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Die 100 besten Gitarren-Songs

Rolling Stone hat die 100 größten Gitarristen aller Zeiten gewählt. Dies sind ihre Schlüsselsongs.

von Sassan Niasseri 10.10.2014

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Fotos: Die 100 besten Gitarren-Songs

100. Lindsey Buckingham. Zur Glanzzeit von Fleetwood Mac transformierte Lindsay den Folk seiner Jugend als Banjo-Spieler zum opulenten Stadion-Rock. Seine Werkzeuge: funkelnde Soli, knackige Akkord-Progressionen und frenetisch arpeggierte Läufe. Als die Aufnahmen zu „Rumors“ beendet waren, konnte er es immer noch nicht eigenhändig nachspielen.

99. Thurston Moore. Silver Rocket – Sonic Youth, 1988. Thurston Moore und Lee Ranaldo gründeten Sonic Youth als Tempel der Gitarre und des Krachs, den man ihr entlocken kann. Mit dem Album „Daydream Nation“ schufen sie die Hymnen dazu.

Auf diesem Ausflug in die Gitarrenwildnis werden sie zum zweiköpfigen Tier; anstelle eines Solos entfesseln sie einen Feedback-Blizzard.

98. Alex Lifeson. The Spirit Of Radio – Rush, 1980. „The Spirit of Radio“ weist alles auf, was Rush-Gitarrist Alex Lifeson zu bieten hat: Ein schnelles Intro, eine auf- und absteigende Akkord-Folge, geschmeidige Arpeggios, einen Tempowechsel mit Reggae-Einschlag …

… und ein Solo, das Verzerrung und WahWah als Kontrastfarben beifügt. Das Zuhören macht einen fertig – aber auf großartige Weise.

97. Steve Jones. Holidays In The Sun – Sex Pistols, 1977. Trotz des Anti-Könner-Gehabes der Pistols, konnte Steve Jones wirklich spielen. Mit militärischer Präzision overdubbte er Lage um Lage seiner Rhythmus-Gitarre.

Er spielte sie durch einen Verstärker, den er bei einem Bob-Marley-Konzert gestohlen hatte. Sein Solo ist eine punkige Hommage an Chuck Berry.

96. Born To Run – Bruce Springsteen,1975. Es dauerte ein halbes Jahr, bis Springsteens größte Single eingespielt war, und die Gitarren unterstreichen seine Ambition: Er wollte die größte Rockplatte machen, „die ich je gehört habe“.

95. Roger McGuinn. Eight Miles High – The Byrds, 1966. Dieser Song, der übrigens nicht von Drogen, sondern vom Fliegen handelt, prägte den Rock der Sechziger. Dabei war Roger McGuinns Behandlung der Zwölfsaitigen von einigen rockuntypischen Klängen inspiriert: Von klassischer indischer Musik und von John Coltranes Erforschung von Akkorden und Phrasen mit dem Saxofon.

Von klassischer indischer Musik und von John Coltranes Erforschung von Akkorden und Phrasen mit dem Saxofon.

94. Peter Buck. Radio Free Europe R.E.M., 1983. Peter Buck hasste den Mix der Originalsingle von 1981, deshalb nahm die Band das Stück für ihr Debütalbum „Murmur“ neu auf. Ein tight gespielter Rhythmus öffnet den Raum für Bucks typisches Mollläuten;

der Chorus erinnert an eine Morgenglocke – was er auch war, denn mit ihm brach die Ära des Alternative Rock an.

93. Paul Simon. Kathy’s Song – Simon and Garfunkel, 1966. Paul Simon schrieb diesen Song im Sommer 1965 für seine Freundin Kathy Chitty. Das lockere Fingerpicking orientiert sich am britischen Folkstil eines Bert Jansch, den Simon damals gerade entdeckt hatte …

… aber die Textur seines Spiels und sein hoher Tenor stammen allein von ihm.

Dimebag Darrell

Das Lichtgeschwindigkeits-Solo, das seinen Höhepunkt markiert, nahm er zu Hause mit seinem Vier-Spur-Tonband auf, wobei er sich sagte, „dass einfach alles möglich ist“.

91. Dave Davies. You Really Got Me – The Kinks, 1964. Es fing als Zwei-Akkord-Figur an, die vom Saxofon vorgegeben wurde. Die spielte Dave Davies dann mit der Gitarre über einen Verstärkermonitor, den er mit einer Rasierklinge zerfetzt hatte.

Mit schnellen Wechseln und verzerrten Tönen war Daves Solo gleichermaßen die Geburtsstunde des Sixties-Garagenrocks und der Punkrockgitarre.

90. Tom Verlaine. Marquee Moon – Television, 1977. Punk war kaum geboren, als Television ihn mit dem zehnminütigen Herzstück ihres Debütalbums an einen neuen Ort brachten. Tom Verlaines und Richard Lloyds ineinandergreifende Riffs und Tonfolgen…

… schrauben sich zu einem tollkühnen Verlaine-Solo hoch, dessen Eleganz den Weg für Gruppen von Wilco bis Pavement bereitete.

89. Something To Talk About – Bonnie Raitt, 1991. Früh im Song bestreitet Raitt, dass sie lustvolle Gedanken an ihren männlichen Begleiter verschwendet, spielt dabei aber ein laszives Solo auf der Slide-Gitarre, das so subtil wirkt wie ein Negligé und ein Blinzeln.

„Ich wollte die weibliche Ausgabe von Muddy Waters werden“, erklärte sie. Das hat sie geschafft.

88. Blue Suede Shoes – Carl Perkins, 1956. Als Sun-Records-Gründer Sam Phillips Elvis’ Vertrag für schlappe 35.000 Dollar an RCA verkaufte, dachte er, er hätte den geeigneten Ersatz in der Hinterhand: Carl Perkins.

Es kam natürlich anders, aber der swingende und erdige Stil, den Perkins mit diesem Klassiker vorführt, wurde schon bald von George Harrison populär gemacht.

James Hetfield 2015 in Hamburg.

Mit diesem Höllenritt hämmernder Akkorde bewiesen die Jungs, dass Cali-Metal nicht nur aus Haarspray und Power-Akkorden bestand.

86. J. Mascis. Little Furry Things – Dinosaur Jr., 1987. Fünf Jahre bevor Kurt Cobain seine Punk-Metal-Fusion an die Spitze der Charts brachte, deckte ihm J Mascis, der Krachfarmer aus Massachusetts, den Tisch, indem er Indierock-Gejammer und Classic-Rock-Overdrive verknüpfte.

Hier springt er zwischen Verzerrung und zarten Harmonien hin und her, ehe er eine Schlammlawine auslöst.

85. Andy Summers. Message In A Bottle – The Police, 1979. Mit Andy Summers hatte Sting den perfekten Mitstreiter für die Punk-Ära gefunden, einen selbstsicheren Nebenmann mit einem ausgeprägten melodischen Gespür, der für den Sänger und den Song spielte.

Dieser Hit verdeutlicht seine stilistische Brillanz. „Ich mag die Gitarrenriffs am Ende“, sagte Summers. „Sie klingen so freudig.“

84. Joe Perry. Walk This Way – Aerosmith, 1975. Joe Perry war es, der bei einem Soundcheck auf Hawaii den Einfall für das Riff hatte, um das sich „Walk This Way“ dreht: „Ich fühlte mich so funky“. Er spielte ein von den Meters inspirierte Tonfolge,

und Schlagzeuger Joey Kramer, der sein Geld vor Aerosmith in Funkbands verdient hatte, stieg ein, und „dann passte alles wunderbar zusammen“.

83. Eddie Hazel. Maggot Brain – Funkadelic, 1971. Die meisten Bands würden eine LP ncht mit einem zehnminütigen Gitarrensolo beginnen. Aber Funkadelic waren keine x-beliebige Band, und der verstorbene Eddie Hazel kein x-beliebiger Gitarrist. Im Konzert konnte diese psychedelische Extravaganz durchaus auch doppelt so lange dauern. Die Studioversion nahm Hazel in einem Take auf.

82. Nels Cline. Impossible Germany – Wilco, 2007. Die Gitarren von Nels Cline und Jeff Tweedy verwickeln einander in eine sechsminütige, Glückseligkeit verströmende Unterhaltung. Cline wirft seine an Steely Dan erinnernde Riffsicherheit auf Tweedys Countryrock-Süße,

ehe er klirrende Fraktale draufsetzt, die allerdings nie den sanften Vibe stören. Ein Meisterwerk des Understatements.

81. Lou Reed. Sister Ray – The Velvet Underground, 1967. Als dieses 17-minütige Klanggewitter erschien, hörte kein Mensch zu. Dennoch war es bahnbrechend. Die Gitarren von Lou Reed und Sterling Morrison verschweißen Avant-Jazz-Skronk und Protopunk-Verstärkerschmelze –

und nehmen Black Sabbath vorweg. „Wenn das kein Heavy Metal ist, dann weiß ich auch nicht“, so Morrison.

80. Buddy Holly. That’ll Be The Day – The Crickets, 1957. Auf einem lockeren, aber hart swingenden Beat aufgebaut, fügte Buddy Hollys fließende, klirrende Leadgitarre dem jazzgesättigten Spiel des New-Orleans-Blues-Gitarristen Lonnie Johnson einen flirrenden West-Texas-Twang hinzu.

Der Song schrieb sofort Geschichte. Die künftigen Beatles spielten ihn 1958 als The Quarrymen nach.

79. Mike Campbell. American Girl – Tom Petty and the Heartbreakers, 1976. Dieses Riff wurde zur Blaupause vieler Petty-Hits; es war auch eine Hommage an die Byrds. Petty und Mike Campbell eiferten Roger McGuinns Zwölfsaitiger nach und verpassten dem Folkrock …

eine Portion New-Wave-Energie. McGuinn scherzte: „Wann habe ich das denn geschrieben?“

78. Poor Boy – John Fahey, 1965. Der brillante Akustik-Blues-Spieler und Komponist Fahey nahm dieses Meisterwerk der Slide-Technik mit einer offenen D-Stimmung auf, benutzte Fingerpicks und hatte dazu die Gitarre flach auf dem Schoß liegen.

Die Melodie kann dem Delta-Blueser Bukka White zugeschrieben werden, die Intonation ist der reine Fahey.

Willie Nelson 2013.

Es ist nicht leicht, eine elektrische Country-Band mit einer Akustik-Gitarre zu übertönen, aber das ist nun mal Willies Art.

76. Robbie Krieger. Light My Fire – The Doors, 1967. Robby Krieger schrieb diesen Song, und sein Solo auf der siebenminütigen LP-Version erwies sich als Raubtier, das perfekt zu Jim Morrisons reptilienhafter Ekstase passte.

Seine vom Flamenco umwehte Zupftechnik versöhnt östlichen Mystizismus mit der Dekadenz der Westküste.

75. A Case Of You – Joni Mitchell, 1971. Joni Mitchell gehört zu den Musikern, die Jimmy Page „zu Tränen rühren“. Bekannt für ungewöhnliche Stimmungen und komplexe Akkorde, hat sie eine Schwäche für scheinbar schlichtes Gitarrenspiel.

– wie bei diesem Herzensbrecher, bei dem ihr akustisches Picking so malerisch klingt wie ihre Lyrik.

74. Misirlou – Dick Dale and the Del-Tones, 1962. Der König der Surfgitarre zauberte seine Version der griechischen Volksweise aus dem Hut, nachdem ihn ein Fan aufgefordert hatte, eine ganze Melodie auf nur einer Saite zu spielen.

Dick Dale (* 4. Mai 1937 in Boston, Massachusetts, USA; † 16. März 2019)

73. Kurt Cobain. Smells Like Teen Spirit – Nirvana, 1991. Die Aufnahmen klappten wie am Schnürchen. Nirvana brauchten noch drei Takes, und der Song saß. Nur Cobains Gitarrenintro musste overdubbt werden, was ihn, wie Produzent Butch Vig sich erinnert, „ziemlich ankotzte“.

Doch die Mühe lohnte sich: Das Riff definierte den Rock der Neunziger.

72. John Frusciante. Under The Bridge – Red Hot Chili Peppers,1991. Der Gitarrensound von John Frusciante ist nackt wie die Junkie-Erinnerungen von Sänger Anthony Kiedis. Doch seine Akkordfolgen und Melodiewechsel sind symphonisch.

Wenn er zu Bass und Schlagzeug einsteigt, erklingt ein Funk, wie ihn nur wahrer Blues hervorbringen kann.

71. Traveling Riverside Blues – Robert Johnson, 1961. Dieser Song wurde erst 24 Jahre nach seiner Aufnahme veröffentlicht, doch dann waren die Blues-Fans von ihm besessen. Und kein Wunder:

Auf dieser Fingerübung lässt Johnson den tiefen Rhythmus laufen, zupft einen Lead darüber und möbelt das Ganze mit regelmäßigen Slides auf.

70. Jack White. Seven Nation Army – The White Stripes, 2003. Wie viel Krach kann eine Gitarre machen? Reichlich! Jack Whites Sechssaitige ist von der Bassline bis zu den Bottleneck-Slides für einfach alles zuständig, auch für das Riff des vergangenen Jahrzehnts.

Nicht viele Songs wurden von Audioslave und von den Flaming Lips gecovert.

69. 1952 Vincent Black Lightning – Richard Thompson, 1991. Der britische Folkrocker legt unglaublich schnelle Fingerpicking-Harmonien über Strophen, die von Tod bringenden Träumen handeln.

Seinen Stil hat er als „Spiel im Einklang mit sich selbst“ charakterisiert. Hier klingt er wie drei von seiner Sorte.

68. John McLaughlin. Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra, 1973. Fusion vom Feinsten: John McLaughlin war ein Jazzrock-Hippie-Mystiker, der seinen Spiritualismus mit handfester Intensität erdete. Das Titelstück vom besten Mahavishnu-Album ist ein erstklassiges Beispiel für seine Meisterschaft.

Frank Zappa sagte, McLaughlin könne „eine Gitarre wie eine Maschinenpistole behandeln.“

67. Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just as Bad) – T-Bone Walker, 1947. Dieser Gigant war wohl der erste Mensch, der Blues auf einer elektrischen Gitarre spielte:

Sein Vorzeigesong besteht fast nur aus Riffs, vom Fingervibrato bis zu den Neuner-Akkorden.

66. Leslie West. Mississippi Queen – Mountain, 1970. Leslie West war der größte jüdische 120-Kilo-Gitarrist aller Zeiten und „Mississippi Queen“ ist sein Vorzeige-Riff, roh und grob wie ein Ziegel auf den Kopf. Alles an Mountain war groß, gewaltig und schwer, sogar ihr Einfluss.

Ozzy Osbourne zählte „Queen“ zu seinen Lieblingssongs, W.A.S.P. und Ministry haben ihn nachgespielt.

65. Slash. Sweet Child O’ Mine – Guns N’ Roses, 1987. Slash fand „Sweet Child“ zu gefällig für eine Trash-Band und sträubte sich, den Song auf das erste Album zu nehmen. Zum Glück gab er am Ende nach:

Sein heiß glühendes Intro und sein von Jeff Beck und Eric Clapton beeinflusstes Solo machten aus dem Song die größte Hardrock-Ballade seit „Stairway to Heaven“.

64. Rebel Rouser – Duane Eddy, 1958. Ursprünglich eine B-Seite, brachte das Stück Eddy den Durchbruch. Er konfrontiert sein ausgedehntes Fingervibrato mit dem verschnupften Saxophon Gil Bernals.

Die Credits teilen sich Eddy und Produzent Lee Hazlewood, der einen gebrauchten Getreidetank umfunktionierte, um den Hall von Eddys Gitarre zu betonen.

63. I’m Yours And I’m Hers – Johnny Winter, 1969. Zwei Tage nach dem Tod von Brian Jones eröffneten die Rolling Stones ein Konzert mit dessen neuem Lieblingsstück. Später im Jahr nahm Winter es auf sein Debütalbum;

er spielt darauf zwei überlappende Soli voller Slides, Modulationen, Verzögerungen und Beschleunigungen.

62. Robert Fripp. Red – King Crimson, 1974. „Ich bin kein Blues-Gitarrist“, verkündete der Prog-Rock-Held Robert Fripp 1995. „Aber ich bin dem Geist des Blues das eine oder andere Mal begegnet.“ Zum Beispiel bei „Red“:

Knüppelharter Funk, bei dem Fripp seine Rhythmus-Sektion antreibt und die mathematische Kadenz seiner Riffs mit Abrisskugel-Swing und kreischenden Harmonien quält.

61. Dickie Betts. In Memory Of Elizabeth Reed – The Allman Brothers Band, 1971. Die dreizehnminütige Live-Version ist vielleicht die größte Jazzrock-Expedition, die je unternommen wurde. Dickie Betts Boogie-Riffs schweben wie von Engelsflügeln getragen und definieren Southern Rock praktisch im Alleingang.

60. Ron Asheton. 1969 – The Stooges, 1969. Das geniale Spiel von Ron Asheton hat wie Iggys Gesang nichts mit Virtuosität am Hut, sondern nur mit roher Gewalt.

Selten wurden die WahWah-Pedale so einfallsreich missbraucht, und Ashetons Zwei-Akkord-Jitter und sein saitenverdrehendes Solo wurden zur Blaupause für eine ganze Schule des Garagenrock. „1969“ hat absolut nichts mit 1969 zu tun.

„Das einzige Gitarrengenie, das sich je mit meiner inneren Unruhe vertrug“, so Dylan.

58. Peter Green. Albatross – Fleetwood Mac, 1969. Zeitlupen-Solo bildet das Herzstück dieses Instrumentals, das sowohl den Seevogel, als auch die mit seinem Namen verbundene Bürde beschwört. „Es war kompletter Zufall,“ so Mick Fleetwood, „dass daraus ein Hit wurde“.

Der englischen Bluesband öffnete das Stück ein neues Feld, und die Beatles inspirierte es offenbar zu „Sun King“.

Rory Gallagher, 1972.

Auf einer frühen Version brachte er sein Rhythmus-Trio auf Formel-Eins-Geschwindigkeit und peitscht seine Gitarre, als wolle er sie zu Draht und Sägemehl verarbeiten.

56. Albert Collins. Frosty – Albert Collins, 1962. „Der Eismann“, wie der texanische Entertainer sich bezeichnete, nannte die meisten seiner frühen Platten nach frostigen Dingen, und auch seine Klangfarbe und seine durchdringend schrillen Töne verströmten schroffe Eiseskälte.

Auf diesem instrumentalen Blues-Boogie klingt seine kristallscharfe Leadgitarre blecherner als die Bläser selbst.

55. John Lennon. Day Tripper – The Beatles, 1965. „Der gehört mir allein“, meinte John Lennon über seine Attacke auf Möchtegern-Hippies. „Riff, Break und alles eingeschlossen.“

Lennons harte Rhythmus-Gitarre war das Rückgrat der Beatles, aber er verstand es auch, „die Gitarre sprechen zu lassen“, wie er einmal prahlte – und das bissige 10-Sekunden-Solo, das er hier abliefert, gibt ihm wohl recht.

54. Joe Walsh. Funk #49 – James Gang, 1970. Später in den Siebzigern wurde er mit den Eagles berühmt, aber schon vorher erwies Joe Walsh sich als Anwort des Rostgürtels auf die englischen Gitarrenhelden.

„Funk #49“ ist ein sägender Kiffer-Boogie, der von schrillen und scheppernden Tönen angetrieben wird. Eric Clapton nannte Walsh „einen der besten Gitarristen seit Langem“.

53. Otis Rush. I Can’t Quit You Baby – The Otis Rush Blues Band, 1956. Willie Dixon, der Rushs Debüt-Single schrieb, wollte, dass der Song sich anfühlt, als würde man „raus aufs Feld gehen, um sich alles von der Seele zu schreien.“

Ein Jahrzehnt später nahm Rush es mit einem Arrangement erneut auf, das sein scharrendes, unheilvolles Spiel in den Vordergrund stellte.

52. Clarence White. This Wheel’s On Fire – The Byrds, 1969. So schwer wie auf diesem Dylan-Cover waren die Byrds nie wieder, doch wenn man hinter die Verzerrungen lauscht, hört man Whites Country-Hintergrund heraus.

Ein bisschen Bluegrass-Picking und ein spezielles Ziehen, das seine Telecaster klingen ließ wie eine Pedal-Steel-Gitarre.

51. Johnny Marr. How Soon Is Now? – The Smiths, 1985. Durch Johnny Marrs schluchzende Oszilationen und einen klagenden Hall, der klingt, als würde die Welt einstürzen, wurde dieser Song zu einem Club-Standard, der Schleichwege zwischen Untergrund-Rock und Tanzmusik öffnete.

Marr: „Ich wollte ein Intro, das ähnlich mächtig ist wie das von ‚Layla’“

50. Ritchie Blackmore. Smoke On The Water – Deep Purple, 1973. Schwer, verzerrt, Unheil verkündend. Um vier Töne herum gebaut. Zuvor hatten Deep Purple noch mit einem Orchester gearbeitet, doch als sie Led Zeppelin hörten, wollten sie ihre Musik rauer machen.

14. Deep Purple – „A Simple Song“

49. Rollin’ Stone – Muddy Waters, 1948. Der erste Song, den Muddy Waters einspielte, inspirierte die Rolling Stones zu ihrem Namen und Dylan zu „Like a Rolling Stone“. Er hat diese Ehre verdient.

Waters transzendierte den ländlichen Blues, indem er ihm einen Backbeat oder, wie er selbst sagte, „ein bisschen Schwung“ hinzufügte.

48. Jonny Greenwood. My Iron Lung – Radiohead, 1994. Abgehärtet durch den Tourstress und angeödet vom Erfolg ihres ersten Hits „Creep“, spielten Radiohead dieses Instrumental bei einem Auftritt in London ein.

Jonny Greenwood und Ed O’Brien begraben Thom Yorke unter einer Lawine von vibratoverzerrten Phrasen – eine sarkastische Granate.

47. Stephen Stills. Bluebird – Buffalo Springfield, 1967. Die Liner Notes von „Buffalo Springfield Again“ schreiben Stephen Stills, Neil Young und Richie Furay die Gitarren zu, und zwar „alle 11.386 davon“.

Das ist nicht mal übertrieben, denn dieser epische Song kombiniert elektrische und akustische Leadgitarren und morpht ständig zwischen Acidrock-Hymne und Veranda-Jam hin und her.

46. Jerry Garcia. Dark Star – The Grateful Dead, 1969. „Dark Star“ gilt als die größte Live-Nummer der Dead. Und in der Tat – diese fast halbstündige Version von ihrem acidgetränkten Fillmore-West-Auftritt zeigt Jerry Garcia experimentierfreudiger denn je.

Eingerahmt von Bob Weir und Phil Lesh, erfüllt Garcias freie Improvisation die „Diamantendämmerung“ des Songs mit Leben.

45. Rumble – Link Wray, 1958. Verzerrung und Power-Akkorde kannte 1958 praktisch niemand, doch Wray stach einfach einen Bleistift in seinen Verstärker, damit er fieser klang,

behandelte sein Plektron wie ein Klappmesser und schaffte es, dass Radiosender den Titel boykottierten, weil er als Aufruf zur Gewalt gesehen wurde. Nicht schlecht für ein Instrumental.

44. Mark Knopfler. Sultans Of Swing – Dire Straits, 1978. Teils Nashville-Twang, teils Pubrock-Geschrammel, bot diese Ode an eine herumreisende Jazzband eine erdige Alternative zu Disco und Punk.

Sänger und Gitarrist Mark Knopfler hatte den Song ursprünglich für die akustische Gitarre geschrieben, nahm dann aber doch die Stratocaster.

43. Hubert Sumlin. Hidden Charms – Howlin’ Wolf, 1997. Die Blues-Platten, die Hubert Sumlin mit Howlin‘ Wolf einspielte, enthalten unfassbar einfallsreiche Fingerpicking-Soli, etwa den Hochgeschwindigkeits-Swing, den er beim 1963 aufgenommenen „Hidden Charms“ vom Stapel lässt.

Seine Technik erklärte er so: „Wirf das verdammte Plektron weg und sei du selbst.“

42. Mike Bloomfield. Look Over Yonders Wall – The Paul Butterfield Blues Band, 1965. Mike Bloomfield war einer der ersten weißen Gitarristen, die sich tief in den Chicago Blues versenkten. Sein energiegeladenes Elmore-James-Cover zeigt, warum Dylan ihn rekrutierte:

„Er war der beste Gitarrist, den ich je gehört habe.“

41. Mick Ronson. Suffragette City – David Bowie, 1972. Man spürte einfach, dass er jeden Ton seiner Seele abgerungen hat“, sagte David Bowie über Mick Ronson, dessen flammenwerferhafte Verzerrungen und Akkorde Bowie zum Glam-Messias machten.

Die Krachwellen, die Ronson im Intro entfesselt, gehören zu den heißesten Momenten in Bowies Karriere.

Rage Against The Machine

Der Song machte die Welt mit Morellos ungeheuer wuchtigem Spiel bekannt.

39. Steve Cropper. Soul Man – Sam and Dave, 1967. „Spiel es, Steve“, schreit Sam Moore, und meint damit Steve Cropper, das Genie, das Stax Records‘ Hausband prägte. Croppers unruhige High-End-Riffs verleihen dem Song sein rhythmisches Mojo, …

… und seine kreischenden Einsprengsel, für die er anstelle eines richtigen Bottlenecks ein Feuerzeug benutzte, lassen die Gitarre wie eine dritte Stimme klingen.

38. The Edge. Where The Streets Have No Name – U2, 1987. Die verhallte Gitarre von The Edge schoss U2 direkt in die Stratosphäre des Pop. Was beweist, dass sein Gitarrenspiel genauso unverkennbar ist wie Bonos Gesang.

Er spielt fast zwei Minuten, ehe der Gesang einsetzt, denn er habe den „ultimativen U2-Livesong schaffen wollen“.

37. Mick Taylor. Can’t You Hear Me Knocking – The Rolling Stones, 1971. Als die Aufnahme schon fast fertig war, fingen Keith Richards und Mick Taylor an, mit dem Riff herumzuspielen, woraus sich ein Gitarrenduell entwickelte, bei dem Taylor eines seiner flüssig-melodischen Soli zum Besten gab.

„Mick hatte ein unglaubliches Ohr,“ sagte Charlie Watts.

36. Randy Rhoads. Crazy Train – Ozzy Osbourne, 1981. Der klassisch ausgebildete Randy Rhoads, Sohn zweier Musiklehrer, spielte eine präzisere Hyperspeed-Gitarre als der andere Virtuose seiner Zeit: Eddie Van Halen.

Das blitzsaubere Solo von „Crazy Train“, das er beim Hören der Bänder mit den anderen Spuren komponiert hatte, löste zwischen den beiden ein saitenzerfetzendes Wettrüsten aus.

35. Boogie Chillen – John Lee Hooker, 1948. „Das war nur so ein altes, funkiges Riff, das ich irgendwo aufgelesen habe“, sagt Hooker über das tranceartige, treibende Riff dieses flirrenden Talking-Blues-Boogies.

Als er es aufnahm, arbeitete er als Hausmeister in einer Detroiter Autofabrik und ließ sich vom schwarzen Nachtleben der Stadt inspirieren.

34. Curtis Mayfield. People Get Ready – The Impressions, 1965. Curtis Mayfields Bürgerrechtshymne wird von seiner beredten, offen gestimmten Gitarre angetrieben.

Der Backbeat kündet bereits von den neuen Sounds, die aus Jamaica herbeiwehen, und das subtile, flüssige Solo schraubt sich so expressiv empor wie seine Stimme.

33. Purple Rain – Prince and the Revolution, 1984. Bis zu diesem Song hatte Prince keine erkennbaren Vorlieben für Gospel gezeigt, doch wenn dieses Solo kein Gebet ist, dann gibt es keine Zwiesprache mit Gott.

Zum Teil live eingespielt, schraubt sich das Stück acht Minuten lang empor, Prince‘ Gitarre wird zur Verlängerung seiner Stimme.

32. Billy Gibbons. La Grange – ZZ Top, 1973. Dieser Song hat einen anstößigen Text – die sabbernde Begeisterung für einen texanischen Puff – aber niemand nimmt von ihm Notiz.

Denn über einem John Lee Hooker entlehnten Boogie-Riff lässt Billy Gibbons seinen fetten Sound und sein pfauenhaftes Spiel heraushängen, bis er sich mit seinem Solo entspannt in den Groove zurücklehnt.

31. Ry Cooder. Memo From Turner – Mick Jagger, 1970. Auf diesem Solo-Trip von Mick Jagger spielt Ry Cooder eine insinuierende Slide-Gitarre. Er spielt sie langsam, fast beiläufig, mit nur wenig Verzerrung und Feedback.

Seine Version klingt härter und schräger als die, die die Stones später einspielten. Man kann sich diesen Song ohne Jagger vorstellen, aber nicht ohne Cooder.

30. Dust My Broom – Elmore James, 1951. Elmore James, Sohn armer Farmpächter, war der wohl beste Slide-Gitarrist aller Zeiten. Die Beatles erwähnten ihn namentlich auf „For Your Blue“, und schon auf seiner ersten Platte verwandelte James Robert Johnsons „Dust My Broom“ …

von einem ländlichen Blues in einen verstärkten Shuffle voller rastloser, verstörender Aggressivität.

29. Scotty Moore. That’s All Right – Elvis Presley, 1954. „Er ist offen für alles“, sagte Sam Phillips über Elvis’ Gitarristen Scotty Moore. Sein Spiel auf Elvis’ Debütsingle, das bei der ersten Session mit dem künftigen King als harmloses Herumalbern begann, öffnete in der Tat einige Pforten …

… indem es Country-Picking und R&B-Bouncing verband und so zur Erfindung des Rock‘n‘Roll beitrug.

28. Johnny Ramone. Blitzkrieg Bop – Ramones, 1976. Dieser Waffenruf der Ramones hat kein Gitarrensolo, weil Johnny Ramone Soli hasste. Doch seine nach unten geschlagenen Barré-Akkorde verströmten den fetten Geruch eines Dick-Dale-Twangs und das schrille Kratzen von Bo Diddley.

Joey Ramone sagte, in Johnnys Gitarre würde er Orgeln, Keyboards und andere Instrumente hören, die gar nicht da sind.

27. Bo Diddley – Bo Diddley, 1955. „Ich habe die rhythmischen Grundfiguren der elektrischen Gitarre verändert“, erklärte Bo Diddley, und er tat es, indem er an den Seiten kratzte und scharrte und so einen unverwechselbar schroffen und reduzierten Beat schuf …

der endlos nachgeahmt wurde. „Ich bin auf die Bo-Diddley-Universität gegangen“, bekannte Keith Richards.

26. Brian May. Keep Yourself Alive – Queen, 1973. Auf der ersten Queen-Single zeigte Brian May, wo es lang geht: eine Phalanx aus Gitarren-Overdubs, die harmonisch jaulten und durch überdrehte Effekte Rhythmus und Struktur erhielten.

Riffs, die für ein ganzes Album ausgereicht hätten, presste er in einen einzigen Song.

Tony Iommi und Ozzy Ousbourne in jüngeren Jahren beim Black-Sabbath-Konzert.

Dieses kriechende Riff wurde später „Intervall des Teufels“ genannt.

24. Angus Young. Back In Black – AC/DC, 1980. Mit diesem Song vollenden Angus und Malcolm Young die Idee des Hard Rock. Allein die Brücke ist schwerer und mächtiger, als es die meisten Holzfäller hinkriegen, doch das Riff bleibt eingängig.

„Die haben keine gefühlvollen Songs gespielt“, erkannte Rick Rubin.„Das Gefühl liegt allein in diesem Groove.“

23. Stone Crazy – Buddy Guy, 1970. Obwohl 1961 für Chess aufgenommen, blieben die vollen sieben Minuten dieser genialen Nummer fast ein Jahrzehnt lang unveröffentlicht. Guys Soli antworten mit schwindelerregenden Nadelstichen auf seinen bellenden Gesang.

„Ich versuche immer, die Saite zu zerreißen“, gestand er dem ROLLING STONE.

22. Frank Zappa. Willie The Pimp – Frank Zappa, 1969. Nie klangen Zappas Improvisationen bluesiger und jubilierender als hier. Seine schmierigen Läufe, seine heulenden Hundeklänge und die Art, wie er Hiebe aus Noten-Clustern verteilt, sind verspielt und impulsiv.

Und die tiefe Stimme? Stammt von Zappas Sandkastenfreund Captain Beefheart.

21. Chet Atkins. Your Cheatin’ Heart – Hank Williams, 1953. Williams spuckt Spott in Richtung Ex-Frau. Jedes Wort ist reines Gift, und Chet Atkins beantwor- tet jede Zeile mit seinem sauber gezupften Arpeggio-Spiel.

Mit den Gebaren eines kleinstädtischen Bestattungsunternehmers radikalisierte Atkins die Country-Musik.

20. Black Magic Woman – Santana, 1970. Das Fleetwood-Mac-Cover (Carlos Santana war von deren Gitarristen Peter Green beeinflusst) wurde ein Hit, als Santana es als Latin Rock rearrangierte.

Seine flirrenden Soli verströmen Eleganz und Lässigkeit. „Es ist mein Job, Menschen in sprirituelle Ekstase zu versetzen“, sagte Santana.

19. James Burton. Susie Q – Dale Hawkins, 1957. Ein Rock‘n‘Roll-Standard von James Burton, dem Meister der Telecaster. Auf dem größten Hit von Hawkins, dem Rockabilly-Heroen aus Louisiana, explodiert ein paradierender Midtempo-Groove in übermodulierende Soli. Bands von CCR bis Velvet Underground,

die den Song live spielten, waren offensichtlich von Burtons Geschmuddel beeindruckt.

18. Les Paul. How High The Moon – Les Paul and Mary Ford, 1951. Als Meisterwerk der mehrspurigen Aufnahmetechnik demonstriert dieser Song Pauls Fingerpicking-Fähigkeiten, mit der er Jazz und Country fusioniert und damit einen Ausblick auf die Fingerolympiaden des Metal gibt.

Das Arrangement tüftelte er angeblich beim Burgeressen aus.

17. Cowgirl In The Sand – Neil Young With Crazy Horse, 1969. In diesem zehnminütigen Song klingen Youngs zerklüftete Soli wie ein arrhytmisches, surrendes Durcheinander – und sind genau deshalb so toll. „Wenn du ein Buch liest“ …

… sagt Trey Anastasio, „dann fügst du deine eigene visuelle Interpretation hinzu. Und das passiert auch hier.“

16. Joyful Noise – The Derek Trucks Band, 2002. Ein Gospel-inspirierter Jam mit kirchenchorhaften Vocals und einem von den Meters inspirierten Groove. Der Song demonstriert Trucks Meisterschaft, sein von Duane Allman und Elmore James beeinflusstes Slide-Gitarrenspiel …

… mit Tupfern klassischer indischer Musik zu veredeln, die er sich bei Ali Akbar Khan angeeignet hatte.

15. Hide Away – Freddie King, 1961. Der hart groovende, abrupt springende Instrumental-Hit ist eine wilde Mischung aller möglichen Einflüsse, das Thema der Fernsehkrimiserie „Peter Gunn“ eingeschlossen. Er ist für Showeinlagen,

Jams und Verirrungen geradezu gemacht und wurde 1966 zur Visitenkarte des jungen Clapton während seiner Zeit bei John Mayalls Bluesbreakers.

14. David Gilmour. Money – Pink Floyd, 1973. In den ersten drei Minuten hält David Gilmour sich noch zurück. „Money“ entstand bei den Proben als akustischer Blues und entwickelte sich zum größten Hit der Band.

Der Song wechselt von einem Siebenviertel-Stampfen in einen Dreiviertel-Takt und endet mit Tönen, die so hoch sind, dass die meisten Gitarren sie nicht spielen können.

13. Born Under A Bad Sign – Albert King, 1967. Kings raubeiniger Blues ist alles andere als feinfühlig – er war ein Meister des Finger-Vibratos, der mehr mit einer Fünfton-Brücke auszudrücken vermochte als andere mit einem Fünfminuten-Solo.

Die Stax-Band verlieh dem Song eine soulige Memphis-Atmosphäre. Kein Wunder, dass er von Generationen von Gitarristen gecovert wurde.

12. Little Wing – Stevie Ray Vaughan, 1991. Vaughans epische Instrumental-Version des Hendrix-Klassikers ist ein Musterbeispiel für seine Gitarrentechnik und für seine Liebe zu den Wurzeln.

12. Little Wing – Stevie Ray Vaughan, 1991. Vaughans epische Instrumental-Version des Hendrix-Klassikers ist ein Musterbeispiel für seine Gitarrentechnik und für seine Liebe zu den Wurzeln.

11. George Harrison. A Hard Day’s Night – The Beatles, 1964. Noch immer kann niemand genau sagen, was dieser Eröffnungsakkord eigentlich ist, doch als er am Anfang des ersten Beatles-Films aufblitzte, markierte er den Beginn des Höhenflugs der Jungs aus Liverpool.

Und George Harrisons zwölfsaitige Rickenbacker-Leadgitarre begründete das Genre des Folkrock.

10. Pete Townshend. My Generation – The Who, 1965. Lange bevor das Gitarrenzertrümmern zum Klischee verkam, wurde es zum Markenzeichen der Who. Hier folgte ein Schock auf den nächsten.

Von Pete Townshends schlagbohrerhaftem Zwei-Akkorde-Riff über John Entwistles Solo bis hin zum verzerrten Feedback, mit dem die Orginalaufnahme endet.

9. Duane Allman. Statesboro Blues – The Allman Brothers Band. Duane Allman lernte das Slide-Gitarrensolo, das diesen Blind-Willie-McTell-Song eröffnet, indem er ein leeres Pillenfläschchen als Pick benutzte.

Die monumentale Version auf „At Fillmore East“ war der Gipfel seiner Karriere. „Er war ein Naturtalent“, sagte sein Bruder Gregg.

8. Eddie van Halen. Eruption – Van Halen, 1978. Eddie Van Halens 102-sekündiges Manifest wurde auf der Bühne erfunden. Eine Solodarbietung seiner Klang- und Technikbeherrschung, besonders bemerkenswert durch die Tonkaskaden, die er durch sein Griffbrett-Tapping losließ.

Eine Armee von Teenagern versuchte sich in den Achtzigern daran, Van Halen zu kopieren. Aber keiner kam ihm auch nur nahe.

7. Chuck Berry. Johnny B. Goode – Chuck Berry, 1958. „Wenn du Rock‘n‘Roll spielen willst“, sagte Joe Perry dem ROLLING STONE, „musst du damit anfangen“. „Johnny Be Goode“ war der erste große Song über die Freuden des Gitarrespielens.

Außerdem hat der Song das ultimative Intro: Eine elektrisierende Detonation schrillen Kreischens.

6. How Blue Can You Get? – B.B. King, 1965. Sixties-Form, wie er mit messerscharfen Riffs die unterdrückte Lust heraufbeschwört.

Das Stück ist einer der Höhepunkte von „Live at the Regal“, einem einschneidenden Album: „Ab da kamen mehr weiße Kids zu den Shows als je zuvor.“

5. Freeway Jam – Jeff Beck, 1975. Nach Jahren, in denen er der Kopf von Bands mit Sängern war, überließ Beck nun seiner Gitarre das Singen. Das heulende Fingervibrato auf diesem erfrischenden FunkJam besitzt eine ganz eigene Qualität.

„Es gab Tausende von Gitarristen, die ihre Les Pauls brutal aufdrehten“, erklärte er dem ROLLING STONE.

4. Keith Richards. Brown Sugar – The Rolling Stones, 1971. „Satisfaction“ mag das bekannteste Stones-Riff haben, aber dieser Gutbucket-Gitarrenpart, der auf einem von Mick Jagger entwickelten Sticky-Fingers-Hammer basierte, war ihr dreckig-geiler Gitarren-Höhepunkt.

Keith Richards’ Geheimwaffe: Er spielt eine Gitarre, der die tiefe E-Saite fehlt.

Jimmy Page. Stairway To Heaven – Led Zeppelin, 1971. „‚Stairway‘“, sagte Jimmy Page 1975, „verkörpert die Essenz der Band“. Sein Gitarrenspiel ist ein Meisterwerk dramatischen Crescendos.

Sein akustisches Picking erhebt sich zu hellen Akkorden, die das Solo einläuten: eine brillante Abfolge von Phrasen, die sich unaufhaltsam auf die Ekstase zubewegen.

2. Eric Clapton. Crossroads – Cream, 1968. Eric Clapton beschrieb die Musik von Cream als „urtümlichen und modernen Blues“. 1968 im Winterland in San Francisco aufgenommen, zeigt die Hochgeschwindigkeits-Version des Robert-Johnson-Klassikers, was das bedeutet.

„Eric verwandelte klassische Blues-Riffs in wundervolle Symphonien“, sagte Little Steven Van Zandt. „Seine Solos konnte man singen wie eigene Songs.“

1. Jimi Hendrix. Purple Haze – The Jimi Hendrix Experience, 1967. Das Riff ist purer Blues – dieselbe Gitarrenfigur, die Hendrix bereits als Gitarrist für Little Richard und die Isley Brothers gespielt hatte. Doch mit „Purple Haze“ erklärte er sich zum freien Mann und erfand eine neue, spirituelle Gitarrensprache, die alle Poesie enthielt, die die damalige Studiotechnik ermöglichte.

„Eine Gitarre“, sagte Neil Young, „kann man spielen oder transzendieren. Jimi hat mir das vermittelt.“ Hendrix schrieb „Purple Haze“ im Dezember 1966 in einem Londoner Nachtclub und spielte grundlegenden Tracks zwei Wochen später mit seiner Band The Jimi Hendrix Experience ein.

Zum Durchbruch kam es erst während der Overdubs: Hendrix‘ harmonisch glitzernde Soli wurden mit einem Streuungseffekt bearbeitet und dann mit doppelter Geschwindigkeit wiedergegeben. In weniger als drei Minuten läutete er ein neues Zeitalter ein.

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