Höhepunkt von Scott Tenormans Erniedrigung. Und dann ist da noch Cartmans klassische Stichelei: „Charade you are, Scott Tenorman“, eine Anspielung auf einen obskuren Song von Pink Floyds Animals. Die Co-Creators Matt Stone und Trey Parker haben „Scott Tenorman Must Die“ oft als Höhepunkt von Cartmans Bösartigkeit bezeichnet, der den Übergang der Figur vom widerwärtigen Troll zum Soziopathen der nächsten Stufe markiert. Aber in Wirklichkeit markiert die Folge einen ganz anderen Übergang: den von Stone und Parker von den Lieferanten von Fäkalwitzen zu Meistern der schwarzen Komödie. –Ej Dickson
97 „You´re the Worst“, „There Is Not Currently a Problem“ (Season 2, Episode 7)
Hier ist ein seltsamer, aber erfreulicher Trend: FX hat nicht nur eine hervorragende Erfolgsbilanz mit extrem nischenhaften halbstündigen Comedys (von denen einige weiter oben auf dieser Liste zu finden sind), sondern viele von ihnen schaffen es, nachdenkliche, sogar dramatische Inhalte über psychische Probleme in ihren üblichen Humor einzubinden. Die Hip-Hop-Comedy Dave hat es mit einer großartigen Folge geschafft, in der wir erfahren, dass Lil Dickys PR-Manager GaTa mit einer bipolaren Störung zu kämpfen hat. In der letzten Staffel von „Reservation Dogs“ ging es um eine Figur, die einen Großteil ihres Lebens in einer Anstalt verbracht hat. Und „You’re the Worst“, eine romantische Komödie über zwei egoistische, unreife Menschen, die entsetzt wären, wenn sie erfahren würden, dass sie die Hauptfiguren in einer romantischen Komödie sind, erreichte mit einer Folge, in der enthüllt wird, dass Gretchen (Aya Cash) an einer klinischen Depression leidet, eine neue Ebene. Ein Großteil von „There Is Not Currently a Problem“ ist ziemlich komisch: eine Folge, in der die Clique mit Gretchen und Jimmy (Chris Geere) in einer Flasche festsitzt, weil ein lokaler Marathon einen Verkehrsstau in ihrer Nachbarschaft verursacht hat. Aber diese erzwungene Nähe entsteht, während Gretchen in ihrer neuesten depressiven Episode gefangen ist und keine andere Wahl hat, als Jimmy endlich ihren Zustand zu offenbaren – und zuzugeben, dass sie weniger Angst hat, dass er sie deswegen ablehnt, als dass er der nächste Mann wird, der davon überzeugt ist, sie „heilen“ zu können. Cash vermittelt jedes bisschen des Schmerzes und der Angst, die Gretchen durchmacht, auf eine Weise, die das Lachen eher bereichert als untergräbt. –A.S.
96 „In Treatment“, „Alex: Week Eight“ (Season 1, Episode 37)
Die meisten Episoden dieser Dramaserie wurden als Echtzeit-Therapiesitzungen zwischen Dr. Paul Weston (Gabriel Byrne) und einem seiner Patienten oder als Besuche von Paul bei seinem eigenen Psychiater dargestellt. Gelegentlich fanden jedoch auch Außenstehende den Weg in Pauls Praxis, wie Alex Prince Sr. (Glynn Turman), der Vater eines von Pauls Patienten, der nach Antworten suchte, warum sein Sohn Selbstmord begangen hatte. Alex Jr. hatte seinen Vater in den meisten seiner Sitzungen bis zu diesem Zeitpunkt als ein solches Monster dargestellt, dass es für jeden Schauspieler unmöglich gewesen sein sollte, diesen Geschichten gerecht zu werden, ohne wie eine Comicfigur zu wirken. Turman hat es in einer der besten dramatischen Darbietungen, die Sie je im Fernsehen sehen werden, irgendwie geschafft, sowohl den Buhmann als auch den trauernden Vater in einem fesselnden Zweipersonenstück mit Byrne zu verkörpern. –A.S.
95 „Bob´s Burgers“, „Tina-rannosaurus Wrecks“ (Season 3, Episode 7)
Bob’s Burgers liebt Wortspiele, aber „Tina-rannosaurus Wrecks“ ist selbst für sie ein stöhnender Titel. Egal, denn die Folge vereint so gekonnt viele der Markenzeichen der Serie in einem straffen, lustigen und unbeholfenen Paket. Wieder einmal geht eine gut gemeinte Erziehungsmaßnahme von Bob (H. Jon Benjamin) schief, als er Tina (Dan Mintz) auf einem fast leeren Parkplatz den Kombi der Familie fahren lässt und sie irgendwie in das einzige andere Auto dort hineinfährt. Wieder einmal stehen die Belchers kurz vor dem finanziellen Ruin, als sich herausstellt, dass das andere Auto Bobs skrupellosem Rivalen Jimmy Pesto (Jay Johnston) gehört. Wieder einmal wird die Familie in die Pläne eines Verrückten verwickelt, als der Versicherungsangestellte Chase (Bob Odenkirk) sie zwingt, ihm bei einem Versicherungsbetrug zu helfen, um aus dem Schlamassel mit Jimmy herauszukommen. Und wieder einmal erweisen sich Bobs liebenswerte, aber schreckliche Kinder als überraschend nützlich, als Tina das Casio-Keyboard ihres Bruders benutzt, um belastende Beweise zu erhalten, die sie aus Chases Fängen befreien. Ende gut, alles gut ... nicht unbedingt gut, aber zumindest nicht wesentlich schlimmer als sonst. –A.S.
94 „Enlightened“, „Consider Helen“ (Season 1, Episode 9)
Heute scheint es für Kabel- und Streaming-Sendungen fast obligatorisch zu sein, eine oder zwei Folgen pro Staffel der Darstellung der Perspektive einer Nebenfigur zu widmen. Als der zukünftige Schöpfer von White Lotus, Mike White, dies mit seiner ersten HBO-Serie Enlightened tat, war dies noch relativ selten. Und in diesem Fall waren die Perspektivwechsel eine willkommene, ja sogar notwendige Abwechslung zu der Zeit, die man im Kopf der faszinierenden, aber nervtötenden Hauptfigur der Serie, Amy Jellicoe (Laura Dern), einer toxisch narzisstischen ehemaligen Führungskraft, die versucht, ihr Leben nach einem Nervenzusammenbruch neu aufzubauen, verbracht hatte. Mit „Consider Helen“ verlagerte White den Fokus auf Amys Mutter Helen (gespielt von Derns leiblicher Mutter, der großartigen Diane Ladd), um einen Tag in ihrem Leben zu präsentieren, um zu zeigen, wie mühsam es ist, mit einem so pathologisch bedürftigen Kind zurechtzukommen, und um deutlich zu machen, dass Enlightened selbst genau wusste, wie das Publikum auf Amy reagieren würde. –A.S.
93 „Maude“, „Maude’s Dilemma“ (Season 1, Episodes 9 and 10)
Dieser Zweiteiler, in dem Maude (Bea Arthur) mit 47 Jahren schockiert feststellt, dass sie wieder schwanger ist, und sich entscheiden muss, ob sie abtreiben möchte, war seiner Zeit so weit voraus, dass das ursprüngliche Urteil des Obersten Gerichtshofs in der Rechtssache Roe gegen Wade erst in zwei Monaten erging. Nachdem Maude beschlossen hatte, ihre Schwangerschaft zu beenden, scheute der Rest des Fernsehens das Thema, indem er schwangere Charaktere oft rechtzeitig Fehlgeburten erleiden ließ, bevor sie sich entscheiden konnten, und so möglicherweise Zuschauer und Sponsoren verprellte. Aber „Maude’s Dilemma“ mit einem Drehbuch der zukünftigen Schöpferin der Golden Girls, Susan Harris, näherte sich dem heiklen Thema und behandelte es mit Humor und Anstand. –A.S.
92 „Scrubs“, „My Screw Up“ (Season 3, Episode 14)
Es gibt viele Sendungen, die wir als Dramedy bezeichnen, obwohl es sich eigentlich nur um halbstündige Dramen handelt, sowie viele angebliche Komödien, die nicht besonders daran interessiert sind, das Publikum zum Lachen zu bringen. Die Krankenhausserie Scrubs schaffte es jedoch bemerkenswert gut, während ihrer gesamten Laufzeit Albernheit und Traurigkeit in Einklang zu bringen, insbesondere in „My Screw Up“. Brendan Fraser schlüpft erneut in die Rolle des Ben, des witzigen Schwagers von John C. McGinleys bitterbösem Dr. Cox. Als wir ihn das letzte Mal sahen, schien Bens Leukämie in Remission zu sein, sodass er J.D. (Zach Braff) unerbittlich damit aufziehen kann, dass er mit beiden Schwestern von Ben rumgemacht hat, sowie mit einer unbeschwerten Nebenhandlung, in der Turk (Donald Faison) versucht, Carla (Judy Reyes) davon zu überzeugen, nach der Hochzeit seinen Namen anzunehmen, als Gegenleistung dafür, dass sie sich ein Muttermal entfernen lässt, das sie hasst. Aber die Dinge werden auch plausibel ernst, noch bevor wir zu der Wendung im Stil von Sixth Sense kommen: Ben war der Patient, dessen Tod zu Beginn der Folge zu einem Streit zwischen Cox und J.D. führte, und Cox hat dies seitdem verleugnet. Selbst die Enthüllung, dass Cox sich Gespräche mit seinem toten Freund eingebildet hat, spiegelt das Jonglieren der Serie zwischen Komödie und Drama wider – es ist der dunkle Spiegel dafür, wie Scrubs so viel Humor erzeugt, indem es uns in den leicht ablenkbaren Geist von J.D. entführt –A.S.
91 „Watchmen“, „This Extraordinary Being“ (Episode 6)
Selbst für eine so anspruchsvolle und vielschichtige Serie wie Watchmen ist diese Folge eine akrobatische Meisterleistung. In der dramatischsten Abweichung vom Ausgangsmaterial der Serie, dem gleichnamigen Comic aus den 1980er Jahren, erzählt „This Extraordinary Being“ die Entstehungsgeschichte eines der bahnbrechenden selbstjustizierenden Superhelden dieser Welt, Hooded Justice (ein Mann, der in einer modernen TV-Show-in-der-Show, mit der die Episode beginnt, vergöttert wird). Die fast ausschließlich in Schwarz-Weiß gehaltene Serie zeigt unsere heutige Heldin Angela Abar (Regina King) – selbst eine Bürgerwehrlerin, die sich Schwester Nacht nennt, wenn sie nicht gerade ihren Job als Polizistin ausübt – wie sie in die Erinnerungen ihres Großvaters Will Reeves hineingezogen wird, nachdem sie eine Flasche seiner „Nostalgiepillen“ geschluckt hat. Wir werden ins New York der 1930er Jahre versetzt und sehen, wie Will (als junger Mann gespielt von Jovan Adepo) und manchmal auch Angela als Will der New Yorker Polizei beitreten, wo er auf so heftigen Rassismus stößt, dass seine Polizeikollegen ihn fast lynchen, indem sie ihn mit einer Kapuze bedecken und ihn kurz an einen Baum hängen, um ihn zur Zurückhaltung zu ermahnen. Die Botschaft, die er daraus zieht, ist jedoch, dass es in der Welt viel Böses zu bekämpfen gibt, sogar in seinem eigenen Revier. Er muss es nur verdeckt tun – und sich für sein Kostüm genau die Kapuze und die Schlinge aneignen, die benutzt worden waren, um ihn zu terrorisieren. Mit einer ballettartigen Kameraführung, einem Soundtrack aus Big-Band-Standards aus der damaligen Zeit und den emotionalen Darbietungen von King und Adepo ist die Folge eine beeindruckende Leistung, die eine grundlegende Wahrheit der Welt der Serie auf den Kopf stellt – dieser verehrte Held, von dem alle annahmen, er sei weiß, ist schwarz – und eine über unsere unterstreicht: Gerechtigkeit hat oft einen hohen Preis. –Maria Fontoura
