222 Songs – die privaten Rolling-Stone-Playlists: Jens Balzer

von Benjamin Jungert 13.03.2013

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Ascension – John Coltrane Das ist für mich auch heute, knapp 50 Jahre nach seinem Erscheinen und vielleicht 25 Jahre nachdem ich ihn zum ersten Mal gehört habe, immer noch der irrste und herzzerreißendste Song, den ich kenne, die destruktivste und zugleich demütigste Musik auf der Welt, ein Werk der Wut und der Liebe. In Wahrheit ist „Ascension“ natürlich kein Song, sondern ein vierzigminütiger Schrei, aus dem sich manchmal liebliche Melodien erheben, die dann wieder verschwinden; ein vierzigminütiges Gewirr und Durcheinandergerede, aus dem sich einzelne Stimmen lösen, um dann umso funkelnder und schöner über dem Chaos zu schweben. Elf Musiker waren an dieser Kollektivimprovisation beteiligt, die John Coltrane im Juni 1965 im Studio von Rudy Van Gelder in New Jersey entfachte. Das „klassische“ Quartett Garrison/ Jones/Tyner/Coltrane traf auf junge Avantgardisten wie Pharoah Sanders und Archie Shepp – eine Big Band, wie es sie bis dahin noch nicht gegeben hatte. Denn im Spiel dieser Big Band gibt es zwar Folgen von Soli und Ensembleeinsätzen, aber ansonsten keine musikalische „Entwicklung“ im überkommenen Sinn mehr, keine Variation über Leitmotive, keine Akkord- oder Harmonieschemata.

Diese Musik ist so frei, wie Musik nur sein kann, doch zugleich – und anders als vieles von dem, was man „Free Jazz“ zu nennen pflegt – regrediert sie niemals in Chaos oder Zerstörungswut. Alles ist aufeinander bezogen und miteinander verflochten. Jedes Mal, wenn man „Ascension“ wiederhört, erkennt man neue Details. Coltrane selbst scheint kein Instrument mehr zu spielen, sondern durch sein Tenorsaxofon hindurch zu sprechen, zu schreien, zu singen, zu beten. Aber man höre auch, was darum herum passiert! Man höre, wie der Drummer Elvin Jones sich vor den Eingangsmotiven vor Coltrane geradezu wegzuducken scheint, um dann unter dem Trompetensolo von Dewey Johnson einen polyrhythmischen Sturm zu entfachen. Man höre das wunderbar lyrische Altsaxofon von John Tchicai, unter dessen schwingenden Bögen sich der Bass Jimmy Garrisons wenigstens für ein paar Takte einmal an die überkommene Rolle des Rhythmusgebens erinnert. Man höre die verzweifelten, unendlich einsam wirkenden, in den höchsten Lagen dürr sich in den Himmel windenden Tenorsaxofonschreie von Pharoah Sanders. Das ist vielleicht mein Lieblingsmoment in diesem Song: wenn die Band sich am Ende des Solos von Sanders in Gestalt eines gedämpft dissonanten Geschnatters wieder zu ihm gesellt, wirkt das wie die tröstende Ankunft von Freunden, wie die musikalische Umarmung einer vorübergehend verlorenen Seele. So ist es aber durchweg: So frei diese Musik auch ist, so stark ist der Wunsch nach Gemeinschaft in ihr. Es gibt hier keine musikalischen Hierarchien mehr, keinen musikalischen Vorder- und Hintergrund; die tiefe Sehnsucht, die aus dieser Musik spricht, ist die Sehnsucht nach Gleichheit, nach solidarischem Leben.

Themen aus dem Artikel:

Billie Holiday Burial 222 songs ascension joy divsion Coltrane

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